A penas un año antes de rodar Midsommar y convertirse en toda una estrella, Florence Pugh protagonizó esta película de género con una premisa resultona: hacer ver que tienes poderes para sacarle los cuartos a la gente cuando en realidad no tienes ni el atisbo de un don. Lamentablemente, la película que, a priori, parece de consumo fácil y entretenido resulta ser un peñazo que te deja en brazos de Morfeo en muy pocas escenas.

Angela y Jackson son hermanos y se han quedado huérfanos. Junto con dos amigos más, deciden seguir los pasos de su difunta madre y explotar los poderes de Angela para ver y contactar con los muertos. Pero ambos saben que son una farsa, y que Angela no tiene ese don… ¿o sí?

Es complicado explicar qué hace que esta peli sea tan rollo, es algo que se respira en conjunto, pero por algún sitio hay que empezar a analizar. Vayamos pues a la pareja de hermanos protagonista. Él, está muy mal escrito. Por lo tanto, está interpretado en consonancia, es decir, muy mal también. Es el malo y por algún motivo quieren que lo sepamos desde el minuto 1 de película y que no le veamos ningún matiz. Ella es Florence Pugh y se lo perdonamos, pero es una lánguida con cara de pocas ganas de vivir. Es difícil sacar de ahí a dos personajes con los que te apetezca pasar 1h30 de tu vida y más imposible aun hacer que te importe algo su destino.

Para seguir, podemos decir que el ritmo es muy irregular. La primera hora de película da unas ganas de dormir que son difíciles de remontar, y cuando a mitad parece que acelera un poco, solo lo hace para dar lugar a un sin fin de situaciones ridículas que tienen por clímax un final malísimo.

Está llena de lugares comunes sin aportar nada fresco, quizás lo único seria esa premisa inicial de un grupo que de personas intentando estafar, haciendo ver que tienen unos poderes que no tienen, pero no se les saca partido para nada.

Su director, Olaf de Fleur Johannesson no ha vuelto a dirigir ningún largo de ficción de momento. Malevolent resulta muy prescindible, no veo motivos para recomendarla. Si eres mega fan de Florence Pugh puede que quieras arriesgarte de todos modos. Adelante, no quiero ser yo quien te frene, pero recuerda hacerlo con una buena dosis de cafeína.

https://www.terrorweekend.com/2024/05/malevolent-review.html

A lo largo de su carrera como cortometrajistas, la pareja formada por Marisa Crespo y Moisés Romera ha tocado el mundo de la familia bajo distintos prismas, durante todos sus cortometrajes y ya en el año 2017 dan el salto al género con el multipremiado 9 pasos.

Tú no eres yo es su ópera prima y, vaya sorpresa, de nuevo la familia vuelve a ser el epicentro.

Tres varios años ausente, Aitana vuelve sorpresivamente a su casa para pasar el día de Navidad. Acompañada por su pareja, Gabi, junto al bebe que han adoptado recientemente en Brasil, la sorpresa se la llevará Aitana al descubrir en la casa familiar a una pareja de desconocidos que parecen tener mucho poder sobre sus padres… Pero eso es nada en comparación con el descubrimiento de Nadia, una inmigrante que aparte de quedarse su habitación y su ropa, parece haber tomado el lugar de Aitana en el corazón de padres y hermano.

Aitana siente que algo no marcha bien y decide plantar guerra a la intrusa… Pero a veces la familia no es tu aliada sino tu peor enemigo y puede que al día siguiente Aitana haya perdido todo, tal vez incluso su vida.

Tú no eres yo puede incluirse en ese subgénero de películas de terror ambientadas en Navidad como las dos versiones de Black Christmas, Parking 2 o la muy visceral A’l interieur, aunque los directores son hábiles y prefieren obviar el enfoque directo y se acercan a través de ese apartado de la comedia que también da mucho miedo: las películas navideñas familiares como Solo en casa o Socorro ya es Navidad donde los lazos maternos y paternos se convierten en sogas al cuello. Coguionistas al mismo tiempo que codirectores, Marisa Crespo y Moisés Romera saben construir una trama, con muy pocos elementos y personajes, que sin renunciar al slow burn, prepara el camino con una tensión creciente que siente tanto el personaje principal como el espectador; un buen ejemplo de esto lo tenemos en una conversación emocional entre los dos hermanos, puntuada por el pitido creciente e insistente de la tetera. Sabiendo que Aitana, la protagonista, no es una persona agradable, la historia se arma de tal manera que cada uno debe preguntarse a cada momento en qué bando se coloca: ¿Tiene razón Aitana y aquí hay gato encerrado? ¿Tiene razón la familia y Aitana es un grano en el culo? Aunque el espectador avezado descubrirá el giro final antes de que llegue, lo cierto es que el guion es una pieza de relojería que se mueve en el filo de la navaja. Hay que agradecer a los autores el haber esquivado hábilmente los cantos de sirena de ese extraño/absurdo invento llamado terror elevado porque aunque el principio de la impresión de que Tú no eres yo va de otra cosa lo cierto es que es género 100%.

Muy acertada la elección de Roser Tapias como Aitana. Aunque es un personaje que no cae bien y consigue resultar irritante, lo cierto es que Tapias consigue darle los suficientes matices para implicar al espectador con su trama. Todo un logro. Destacar también los trabajos de Jorge Motos y Anna Kurikka, como el hermano impedido de Aitana y la “impostora” cuyo peso en la trama se revelará capital.

A nivel técnico, la película es impecable, con esa música de coros cuasi etéreos de Joan Vilà y la fotografía limpia de Víctor Entrecanales. Crespo y Romera utilizan la cámara con sabiduría, nunca pasándose de frenada ni quedándose cortos e incluso se permiten el lujo de incluir un jumpscare de manual que más adelante tendrá su justificación.

Tú no eres yo es un buen principio en el mundo del largometraje de Marisa y Moisés, el inicio de una carrera que, esperemos, de tan buenos resultados como este primer título.

https://www.terrorweekend.com/2024/05/tu-no-eres-yo-review.html

Ghostwatch tiene el dudoso honor de ser el único contenido que la BBC retiró de su programación tras la emisión del 31 de Octubre de 1992 ya que causó pánico entre los espectadores, hubo denuncias e incluso tuvo lugar un suicidio. Cuando fue nominado a los prestigiosos premios BAFTA, la BBC exigió la retirada de la nominación.

Ghostwatch es un gran desconocido y aquí vamos a reivindicarla como lo que es: moderna, directa, un antes y un después. Así que ¿Preparados para entrar en el mundo de Pipes?

Este Halloween de 1992, la BBC ha decidido programar en directo un especial rodado en una casa que, supuestamente, está encantada. En el gran entramado técnico hay cámaras repartidas tanto en el interior de la casa como en el exterior, para este momento tan especial se cuenta con especialistas en la materia, contrataron actores y actrices muy populares como periodistas de campo y, desde el estudio central, el respetado presentador Michael Parkinson será el encargado de orquestar todo junto con la parapsicóloga Lin Pascoe mientras el actor Mike Smith está junto al teléfono, dispuesto a recibir las llamadas de los espectadores.

Empieza la noche y los habitantes de la casa serán cuestionados: ¿Realmente lo que está ocurriendo es real o todo es producto de la imaginación infantil? ¿Quién es Pipes y cuál es su historia?

Stephen Volk, basándose en el famoso poltergeist de Enfield ocurrido en los años 70 había escrito una miniserie de seis capítulos que se reconvirtió en una película televisiva de terror que recayó en las manos de Leslie Manning. La directora tuvo entonces una idea que convertiría este Ghostwatch en algo nuevo y único: en vez de rodar una película que trate sobre un programa televisivo, por qué no rodar un programa televisivo que fuera la película. En plan engranajes de un reloj, Manning y su equipo crearon varios equipos, dando tareas diferentes a cada uno: la grabación del estudio, el interior de la casa, las conexiones con el exterior. Para conseguir que nadie se fuera de la lengua en este rodaje en el que participaron entre 60 y 100 personas, nadie supo exactamente qué estaba rodando hasta que se emitió la noche de Halloween.

Gran parte del acierto de Leslie Manning fue darle gran verosimilitud al utilizar rostros muy conocidos para el público británico como los del mítico presentador Michael Parkinson, la actriz Sarah Greene y su marido en la vida real Mike Smith; asimismo, para dar la nota “graciosa”, se contó con el popularísimo Craig Charles quien en ese momento estaba en la cresta de la ola gracias al personaje de Lister en la serie El enano Rojo.

Aunque para mucha gente Ghostwatch es un título desconocido, lo cierto es que su influencia posterior es innegable ya que Oren Peli lo reconoció como inspiración para su saga de Paranormal Activity; El proyecto de la bruja de Blair tiene muchos paralelismos; el director de Host, Rob Savage, se puso en contacto con Leslie Manning; la película Emergo (Apartament 143) de Carles Torrens con guion de Rodrigo Cortés es Ghostwatch un 75%; gran parte de las presencias espectrales de James Wan tanto en el Warrenverse como en la saga Insidious están tomados de las apariciones de Pipes en esta película…

Hasta ahora hemos hablado de la historia anterior y posterior a Ghostwatch, su creación y grandísima influencia. No vamos a entrar en su contenido porque verla ya es tarea vuestra… ¿A qué esperáis para conocer a Pipes?

https://www.terrorweekend.com/2024/05/ghostwatch-review.html

El gran Mario Bava siempre consideró Bahía de Sangre su mejor trabajo. Ya que estamos hablando de una película de muy pequeña producción, tan precaria que casi todos los implicados aportaron sus casas como escenario y la mayoría de los protagonistas son desconocidos… ¿Qué tiene esta película para que Bava estuviera tan orgulloso de ella?

Tras el supuesto suicidio de la condesa, este rincón tan paradisiaco se convierte en el epicentro para las vidas de muchas personas: el agente inmobiliario que busca dar el pelotazo de su vida, el humilde pescador con algún secreto en su barca, la hijastra de la condesa que viaja al lugar en busca de su desaparecido padre… Y esos jóvenes que llegan en busca de diversión.

A lo largo de este día, 13 personas estarán envueltas en un huracán de violencia, sangre, sexo y muerte.

Independiente de las opiniones de Bava sobre su propia obra, ya que hablamos de un director con películas tan míticas como La máscara del demonio, Diabolik u Operación miedo, lo cierto es que Bahía de sangre marca un antes y un después no solo en la carrera de su autor sino en el cine de terror. El guion escrito entre el propio Bava junto a Giuseppe Zacariello y Filippo Ottoni convierte una trama de Thriller y Whodunnit en una espiral de sangre y malevolencia repleta de personajes tan inexistentes como malévolos… Pero lo verdaderamente “seminal” – y que desde entonces jamás ha dejado de utilizarse en el cine de terror – es el tratamiento de una violencia tan brusca como visceral y que provoco la repulsa del filme en Alemania mientras los ingleses la incluyeron en su abominable lista de las nasty movies.

Ya en el prólogo de Bahía de sangre encontramos una auténtica declaración de intenciones por parte de Bava, un paso del “viejo” al “nuevo”: la condesa se mueve lentamente por el interior de su casa al ritmo de la pastelosa composición de Stelvio Cipriani – a fecha de hoy el elemento técnico que peor ha envejecido – con todas las características visuales del director: interiores góticos, planos cuidados, cierto toque giallesco, hasta que un asesinato bastante brusco rompe la tranquilidad y, con los títulos de créditos, surge un Mario Bava mucho más moderno que se libera de ataduras y juega con la fotografía, el zoom y los desenfoques – a veces pasándose de frenada – siendo el mayor acierto no escamotear los asesinatos apoyándose en los tremendos efectos gore de Carlo Rambaldi que Bava convierte en un auténtico manual de cine que fue el disparadero para el género slasher ya que encontramos demasiados elementos coincidentes en el Viernes 13 que Sean S. Cunningham estreno diez años después.

Mario Bava tenía muchas razones por las que enorgullecerse de Bahia de Sangre ¿Es su mejor película? Eso es imposible decirlo, pero algo es seguro: todo lo que ocurre en esta bahía tan tranquila es uno de los puntales del género y ahí Bava demostró su maestría.

https://www.terrorweekend.com/2024/05/bahia-de-sangre-review.html

Mario Bava fue uno de los padres del giallo, género cinematográfico que tuvo su época dorada allá por los años setenta. Shock es su título póstumo en cuanto a celuloide. Posteriormente, y para finalizar su carrera, participó en una miniserie para televisión llamada I Giochi del Diavolo. Pero no creáis que esto mengüe su capacidad de sorprendernos. Tuvo la mala suerte, o no, de coincidir en el mismo año 1977 con una de las obras maestras del cine italiano de terror y del giallo en particular. Me estoy refiriendo a Suspiria (Dario Argento. 1977), película que ensalzó ese subgénero caracterizado por su proximidad al slasher y por una particular manera de rodar, con unos colores saturados y unas tramas barrocas que hacían elevar todos los sentidos del sufrido espectador.

No vamos a desgranar la extensa carrera de Mario Bava, padre de Lamberto Bava (Macabre, Demons), otro mítico director que no hizo ascos a, de alguna manera, seguir la estela de su progenitor. En Shock, Mario Bava da rienda suelta a lo acumulado en todo su bagaje anterior, ofreciéndonos un producto que, si bien tarda en arrancar, nos muestra una parte final llena de ritmo, homenajes cinematográficos y actuaciones memorables. De aquellos finales que te dejan pegado a la pantalla degustando todo tipo de situaciones las cuales podríamos definir como una mezcla entre posesiones, poltergeist y terror clásico, todo ello tamizado por la escenografía típica del más rancio giallo.

Dora y Bruno son una pareja que vive aterrorizada en su nueva casa al verse perseguidos por el cabroncete fantasma del ex marido de Dora, desaparecido en extrañas circunstancias y que no duda en poseer a su hijo para lograr venganza.

Sin ser muy novedosa, Shock cuenta con un guion muy elaborado que, tal y como hemos comentado antes, se recrea excesivamente una parte inicial en la cual no deja clara sus intenciones. Como si quisiera que el espectador entrara en shock, nunca mejor dicho, en la parte final, cosa que consigue ampliamente introduciendo algunos elementos que, por si habías tenido alguna duda, diseccionan el giallo, como si fuera una guía de como tienen que realizarse este tipo de producciones. Una lección magistral, vamos.

En el apartado más técnico Mario Bava y Alberto Spagnoli, no sabemos el orden en cuanto a importancia, nos ofrecen lo que esperamos, sangre a raudales, colores súper saturados, encuadres imposibles y unos toscos, aunque efectivos, efectos especiales. Podríamos decir que si no amáis el giallo con Shock lo acabaréis haciendo. Todo un ejemplo de moderación sin dejarse nada. Tenemos que destacar también la excelente banda sonora de I Libra, un grupo de músicos italianos que dotan al film de un plus que, como todo buen giallo, es imprescindible para el desarrollo del mismo.

En las interpretaciones contamos para nuestro regocijo en los papeles principales con Daria Nicolodi en el papel de Dora, una mujer atormentada por su pasado. Le sigue John Steiner (Caligula) como ambigua pareja. Finalizamos con el más pequeño, David Colin Jr. con solo un par de films a sus espaldas.

Shock es una película ideal para acabar de entender, para aquellos que lo ignoren, la importancia del giallo para el género de terror. Quizás este subgénero haya pasado algo de moda, pero no podemos dejar pasar la oportunidad para colocarlo entre los lugares más altos de nuestro género favorito.

https://www.terrorweekend.com/2024/05/shock-review.html

El caso real de Manuel Blanco Romasanta, conocido por ser el primer asesino en serie del que se tiene constancia en España, fue llevado a al cine por Paco Plaza en el año 2004. Pero 30 años antes, Pedro Olea, adaptaba una novela llamada El bosque de Ancines que, sin llegar a contar la historia del asesino como tal, está directamente inspirada en los hechos que acontecieron en el que fue calificado como “el caso del hombre lobo”. Romasanta asesinó a 13 personas, según él, poseído por un maleficio que le convertía en licántropo.

Benito es un buhonero errante que deambula por los pueblos y los bosques gallegos en soledad. Un buen día empiezan a suceder cosas extrañas a lo largo de sus paseos por el bosque, y Benito empieza a sufrir unos fuertes ataques…

La película de Pedro Olea, tiene varios aspectos destacables. El primero es, sin duda, su actor protagonista Jose Luis López Vázquez. El mítico intérprete, que acumuló más de 250 papeles en su vida, se enfrentó en esta película a algo que no había hecho nunca. Un personaje mucho más oscuro y dramático que los que solía hacer, dando vida a un hombre turbio y solitario que mata a sus víctimas poseído por una fuerza que no sabe explicar. Este papel le valió a López Vázquez reconocimiento y un nuevo camino en su carrera, ya que colaboró con Olea dos veces más, y empezó a componer personajes más inquietantes bajo las órdenes de otros directores.

Otro aspecto que cabe resaltar es que el propio Olea había empezado su andadura en el cine no hacía mucho, y conseguía aquí dirigir a actores de renombre y poco a poco se fue convirtiendo en un director que adaptó novelas tan importantes como Tormento de Pérez Galdós, o que dirigió propuestas tan distintas entre si como Un hombre llamado Otoño o Morirás en Chafarinas.

Desde un punto de vista temporal, es una película que hoy en día se ve un poco desfasada, y cuesta juzgarla. Algunas facetas se han quedado muy anticuadas, desde el maquillaje del propio López Vázquez que seguramente hoy consideraríamos poco sutil, hasta la sociedad de la época que nos resulta (por suerte) muy remota, pasando por la puesta en escena que parece un tanto teatral. El papel de Amparo Soler Leal es un buen ejemplo de cómo pasan las décadas, una mujer que vive suspirando por unas cartas que le escribe un hombre que nunca viene a verla, y que la mantiene de amante epistolar durante años mientras ella languidece.

Una película que hay que ver si se quiere indagar sobre la carrera de Olea, la de López Vázquez, o sobre la historia del cine fantástico de este país.

https://www.terrorweekend.com/2024/05/el-bosque-del-lobo-review.html

No hace mucho publicábamos una entrevista, dentro de la celebración del VIII Festival B-Retina, con el director de fotografía Paco Marín. En ella repasábamos la aventura que fue rodar unos films que utilizaron los Estudios Balcázar en la población cercana a Barcelona, Esplugues de Llobregat. Hatchet for the Honeymoon se rodó en esos estudios lo que nos produce cierta nostalgia, la de unos tiempos que por suerte o por desgracia ya no volverán.

Dicho esto, la cinta que analizamos hoy es una viva muestra de ese tipo de cine, hecho con dignidad, con presupuestos muy ajustados y donde lo más importante era la idea. Se hacía para abastecer un mercado ávido de emociones fuertes, con la única posibilidad de ir a las salas de cine, en sesiones dobles y atiborrándose de todo tipo de alimentos no muy recomendables para la salud. Pasados unos días puede que no te acordaras de nada, pero habías pasado una gran tarde viendo terror, destape, westerns y aventuras.

Mario Bava ya tenía a sus espaldas una extensa filmografía. Si hacemos caso a la sesuda crítica, la primera película del subgénero giallo fue La Muchacha que Sabía Demasiado (La Ragazza que Sapeva Troppo, 1963) también dirigida por Bava. Su maestría a la hora de rodar este tipo de películas hizo que en cada una de sus producciones rondara ese tamiz. En Hatchet for the Honeymoon pasa eso mismo con algunas particularidades o novedades, como puede ser que desde el minuto uno ya sabemos quién es el asesino y este mismo no es el típico señor oscuro y repelente sino todo lo contrario, es un guaperas de cuidado, algo así como Christian Bale en American Psycho.

John Harrington hereda de sus padres un negocio familiar dedicado al diseño y confección de trajes nupciales. Tiene la particularidad de que para superar un trauma infantil se dedica a asesinar a futuras novias jóvenes. A ello ayuda también la opresión que ejerce sobre él su esposa Mildred.

El guion rodea la historia de una atmosfera agobiante evitando el suspense hasta el final. En su desarrollo vamos viendo diferentes maneras de pasarse por la piedra a unas inocentes jovencitas, eso sí, con un hacha de carnicero.

La escenografía está muy cuidada. Hay que tener en cuenta que, aparte de director y guionista, Mario Bava se reserva en el apartado técnico la fotografía, cosa que repitió en todas sus cintas además de trabajar para terceros en ese apartado, como por ejemplo siendo el director de fotografía de algunos films de Jacques Tourneur.

Stephen Forsyth encabeza el reparto en un papel marcado por su agraciado físico. De todas maneras realiza un interesante trabajo metiéndose en la piel del asesino. Laura Betti es la posesiva esposa. La terna acaba con Dagmar Lassander, una especie de musa que se salva de caer en las garras de John. No podemos dejarnos a Jesús Puente, conocidísimo actor español del siglo pasado, aquí como inspector de policía.

Lo dicho, Hatchet for the Honeymoon es una película de las que se hacían antes, siendo una antesala de todo lo que vendría después y que podemos denominar como terror moderno. Revisionar este tipo de films es muy interesante ya que, casi sin pretenderlo, nos explica más de lo que imaginamos. Una vuelta al pasado con una amplia sonrisa.

https://www.terrorweekend.com/2024/05/hatchet-for-honeymoon-review.html

Hay películas que tienen famas de malditas, de esas que se habla en los rincones oscuros, y luego hay otras como The Appoinment que te llegan de forma accidental – en este caso como respuesta en una entrevista – y cuando terminas de verla sientes que debes predicar la palabra porque, sinceramente, pocas veces me he encontrado con una película que me haya dejado tan descolocado como el único largometraje de Lindsey C. Vickers.

Han pasado tres años desde que una extraña fuerza sobrenatural hiciera desaparecer a la joven Sandy en el atajo a través del bosque de Crowley. Ahora una valla metálica rodea el lugar para que nadie más sufra daño.

Es el día anterior al recital que Joanne debe dar en su colegio como violín principal, su máxima ilusión es que su padre esté presente pero este le dará malas noticias: tiene una cita de trabajo muy lejos de casa y no podrá acudir. Malas caras y malas contestaciones que despertarán todo tipo de sueños y pesadillas premonitorias en los miembros de la casa. Una y otra vez surge el mismo accidente de coche en el que unos rottweilers están implicados.

Al día siguiente el padre de Joanne inicia viaje y según avanzan los kilómetros surgen señales de que las pesadillas de la noche anterior se están haciendo presentes en la realidad… ¿O puede que aun sigan todos atrapados entre sueños?

The Appoinment fue una película rodada para la televisión, con un presupuesto de 650.000 financiado a medias por un fondo de inversión para pensionistas y la compañía de Vickers: First Principle Films. La idea del director era rentabilizar el producto con ventas en Estados Unidos pero la jugada no le salió tal como él quería. Al igual que ocurrió con El carnaval de las almas de Herk Harvey, la película tiene su propio estilo y tempo, está repleta de sugerencias y extrañezas a partes iguales. Tanto Harvey como Vickers ofrecieron al público unos productos contracorriente, repletos de personalidad y hallazgos.

¿De qué trata The Appoinment, es un drama sobrenatural, va sobre la premonición, la predestinación, es tan solo un cumulo de mala suerte o realmente algo maligno se adueña de la trama? Con apenas tres personajes en una casa, la película presenta el universo tranquilo de una pareja gris y acomodada que a lo largo de una noche se verá asaltada por pesadillas y terminará por verse envuelta en lo sobrenatural.

Vickers impone un ritmo extraño y expositivo a la narración, a veces cuasi documental, que se enrarece con la relación entre padre e hija y utiliza tanto el sonido en off como el montaje del mítico Sean Barton para ir rompiendo la realidad, fragmentando cada vez más las secuencia e incluso llegando a la locura y el paroxismo en todo lo que rodea el accidente. Importante comentar como Vickers juega con la tremenda música del compositor Trevor Jones – quien venía de componer una de sus grandes obras, Cristal Oscuro – convirtiéndolo en una pieza del concierto en el que participará la hija de los protagonistas y que desatará los acontecimientos a lo largo de la película.

Hay cierto tono impostado y blando en las actuaciones, algo buscado por el propio Vickers para que la ruptura de lo sobrenatural sorprendiera al espectador, un recurso también utilizado por Stanley Kubrick con Jack Nicholson en El resplandor. Si Edward Woodward ya estaba en la mente de los amantes del terror gracias a El Hombre de Mimbre, ahora hay que añadir el personaje de Ian en The Appoinment para subirle a los altares del cine de género; su esposa en la ficción, Jane Merron, es una actriz de carácter que interpreta a la perfección una mujer sin mucha vida interior que, de pronto, se ve asaltada por una premonición que la turba. Samantha Weysom es la hija, repleta de histerismo y turbidez ¿adolescente, sexual?, y aunque tuvo una corta carrera ya solo con su aparición en The Appoinment cumple de sobra.

Lindsey C. Vickers no volvió a dirigir, una auténtica pena porque jamás sabremos qué más historias tenía en la cabeza pero cierro la review con unas palabras suyas que arrojan luz sobre qué podría haber sido: “vivo en el mundo de lo sobrenatural, el mundo de lo siniestro. El mundo de “cómo puede ocurrir esto””.

https://www.terrorweekend.com/2024/05/the-appoinment-review.html

Hace ya 25 años, Álvaro Fernández Armero, había dirigido dos películas que tuvieron mucho éxito y que son recordadas con cariño por esa generación, las comedias Todo es mentira y Nada en la Nevera. Tras esos dos aciertos, el director cambió de rumbo y dirigió la peli que hoy nos ocupa, una de terror a medio camino entre Sé lo que hicisteis el último verano y Al Salir de Clase. Un ejercicio insalvable, salvo por la nostalgia que pueda provocar a algunos.

Un grupo de amigos vive atormentado porque hace cuatro años uno de ellos, Nacho, desapareció para no volver jamás. Cuando de repente el DNI del desaparecido es encontrado por la policía, esto reactiva la investigación y les pone en el punto de mira.

A principios de los 2000, hubo en nuestro país un resurgimiento del género de terror. Quizás impulsado por lo que supuso Tesis a finales de los 90, empezaron a proliferar proyectos de género interesantes y tan dispares como Los Sin Nombre, Los Otros o incluso la comedia no pretendida Tuno Negro. El arte de morir forma parte de ese momento, y recoge a casi todas las caras conocidas de aquella época. Un elenco plagado de actores conocidos que imparte una master class de lo que nunca hay que hacer.

Las actuaciones son delirantes de malas. No se salva absolutamente nadie, es difícil recordar algo peor. Es increíble porque cuando crees que acabas de presenciar la peor actuación de tu vida, sale otro de los actores y lo supera. Solo diré que los YoGa, nuestros Razzies patrios, le hicieron justicia en alguna categoría. Curiosamente, muchos de los actores han demostrado tener talento tanto antes como después de esta peli, pero está claro que a veces todo está destinado a salir mal.

A nivel de historia, ni siquiera se entiende mucho lo que pasa. Final rocambolesco que no se sostiene y desarrollo pobre. Lo único que podría molar son las muertes, pero ni eso se salva. No hay sangre, no son explícitas y transcurren fuera de plano.

Eso sí, es justo reconocerle que fue un éxito de taquilla en la época, recaudando 225 millones de pesetas (más de un millón de euros) y que Fernández Armero es un director muy prolífico, aunque su única incursión fuera de la comedia fue esta, y no repitió.

¿Hay que verla? pues con una mano sobre esta review y la otra alzada como en un juicio americano, os digo que sí. Forma parte del cine de terror de este país, eso es así, y, además, sed sinceros… ¿a quién no le gusta no le gusta de vez en cuando ver un buen despropósito?

https://www.terrorweekend.com/2024/05/el-arte-de-morir-review.html

En esta eterna lucha entre el bien y el mal que da vidilla a las religiones, parece que el mayor escenario bélico siempre tiene lugar en el mundo cristiano, raro es el año en el que no se rueda una película donde las hostias que se reparten son las sagradas formas. En lo que llevamos del 2024 primero se estrenó La Primera Profecía y luego llega este Immaculate.

La hermana Cecilia llega a Italia, convocada por el padre Tedeschi, para ser ordenada y dedicar sus días al cuidado de unas ancianas monjas que pasan sus días en este tranquilo y hermoso convento alejado de la civilización. Pronto hará amistad con la hermana Gwen y como encima le gusta el trabajo, parecer que todo será felicidad a partir de ese momento.

Pero lo que Cecilia ignora es que ha sido vigilada de cerca desde que se salvó milagrosamente de morir muchos años atrás, y que tras los muros del convento se ocultan secretos y muerte. Ponte a rezar, Hermana Cecilia, que te van a complicar el camino al cielo.

Hay un punto fascinante si uno analiza los proyectos cinematográficos coincidentes en tiempo y temática. Por ejemplo, cuando James Cameron planteó el proyecto de Abyss, del que solo se sabía que eran buceadores atrapados bajo el agua con bichos misteriosos, de pronto surgieron (bendita casualidad) Leviathan de George Pan Cosmatos, Deepstar Six de Sean S. Cunningham e incluso J.P. Simon se lanzó al agua (literalmente) con ese despropósito llamado La grieta. Pasa lo mismo con la batalla de novicias entre Immaculate/La Primera Profecía: claramente hubo espionaje industrial porque hay muchísimas (excesivas) coincidencias entre ambos proyectos. Si nos atenemos a las fechas de rodaje, La Primera Profecía se rodó entre Septiembre y Octubre del 2022 mientras Immaculate terminó su rodaje en Febrero del 2023 aunque se comenta que su guion llevaba escrito 10 años, la propia Sydney audicionó por un papel y con la carrera ya lanzada es quien se puso en contacto con el guionista para reescribir, eligió el director y produjo la película.

Digamos que La Primera Profecía se lleva un tanto por ser la primera en estrenarse, aunque le penaliza dos puntos ser tan soporífera y machacar al pobre espectador durante casi 120 minutos, mientras Immaculate va como un tiro – 88 minutos de los que 8 son títulos de crédito – aparte de resultar muy entretenida.

El guionista, Andrew Lobel, tiene una carrera muy corta, sobre todo porque la mayoría de sus trabajos son guiones de cortometrajes, y aunque lo cierto es que la historia de Immaculate resulta poco original – mejor obviar referencias para evitar spoilers – va lanzada como un cohete y en su visionado no hay tiempo de pensar acerca de la lógica del plan que afecta a la hermana Cecilia y, sobre todo, el hecho de que a veces parece que todo el convento está al tanto mientras otras veces resulta que tan solo unos pocos están al día. Digamos que el fuerte de la película no es su guion aunque acierta en su creación de personajes como el de Gwen, la propia Cecilia o su antagonista, la antipática Mary, bien interpretados respectivamente por Benedetta Porcaroli, Sydney Sweeney y Simona Tabasco; Álvaro Morte es el Padre Sal Tedeschi, con una sonrisa sempiterna que puede ser agradable e inquietante al mismo tiempo.

Aunque el guion tiene buenos momentos, donde mejor funciona Immaculate es a nivel dirección gracias a Michael Mohan, proveniente de series televisivas y que ya había trabajado con Sydney Sweeney en el telefilm para Amazon The Voyeurs, porque imprime dinamismo a las imágenes y aunque hay odiosos jumpscares, apuesta por el terror generado a través de la puesta en escena y no rehúye apuntes de violencia acompañado de unos maquillajes y afectos gore más que resultones; en ese sentido alabar la valentía de Mohan y Sweeney, como director y reina de la función, para terminar la película con un tenso plano secuencia de resultados inesperados.

No entraremos a si realmente Immaculate sea una copia – ¿O en estos casos se puede hablar de exploit?-de La Primera Profecía, pero hay que reconocerle que no rehúye ser una película menor, apostando por la rapidez, la crudeza de alguna de sus imágenes y juguetear con el gore acompañada por la resultona música de coros monjiles compuesta por Will Bates… En tiempos donde todo parece mirarse con lupa, es de agradecer el camino de la desinhibición.

Por esto, te recomendamos que entres en el convento de la hermana Cecilia e intentes adelantarte al loquísimo giro del final.

https://www.terrorweekend.com/2024/04/immaculate-review.html

Siento mucho empezar así, pero estamos ante un caso de “el tráiler era mucho mejor”. Lamentablemente este fue uno de los primeros pensamientos que me vinieron a la mente cuando las luces se encendieron tras la proyección de esta primera profecía. Si bien la película tiene valores de producción y un desenlace que no está mal, las dos horas de duración se hacen excesivas, con secuencias que no aportan mucho en general y que no están muy pulidas en el guion. No es mala y no es ningún desastre, pero esperábamos algo más.

Margaret es una novicia que llega a Roma para tomar el hábito. Es recibida por el Cardenal Lawrence, un hombre que la cuidó de niña a pesar de haber tenido una niñez muy rebelde. Pronto Margaret conoce a Carlita, una niña que le recuerda a ella misma…

El prólogo de La Primera Profecía deja ver un buen estilo en la dirección y en el tratamiento de los momentos macabros o salvajes, y sigue rápidamente con un buen diseño de producción, que nos traslada a la Roma de los años 70 con una estética cuidada. Esos momentos se van a repetir a lo largo de la cinta, escenas perturbadoras arropadas por un buen estilo en el tratamiento de la luz (véase algunas escenas en las que juega con los hábitos de las monjas o la secuencia en la discoteca) y que están a cargo de Aaron Morton, director de foto de la Posesión Infernal de Fede Álvarez y de Nadie Te Salvará. Sin embargo, rodeando a esto, la película presenta un montón de lugares comunes sin nada de frescura o agilidad. Somos los primeros en saber que el cine de terror se nutre mucho de clichés, pero necesitamos un poco de chispa para digerir cosas vistas mil veces. Me estoy refiriendo a niños raros que dibujan cosas extrañas, músicas de iglesia como las has oído mil veces, monjas que esconden archivos en despachos… no sé… falta un poco de originalidad y sorpresa.

A esto, hay que añadir pequeñas incongruencias que cuando se van sumando, hacen que vayas restándole décimas a la nota del conjunto. Italianos hablando en inglés, secuencias para justificar algo cuando en realidad no hacía falta, vínculos entre personajes mal desarrollados… y sinceramente, bastantes apuntes más que no quiero desvelar para no aguarle la profecía a nadie.

En cuanto a banda sonora, recordemos que Jerry Goldsmith, que tuvo unas 20 nominaciones al Oscar a lo largo de su carrera, solo gano 1, y fue por La Profecía. Su tema principal Ave Satani ha sido utilizado en la cinta y resulta ser el mejor momento de la banda sonora. El resto corre a cargo de Mark Korven (The Witch, La Piscina), y resulta previsible y poco original.

En definitiva, un “ni chicha ni limoná” de toda la vida, aunque también destacaría el buen hacer de Nell Tiger Free, que aguanta bastante bien el tirón como protagonista.

https://www.terrorweekend.com/2024/04/la-primera-profecia-review.html

Un poco de historia política y cultural: tras la muerte de ese dictador de bigotito y vocecita, empezó a desaparecer la censura institucional tan malpensada como retrógrada y con esto no solo llegaron ya las primeras películas porno sino que el cine de destape perdió su pudor. Respecto al terror, el público se encontró con aires frescos que, para la carrera de Paul Naschy, fueron como un cohete tierra-tierra.

La malvada condesa Bathory fue juzgada por múltiples asesinatos y crueldades varias, por todo ello fue emparedada hasta morir mientras sus secuaces y sirvientes tuvieron distintos finales a cada cual más cruel. El fiel Waldemar Daninsky, un licántropo dominado por Bathory, morirá con una cruz de plata clavada en el pecho y su rostro quedará encerrado por una máscara de hierro.

Han pasado muchísimos años y distintos acontecimientos, muchos de ellos provocados por la ambiciosa estudiante Erika y sus amigas, harán que Waldemar Danisky reviva… Pero esto es solo el inicio ya que la propia Bathory también regresará de la tumba y ¡ay!, mejor atranca la puerta para no perder la vida.

Sería injusto negar la importancia que Paul Naschy tuvo para el género en España, cómo fue capaz de crear un mundo propio con distintos personajes entre los que Waldemar Daninsky fue el más carismático y prolífico. Dentro de la carrera de Naschy se podría situar El retorno… en su segunda época, donde gran parte de los personajes que aparecían en sus películas eran malvados y amorales; el paradigma de lo anterior lo encontramos en las psicotrónicas Latidos de pánico y El carnaval de las bestias.

Pero también hay que reconocer que El retorno del hombre lobo es una película que ya se sentía vieja en el momento de su estreno debido no solo a un trabajo de producción demasiado apolillado sino porque también coincidió con dos películas de Licántropos que aún no han sido superadas, tanto en calidad como en sus tremendas trasformaciones: Un hombre lobo americano en Londres de John Landis y Aullidos de Joe Dante; el público de la época “necesitaba” algo distinto y lo que Naschy ofrecía no solo era más de lo mismo sino que retrotraía al franquismo, una época muy chunga que muchos querían dejar atrás.

Con el paso del tiempo, lo cierto es que El retorno… tiene encanto y se juntan tantos aciertos como errores, y el mayor de estos últimos es que Naschy no solo insistía en ser el protagonista absoluto siendo un actor muy limitado, aunque el mayor “pero” es que seguía obsesionado con ser el seductor de todas las féminas – la mayor parte actrices hermosas pero sin capacidad interpretativa - que aparecieran en la historia, y en este caso no solo se camelaba a Azucena Hernández sino también a Silvia Aguilar interpretando a la malvadísima Erika, mientras la bruja Mirkaya – Beatriz Elorrieta - suspira debido a que Daninsky/Naschy jamás la amará. Entre el casting femenino imposible negar la gran presencia de Julia Saly como la Condesa Bathory, un rostro con muchísima personalidad y carisma que mereció mejor suerte en la industria audiovisual.

Pero es innegable que la película tiene grandes momentos, todos aquellos en los que tan pronto referenciaba a la productora Hammer como se dejaba llevar por lo psicodélico e inundaba la pantalla con luces, sombras y humo que indicaban como Naschy estaba lleno de ideas y recursos, siendo tal vez mejor director que guionista o actor.

En resumen, aunque Paul Naschy tiene mejores películas, el retorno del Hombre Lobo resulta el espejo de una filmografía que no supo evolucionar y, al mismo tiempo, ser un título reivindicable gracias a sus múltiples aciertos… ¡Ah, y no olvidemos lo bien que queda el impresionante tema Tentacoli de Stelvio Cipriani acompañando los títulos de crédito!

https://www.terrorweekend.com/2024/04/el-retorno-del-hombre-lobo-review.html

Sin ser propiamente el creador del giallo, Dario Argento fue la punta de lanza de la modernización y popularización del género, entrando en una época dorada donde películas como El pájaro de las plumas de Cristal (1970) dieron el pistoletazo de salida a una nueva época que vendría repleta de grandes títulos como Profondo Rosso (1975) o Suspiria (1977)

Tras presenciar el brutal asesinato de su vecina y médium, un pianista y compositor inglés residente en Italia queda absolutamente obsesionado por descubrir quién es el responsable, lo que él no sabe es que cuanto más se acerque al asesino más grande será el charco de sangre que encuentre a su paso.

No son pocos los que se debaten entre este trabajo y Suspiria como sus obras predilectas del director italiano, pero lo que sin duda es palpable es la forma en que se modernizó el género con la llegada de esta obra, y aunque por supuesto seguía aportando todo aquello que nos gusta en el conocido subgénero, como sorprendentes ejecuciones ya sean en forma de asesinato o accidentales, una historia de intriga que no para de avanzar, en este caso, bastante más factible y depurada de lo que solía ser habitual en Dario Argento, haciendo de esta forma también que la película sea mucho más redonda. La gran variedad de planos que aportan amplitud y dejan desprotegido al protagonista en una ciudad que parece extraña para él, o los reconocidos planos subjetivos desde las propias carnes del asesino. Pero también la banda sonora de Giorgio Gaslini & Goblin no tan discordante como suele ser habitual en el giallo sino mucho más participativa o incluso intrusiva tratando de acelerar las escenas o dando ímpetu a los asesinatos y a la investigación, no se puede decir precisamente que sea una banda sonora que pase desapercibida, es un personaje más, tanto es así que incluso una misma pieza se detiene y arranca a merced de lo que va viviendo en el film el protagonista. Por otro lado, Dario Argento y Bernardino Zapponi sorprendentemente menciona el feminismo, casi dan lecciones de diversidad sexual y empoderan a la mujer dentro del género con mucho más protagonismo del que suele ser habitual, obvia el erotismo e incluso la paleta de colores deja respirar un poco al espectador. Como podéis ver, una reinterpretación muy personal de lo que el propio director venía haciendo, no es de justicia, no reconocer lo avanzada que fue la película en plenos setenta, respecto a lo que se podía ver en el cine.

Si es cierto que sigue sobrevolando en el ambiente la figura del maniaco tan característica de estas obras, y en este caso encontramos la propia voz del asesino en varias ocasiones, lo cual no deja de ser como poco curioso una vez sabemos quién es el responsable. Volviendo al protagonista, David Hemmings y en relación con lo que mencionaba anteriormente, resulta singular el abandono por parte de la policía que encuentra a la hora de investigar los asesinatos y la incomodidad con elementos tan hostiles e italianos a la vez en clave de humor que los guionistas habían preparado para el foráneo, como un vehículo clásico estropeado o una cafetera que exhala vapor apoderándose de todo lo que rodea al protagonista mientras trata de esclarecer el caso.

La obra cuenta con multitud de detalles que se aprecian al detalle con el revisionado de la cinta, está cargada de elementos, que parecen casuales en un primer vistazo, pero que revisado en profundidad no solo tienen una razón de ser para la historia, sino son una firma propia del director, escenas como el plano detalle de la gota de sudor en la sien del protagonista más cercana al western que tanto gusta y tanto ha escrito Dario Aergento que al giallo que le caracteriza, o el remate final para desentrañar la identidad del maniaco asesino en el pasillo con el juego del espejo y los cuadros de gran valor imaginativo que incluso hoy sigue funcionando a la perfección.

Como le ocurrió a tantas otras películas de la época, no tuvo el golpe de efecto esperado en su momento de estreno, pero unas cuantas décadas después, aquí estamos, hablando de una obra que se ha convertido en objeto de culto para fans, entendidos y amantes del terror italiano de asesinos en serie.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/profondo-rosso-review.html

Aunque no se puede negar su carrera ascendente dentro de las producciones del terror, lo cierto es que los grandes pelotazos de la productora BlumHouse siempre han sido dentro de las franquicias cinematográficas, primero con la irregular saga Paranormal Activity, luego con la violenta y política The Purge y hace nada ha vuelto a reverdecer los laureles de Insidious.

Imaginary tiene aire a búsqueda de franquicia… ¿Lo conseguirá?

Tras muchos años viviendo fuera, Jessica regresa a su casa familiar junto con su novio Max y las hijas de este, la adolescente Taylor y la niña Alice. Esta es la que, por casualidad, encuentra un adorable oso de peluche al que llama Chauncey, con el que pasará todos los días e iniciará una “caza del tesoro”.

No pasará mucho tiempo hasta que Jessica descubra que Chauncey puede ser un oso de peluche y el mejor amigo de Alice, pero también oculta una oscura leyenda con muchos años y terror a sus espaldas.

Ha llegado el momento de la batalla… ¿Contra un adorable osito?

Mejor empezar por el elemento más débil de esta nueva propuesta: la fórmula BlumHouse (casa, pocos escenarios, personajes y localizaciones) a veces acota demasiado las historias y aunque Imaginary es capaz de desenvolverse con lo que tiene, de nuevo es una trama con dos adultos y dos niños, lo mismo que encontramos en la reciente La Piscina o posiblemente la mayor referencia para esta película: Sinister. Es cierto que hay búsqueda de sustos que se sientan novedosos, el giro que pega la historia en su último tercio está muy bien construido e incluso alguna set piece resulta francamente inspirada por parte de los cuatro guionistas - Greg Erb, Jason Oremland, Jeff Wadlow, Bryqce McGuire – habiendo trabajados los dos primeros en películas infantiles y siendo el último una incorporación al universo BH gracias a su ópera prima La Piscina… pero asimismo queda la sensación de estar en la punta del iceberg de una historia mucho mayor y repleta de posibilidades, desaprovechada por cerrar el foco alrededor de un mal que, como se ha dicho antes, remite demasiado al Sinister de Scott Derrickson.

Aunque el director Jeff Wadlow no es Scott Derrickson ni consigue los ambientes enfermizos de este, lo cierto es que Imaginary es su película más conseguida hasta la fecha, no solo a nivel de dirección sino también a nivel interpretativo, ya que el dueto DeWanda Wise como la dibujante y la jovencísima Pyper Braum interpretando a la hijastra, logra interesar y crea empatía en el espectador respecto a lo que está ocurriendo; el secundario adolescente Matthew Sato hubiera necesitado mayor desarrollo gracias a su frescura mientras da pena que la clásica Becky Buckley aparezca tan poco teniendo una presencia tan potente. La voz de Chauncey está interpretada por Dane DiLiegro y resulta más que acertada.

Imaginary queda como una película entretenida con un background interesante si sus creadores, o los que tomen el relevo, saben desarrollar el lore y crear tramas que tengan interés por sí mismas. Si BlumHouse ya lo consiguió con una piedra de película como la primera Paranormal Activity, fijo que será capaz de hacerlo con este universo de amigos imaginarios.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/imaginary-review.html

"Ay de aquella que el sendero deja.
No os fieis de ningún forastero
si queréis elegir vuestro derrotero.
Sed bellas pero sagaces,
Un lobo se esconde tras mil disfraces
Ahora como antes es una verdad evidente
Cuanto más dulce la lengua, más afilado el diente."

Las historias que nos explicaban nuestras abuelas han perdurado a través de los años y son fruto de una ancestral transmisión oral. Pero claro en alguna ocasión había que plasmarlas en papel, sobre todo para dejar un legado que perdurara en el tiempo. La Caperucita Roja se publicó en 1697 en un volumen de cuentos para niños titulado Cuentos de Antaño por Charles Perrault que, por decirlo de alguna manera y con el máximo respeto, era el rival de los Hermanos Grimm. En Compañía de Lobos se basa libremente en ese cuento con un Neil Jodan sobrado de fantasía y que no se olvida de enfatizar la moraleja que aparece en el original que no es otra que prevenir a las niñas de los encuentros con desconocidos. Han pasado más de trescientos años y esa máxima resta vigente. No todos los lobos aúllan y van a cuatro patas.

Rosaleen es una muchacha que vive al lado de un frondoso bosque. Al quedarse dormida tiene un inquietante sueño en el que los lobos merodean por el bosque secuestrando a su hermana mayor. De repente se ve viviendo en una época pasada, siendo sus padres unos humildes campesinos.

Angela Carter es la coautora del guion. En él, aparte del cuento central, nos va explicando diferentes historias de hombres lobo que aparecen en su libro La Cámara Sangrienta, a cual más perturbador y terrorífico. El director irlandés Neil Jordan los hace suyos añadiendo ese plus de fantasía, con bastante humor negro por cierto, que hace de esta obra una mezcla entre el fantástico y el terror terriblemente divertida valga la redundancia.

Al estar compuesta de diferentes relatos los hay para todos los gustos, sobresaliendo de entre todos ellos y según mi opinión el de la metamorfosis de los invitados a una boda. Sencillamente magistral, con algún que otro mensaje escondido como en cada uno de ellos.

Cinematográficamente hablando destacar el gran ritmo de la producción que unido a sus escasos noventa y cinco minutos de duración, hacen que se te pase volando. Tenemos que destacar también los excelentes efectos especiales a cargo de Dave Crownshaw, que sin ser excesivamente novedosos cumplen perfectamente su misión.

¿Qué decir de Neil Jordan? En Compañía de Lobos es su segunda obra como director dando ya muestras de su particular manera de hacer cine. Del resto de su obra destacaríamos, por meterse de lleno en el género, Entrevista con el Vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles, 1994).

En las interpretaciones destacar la aparición de Angela Lansbury (serie de TV Se ha Escrito un Crimen) como la inefable abuela que no puede faltar en toda obra basada en La Caperucita Roja. El resto están correctos pero no quería dejar pasar la oportunidad de nombrar a uno de los grandes aunque en una pequeñísima performance: Terence Stamp (Toby Dammit, Last Night in Soho), en el papel de un elegante Diablo.

Vamos terminando que los lobos están al acecho. En Compañía de Lobos es una película que todo hombre de bien tendría que ver al menos una vez en su vida. Lo que explica sigue estando plenamente vigente. Imprescindible.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/en-compania-de-lobos-review.html

“Otra de zombies” sería una manera muy fácil de empezar a escribir sobre We Are Zombies. Tratándose del trío que forman RKSS (Roadkill Superstars) la cosa va tomando tintes de despiporre y diversión. Ya tenemos otra premisa más, estamos hablando de una zomedia con todas sus letras. A los amantes del subgénero de los no vivos en la variante más terrorífica, esto les puede echar algo para atrás aunque les recomendamos que se esperen al final. A los que buscan pasárselo bien, con zombies o sin ellos, We Are Zombies es una oportunidad para pasar un buen rato con alguna que otra carcajada. No voy a disertar si el tipo de humor sea más o menos adecuado, esto ya es cuestión de cada uno.

La historia, en principio, se aparta bastante de lo que estamos acostumbrados a ver en un film de este tipo. Como queriendo contentar a todo el mundo, al final todo vuelve a su cauce y los monstruitos vuelven a hacer de las suyas, como tiene que ser.

Estamos en una ciudad infestada de zombies no caníbales, pacíficos o como los queráis llamar. Tres espabilados suplantan a una empresa que se dedica al retiro de esos ciudadanos que vagan entre la vida y la muerte, vendiendo sus cuerpos a una oscura organización plena de codicia. Al final todo consiste en salvar a su abuela secuestrada.

Otra locura de los RKSS que ya nos deleitaron con sus productos ochenteros, con los cuales adquirieron una gran fama que arrastró a un público ávido de historias sencillas que solo perseguían la diversión. Estoy hablando del bombazo Turbo Kid (2015) en su estreno en el largometraje, Summer of 84 (2018) quizás la más madura de todas sus producciones hasta ahora y Wake Up (2023) rodada el mismo año que We Are Zombies.

¿Qué hace diferente a esta última al resto de sus obras? Pues que, sin apartarse demasiado de ese mundo creado por ellos, vemos una obra que a diferencia de Wake Up, está muy elaborada. Es como si hubieran alcanzado con esta cinta una velocidad de crucero que cuenta con un guion muy elaborado, con sus bromas más o menos graciosas, y una realización muy profesional con unos efectos especiales de altura, sin nada que envidiar a producciones equivalentes y, creemos, con más presupuesto. Van abandonando ese toque amateur que vosotros me diréis que os encanta, pero ya no se trata solo de eso. Da la impresión de que We Are Zombies sea su última incursión en ese special world que crearon en sus inicios. Han pasado casi diez años, puede que sea el momento de poner una marcha más. Que conste que solo estoy dando mi opinión, la realidad puede que sea otra.

En las interpretaciones nos topamos con un gran trío. Empezamos por la televisiva Megan Peta Hill que interpreta a Maggie, la fémina que intenta poner algo de cordura. Seguimos con Derek Johns (The Sacrifice Game) que da vida a Freddy Mercks y acabamos con Alexandre Nachi en el papel de Karl.

We Are Zombies es una película para pasar un gran rato. No busquéis mucho más, tampoco creo que haga falta. Diversión con zombies como pretexto.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/we-are-zombies-review.html

La carrera del director italiano Dario Argento es dilatada pero convendremos en que su época dorada se condensa de principios de los setenta a finales de los ochenta. Todo lo que el maestro del giallo lanzó en esos años fue obra maestra tras otra. Tenebre (1982) está en un puesto destacado de este peculiar olimpo con una historia a priori sencilla pero con todos los elementos de Argento colocadas por aquí y allá. Historia oscura y turbia, muchas mujeres desnudas, un enigma, auténticas carnicerías y sangre a borbotones.

Peter Neal es un célebre escritor de misterio y terror. En una gira promocional de su último libro en Roma alguien empieza a perpetrar asesinatos recreando los de la novela de Neal. Cuando las muertes empiezan a acercarse al círculo de Peter no tendrá más remedio que descubrir él mismo al causante de tanta muerte.

Es difícil hablar de una película así tantos años después de su lanzamiento. El cine ha cambiado, el cine de terror ha cambiado, los gustos y la percepción del espectador son distintos y la manera de contar historias ha ido variando, y no por ello estoy diciendo que a mejor. Digo todo esto porque para ver una película como Tenebre en nuestros días y saber disfrutarla hay que poner la cabeza en el estado correcto. No la podemos ver con los criterios de una película actual y mucho menos si hablamos de una película clásica giallo. Tiene su propio lenguaje, su estructura y mecanismos, y son unos bastante distintos a lo que impera en nuestros días. El ritmo es mucho más pausado en la mayoría de la cinta, la lógica argumental es tan fina que hay que poner mucho de parte del espectador para que funcione y algunas interpretaciones (y remarco lo de algunas) son directamente amateurs. Y sí, te estoy mirando a ti Christian Borromeo. No obstante si sabemos a lo que estamos jugando Tenebre se torna, pasados unos treinta minutos iniciales bastante duros, en un thriller slasher muy disfrutable y divertido.

Una película que claramente va de menos a más, tanto en ritmo de historia como en el interés que despierta. Las escenas violentas también juegan con este in crescendo hasta llegar a cotas muy pero que muy altas. Otro tema sería lo que comentaba antes, la lógica argumental llega hasta un punto el cual es correcto, para después hacer un extraño tirabuzón y cambiar totalmente las reglas del juego, y con mucho cuidado de no hacer spoilers pero... ¡ahí estaba el argumento correcto! Lo que parece ser un extraño epílogo en esta historia se me torna mucho más interesante como pieza central de la misma y viendo el nulo desarrollo que tiene me parece más un recurso mal aprovechado para terminar la película de cualquier manera. No soy demasiado defensor de los remakes, pero cuando son para profundizar mejor en la historia me pueden llegar a parecer bien, y pienso que Tenebre necesitaría una nueva revisión implementando en la trama y desde el principio esa extraña conclusión que deja a la original irónicamente inacabada.

Protagonizada por Anthony Franciosa (La casa de la muerte, La horrible noche del baile de los muertos) en su única colaboración con Dario Argento, interpreta a Peter Neal de manera solvente hasta el tramo final en el que todo se vuelve extraño incluyendo su interpretación. Por supuesto la presencia de Daria Nicolodi es obligatoria, la auténtica musa del director, quien también fue su pareja y madre de Asia Argento. En el plano técnico hay que destacar la presencia de la banda Goblin que repitieron con el director tras Suspiria (1977), en esta vuelven a traer sus composiciones oscuras y juguetonas en la que destacan sobretodo en las oníricas escenas de flashback.

Tenebre es uno de los máximos exponentes del giallo. Si quieres adentrarte en este subgénero no es una mala opción para empezar. Personalmente pongo por delante a Suspiria y Rojo Oscuro pero Tenebre a su vez me parece mejor que Inferno y Phenomena. Pero preferencias personales aparte tenemos que celebrar la tremenda carrera del señor Argento, que por trabajos como este se convirtió en la leyenda viva que es.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/tenebre-review.html

Rob Zombie no necesita presentación. Pero hubo un tiempo, hace ya 20 años, en el que sí la necesitaba. Su primera exhibición en el mundo del cine fue esta casa de los horrores y nadie sabía muy bien qué esperar de la súbita incursión de un metalero de renombre en el universo del cine. Hubo expectación máxima ante tal intrusismo, pero podemos decir que Zombie conquistó a casi todo el mundo con esta obra que supuso un enamoramiento instantáneo de su universo.

El Capitán Spaulding es un curioso personaje que regenta una gasolinera de mala muerte en medio de la nada, cuya decoración son un montón de cachivaches estrafalarios dignos del museo de los horrores. Una noche, cuatro amigos que se encuentran de viaje paran en su gasolinera a repostar…

Empecemos hablando de su dirección artística, impecable y llena de elementos. Máscaras, trajes, trastos de todo tipo, muñecos, huesos, calaveras, telas de araña… decorados excelentes en los que no falta detalle y que le dan una ambientación de mucho nivel a la peli. Costó 7 millones de dólares, que no es una suma enorme pero tampoco pequeña si tenemos en cuenta que han pasado dos décadas. Se nota que hay nivel de producción en esa estética tan cuidada.

Otro aspecto fundamental es el elenco: Sid Haig, encarnando al Capitán Spaulding, crea en los pocos minutos que aparece en pantalla a un personaje que se convirtió ipso facto en un referente de la cultura de nuestra generación. Karen Black, una actriz olvidada que había trabajado con Jack Nicholson o DeNiro, Rainn Wilson, un par de años antes de convertirse en Dwight Schrute, Walton Goggins encarnando al sheriff y Bill Moseley que ya había dado vida a un personaje terrorífico en La Matanza de Texas 2, sin olvidar a Sheri Moon, que aparece en todas las películas del autor. Zombie hizo aquí lo que Tarantino, recuperar a figuras un poco perdidas, dándoles un lugar en el Olimpo del terror.

A todo esto, hay que sumarle la personalidad que muestra el director. Su estética estrambótica, sus luces, sus insertos de videoclip por en medio, su rollo grotesco a la par que espeluznante. Es todo muy Rob Zombie y aunque en algunos aspectos no comulgo para nada, son marca de la casa, y se agradecía mucho en su día ver algo diferenciador y especial. El uso que hace Zombie de la música nos ha dado también momentos inolvidables (véase el final de la secuela de esta película, Los Renegados del Diablo) y en La casa de los 1000 cadáveres ya hay muchos momentos donde la música eleva la película.

Lo más flojo puede resultar ser el guion (porque no deja de ser la enésima versión de algo que ya conoces) y la estética de Zombie si no te gusta y te parece cargante. Pero, aun así, Zombie fue capaz de marcarse una trilogía con estos personajes, y de depurar su estilazo partiendo de este guion. La parte final dentro de la casa es un auténtico paseo por los infiernos que me sigue poniendo los pelos de punta, aunque la cinta también tiene elementos de humor y diálogos graciosos. Cabe mencionar también el montaje, picado y extraño a ratos, que le da un dinamismo original.

Así comenzaba el líder de la banda White Zombie su andadura por el celuloide. Tardó 4 años en llevarla a cabo, y se convirtió en uno de los cineastas de terror más importantes de los 2000.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/la-casa-de-los-1000-cadaveres-review.html

Frontier(s) es, sin lugar a dudas, el nuevo exponente del genial cine de horror llevado a cabo últimamente en el país vecino, donde cintas como A l’Interieur o Martyrs helarán la sangre al más curtido espectador. Sin llegar al nivel alcanzado por estas dos obras, Frontier(s) no dejará indiferente a nadie, a pesar de sus paralelismos con la saga de Hostel y también, porque no decirlo, las irreverentes Wrong Turn, deja a estas bastante atrás, en cuanto a barbarie y casquería se refiere.

Un guion sencillo y sin demasiadas pretensiones escrito por Xavier Gens, narra la problemática actual de los suburbios de París, atestados de jóvenes hijos de inmigrantes, con escasas opciones de futuro y dentro de una sociedad que no les permite prosperar, a pesar de ser nacidos en Francia. Ante semejante panorama la única salida posible, para los chicos, es abocarse a la delincuencia.

Mostrando unos efectos visuales más que correctos, los movimientos de cámara de las escenas de acción son frenéticos, el sadismo y la crudeza de algunos fotogramas se sale de lo común y, en definitiva, una calidad técnica que roza la perfección. En el apartado de interpretaciones la joven actriz Karina Testa realiza un papel muy meritorio y en general el resto de los actores están a la altura, también Samuel Le Bihan, como ex-oficial nazi y patriarca de la familia de dementes que, aunque a veces algo sobreactuado, le da a su trabajo un realismo bastante acusado.

Un grupo de jóvenes, de origen árabe, perpetra un robo aprovechando los disturbios causados en Paris, a raíz de la victoria en las elecciones francesas, entre un partido conservador y otro de extrema derecha. En su huida a la tolerante Amsterdam, deciden pasar la noche en un aislado hostal cerca de la frontera con Luxemburgo. La hospedería está regentada por una familia un tanto peculiar que hará que pasen una noche realmente inolvidable.

Buena película de terror gore, que además destapa problemáticas sociales de la actualidad, como es la escalada del racismo y el choque de culturas en el viejo continente. La producción hará las delicias de cualquier aficionado al cine francés de los últimos años.

https://www.terrorweekend.com/2012/02/frontiers-review.html

Tras el suicidio de su mentor, el psiquiatra James Martin debe asumir la misión que este dejó sin cumplir: determinar la locura o la cordura de un asesino múltiple que dice llamarse Nefarious y ser un demonio. Tras el juego del gato y el ratón entre el psiquiatra y el preso, Nefarious será ejecutado en la silla eléctrica o internado en una institución psiquiátrica. Las fuerzas se ponen en juego y antes de las once de la noche, siniestros sucesos tendrán lugar.

Nefarious arranca dinámica e interesante, aunque todo este principio es muy deudor de El Silencio De Los Corderos, con la llegada del protagonista a la cárcel y los primeros compases del “enfrentamiento” que tendrá lugar entre los dos protagonistas principales. El arranque de los diálogos también es rápido; como si de un partido de ping-pong se tratara, el turno pasa del preso al psiquiatra y viceversa.

Hay ideas interesantes a lo largo de este primer tercio que, como si de una obra de teatro se tratara, la relectura de la historia de la humanidad bajo el prisma de un demonio que tiene muchas quejas acerca de Dios y su supuesta “no beligerancia”. El libro en el que se basa Nefarious, The Nefarious Plot de Steve Deace, trata acerca de la creación y ascenso de Estados Unidos desde un punto de vista (muy) conservador, ya que el propio autor – con la voz de “su” demonio – avisa de los problemas que traerá el ascenso de la izquierda para la nación; sin haber leído el libro, independientemente de ese tono a conservadurismo, los comentarios destacan su capacidad de contar la historia de Estados Unidos con gran sentido del humor… Algo de lo que carece la adaptación a película llevada a cabo por Chuck Konzelman y Cary Salomon, dos tipos bastante peligrosos si atendemos a sus guiones anteriores: Dios (no) está muerto que trata sobre las dialécticas entre un chaval muy cristiano y el ateo de su profesor, y el panfleto antiabortista Unplanned, apadrinada por la productora evangélica Pure Flix.

Si partimos de aquí, encontramos joyitas a lo largo de Nefarious: ese tono grave con el que el demonio recuerda al psiquiatra sus “pecados” como dejar que su novia fuera sola para abortar ya que a él no le molaba tener hijos, o que hizo la eutanasia a su madre para quedarse con su dinero… Uff. No hay terror en Nefarious, sino una alargada conversación en la que, de pronto, se sale al exterior con personajes como el alcaide de la cárcel que hace una apasionada defensa de la pena de muerte aunque el acusado esté como unas maracas; entre los personajes solo faltaba un miembro de la asociación del rifle para tener el repoker del terror retrógrado en Estados Unidos.

La dirección de Konzelman y Solomon es competente e incluso brilla en las secuencias de la ejecución, pero todo está al servicio de la “palabra” y eso resta puntos. Sean Patrick Flannery se pasa con sus guiños, porque unos dicen que su personaje está tarado y él asegura tener el alma petada de demonios; Jordan Belfi tiene un palo metido en el recto durante parte del metraje, y el resto pone cara de sufrimiento extremo. Tom Ohmer es el alcaide y solo le falta escupir tabaco de mascar para ser más duro. El locutor radiofónico y conservador Glenn Beck aparece en el epílogo de Nefarious, solo para dejar más claro el mensaje de la película: Dios te ama, sé bueno.

Cuidaos de las películas de cristianismo extremo reconvertidas en películas de terror, son ovejas disfrazadas de lobos feroces.

https://www.terrorweekend.com/2024/02/nefarious-review.html