Largometraje suizo ambientado en la segunda mitad del siglo XIX, parte de dos ideas claramente diferenciadas, la fabricación de relojes en un pequeño poblado de este país y las concepciones anarquistas que comienzan a revolotear la mente de algunos de los personajes, especialmente este segundo tracto con la llegada del ruso Pyotr Kropotkin (Alexei Evstratov), personaje histórico valuarte del movimiento anarquista.

Cyril Schäublin es el director, guionista y editor de esta película, bellamente realizada con una ambientación hermosa, retratada por Silvan Hillmann como directora de fotografía donde se toma distancia filmando principalmente con planos generales mientras los personajes interactúan, con encuadres particulares, para posteriormente acercar un poco la cámara, en el filme tampoco hay un interés remarcado en presentar protagonistas, más allá de una colectividad general y una repetición de ciertos personajes que aparecen.

Se trata de una película diferente, con un ritmo narrativo lento, con intenciones claras referentes a la llegada de los ideales anarquistas, representado en los trabajadores y manifestantes, en enfrentamiento directo con la burguesía, claramente representada por la fabricación de los relojes, que representan trabajo, exactitud y perfección, ideas que parecen atractivas pero la película se vuelve pesada y con un camino tortuoso.

En época de posguerra donde los japoneses buscan salir adelante de la forma que fuera, en medio de la crisis y con la ocupación estadounidense (no se muestra, pero está muy presente en la trama), se encuentra el solitario y desolado Reikichi Mayumi (Masayuki Mori), un hombre que consigue trabajo gracias a su amigo Naoto Yamaji (Jûkichi Uno).

Este consistía en leer y escribir cartas en inglés, de parte de mujeres japonesas para soldados americanos con los que se habían involucrado sentimentalmente, pero donde estas lo que buscan es sacar provecho económico de estos hombres y su condición, un día llega a este lugar Michiko Kubota (Yoshiko Kuga), el gran amor perdido de Reikichi.

El reencuentro de ambos va a dirigir la propuesta de la trama, un flashback dirige las acciones al pasado donde se muestra su relación, una amistad desde niños, algunos eventos que marcaron a los personajes y la decisión de Michiko que los separó, el perdón va a ser complicado, tanto de la otra persona como a sí misma, ¿será el amor más fuerte?

Primer largometraje de la prolífica actriz japonesa Kinuyo Tanaka, basado en una novela de Fumio Niwa y con guion de Keisuke Kinoshita, realizador no tan conocido en occidente pero de gran relevancia junto con sus contemporáneos del momento. Se trata de un fuerte drama romántico (aunque no se muestra un solo beso en pantalla), con una fuerte influencia del contexto en el que se desarrolla.

Tanaka se toma su tiempo para desarrollar el argumento, primero para presentar a su protagonista, Reikichi, su contexto, su soledad, la falta de relaciones de pareja, seguido de Michiko, su contraparte, ese amor lejano que parece imposible, pero que ha llegado luego de tanto tiempo.

Un gran inicio para esta realizadora, su primer largometraje pero se nota mucha experiencia, sabedora del oficio, filma con muy buen pulso.

1964. Charlotte Hollis (Bette Davis) vive recluida en la enorme mansión que era de su padre, ha vivido ahí durante toda su vida y se mantiene en este lugar debido a un terrible acontecimiento sufrido treinta y siete años atrás, cuando siendo una joven intentó escapar con su amante John Mayhew (Bruce Dern), hecho que se convertiría en un completo desastre.

Charlotte queda trastocada ante esa fatídica noche, es señalada y su comportamiento errante es de una persona desequilibrada que ha perdido la razón, su cotidianeidad se ve fragmentada cuando aparece su prima Miriam Deering (Olivia de Havilland) y su amigo Drew (Joseph Cotten), que intentarán ayudarla con unos problemas con los terrenos de la casa y la construcción de una autopista en dicho lugar.

La película está basada en What Ever Happened to Cousin Charlotte?, una historia no publicada de Henry Farrell, adaptada por él junto a Lukas Heller como escritores del guion. Es una clara y enorme muestra de cine clásico, como esas películas que ya no se hacen, con un director de un corte igual de clásico y un elenco en estado de gracia, con esos caracteres tan propios del cine de esa época.

Pero sobre todo, lo relevante del filme es que a pesar de haberse estrenado hace medio siglo, es una obra tan vigente como nunca, con una trama que sorprende en momentos, que maneja muy bien sus recursos narrativos, porque mientras se va desarrollando en el presente se van arrojando luces del pasado y de lo acontecido en la fatídica noche.

Además, Aldrich con una dirección excelsa, encamina de buena forma todos aquellos elementos que buscan mostrar la locura de la protagonista, esto y la marcada fotografía en blanco y negro de Joseph F. Biroc, hace que la película tenga un aire terrorífico e insano, además del trabajo de maquillaje y actuación de Bette Davis o el personaje de Velma (Agnes Moorehead).

1935. Madeleine Verdier (Nadia Tereszkiewicz) es una joven actriz de poco éxito que es acusada de asesinar a Montferrand (Jean-Christophe Bouvet), un afamado productor, ella es llevada a juicio siendo defendida por Pauline Mauléon (Rebecca Marder), su amiga y compañera de cuarto, a pesar de tenerlo todo en contra, la resolución del litigio va a impulsar la vida y carrera de ambas.

La película es una adaptación de la obra teatral homónima (1934) de Georges Bern y Louis Verneuil, que ya fue puesta en escena en un par de filmes estadounidenses menores: True Confesión (1937) de Wesley Ruggles y Cross My Heart (1946) de John Berry. En la presente adaptación, Ozon comparte el guion con Philippe Piazzo en su tercera colaboración, ofreciendo un aire diferente a la obra.

Y es que el realizador parisino hace todo un homenaje al cine clásico, la película es presentada con esos alicientes, hasta se puede pensar con ciertos acercamientos al cine gansteril (muy tenues, pero vean el póster), o al crimen por el claro motivo que mueve los engranajes de la película, así mismo, se le da espacio a referencias al cine mudo con la llegada del personaje de Odette (Isabelle Huppert) y por supuesto, la figura de la femme fatale que es constante.

El filme se desarrolla en tono comedia de forma ágil y liviana, donde también se presenta una clara crítica al sistema y el papel de la mujer en la sociedad del momento, obra con alto grado de sororidad por donde se le mire, tampoco sin mostrarse como un panfleto o que esto abrume en el desarrollo del largometraje, aunque es importante dentro de las ideas que propone. Entretenida y con giros bastante oportunos que llegan a salvarla del encasillamiento.

Condensada en hora y media de duración, Ingmar Bergman ofrece un durísimo relato centrado en tres hermanas y su criada, Agnes (Harriet Andersson) padece de una enfermedad terminal que la tiene al borde de la muerte, pasa sus días en la mansión familiar al lado de Anna (Kari Sylwan), la abnegada sirvienta que la cuida día y noche.

Por su parte, Maria (Liv Ullmann) y Karin (Ingrid Thulin), las hermanas de la enferma, se mantienen en la casa debido al inevitable destino que le depara a su hermana, esta comunión de las mujeres resulta todo menos pasiva, primero por la compleja situación vivencia, sino también por viejas rencillas que han estado atrapadas en el pecho y mente de las protagonistas.

De esta forma, Bergman, fiel a su costumbre como cineasta de autor es escritor del guion, no pierde tiempo en plantear los conflictos entre las hermanas, con un personaje en medio que es todo menos invisible y que parece se ola más sensata de las cuatro, el realizador hurga mediante flashback en ciertas escenas del pasado de las hermanas que las marcó y que marcan al espectador.

¿Personajes masculinos? Hay cuatro, los maridos de Maria y Karin, el pastor luterano, así como el doctor de la familia, todos son también detonantes de las emociones que el trío de hermanas expresan a lo largo del metraje, aunque poco tiempo en pantalla, como nada sobra en este filme, sus intervenciones puntuales son relevantes para conocer el actuar de las protagonistas.

Aunque no es el primer largometraje de Ingmar Bergman a color, acá realiza junto con Sven Nykvist -su acostumbrado director de fotografía-, un enorme trabajo con este formato, a pesar de lo reacios que se encontraron en su momento al color, acá inundan la pantalla con los tonos rojos, fiel muestra de pasión, deseo y amor, pero también de ira y venganza.

Contrastan estos tonos con los blancos impávidos que presentan la mayor parte del tiempo la vestimenta de las actrices, frente a los tonos oscuros e impávidos de los hombres. Todo en un escenario enorme, mansión, cuarto, jardines que en ocasiones se cierran a primeros planos de las expresivas actrices que hacen un enorme trabajo.

Obra maestra.

Largometraje semibiográfico del realizador mexicano Alejandro González Iñárritu, semi porque si bien presenta algunas nociones de su vida personal, este construye su historia a partir de un momento en particular de la vida de su protagonista, luego de su tour mundial que lo llevó a filmar alrededor del mundo, Iñárritu regresa para realizar la película en su país natal.

En Bardo, el bardo es Silverio Gama (Daniel Giménez), un periodista y documentalista mexicano que luego de varios años viviendo en Estados Unidos, donde ha cosechado éxito, retorna por un tiempo con su familia a su país de origen, esto es aprovechado para intentar encontrar y reencontrar su identidad en medio del caos citadino y contextual mexicano.

Como parte de la propuesta, es inevitable tanto para Silverio como para Iñárritu, escritor del guion junto con Nicolás Giacobone, contrastar la interminable relación-dependencia entre México y los Estados Unidos, dejando algunos divertidos gag que son de lo mejor de la propuesta, pero que en conjunto dentro de toda la trama no se acuerdan de buena forma.

En síntesis, Bardo ofrece una retrospectiva del pasado y el presente de su protagonista, de ahí que se le ve en todo momento en pantalla, compartiendo con su familia, con allegados profesionales y amistades, pero sobre todo, en la parte en solitario donde hay un anhelo por presentar sueños y por momentos surrealismo, pero que además de la belleza e impacto visual no aportan mucho.

Sin duda la película más personal del realizador, complicada de ver no por su intento de ser profunda, sino porque en términos generales la película es excesivamente larga y la historia no da para tanto, lo más rescatable sin duda es el excelso trabajo de fotografía del iraní Darius Khondji.

Nozomi (Bae Doona) es el nombre que el solitario Hideo (Itsuji Itao) le da a su muñeca sexual inflable, un día la muñeca comienza a adquirir conciencia y a “humanizarse”, esta comienza a interactuar con su entorno y aprender sobre las personas que están a su alrededor, comenzando a trabajar en un videoclub donde se enamorará de Junichi (Arata Iura).

De esta forma, el largometraje se va desarrollando dentro del aprendizaje que va adquiriendo la protagonista cada día que pasa, con los múltiples personajes que va encontrando en su camino, mientras contrasta su papel y el motivo por el que fue creada, frente a la particularidad de Nozomi de tener vida.

El filme está basado en el manga homónimo de Yoshiie Goda, llevado al cine por Hirokazu Koreeda que a su vez es escritor del guion, una obra manejada como un cuento de hadas, con cierto encanto y lirismo mágico, que aporta reflexiones frente a la soledad humana, el amor y lo incomprensible.

Más allá de su atractivo giro argumental final, lo cierto es que el filme se percibe largo frente a las reflexiones que va manejando, con un ritmo apacible y si bien, una historia central bien manejada, hay otras que se perciben más excesivas en la necesidad de acercar a Nozomi a los personajes que va encontrando.

Teherán, Irán. Amir (Amir Poosti) es un hombre que durante la noche recorre la ciudad mostrada como una enorme megalópolis, laberíntica y llena de vida nocturna, siguiendo la voz del GPS que lo guía se mueve traficando droga a distintos clientes y viéndose con algunos conocidos sirviendo como un cuasi terapeuta mientras a su vez, busca como encontrarse a sí mismo.

Tercer largometraje del realizador Ali Ahmadzadeh, que ofrece una historia que bordea la road movie debido al viaje realizado por el protagonista a lo largo de la interminable noche, de hecho, mucho del metraje transcurre en el interior del carro, observándolo conducir e interaccionando con los personajes que se va encontrando.

El propio Ahmadzadeh es el escritor del guion, acá ofrece también otro viaje de Amir, ya no físico pero sí en su interior, un tipo mostrado como solitario, que vive solo con su perro y al borde de la ley, pero con la incesante necesidad de buscar ser aceptado por una figura femenina amorosa, que va a ser detonante principal de la obra.

El realizador filma la película de forma clandestina, no es de extrañar porque lo mostrado no es la imagen propia que el régimen quisiera mostrar, además, esto ayuda en la forma del filme, con escenas un tanto diferentes y poco convencionales, que van durante el poco más de hora y media que dura el metraje.

Un trabajo con buenas intenciones e interesante.

Karin (Bibi Andersson) tiene una idílica vida burguesa, vive en una hermosa casa con su esposo el médico Andreas Vergerus (Max von Sydow) y sus dos hijos, viven plácidamente en una contexto que no parece depararles mayores dificultades. Sin embargo a sus vidas llega David Kovac (Elliott Gould), un paciente de Andreas que Karin había conocido previamente.

Se entabla una amistad entre el trío, aunque las intenciones de David se dirigen en seducir a la protagonista, esta cae en sus brazos sin mayor dilación para comenzar en ese punto el desarrollo del argumento, la tortuosa relación que establecen, con altos y bajos, idas y venidas, así como el papel de Andreas en todo eso y la confrontación que sobre el final va a tener Karin respecto a lo que está haciendo.

Beröringen es una coproducción entre Estados Unidos y Suecia, fue el primer largometraje de Bergman realizado en inglés, a pesar de que se desarrolla en el país escandinavo, con excepción de un par de escenas en Londres, la obra es un drama romántico donde el guion del realizador puede ser visto como un trabajo banal y mundano.

Esto quiere decir que Bergman en esta película deja de lado planteamientos metafísicos, reflexiones sobre Dios o la vida, para centrarse en el romance pero sobre todo en la infidelidad de Karin, en el dejar la vida ideal con su esposo y familia, para llenarse de una aventura con un extranjero que no sabe a donde la llevará.

Sin embargo, tampoco se hace una introspección en la protagonista de sus motivos reales para tomar esa decisión, puesto que tampoco hay una indagación en la vida de pareja que llevaba, ya que todo va fluyendo muy rápido alrededor del romance que comienza a desarrollarse, tanto por ella como por David, que es mostrado como alguien sin ningún tipo de arraigo.

Obra correcta, en especial si se busca algo liviano pero de impacto por el tema de la infidelidad y como es tratado, aunque lejos de las mejores filmes del maestro sueco.

Corea del Sur. Nora (Moon Seung-ah) y Hae Sung (Leem Seung-min) tienen doce años, son compañeros de clase y mejores amigos, sin embargo, ella se traslada con su familia a Canadá y perderán contacto. Doce años después vuelven a comunicarse por un tiempo, pero tuvieron que pasar otros doce años más para que se volvieran a encontrar en persona, siendo ya unos adultos Han Sung (Teo Yoo) visita a Nora (Greta Lee) que ahora vive en New York con su pareja.

Primer largometraje de la realizadora Celine Song, que toma como base varios aspectos biográficos de su vida para la realización del guion, un drama romántico con muchísimo amor pero sin escenas románticas o empalagosas, donde se ahonda en el destino, la separación, la pérdida en el presente y los supuestos reencuentros en otras vidas, que es lo que mueve al filme.

Lo mejor de Past Lives es que su género se aleja de cualquier convencionalismo, se siente como una película que va más allá de la simple propuesta romántica, es un trabajo humano que puede acercar al espectador a sentirse identificado con lo que se muestra en pantalla, Song filma con una sencillez que también permite ese cercanía entre el drama observado y la audiencia.

Past Lives es una obra pequeña en su forma, pero con un contenido muy bien manejado, construye bien sus ideas y aunque esos lapsos de años tan distantes pueden cortar en un inicio la trama, finalmente la propuesta termina por tomar forma en los últimos momentos, con diálogos sobresalientes, al final todo es una preparación para el encuentro final de los protagonistas.

Expresivo largometraje del realizador serbio Emir Kusturica, fiel a su manera de trabajar -al menos en sus primeras décadas- ahonda en una disparatada historia que se va volviendo a cada momento más extrema y excesiva de acuerdo a lo mostrado en pantalla, el director realiza una comedia de situaciones donde envuelve la cultura gitana, el crimen y un matrimonio (o dos) de por medio.

Matko Destanov (Bajram Severdzan) es el protagonista del largometraje, estafador, apostador y vagabundo por excelencia que anda buscando la forma de ganar dinero de forma fácil, es acompañado constantemente por su hijo Zare Destanov (Florijan Ajdini), que con apenas 17 años es el candidato predilecto para casarse con una hermana de Dadan (Srdjan Todorovic), uno de los gangster de poca monta con los que su padre negocia.

Sin embargo, como es de esperarse las cosas se complican puesto que Zare no se siente atraído por esa mujer algunos años mayor que él, pero principalmente porque está enamorado de Ida (Branca Katic), una joven a la que conoce que es parte de todo la cosmovisión que va construyendo Kusturica y Gordon Mihic, como coguionistas, a su manera ambos comienzan a relacionarse.

Una comedia disparatada para Kusturica, con esa cosmovisión gitana y autóctona tan típica que gusta explotar en su obra, probablemente exagerado pero que funciona muy bien a la perfección dentro de su propuesta, con cada exceso, libertinaje y gag, con personajes repulsivos, fantasiosa por doquier pero donde busca envolverla con algo de humanismo y algún anhelo de esperanza.

A destacar además del exceso visual, con una fotografía colorida y algunos momentos llamativa a cargo de Thierry Arbogast, la excesiva música de Vojislav Aralica, Nele Karajlic y Dejan Sparavalo, parte de No Smoking Orchestra, de la que el mismo Kusturica es parte, y el montaje de Svetolik Zajc, constante con toda la obra que como conjunto funciona bastante bien.

Bruselas, Bélgica. Stefan (Stefan Gota) es un inmigrante rumano que trabaja en las construcciones de los grandes edificios de la ciudad, sale a una época de vacaciones por lo que tiene pensado visitar su país, antes de partir decide preparar una sopa y visitar a varias amistades para pasar un tiempo con ellos antes de irse.

Uno de esos días se encuentra con Shuxiu (Liyo Gong), una mujer descendiente china que trabaja como bióloga, ambos tienen un primer encuentro en el restaurante de la tía de la joven, donde se conocen un poco y comparten, y donde se genera cierta conexión que se va a ahondar avanzado el metraje.

Here es una obra pequeña del realizador Bas Devos, de la cual es también guionista, donde quiere ofrecer un contraste entre la ciudad y lo gris como parte del protagonista, frente a lo natural y lo verde de Shuxiu, encontrándolos en medio y siendo totalmente diferentes pero buscando atraerlos.

El filme de apenas 84 minutos se desarrolla con un ritmo muy calmo, se centra casi totalmente en Stefan, salvo unos momentos introductorios de Shuxiu, se sigue a este hombre del que se ahonda en su contexto, origen y presente, su pasión no explotada por la cocina, así como su sensibilidad para compartir y conocer personas.

Película con buenas intenciones, de las cuales se entienden, la necesidad por prestar atención a los detalles y del acercamiento a la naturaleza, filmada con una enorme sensibilidad, pero que finalmente deja la sensación que queda corto, que faltó explotar algo más.

Una pequeña compañía teatral compuesta por Sebastian (Anders Ek), Thea (Ingrid Thulin) y Hans (Gunnar Björnstrand) son citados por las autoridades suecas encargadas de la censura debido a que su espectáculo se ha prohibido, por lo tanto deben asistir donde Abrahamson (Erik Hell) el juez de instrucción para ser entrevistados sobre el caso.

Riten es un filme para televisión que tiene su génesis en el proceso de preproducción de Skammen (Vergüenza), lo que empezó como un simple ejercicio o un sketch como se refiere el mismo Bergman, se transformó en una obra de bastante impacto aunque no tan conocida, el filme está compuesto de nueve episodios, que en el guion -escrito por el propio director- se presenta como nueve diálogos.

En el escrito, la idea del realizador era alejarse de toda concepción cinematográfica, para centrarse en las acciones, al final, la película también resulta y puede ser vista como una obra teatral filmada, como esos filmes para televisión frecuentes que Bergman estuvo realizando principalmente entre finales de los 50s e inicios de los 60s, aunque Riten, aun con su curioso origen, es ampliamente superior.

Este largometraje de apenas 72 minutos de duración, cuenta apenas con escenarios básicos, se centra totalmente en sus personajes y sus rostros, con repetidos primeros planos o planos medios, apenas son cinco los personajes, además de los cuatro protagonistas se le suma una brevísima aparición del propio Bergman como un padre, aunque no se observa su rostro.

El argumento se enfoca en las entrevistas realizadas por el juez, más la interacción de los personajes entre ellos en otras escenas y la ya mencionada secuencia del padre cuando el juez lo visita, cada uno de estos nueve episodios sirve para conocer a fondo a los personajes, sus histerias y pasado, valga decir que también se ahonda en Abrahamson, que no está ahí solo como un intermediario sino que es importante dentro del relato.

Riten termina consolidándose como una obra inquietante en muchos tramos, pero sobre todo en ese inolvidable último acto que marca al espectador, un elenco de allegados al director en estado de gracia como de costumbre, con un Sven Nykvist como siempre manejando la fotografía y el blanco y negro a su antojo, por momentos muy expresionista, formidable trabajo.

Cierre de la trilogía de la muerte del realizador Alejandro González Iñárritu que es a su vez, el trabajo más ambicioso de estos, donde la acción toma partida en varios lugares alrededor del mundo, mediante varias historias que se van entrelazando en este caso con un punto en común: un rifle, así la trama toma lugar en la frontera entre Estados Unidos y México, en Marruecos y Japón, contando cuatro historias.

En Marruecos, Yussef (Boubker Ait El Caid) y Ahmed (Said Tarchani) son dos hermanos que reciben de su padre un rifle M70 de Winchester para cuidar su rebaño de cabras de los chacales que merodean el extenso desierto, por su parte, Richard (Brad Pitt) y Susan (Cate Blanchett) son dos turistas americanos que sufren un atentado durante su visita a este país, la vida de ella corre el riesgo mientras él intenta lo posible por ayudarla.

En Estados Unidos, los dos pequeños hijos de la pareja son cuidados en Estados Unidos por Amelia (Adriana Barraza), la niñera mexicana tiene el anhelo de asistir a la boda de su hijo en su país, por su parte en Japón, Chieko (Rinko Kikuchi) es una adolescente sorda que tiene un despertar sexual, mientras su padre Yasujiro (Koji Yakusho) está siendo investigado por la policía.

Babel lleva al extremo la idea de las historias cruzadas, viendo como un pequeño hecho realizado por uno de los personajes va a desencadenar tiempo después todos los hechos que se van desarrollando, quizá el que queda un tanto desencajado es el de México, pero es claro que Iñárritu debía mostrar la autenticidad y folclore de su país, como también muestra el desierto marroquí o la megalópolis de Tokio.

Última colaboración del tándem Iñárritu en dirección y Arriaga en el guion, una obra correcta que logra ir armando bien sus piezas, complicándose menos de lo que se hizo en 21 Grams (2003) donde hubo un momento en que todo era muy caótico, acá hay un buen desenvolvimiento de las historias, son muy claras y sencillas, pero dejan un claro mensaje con cierto rasgo humano pero en general desoladoras.

Largometraje que recorre el ascenso, consolidación y caída de Napoleon Bonaparte (Joaquin Phoenix), militar francés que aprovechando el caos reinante aun una década después de iniciada la Revolución francesa, comenzó a hacerse un nombre con sus victorias militares hasta convertirse en una figura de mucha importancia, proclamándose tras un golpe de Estado, emperador de los franceses.

El filme tiene claramente dos partes muy marcadas que se van desarrollando a lo largo del metraje, por un lado la vida personal del protagonista, especialmente referido a su gran amor Josephine (Vanessa Kirby), por otro lado, el punto que lo llevó al culmen de su relevancia en dicha época y que ha trascendido al presente: sus campañas militares.

En el primer aspecto, David Scarpa, autor del guion de la película, se enfoca en mostrar la tortuosa relación entre Napoleon y Josephine, el matrimonio, las infidelidades de por medio mientras Napoleon se encontraba en batalla, además del gran anhelo del emperador por tener descendencia, son parte del drama novelesco que toma varios minutos en pantalla, hay un interés en ahondar en la psique del protagonista respecto a las mujeres en su vida.

En el segundo aspecto, el de las campañas militares, por mucho el más interesante y destacado, de mayor impacto visual pero también del que, a pesar de que hay varios minutos en pantalla, queda la sensación de que no se ahondó lo suficiente en el trasfondo de lo que se observa, las campañas militares y las guerras son trascendentales y acá es donde Ridley Scott se luce con una filmación espectacular y que visualmente da gusto.

Ante este panorama vale la pena recordar que Napoleon es una película, que busca entretener y lo consigue, podrá gustar en mayor o menor medidas las decisiones tomadas respecto al argumento, donde no tiene peros es que es visualmente majestuosa y está muy bien ambientada, con actuaciones más que convincentes.

Finales del siglo XIX. La ciudad polaca de Lodz era un centro importante en Europa para la producción de textiles, esta ciudad ubicada en el centro de Polonia vivía una época dorada como parte de una tardía época industrial, bajo este contexto, con el dinero pululando en los grandes empresarios, los más jóvenes buscan la forma de entrar como dueños del capital.

La película tiene un trío de protagonistas: de la nobleza polaca Karol Borowiecki (Daniel Olbrychski), junto con sus amigos el alemán Moryc Welt (Wojciech Pszoniak) y el judío Maks Baum (Andrzej Seweryn), de una u otra forma los tres están ligados a la industria textil, a pesar de que no son obreros buscan mejorar sus posiciones, por tanto, tienen la idea de fundar una gigantesca fábrica.

A partir de dicha idea, se comienza a conocer un poco del contexto de los personajes, mientras los jóvenes se encaminan en buscar la forma de conseguir el dinero para la construcción y puesta en marcha de la fábrica, además que se va desarrollando la parte personal de estos y sus vínculos familiares y amorosos.

Ziemia obiecana es una enorme producción polaca que cuenta con varias versiones, la original de 170 minutos de duración, a la que hay que sumarle una versión para televisión, estrenada como miniserie de cuatro episodios de 204 minutos en total, más una versión del año 2000 con 138 minutos de metraje, personalmente observé las dos de menor duración, pero bien vale la pena visualizar la de casi tres horas, se siente más compacta.

Andrzej Wajda es el director de tan magna obra, uno de los baluartes del cine polaco, contestatario y luchador frente al sistema censor del Estado comunista de su país, el filme está basado en la novela homónima (1899) del autor Wladyslaw Reymont, siendo el propio Wajda el escritor del guion de este ambicioso proyecto.

Estrenada hace casi cincuenta años, Ziemia obiecana ha envejecido muy bien, sigue completamente vigente, primero por ser un filme de época, lo cual le ayuda, pero seguido porque su trama es bastante consecuente y hasta moderna, además que sirve para visibilizar una parte de la historia que aun hoy en día se mantiene, la lucha entre los dueños del capital frente a los obreros de las fábricas.

Wajda se muestra crítico del capitalismo férreo de la época, donde el único fin era crear dinero a costa de la explotación laboral, en un momento histórico donde los derechos de los trabajadores no existían: horarios, medidas de seguridad, seguros contra accidentes, liquidación, días libres, menos vacaciones, lo único que se buscaba era producir con el costo más bajo posible.

Todo esto se desarrolla en una ambientación formidable, el vestuario que identifica fácilmente la clase social de los personajes o las ubicaciones muy bien gestionadas, los edificios de los directores de las empresas y las casas elegantes y opulentas de los dueños del capital, frente a las sucias, caóticas y oscuras fábricas donde malvivían y trabajaban los obreros.

Ziemia obiecana culmina siendo una obra redonda, muy bien ejecutada.

Película de animación ambientada en un New York donde los habitantes son animales antropomorfos, el protagonista es un Perro que vive solo y pasa sus días en completa soledad anhelando compañía, una noche ve un anuncio por televisión de un Robot, lo compra y se vuelven inseparables, hasta que una tarde luego de un día en la playa el robot no se puede mover y quedaran separados.

Todo esto ocurre en los primeros veinte minutos de metraje, a partir de ese primer giro en el argumento, se dará un seguimiento a ambos personajes, por un lado, el robot inmóvil que ante su estado comienza a soñar y rememorar, mientras que el perro, ante la imposibilidad de recuperar a su amigo hasta una fecha en particular, trata de seguir con su cotidianeidad.

A pesar de que el nexo entre los protagonistas, como se ha hecho mención, ocurre en unos pocos minutos, se hace tan bien que de verdad se siente la conexión entre ambos, así como la desesperación que ambos viven al ser separados, además de todo lo que vivieron posterior a ese traumático hecho que les va a marcar por siempre.

Nuevo largometraje del realizador español Pablo Berger, que vuelve a tener un trabajo exitoso como lo fue en su momento Blancanieves (2012), Robot Dreams está basado en la novela gráfica homónima (2007) de la autora Sara Varon. Berger es el autor de un guion para una obra que no tiene diálogos y que por tanto, la animación es en suma importante para mover los hilos narrativos, además del sonido y la música que son vitales en su composición.

A pesar de ser una animación, a pesar de no tener diálogos, a pesar de que no aparecen humanos, aunque sí animales con rasgos humanos, Robot Dramas es probablemente uno de los largometrajes más humanos y más sensibles del 2023, logrando ahondar en el espectador con un acertado diseño de personajes, pero sobre todo, con una historia llena de emotividad, triste y real, como la vida misma.

Un gran trabajo.

Morán (Daniel Elías) trabaja como empleado de un banco, la monotonía de sus labores se irrumpe cuando ejecuta un planeado robo donde pronto involucrará a Román (Esteban Bigliardi), compañero de trabajo con el que realiza un trato con respecto al dinero, Morán decide entregarse a las autoridades mientras Román esconde el dinero.

Los delincuentes es una ambiciosa propuesta de Rodrigo Moreno, coproductor, director y guionista del filme, un largometraje de tres horas de duración con un atraco de por medio pero alejada del convencionalismo de este tipo de filmes, de hecho, esto ocurre apenas en los primeros minutos, centrándose en lo posterior e ingresando al territorio del drama y el romance.

Realmente es sorprendente (no para bien) el giro que plantea el realizador, alrededor de la figura de Norma (Margarita Molfino), que se interpone en el objetivo de los protagonistas y que va a ofrecer un panorama muy distante del objetivo inicial del argumento, que al final termina siendo una excusa para ahondar en esos otros detalles.

En Los delincuentes el robo queda de lado, pierde peso en el relato y además, alguna otra historia queda también a medio camino, por ejemplo la situación del líder de la cárcel, que lo que sirve es para la entrada del personaje femenino, o bien, la situación de Román y su pareja, que al final, hay muchas facilidades de guion que molestan.

Una obra a medio camino que termina dejando muchas dudas, bien filmada, con actuaciones -eso sí- apenas aceptables, tres horas de ritmo pausado que dentro de la propuesta es acorde con lo que se muestra pero que al final, parece que no llega a absolutamente nada especialmente con el cierre de la película.

Últimas semanas de 1970, secundaria Barton, un internado ubicado en Nueva Inglaterra. Paul Hunham (Paul Giamatti) es un tosco docente de Historia en esta institución, con una metodología propia de aquella época no tiene piedad ni buen trato con sus estudiantes, es un hombre curtido en su profesión y autoritario en su objetivo de formar.

Uno de sus estudiantes es Angus Tully (Dominic Sessa), mostrado como el típico joven rebelde con el que va a tener rencillas, especialmente cuando deben pasar las festividades de fin de año -dos semanas- en la institución juntos, solos al lado de un puñado de estudiantes y de Mary Lamb (Da’Vine Joy Randolph), una de las cocineras del colegio.

Con este panorama de personajes donde los hombres no pueden soportarse y con el personaje femenino sirviendo como mediador pero también con una procesión interna, ciertamente las poco más de dos horas de duración van a funcionar para conocer del pasado de los personajes para comprender actitudes del presente.

David Hemingson es el escritor de este gran guion, donde logra concretar una historia muy sentida que tiene un buen desarrollo de personajes, cada uno bien enmarcado. Payne logra a su vez una dirección perfecta, sacando lo mejor de su elenco, la contextualización de la obra es también idónea.

The Holdovers es una obra que pareciera sencilla pero que deja de fondo un enorme mensaje, y es que a pesar de las diferencias evidentes que pueden tener las personas, cada uno en su condición, siempre hay algo detrás de esa fachada inicial y el descubrimiento de puntos, tal vez no comunes, pero si de condicionantes particulares sobre la vida y sus dificultades.

Punto aparte la actuación de Paul Giamatti, de las mejores del año y que consigue darle vida a un personaje igual, de los mejores de la temporada, un tipo lleno de conocimientos pero que no tiene el tacto de comprender y conocer a sus estudiantes, propio a su vez de su contexto y origen, además que tiene las mejores frases peyorativas de la historia.

Gran filme.

Largometraje por episodios compuesto por ocho cortometrajes realizados por nueve realizadores suecos, Hans Alfredson y Tage Danielsson compartieron crédito en uno de los filmes, la película fue un proyecto del Instituto Fílmico de Suecia, que se encargó de contactar a los directores y venderles la idea de este, según cuenta Molander.

Habría que indagar el interés del Instituto Fílmico de Suecia por realizar una obra de estas características, lo más probable es que quisieran juntar a algunos de sus realizadores de mayor renombre en el siglo pasado, un mítico Molander que contaba con más de una década retirado o Ingmar Bergman, el presente de la cinematografía sueca en aquel entonces.

A ellos se les puede sumar Sjöman, que casualmente en esa década de los sesentas fue donde alcanzó sus mejores momentos, especialmente con su polémica Jag är nyfiken (Soy curiosa, 1967-1968). A ellos les acompañan otros directores de menor trascendencia fuera de tierras nórdicas, especialmente con trabajos para la televisión.

En un ejercicio curioso, todos los directores antes de que inicie su cortometraje realizan una breve exposición donde esclarecen un poco la génesis de su filme, esto que por cierto, según Sjöman, es parte de una ley de protección de autor que le da el derecho al artista para comentar y explicar sus obras.

Aunque bueno, también está la parte del título del filme, Stimulantia, estimulantes, que básicamente se refiere a cualquier medicamento o sustancia que sirve para estimular, así, dentro de lo que hablan sus realizadores antes de sus cortometrajes, muchos hacen énfasis en que los movió (estimuló) para filmar dichas obras.

A continuación, un breve esbozo de cada uno de los cortometrajes en orden de aparición:

Upptäckten (El descubrimiento) de Hans Abrahamson, es básicamente una especie de docuficción y homenaje alrededor de la figura de Charlie Chaplin y el anhelo del director por llegar a la casa donde nació.

Det var en gång två älskande… (Érase una vez dos amantes…) de Jörn Donner, con el interés de filmar pornografía sin serlo, es una ficción sobre una pareja que llega a un cuarto de hotel, un motivo interesante por lo menos.

Konfrontationer (Los enfrentamientos) de Lars Görling, otro corto con aire de documental, pero con tintes de experimentalismo, en este caso centrado en las carreras, el automovilismo y sus riesgos.

Daniel de Ingmar Bergman, el maestro sueco toma y muestra algunas grabaciones personales de uno de sus hijos desde que nació hasta su cumpleaños número dos años.

Birgit Nilsson de Arne Arnbom, otro trabajo documental y homenaje, en este caso Arnbom se enfoca en la reconocida soprano sueca que le da el título al corto, un ensayo y posterior concierto.

Dygdens belöning (La recompensa de la virtud) de Hans Alfredson y Tage Danielsson, la dupla de directores toma un cuento de Honoré de Balzac, aproximadamente ubicado a mediados del XIX se centra en la denuncia por una violación.

Smycket (El collar) de Gustav Molander, el trabajo más desarrollado, basado en un relato de Guy de Maupassant, tiene a una pareja como protagonista, con el anhelo de aparentar ser de una clase social más alta.

Negressen i skåpet (La negra en el armario) de Vilgot Sjöman, al comenzar el día un hombre despacha a su esposa, más interesado en interactuar con la mujer que vive en su armario.

En conjunto y a modo de conclusión la propuesta no es del todo efectiva, como siempre sucede en este tipo de trabajos la calidad de cada cortometraje es variable, sin embargo, a excepción de los últimos dos, todos los demás son bastante deficientes, aburridos y poco inspirados, incluido Bergman que lo más llamativo es la lectura de un texto de una película que nunca filmó.

Pero en el caso de la obra de Molander, este se toma su tiempo para contar la historia, que ciertamente es sencilla hasta un poco ingenua pero tiene un final devastador, por su parte, Sjöman si se muestra inspirado e incluso juguetón, incluso desde la introducción a su corto, ni que decir durante el desarrollo donde juega con los recursos disponibles.

¿Vale la pena todo en conjunto? No creo, lo vale para el espectador curioso y para llegar tanto a Smycket como a Negressen i skåpet que son excelentes propuestas.