En 1993, Clint Eastwood rodó esa epopeya crepuscular llamada "Sin Perdón": un epílogo en clave Magna Cum Laude sobre el western y Sergio Leone. Habida cuenta de ésta, Spielberg hizo lo propio con el género de aventuras otorgándonos la que es, hoy por hoy, el cénit del cine de género: Indiana Jones y la Última Cruzada.

La cinta fue tan redonda y marcó a tantas generaciones que fue el epílogo perfecto para una trilogía de órdago: ya no había cabida para más cintas del intrépido arqueólogo y, aunque de forma oficiosa muchos considerásemos la aventura gráfica "Indiana Jones and the Fate of Atlantis" como la verdadera y natural cuarta entrega de la saga, ésta jamás llegó en formato de celuloide.

Sin embargo, una saga tan taquillera y un personaje tan icónico como Indy no podían quedarse en tres meras películas para el recuerdo y dos aventuras gráficas formidables.

Indiana Jones y el Dial del Destino es básicamente lo que tenía que haber sido la cuarta entrega de la saga (y no la quinta)

Aquella cinta del 2008 fracasó al intentar gustar a todo el mundo y no contentar a nadie, (principalmente copiando a la saga “Piratas del Caribe”) perdiendo por el camino el realismo, personalidad, la socarronería y frescura de Indy: nos encontrábamos con un producto meramente funcional que contaba con partes muy logradas pero que en su tramo final se desinflaba por decisiones esquizoides e ininteligibles de guion y una más que palmaria desgana de Spielberg en la dirección.

Quince años después, tanto Ford como el dúo calavera, (Spielberg y Lucas) desean cerrar la saga por todo lo alto contando con James Mangold como reputado director de cine de acción, (“Logan”, “Cop Land”, “Wolverine”…) ofreciendo una dirección sólida, directa y bien definida que no pretende engañar a nadie: sus dos horas y media son puro entretenimiento, cine cien por cien de aventuras de marca mayor que en nada tiene que envidiar a los grandes del género.

Se ha hablado mucho acerca del tan laureado final de Ford con Indy, ( no es para menos: su personaje a destetado a generaciones enteras ansiosas por devorar otra aventura del incombustible Indy) y las expectativas eran tan altas, que no es extraño la decepción existente entre cierto público y crítica que pedía peras al olmo y se ha encontrado de bruces con un roble añejo pero sólido y con poso: no es que Ford/Indy hayan cambiado, es que somos nosotros los que hemos cambiado y pedimos al personaje, director y guionistas un reboot continuado de las aventuras de Indy.

Lo cierto es que la cinta tiene muy pocas cosas que criticar: los efectos especiales son realistas y el deaging funciona a la perfección, reencontrándonos con un Ford que se ve increíblemente realista en su “yo” joven. Pero es que la cinta no decae en absoluto con el Ford/indy en su edad real: el personaje sigue siendo entrañable, sigue siendo “nuestro Indy” porque en el fondo sabemos que Ford se interpreta así mismo y sin contemplaciones con sus malas pulgas y sus chistes malos que han encandilado a generaciones enteras.

Lo único criticable de la cinta es que peca de conservadora y podía haber dado una vuelta de tuerca más a su trama, más que interesante, ahondando en sus personajes secundarios, (Sallah, Renaldo, Mason…) y llevando al público más maduro al cénit de un argumento no tan prototípico.

Aun con todo, “Indiana Jones y el Dial del Destino” es la verdadera cuarta entrega de una trilogía que quedó perfectamente cerrada con “Indiana Jones y la Última Cruzada”, (1989). No sólo no es una secuela innecesaria si no que demuestra que la edad es sólo un número y cuando se tiene un buen guion, excelentes actores e ilusión y respeto por la saga, todo es posible, incluso devolver la dignidad a un personaje de ficción irrepetible.

Ah, otra joya olvidada de la prolífica productora Troma, famosa por su habilidad para crear aberraciones cinematográficas con temas de residuos tóxicos y mutaciones descabelladas. Todo está meticulosamente diseñado para ser chapucero, barato y extraño, como si se esforzaran por alcanzar el pináculo del cine de serie Z.

La primera mitad de la película, sorprendentemente, no es del todo desastrosa. La dirección logra mantener cierta solidez, aunque el ritmo fluctúa tan desordenadamente como los latidos de un corazón moribundo. Sin embargo, hay que reconocer que las escenas de sangre y horror cumplen su cometido de manera eficaz, a pesar de estar atrapadas en esta telaraña de mediocridad. Incluso los maquillajes y efectos especiales, que seguramente fueron creados con el cambio que encontraron debajo del sofá, no son tan atroces como podrías esperar.

Pero, ay, la segunda mitad de la película se hunde rápidamente en las profundidades de la depravación cinematográfica. El ritmo se arrastra como un caracol con artritis, y como si eso no fuera suficiente, deciden incrustar escenas de romances forzados que te hacen desear una amnesia instantánea. Los personajes, que alguna vez tuvieron algo de interés, se desvanecen como pompas de jabón, y en su lugar, te bombardean con un mar interminable de escenas insustanciales. Es una verdadera lástima, pero, qué se le va a hacer, ¿no?

Pero oye, no todo es calamidad en este espectáculo de horror. A pesar de los desatinos, se puede afirmar, desde mi particular punto de vista, que la película tiene más virtudes que defectos. Aunque, claro está, eso no significa mucho en un océano de mediocridad.

Así que si eres un seguidor acérrimo de los maestros de la extravagancia de Troma o disfrutas de las atrocidades del cine de serie Z, adelante, date el gustazo. Pero déjame advertirte que será más por curiosidad masoquista que por cualquier otra cosa. Y si solo buscas desmembramientos y vísceras, sí, encontrarás algo de ello en esta obra maestra del horror de baja categoría. Pero no te hagas demasiadas ilusiones, ¡sería un error imperdonable!

"Las Minas del Rey Salomón", dirigida por J. Lee Thompson en 1985, es una película de aventuras Pulp, camp y explotation de la exitosa franquicia de Indiana Jones, aunque con un sabor propio. Si bien es evidente que toma prestados algunos elementos del icónico arqueólogo, la película se destaca por sus propias virtudes y presenta una emocionante historia llena de acción, suspense y comedia.

La trama sigue a Allan Quatermain, interpretado por Richard Chamberlain, un intrépido explorador que se embarca en una peligrosa expedición en busca de las legendarias minas del Rey Salomón en África. A lo largo de su viaje, Quatermain se encuentra con tribus hostiles, enfrenta trampas mortales y se involucra en emocionantes escenas de acción. La narrativa, aunque familiar, es entretenida y mantiene al espectador interesado en descubrir qué sucederá a continuación.

J. Lee Thompson demuestra su habilidad como director al capturar la esencia de las películas de aventuras y crear una atmósfera vibrante y llena de energía, (teniendo en cuenta el exiguo presupuesto que la Cannon aportaba a estos proyectos: mínima inversión, máximo beneficio). A pesar de sus marcadas carencias, la película cuenta con una dirección sólida y momentos visuales impresionantes que te sumergen desde la misteriosa selva africana, pasando por poblados exóticos hasta el propio volcán que te hacen sentir parte de la expedición.

El reparto, encabezado por Richard Chamberlain, ofrece una actuación convincente. Chamberlain encarna a Quatermain resulta carismático y vulnerable, lo que evita un personaje cargado de testosterona y lo hace bastante más humano y con un cariz cómico bastante natural. Sharon Stone, en uno de sus primeros papeles destacados, muestra su talento y carisma como Jesse Huston, una compañera de aventuras valiente y decidida. Aunque los personajes son interesantes, la química entre los protagonistas a veces se siente forzada y no alcanza el nivel de las relaciones en las películas de Indiana Jones.

"Las Minas del Rey Salomón" también cuenta con impresionantes escenarios, transportando al espectador a un mundo exótico lleno de peligro y situaciones hilarantes. Sin embargo, es difícil ignorar las similitudes evidentes con las películas de Indiana Jones 2, (el Templo Maldito) lo que puede hacer que la película se sienta como una copia vulgar y barata en lugar de una obra original.

En resumen, "Las Minas del Rey Salomón" es una película de aventuras emocionante que rinde homenaje a Indiana Jones. Si bien presenta una dirección sólida, actuaciones convincentes y escenarios impresionantes, no logra escapar completamente de las sombras de la famosa franquicia. A pesar de sus defectos, sigue siendo una experiencia entretenida y llena de acción para los amantes del género de aventuras, que ofrece su propio encanto y emoción a pesar de las comparaciones inevitables: la cinta a veces se siente más Indiana Jones que la propia Indiana Jones, (sobre todo la segunda y fallida cuarta parte). No goza de la genialidad Ford-Spielberg-Lucas pero si se tienen en cuenta las condiciones tercermundistas en que fue grabada, (típico se la Cannon) obtenemos un film bastante digno que destila socarronería, un humor camp y de chascarrillo pero que funiciona, a pleno servicio de la historia y sus personajes hipercaricaturizados; aporta bastante más emociones que la última entrega de la franquicia a la que supuestamente está copiando porque en su desarrollo, no esconde sus costuras y resulta entrañable y divertida.

Un clásico de culto.

Vista la reciente, "Pleasure", (Ninja Thyberg, 2021) no podía evitar los ecos de éste pequeño tele-film de los 80s basado libremente en la vida de la estrella prono, Shauna Grant.

Cualquiera que haya visto la película de Thyberg, podrá comprobar que las coincidencias son más que obvias y que lo único que diferencia a ambas, es el nivel de explicitud expuesta en cada filme.

Sandor Stern se limita a elaborar una crítica feroz hacia el American Way Of Life de finales de los 70s y principios de los 80s dirigidos por el ultra-conservadurismo Ronaldreaganiano donde toda mujer americana que se precie debía conservar su virginidad hasta el casamiento, (sic) siendo principalmente el estereotipo de chica americana, la típica rubia de ojos claros, enormes tetas y sonrisa angelical, personalidad inocente, rayando el encefalograma plano.

Podemos criticar muchas cosas de la cinta de Sandor Stern, (principalmente su tufo televisivo y moralizante) pero no podemos obviar que el estereotipo sigue estando ahí, al servicio de una industria malévola que tritura personas, víctimas de un establishment y unos cánones feroces, imposibles de alcanzar.

Por tanto, no es de extrañar que la joven Pauleen Anderson (Jonna Lee) acabe con sus huesos en el peor de los dramas posibles: adicta a la cocaína, enfrentada a su familia, (por resquebrajar el honor familiar de tener a una actriz porno como hija) objeto de una industria implacable y finalmente, asqueada y desquiciada de una corta pero intensa vida de idas y venidas hacia ninguna parte, siendo el juguete roto de traficantes de droga, directores y actores despiadados, (el veterano actor y director porno John Leslie le contagió herpes, hepatitis b y la obligó a abortar tras quedarse embarazada en una maratoniana sesión de rodaje con 37 hombres) se quitó la vida a la temprana edad de 20 años con un rifle del calibre 22.

Allá por 1997, cuando el director español Alejandro Amenábar presentaba su segundo largo, ("Abre los Ojos", 1997), entre risas, no podía negar que parte de su idea para escribir el guion de su segunda película, partía de la base ya expuesta por Wes Craven en 1985, (nada nuevo si tenemos en cuenta que para "Los Otros" se sirvió de inspiración de "Al Final de la Escalera", 1980, Peter Medak)

Huelga decir que el apogeo en los 80s de servicios de pago por cable en televisión, brindó una serie de productos bien confeccionados que eran después comprados por TVE y emitidas a madia noche. Todos ellos, aun con su tufo televisivo, gozaban de una calidad para nada desdeñable, teniendo en cuenta su furtivo, casi tercermundista, presupuesto.

"Chiller" (o Hibernado Vivo) aprovecha el fervor en los 80s por la criogenización y la vitrificación de los cuerpos cuyos clientes han preferido confinarse en un congelador, en aras de que en un futuro no muy lejano, los avances en la ciencia puedan resucitar sus cuerpos y curar la afección que padecieron. Se cree que en el mundo existen más de 300 cuerpos criogenizados a la espera de poder ser resucitados algún día.

Si bien, la idea no es nueva ni original, (ahí tenemos la cinta de Mel Gibson y Steve Miner "Eternamente Joven) lo cierto es que Wes Craven sabe hilar un buen thriller con tintes de terror.

Michael Beck lidera un reparto televisivo pero sólido, (Jill Schoelen, Paul Sorvino) interpretando a un despiadado Miles Creighton, que tras fallecer por una cirrosis hepática, es devuelto a la vida diez años después gracias a una nueva técnica de trasplantes.

A partir de ahí, Wes nos ofrece un thriller que trata de romper sus propias limitaciones temporales y presupuestarias, para exponer los límites entre la ética y la ciencia. Cierto es que no se indaga en la razón que lleva a su personaje principal a actuar de esa forma y se pierde en diálogos vagos que buscan más evadir el tema que ahondar en él. Una lástima porque Michael Beck resulta inquietante y estremecedor por momentos y se desaprovecha su interpretación en otro bodycount killer. Siendo los momentos más potentes en los que acecha a su hermanastra, (interpretada por Jill Schoelen, que ya la vimos en otro thirller televisivo: "El Padrastro", 1987)

A su favor, la atmósfera, netamente ochentera, la música de Dana Kaproff que evoca ligeramente los mejores momentos de Pesadilla en Elm Street y algunos efectos especiales, tan sencillos como efectivos, (la resurrección de Miles)


Por lo demás, una cinta con un ritmo perfecto a la que sólo se le puede criticar la falta de trasfondo en la naturaleza de su protagonista y el tufo ochentero televisivo. Superadas ambas taras, "Hibernado Vivo" es un thriller atípico que deja con ganas demás sobre el tema.

Olvida todo lo que hayas visto en la última década de terror descafeinado, ultra censurado y predecible: Posesión Infernal: El despertar es un verso suelto del cine mainstream en el que las películas de terror son sólo vehículos chuscos de lucimiento de nuevas estrellas sin nada que decir.

Estamos ante un regreso al cine duro de los 80s, en el que no se escatimaba lo más mínimo en mostrar brutalidad descarnada bajo chorros y chorros de casquería.

La historia es simple: una familia desestructurada vive en un edificio a punto de ser demolido y en uno de tantos terremotos, en el sótano se abre una cámara ocultan donde reside el mal a punto de destruir todo a su paso.

Las actuaciones tanto de Sutherland y Sullivan son potentes, crudas y sobrecogedoras gracias a un guion que sabe dar donde más duele y que no busca caer en el fanservice o agradar al espectador: es cine hecho con malaleche, pero bien hecho, de esas pelis que hace eones no recordábamos ver en la gran pantalla.

La dirección de Lee Cronin sin ser excepcional, es plenamente efectiva e inteligente: toma todo lo mejor de películas como "Demons", (Lamberto Bava, 1985) o la mismísima "El Exorcista", (William Friedkin, 1973) sirviéndose de ésta última para plantear el drama familiar que da coherencia a una historia no circunspecta ni constreñida a los cánones típicos del cine de género ni a escupir al espectador con imágenes abominables: tenemos a una familia acechada por un ente demoníaco cebándose con los débiles. Consigue que nos identifiquemos con cada uno de sus personajes sin limitarse a ser meros bodycount.

Pero sin lugar a dudas donde de verdad acierta su director es en el pulso y ritmo de la cinta, así como su implacable propuesta haciendo de lo impredecible, virtud: cualquiera puede morir y no sabemos exactamente ni cómo ni cuándo.
Como único punto negativo, el uso del CGI hace que la apariencia de los entes sea mucho menos aterradores que sus versiones putativas ochenteras. A su favor: la fotografía, la iluminación y planos hitchcockianos.

En definitiva: imprescindible para los amantes del terror del bueno.

"Demons 2" es una película de terror italiana dirigida por Lamberto Bava, que sigue el estilo del éxito de su predecesora, "Demons". La trama se desarrolla en un edificio de apartamentos en el que ocurren eventos sobrenaturales después de que una mujer observa como un demonio sale de su tv. La película cuenta con una serie de personajes secundarios y una gran cantidad de efectos especiales para generar tensión y miedo en la audiencia.

Aunque "Demons 2" tiene un buen ritmo y un nivel de tensión constante, en comparación con la primera película, esta secuela carece de la misma originalidad e impacto. La trama es predecible y sigue los clichés típicos del género, con personajes planos y sin profundidad emocional. Además, la película no aprovecha plenamente el potencial de la localización del edificio de apartamentos, lo que le quita el sentido de claustrofobia y confinamiento que podría haber sido una fuente importante de tensión.

En cuanto a los efectos especiales, aunque son impresionantes para la época en la que fue realizada la película, no han envejecido bien y algunos parecen algo rudimentarios en la actualidad. Además, hay algunos elementos de la trama que no están bien explicados y parecen ser agregados simplemente para llenar el tiempo.

En resumen, "Demons 2" es una película de terror entretenida y bien dirigida, pero que no logra destacar en un género saturado de películas similares. Aunque es una buena opción para los amantes del terror de los años 80, no ofrece nada nuevo o innovador en cuanto a la trama y los personajes.

La saga “Dead Space” fue iniciada en 2008 por un formidable y nutrido grupo de creadores, llamado Visceral Games: el joven estudio, impresionado por el revolucionario juego de acción y terror Resident Evil 4, quiso emular la obra maestra de Shinji Mikami en formato de juego de ciencia-ficción, no en vano, son más que obvias las influencias vertidas en éste “Dead Space”: Alien, La Cosa y Horizonte Final como principales inspiraciones tanto en la atmósfera malsana del Ishimura como para la creación de aberraciones denominadas “necromorfos”.

El juego en su momento supuso un revulsivo en el sector de los videojuegos e inició una saga de varias secuelas que vería su triste final en 2013 con Dead Space 3. Por el camino quedó un grupo de diseñadores increíble, capaz de dotar a un simple y mero objeto de entretenimiento en toda una obra maestra de culto. Electronic Arts decidió finiquitar las andanzas del grupo tras el fiasco que supuso tanto “Dante’s Inferno” como “Dead Space 3”.

Tuvieron que pasar más de 15 años para que E.A. rescatara la saga en forma de remake: al principio la comunidad se dividió entre los que tildaban de innecesario remake (a un juego cuyo aspecto visual y jugable aun permanecían frescos) y los que veían cumplidos sus deseos de rescatar la saga de un injusto olvido. Sin embargo, E.A. decidió ir más allá y no elaborar un simple remake: si Dead Space ya era sobradamente gore, violento y aterrador, su remake va mucho más allá: estamos ante una obra que madura, pule y perfecciona la fórmula original haciendo del jugador el confidente perfecto para la experiencia más intensa que se ha vivido en el gremio en años: el juego es oscuro, impredecible y notoriamente desagradable. Los necromorfos son mucho más brutales, han crecido en tamaño y agresividad, se les va desprendiendo la carne y no mueren tan fácilmente como en la obra original.

La ambientación y rediseño han ganado bastantes enteros: el Ishimura ha crecido para mejor, ahora ya no estamos ante un juego de raíles donde es fácil predecir cuándo y donde atacará la horda de entes sedientos de carne, ahora la exploración es mucho más intensa y juega con las sombras, los sonidos y la oscuridad al vernos muchas veces atrapados en intrincados laberintos donde la única fuente de luz son los malévolos ojos de los necromorfos acercándose para despedazarnos: mientras en la obra original los enemigos acababan siendo fáciles de eliminar, en ésta se han vuelto notoriamente implacables y siguen vivos incluso después de desmembralos.

Mención a parte el lore extendido de la trama: Isaak Clarke habla, cobra entidad propia, el resto del elenco es mucho más profundo y natural y la historia de la secta “Uniología” se ha expandido para dar más coherencia a la trama y no convertir a la obra en un mero vehículo de tiros, desmembramientos y acción.

Con todo, si el “Dead Space” original contó con dos sendas películas de animación para promocionar el juego, “Dead Space Remake” toma todo ello y lo lleva a la perfección, enmendando en parte, el fallido epílogo de la saga con su última entrega: Dead Space 3.

"Avatar: El sentido del agua" es la tardía secuela de su predecesora, "Avatar", (James Cameron, 2009) cinta que inauguró la efímera fiebre por las cintas y gafas 3D pero que pocas, por no decir ninguna, (con la excepción su obra seminal) realmente aprovechaban dicha tecnología.

Teniendo en cuenta que "Avatar I" es la cinta más taquillera de la historia del cine y que se ha dicho de todo sobre ella, a día de hoy es un filme que aguanta muy bien el paso del tiempo en el apartado visual pero no tanto a nivel narrativo porque pretendía ser algo que no era: una historia profunda.

Transcurridos 13 años de la primera película, "Avatar: El sentido del agua" es un espectáculo “family friendly” para todos los sentidos: no existe en sus 192 minutos ápice para el aburrimiento. Es en sí misma, un parque de atracciones diseñado para ser disfrutado en 3D y gozar de la inmersión y el placer de nadar con los Na’vi.

Es un blockbuster descomunal, dinosáurico preñado de ambición mesiánica por lo visual que, a diferencia de los bodrios perpetrados por Ridley Scott, (Legend, Prometheus, La teniente O’Neil) a su narrativa visual, le acompaña una historia sencilla pero bien contada con personajes carismáticos y bien construidos. En ese sentido, Cameron se resarce de su primera entrega y no finge entregarnos un panfletillo New Age, aquí nos sumerge, (literalmente) en una aventura que homenajea a "Tiburón”, (Steven Spielberg) Titanic, Coccoon, Abyss, Aliens, etc...

En definitiva, “Avatar” no esconde lo que es, pero sus dos grandes virtudes son: devolver el sentido del espectáculo sólo disfrutable en una sala de cine, (un espectáculo como Avatar no se puede disfrutar en un salón de casa) y es saber comulgar todos los pros de este tipo de productos y multiplicarlos al enésimo denominador. Tanto si te gusta como si no la anterior entrega, cierto es que James Cameron ha sabido elaborar un producto que hace honor a su tecnología y devuelve al cine a sus orígenes: el puro entretenimiento.

Película basada en el crimen de Santoalla y que conmocionó a media España por el oscurantismo y brutalidad de la tragedia.

"As Bestas" es una suerte de "Perros de Paja", (1971, Sam Peckinpah) en la que una pareja extrajera, (formidables tanto Foïs como Ménochet) se ve acechada constantemente por una pareja de vecinos sacados de cualquier obra de Miguel Delibes: hombres desgarbados, de trato animalesco y en los que se alberga un odio atávico brutal y costumbriasta para con los foráneos que no acatan el rango consuetudinario del terruño.

Si bien, la película va aumentando en intensidad, fracasa a la hora de generar suspense y desarrollo de la trama en su tercio final, dejando la resolución de la trama coja en un abrupto epílogo que no logra el objetivo pretendido: cerrar la cuadratura del círculo narrativo y de construcción de sus personajes.

De todos modos, "As Bestas" funciona mucho mejor como drama real, (así fue realmente concebida) que como thriller. Lástima que el marketing haya intentado vender la cinta como si fuera la versión gallega de la cinta de Peckinpah.

Ante todo, "As Bestas" es un gran drama de esa España rural, castiza y relativamente superada que aún persiste en el subconsciente folclórico popular y que, de vez en cuando, sale a pastar para dar una tramontana coz de realidad.

Andrew Davis, (Alerta Máxima, Un Crimen Perfecto, Daño Colateral) firma una cinta que en su momento supuso un taquillazo brutal: de los 44 millones de dólares que costó, se extrajeron 368 millones, ahí es nada.

Lo cierto es que la historia de "El Fugitivo" ya contaba con una popular serie en los 60s y además se basaba en un hecho real, pero Hollywood es Hollywood y nunca pierde la oportunidad para contarnos como hubiera sido una hipotética huida, ya que el reo original, jamás fue prófugo de la justicia.

Aun a pesar de sus grandes virtudes: un plantel de actores formidable, destacando por encima de todos, Tommy Lee Jones, (ganó el Óscar a mejor Actor Secundario en 1993). La película no deja de ser un blockbuster de manual con un Harrison Ford que lo hace muy bien cuando corre, salta, pelea y huye pero empantana cuando tiene que sacar sus dotes dramáticas: es imposible hacer llorar a éste actor.

Por contra, la cinta desparrama cuando trata de insuflar suspense a una trama claramente predecible. Sabemos quién es el villano desde el minuto cero, las dotes dramáticas de Ford no ayudan pues sus personajes están preñados de testosterona y Lee hace lo que puede dentro de lo que da de sí un personaje hipercaricaturizado: es un depredador implacable que transmite más con sus silencios que con las artificiosas frases del guion.

En definitiva, aunque "El Fugitivo" supuso un incontestable éxito de taquilla, a día de hoy se le notan las costuras blockbusterianas noventeras. Fue un producto redondo en su momento, pero el ritmo crepita en un estrepitoso coitus interruptus: el villano, la subtrama y la resolución de la misma no terminan del todo de cuajar y se desinfla en un duelo final más propio de cualquier película barata de acción que de una superproducción con Harrison Ford al frente de todo el tinglado. El tufo a película de autobús es palmario.

Si funciona todo el festín de acción y persecución es porque hay un nutrido reparto de caras conocidas que saben hacer bien su trabajo pero que no dan más de sí porque sus personajes están lastrados por arquetipos sobados y subtramas conspiranóicas poco creíbles.

"Superdetective en Hollywood III" es inicio de la decadencia del humorista reconvertido en héroe de acción de los 80s. Eddie Murphy en los 90's lo intentó todo: desde dedicarse a la música, pasando por dramas olvidables hasta reconvertirse en un macho man capaz de tirarse hasta a la apuntadora.

Lo cierto es que para mediados de los 90s, la figura de Murphy ya estaba muy devaluada: su humor fresco hedía a pescado frito y su nueva pose de gigoló resultaba recalcitrante: Películas como "Boomerang" o "Un vampiro suelto en Brooklyn" exudaban un ramalazo chungo a Pachuli y condones usados.

Ésta tercera parte de la franquicia terminó de hundir a un muy devaluado John Landis y finiquitó para siempre la saga de Axel Foley. Cierto es que la película cumple como mero entretenimiento pero no menos cierto es que la cinta resulta ridícula: desde los remixes del soundtrack hasta el sinsentido del guion: una sitcom donde los personajes entran y salen como si hablaros de "Fraser" o "Cosas de Casa". Por otro lado, el guion intenta vendernos una especie de Cluedo donde no sabemos quién es el malo de verdad: resolución de la trama torpe y predecible.

En definitiva, lo que lastra ésta película es su ausencia de ritmo, las incongruencias de guion y lo predecible de su resolución final. Es una amalgama de clichés de las dos anteriores que, en si misma, es un parque temático de gags de toda la filmografía de Murphy, pero sin chispa ni gracia.

Tras el fiasco de ésta entrega, se fue hablando de vez en cuando y muy tímidamente de rescatar a Axel Foley de nuevo, y en verdad parece que hay una cuarta entrega en camino a mayor desdicha de éste insufrible mundo.

Que el macho-alpha-omega italo-americano empezaba a perder aceite allá por mediados de los 90s, no sólo era ya un hecho constatado y palmario: él mismo renegó de su propia carrera en Cannes, aludiendo la cantidad de filmes putrefactos que había perpetrado a lo largo y ancho de su dilatada carrera.

“El Especialista” es un subproducto con sobredosis de anabolizantes y sudores fríos: el argumento es entre delirante y estúpido, tomando al espectador como un simple simio que traga con todo: “Un experto en explosivos, antiguo miembro de la CIA, es contratado por una hermosa y misteriosa mujer con el objeto de acabar con un grupo de mafiosos que asesinaron a sus padres cuando ella era una niña.”

El personaje de Sharon Stone, May Munro, no es más que un sucedáneo muy sui generis de su formidable Catherine Tramell en “Instinto Básico”, (Paul Verhoeven, 1992) al servicio de un Stallone que parece pasarse medio metraje pagafanteando a la diosa Nubia, (hilarante la escena donde un sudado Stallone está montando las bombas mientras escucha los audios de su cliente o cuando éste está haciendo yoga…)

Lo cierto es que la cinta actúa de dúplex barato en el extrarradio de cualquier ciudad provinciana de mala muerte: es un mero vehículo de lucimiento de una emergente Sharon Stone y un bote salvavidas para la declinante carrera del potro italiano. Es tal la falta de química entre ambos, que cuesta creer que el rictus facial de Stallone es más por despecho que por mera tara congénita: para la escena de la ducha, el dúo calavera se negaba a rodarla juntos; tuvieron que ser el stuff de la cinta los que emborracharan a ambos para rodarla.

No hay que olvidar al siempre solvente James Woods, aquí se lo pasa pepa y pipa haciendo de cabrón, (vamos, lo que viene siendo coda en toda su carrera) al acecho de su otrora compañero de cacerías, (Stallone): el potro italiano en un alarde de mayestático hijoputismo , exigió que se recortaran las escenas de Woods; sabedor que éste podía hacerle sombra a años luz de capacidades interpretativas. Y tampoco pasa desapercibido el hermano de Julia Roberts: Eric Roberts, haciendo de malo maloso, gerifalte de la mafia miamense, con un par de pelotas capaz de lanzarle un pico al mismísimo Stallone. Lo ridículo de la cinta es la diferencia de edad entre Roberts y Stone: se supone que ella tiene veinte años y el personaje de Eric Roberts treinta muy largos… En realidad, Roberts sólo es dos años mayor que Sharon Stone. Lo increíble es intentar colar a una actriz como Stone, que da el perfil de femme fatale definitiva como una simple e inocente veinteañera ansiosa de venganza.

En definitiva, El Especialista es una cinta que costó 45 millones de dólares y recaudó 170 millones. No fue un fracaso en taquilla pero si un aviso al potro de que sus días de gloria llegaban a su fin.

El recientemente desaparecido Ray Liotta, emergió en los 90s como joven promesa del cine de acción y drama. Y “Escape de Absolom”, (No Escape, 1994 Martin Cambell) era el producto definitivo para auparlo al nivel de Bruce Willis, Van Damme, etc… Ni que decir tiene que Liotta está muy por encima de estos dos últimos en términos estrictamente interpretativos, sin embargo, la cinta fracasó en taquilla por diversas razones: la principal, lo predecible de la trama, (a medio camino entre Fortaleza Infernal, Mad Max, El Señor de las Moscas y Escape From New York)

Por otro lado, el plantel de caras conocidas, son eso, caras conocidas: actores secundarios típicos de los 90s, (Lance Henriksen, Ernie Hudson, Kevin Dillon…) puestos ahí en modo body count para justificar un discreto Blockbuster al que pronto se le ven las costuras.

Sin obviar que, aunque la labor del villano principal, encarnado por Stuart Wilson, (el villano de La Máscara del Zorro, 1998) resulta por momentos inquietante, en el fondo acaba siendo un villano fallido, cuyas líneas de diálogo son predecibles, infantiles y hasta irritantes. Sabemos que no tiene trascendencia alguna y que el director es incapaz de ofrecer el cliffhanger de rigor para salvar todo el tinglado montado para mayor goce y gloria de un Ray Liotta que, si bien es un maravilloso secundario, el papel de protagonista se le viene grande.

Tampoco hay que dejar de lado la estrepitosa realización de Martin Campbell, director curtido en servir productos televisivos y filmes directamente estrenados en el circuito doméstico, (antaño video-clubs ahora plataformas de streaming): la cinta tiene un tufo a cine de bajísimo presupuesto, casi formato televisivo y trasfondo serie z.

Con todo, Escape de Absolom reúne todas las filias y fobias típicas del cine de acción de los 90s, (Water World, StarGate, Contact) es decir, son productos relativamente inofensivos, (no obviamos la pátina racista/supremacista de la cinta que nos acontece) con plenitud de clichés, estereotipos y fuegos de artificio. Sirve como mero producto de entretenimiento cuando no sabes exactamente qué deglutir un domingo por la tarde.

"La Ciudad Sumergida" es una propuesta más del cine de aventuras que se hacía antes en los años 60's: technicolor, personajes planos y estructuras narrativas clásicas: el héroe que tiene que salvar a la dama y el compañero simpaticón que ameniza los momentos cómicos.

En éste caso, nos encontramos con un cruce entre "20.000 Leguas de viaje submarino" y "Viaje al centro de la tierra". Espléndidas cintas de aventuras para todos los públicos que hoy ya son clásicos.

Sin embargo "La ciudad sumergida" no puede sucumbir ante cierta torpeza en la realización, (demasiado hammeriana y predecible) un montaje poco ligero y un plantel protagónico demasiado anodino hasta para el propio rey de la función y curtido en estos pastos: Vincent Price.

La cinta comienza potente: una mansión en lo alto de un acantilado, noche de tormenta, hombres peces hoyando pasadizos de la mansión que se hunden en las mismas entrañas del mar. Todo muy Edgar Allan Poe, (la cinta se basa muy libremente en un poema del de Boston). El problema es que el bajo presupuesto, impide a la cinta avanzar en una propuesta más creíble y dinámica: el 90% ciento de la cinta transcurre ante angostos pasadizos de una ciudad sumergida plana y simplona donde los remiendos y costuras hammerianos cantan en demasía.

Por tanto, la cinta funciona más como mero vehículo de placer culpable freak y kitsch que como un auténtico producto de entretenimiento de calidad.
Y es una pena porque la cinta tiene una ambientación y arranques sumamente potentes que se van desinflando demasiado pronto.
Sólo para nostálgicos.

La saga Uncharted nació en la generación de Ps3, cuando ésta estaba perdiendo la batalla frente a Xbox 360: el excesivo precio de la máquina de Sony sumado a la carestía de títulos de verdadero renombre que justificaran semejante desembolso, estaban inclinando la balanza a favor de la máquina de Microsoft.

No obstante, Roma podía perder una batalla, pero jamás perdía una guerra: Sony encargó al estudio Naughty Dog, realizar su propio "Tomb Raider" mezclado con las mecánicas shooter de Gears Of War pero con plataformeo, puzzles y una historia épica. Dicho y hecho, Naughty Dog inauguró una de las sagas más memorables y queridas de los video-juegos y salvó las desastrosas ventas iniciales de Ps3.

Uncharted 4 es el colofón final a una trilogía increíble: lo más parecido a jugar una película de acción y aventuras, pero siendo tú mismo el protagonista: Uncharted 4 no es un video-juego al uso, es una obra de arte espectacular que entra por los ojos, pero también sabe contar una historia.

Y aquí tanto Neil Druckmann como Bruce Straley se marcan su propia secuela de los Goonies en clave adulta: dos hermanos tienen que desenmarañar el misterio de un tesoro pirata. El tesoro es el McGuffin, lo importante es el hilo argumental y lo bien hilada que está la historia, sus personajes y la dirección artística. Excelentes interpretaciones tanto en la versión original como en castellano.

Siendo la cuarta y última entrega, (hasta el momento) se puede decir que tanto Zelda como Uncharted son lo más parecido al Séptimo Arte que hay en el sector de ocio electrónico, una experiencia que merece ser vivida por su excelsa calidad jugable y por su narrativa totalmente cinematográfica que acaba siendo una increíble secuela espiritual de “Los Goonies”, (Richard Donner, 1985)

Salido del Benelux, aupado a los cielos y desterrado a los infiernos por la industria norteamericana en los 90's, Paul Verhoeven ha resucitado cual ave Fénix de sus propias cenizas incendiarias, pero aún más ígneo y polémico: ya no goza de mastodónticos presupuestos para llevar su parafernalia a medio mundo, pero el tipo sigue fiel a sus orígenes más brutales: Benedetta no es sólo una gran película, es una epístola romántica del holandés errante hacia su público.

Más aun, una historia como la que se cuenta en "Benedetta" y con los tiempos que corren, gozaría de toda la aprobación del establishment hollywoodiense pero cuando crees que estás viendo una obra maestra, de repente, el holandés saca su mala baba y azota al espectador con toda su verborrea más cáustica y hedionda: no se corta con nadie y si pensábamos que Verhoeven estaba acumulando méritos en el purgatorio, (cine de autor en Francia, que es donde van todos los desarrapados expulsados de USA) para regresar como Mahoma a la Meca a conquistar un más que merecido Oscar a toda su trayectoria. Está claro que estábamos equivocados: sexo explícito, ultraviolencia y un mensaje tan corrosivo que es difícilmente exportable más allá del nicho de seguidores que supo labrarse con productos como "Instinto Básico", "Robocop" o "Desafío Total".

Benedetta es una epifanía diabólica que busca noquear las conciencias. Lo tiene todo: excelentes interpretaciones, una realización soberbia, un helvético ritmo y una actitud destructiva genuina, auténtica y cuasi proto punk.

Por tanto, Benedetta sólo gustará a aquellos que estén familiarizados con las hoscas formas de un vehemente director que no se corta un pelo en sacar las miserias humanas y que desparrama con meadas fuera del tiesto, (el morbo per se, gratuito rozando lo burlesco) porque a éstas alturas, su trayectoria, edad y experiencia se lo permiten.

A modo de resumen, la cinta vendría de perlas como epílogo a “El Nombre de la Rosa”.

Lana Wachowski regresa en solitario tras 20 años de cerrar la cuadratura imperfecta de la trilogía original, (ese Matrix Reloaded chirriaba por todos lados) pero ahora en vez de intentar dar una vuelta de tuerca más al sempiterno enfrentamiento entre el hombre y la máquina, la cinta se convierte en un parc d'amusement donde el fondo narrativo importa poco pero el fuego de artificio lo es todo: desde el minuto cero nos enfrentamos a un cúmulo de escenas de acción sin parar, apabullando al espectador o, cuando menos, buscando su comicidad con un tono auto paródico más que necesario para una secuela, a todas luces, más que innecesaria.

Por tanto, Matrix Resurrections ha de ser tomada como un reboot que busca rizar el rizo por el flanco débil del espectador más exigente y no como una secuela directa de Matrix Revolutions: no es una cinta para fans de la trilogía original o yonkis de William Gibson, Matrix Resurrections es por y para las nuevas generaciones. De ahí las inoportunas elipsis evocando escenas del pasado con sobredosis de "deepfake" para dotar algo de literatura barata a una historia que pretende ser más compleja de lo que realmente es: una paz cerrada en falso, video-juegos, psicoanálisis y demasiados monólogos para una audiencia educada en Twitter y titulada en Instagram.

Tan perfectamente ejecutada como insulsamente narrada: ve a verla y que no te patinen las neuronas.

“El Hundimiento” es quizás el retrato robot más quirúrgico, sesudo y prodigiosamente objetivo no ya, del quimérico inquilino del Reichstag, si no de la propia nación que lo aupó al poder y avergonzada, se sienta ahora en el diván a rendir cuentas con su propio yo ¿Cómo fueron capaces de llegar hasta semejante punto?
“El Hundimiento” es el mejor registro sobre una figura histórica ya que no cede al maniqueísmo ideológico y sí a la pulsión científica, al rigor historiográfico y a la psicología de masas en su etapa final: los últimos días del Führer, son los últimos días de una nación enajenada por su propia orgía vengativa, su inherente sentimiento de inferioridad frente a otros imperios y las ansias vivas de imponer el imperio del mal sobre la faz de la tierra.
La prodigiosa interpretación de Bruno Ganz perfila el último estertor de un ente abominable, henchido de odio, violencia y autoritarismo que, ya hundido en la miseria de su propio averno, (el búnker) nos ofrece su lado más humano como ser derrotado dispuesto a ser el Nerón pangermanista.

"Hitler: El Reinado del mal" es una miniserie de dos episodios que trata de sintetizar la vida de "Addie" (Adolf Hitler) desde su compleja infancia, pasando por su época de artista de poca monta en Viena hasta acabar liderando el partido que masacró 60 millones de vidas humanas.

Por tanto, hay que perdonar las múltiples licencias que su director se toma para poder sintetizar tantos personajes y hechos relevantes en tan poco espacio de tiempo, obteniendo como resultado un Robert Carlyle que hipercaricaturiza en exceso su personaje, a un universo de lo logrado por el legendario Bruno Ganz en "El Hundimiento", (Oliver Hirschbiegel, 2004)

No obstante, la cinta funciona perfectamente como docu-drama genérico si lo que se busca es mero entretenimiento más que erudición y profundidad en los temas abarcados.

Lo que si nos queda claro, es que, a pesar de las miles de películas, documentales, testimonios y trabajos historiográficos, es casi imposible lograr un fidedigno retrato robot de Adolf Hitler, ya sea por mero maniqueo historiográfico, (la historia la escriben los vencedores) o porque simplemente el tipo en cuestión era tan deplorable, hierático y simple, (el mal por el mal) que no es posible realizar un retrato robot en condiciones del monstruo.