Entretenido survival que nos introduce de lleno en la pesadilla que vivirá la pobre Justine (Haley Bennett) que será perseguida sin piedad alguna por la crepuscular Ashley Greene hasta que surja la palabra fin en la pantalla.

La película es totalmente previsible y falta de originalidad, y la única cosa que nos queda es esperar a ver como logra zafarse de la siguiente encerrona nuestra bella protagonista. Oliver Blackburn hace un buen trabajo como director, incluyendo en la cinta las dosis necesarias de terror psicológico en un ambiente muy propicio como es el edificio casi vació de un campus universitario. El resultado es suficiente, aunque no notable.

Al no haber ningún factor sorpresa sobre quién y por qué Justine tiene que pasar su día de Acción de Gracias huyendo de una panda de colgados, Oliver basa su única baza en lograr mantener un nivel de tensión que no aburra en ningún momento, cosa que sí que consigue.

Carreras, escapadas e ideas más o menos brillante para salir airosa de las mil y una situaciones en que la protagonista se ve involucrada. A nivel interpretativo resulta más que convincente, y a nivel técnico se abusa en ocasiones del golpe de música/susto (previsible) y en las posibilidades de la localización.

Al final la película logra mantenerte atento a la pantalla, aunque alejado de una tensión que logre dejar huella, por lo que tras el visionado te quedas un poco igual. Vale, he pasado un rato divertido, pero ya está.

Tenemos en nuestra pantalla una película de Ben Wheatley, director de Kill List, otra de las cintas que están en la estantería para ver cuando se le puede echar un ojo.Sightseers, ganó el premio al mejor guión en el festival de Sitges en 2012, y es uno de esos productos de los que uno no puede hacerse una idea sin verla, pues colecciona grandes elogios y críticas despiadadas por igual, dependiendo de quien opine sobre ella.

Es posible que alguien no pueda estar de todo a favor con los premios que se otorgan en los diversos certámenes, pero que el festival de Sitges tiene una reputación consolidada a base de grandes ediciones creo que está fuera de toda duda, por lo que no queríamos pasar sin visionar Sightseers.

La acción se inicia con la presentación de uno de los dos personajes en los que se centra todo el fim: Tina, encarnada por Alice Lowe actriz a la que veo actuar por primera vez y que me ha dejado gratamente sorprendido.

En la intro, vemos una discusión con su madre, personaje que nada más surgir a escena te hace cruzar los dedos y clamar a los siete infiernos para no tener que toparte con nada parecido en tu vida.

En nada aparece Chris, la otra parte que sustenta el film. El look, algo casposo y hortera de ambos ya nos lleva a preguntarnos algo así como ¿pero de donde se han escapado estos dos frikis? Y es que dios los cría y ellos se juntan, por lo que nuestros protagonistas están predestinados a ser uno.

A partir de aquí tenemos una mezcla de road movie con tintes psicóticos y una buena dosis de humor negro muy bien hilvanados por el premiado guión, que va enlazando escena con escena con bastante acierto. No tardaremos mucho en descubrir el loco mundo que habita en la cabeza de ambos protagonistas, su peculiar visión del mundo y las relaciones humanas.

La acción discurre en medio de los bonitos paisajes del norte de Inglaterra, por los que los amantes de los viajes y la fotografía disfrutarán mucho por los diversos recorridos que realizan nuestros protagonistas. Un verdadero espectáculo.

En cuanto a la trama en sí, adolence de cierta intermitencia, con momentos que arrancan una buena carcajada, con otros que pueden ser algo más cansados para el espectador. No obstante, la trama está intimamente ligada al guión, siendo un soporte para desarrollar las locuras dialécticas y personales de los personajes. Aquí se podría haber dado algo más de juego a la madre de Tina, que tiene pocos pero grandes momentos.

Encontraremos mucha mala leche, una mínima dosis de gore con tintes de comedia y algunas escenas muy bien logradas, como la discusión en la caravana con el ciclista de por medio, aunque achacaremos cierta falta de intensidad por momentos.

Resumiendo, una buena cinta para disfrutar del momento, sin intentar hacerse demasiadas preguntas al respecto y que gustará o no, dependiendo del ojo que la mire, ya que no se trata de una película muy convencional.

Rul T.
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Jim Wynorsky es un director estadounidense que cuenta en su haber con más de 70 películas de serie B a Z con una fama ganada a pulso de entre malas a malísimas. Este último trabajo, producido por el canal de TV SyFy no es ninguna excepción.

Como la sinopsis revela, la acción se desarrolla en un paraje tropical donde se mezclan turistas tontorrones, un científico colgado y un equipo de producción que está haciendo una peli de bajo presupuesto.

A partir de aquí no se puede decir nada más sobre Pirañaconda: un argumento sobre la imposible evolución de una criatura que podría ser 99.9% de anaconda y 0.1% de piraña, que tiene cierta gracia en su creación digital, unos actores malos a más no poder, algunas chicas ligeras de ropa, pero sin pasarse, y unos delicuentes que quieren sacar partido de ello.

Con este infumable cóctel, el desarrollo de la peli se basa en ver como nuestra serpentina amiga se dedica a comerse a bocado limpio y velocidad del rayo a todo lo que se encuentra en su camino, mientras protege a sus huevos de los malvados… más bien a su huevo, por que del resto pasa totalmente.

Aunque no hay nada a lo que podamos agarrarnos para salvar el producto dentro de la serie B, si que cuenta con alguna frase cachonda y/o irónica que te hace sonreir con simpatía, aunque pocas pueden superar a la mala del grupo (que parece una alemana de aquellas tratadas con testosterona que pululaban por los juegos olímpicos hace algunos años) diciendo eso de: «Es una mezcla de piraña y anaconda». Hala! Pa que estudiar una carrera de biología.

También tienen su gracia alguno de los bocados de la llamativa bestia, con los piececitos por ahí dando vueltas como un yo-yo y los charcos de sangre, obra de alguién que sólo se leyó el capítulo 1 de «Curso de Photoshop en fascículos».

No se puede decir mucho más, solo que entretiene lo justo porque uno no espera nada en absoluto del título, por lo que no se puede decir que nadie quede decepcionado tras su visionado. Es más, con un grupo de colegas, unas birras y algunas hierbas aromáticas, puede suponer uno de los momentos más divertidos que uno se pueda imaginar.

Para una tarde de sofá con cero pretensiones o una sesión de pizza de peyote.

Rul T
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He de confesar que me ha costado bastante acabar con esta tercera temporada de una de las mejores series realizadas en los últimos años. La primera entrega de la saga fue un auténtico bombazo, que mezclaba misterio, terror y erotismo y en la que Jessica Lange estaba que se salía en su personaje.La segunda temporada, Assylum fue incluso mejor, llegando a la excelencia en todos sus aspectos y subiendo el umbral de calidad a un nivel muy difícil de superar. No era de extrañar que todos estuviéramos esperando con ansiedad esta nueva temporada.

Y es bien sabido que cuando algo se espera con ganas y luego resulta que no alcanza las espectativas creadas, pues la sensación que deja se ve acrecentada. Ésto es lo que me ha pasado a mí con AHS: Coven.

La historia escogida para la temporada esta vez es un aquelarre venido a menos desde la gloriosa época en la que la brujería vivía su apogeo, lo cual conllevaba sus peligros. De ahí la necesidad de crear una institución que sirviera de soporte a todas las aprendices a bruja.

A partir de aquí, la serie vuelve a engancharse a aquellas señas que le ha permitido alcanzar grandes dosis de calidad y originalidad. En primer lugar, parte del elenco de artistas repite aparición, aunque como pasaba con Assylum en un rol totalmente diferente.

En la segunda entrega fue algo que me gustó, pues tras el esfuerzo necesario (que no es mucho) para asociar al nuevo personaje, la empatía o antipatía que pueda generar el personaje, se ve reflejada y aumentada en cada nueva entrega.

La serie se basa en gran medida en la increíble actuación de Jessica Lange, pletórica de forma a pesar de sus 64 años de edad. Es brutal la fuerza que imprime esa mujer a su papel de Fiona, la Suprema del aquelarre.

El resto de personajes, si bien presentan una actuación más coral, como no podía ser de otra manera, también tienen una presencia destacable, aunque dependen en gran medida del protagonismo de su personaje en la serie.

En este particular a mí me gustaron mucho Katthy Bates en su papel de Delphine LaLaurie, una esclavista del siglo XIX, que destila un odio implacable hacia los negros. También cabe destacar a Sarah Paulson como Cordelia Foxx, que hace que tengas ganas de abofetear a la tontería de personaje que representa. En menor medida destacan los personajes de Mirtle Snow, Marie Laveau y Jaime Brewer. El resto tiene un papel menos interesante.

El punto fuerte de la saga ha sido siempre su cuidada y potente estética. Es en esta temporada cuando sus creadores se han ganado a pulso la excelencia. Desde la espectacular intro, dominada por escenas de vudú que desafortunadamente apenas pasan de allí, hasta el más cuidado de los detalles. Fotografía y vestuario son espectaculares, dotando algunas secuencias de una brutalidad aterradora.

Papa Legba es en sí mismo el paradigma de lo espeluznante… y la mejor muestra de lo desaprovechado de algunas de las ideas que podían dar mayor profundidad a la serie.

¿Estamos pues ante la coronoación de AHS? Pues desgraciadamente, no. El principal problema de Coven es su débil e intermitente guión, que echa por tierra todo el trabajo desarrollado por el reparto y la gran propuesta estética.

Y es que la trama se pierde en demasiadas ocasiones en apuestas que parecen pensadas para quinceañeras fanáticas de Crepúsculo, en vez del público adulto al que parece destinada la obra. Dejando de lado temás tan potentes y que podían haber enriquecido la propuesta como la sucia guerra entre bujas negras y blancas, los cazadores de brujas, apenas aprovechados y la mismísima lucha interina dentro del aquelarre; la trama se decanta en demasiadas ocasiones por amoríos adolescentes demasiado simples y absurdas escenas más propias de Embrujada.

Desde el jovencito Kyle-Frankenstain zurzido con tanto cariño y perfección, pese a tener trozos de todo cristo, los zombies, personajes que no pintan nada como los nuevos vecinos, la tonteria de Stevie Nicks por ahí cantando porque ella lo vale, Misty y su comportamiento de “me he fumado todo lo verde que había en el pantano”, y un sin fin de cosas por el estilo.

Otro de los grandes errores, patentes sobretodo hacia el final de la serie, cuando se busca avanzar hacia la resolución de la trama es la falta de concordancia de los poderes de las brujas, con parte de los hechos que se narran. Esto sucede de forma estrepitosa en el último capítulo, donde una bruja con poder mental para doblegar a otra, por ejemplo, es incapaz de evitar que la maten.

Esperemos que en su cuarta temporada, sus creadores vuelvan a estrujarse los sesos en presentar una historia de la categoría de las dos primeras entregas, dejando de lado reminiscencias teenagers.

Rul T
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Vittra se puede decir que es un homenaje o recreación más o menos libre del clásico de Sam Raimi, Posesión Infernal, (de la que recientemente se ha realizado un remake que aún no he tenido ocasión de ver), versión sueca y con bajo presupuesto.
Suecia, más famosa cinéfilamente hablando en nuestras tierras, por toscos films que nos remontan a la época del destape, donde sueca implicaba algo así como mujer buenorra y propensa al despelote, se introdujo de lleno en el género del terror con la impresionante Let the Right One In (Déjame entrar) en 2008.

Desde entonces (y anteriormente), había participado en varias cooproducciones: Babycall, Aparecidos, Anticristo, Next door,… No recuerdo ninguna peli producida íntegramente en el país nórdico que transcendiera a nivel internacional.

El grato recuerdo de Dejame entrar y la crítica de El Rector en Nido de Cuervos, me llevó a visionar esta peli en nuestros (excasos) encuentros de los míticos “Dilluns de Por” (por lo menos para nosotros).

La acción se sitúa en sus hermosos bosques, donde el típico grupo de jóvenes va a pasar un finde de diversión. Aquí podemos ver las primeras similitudes con sus pelis hermanas norteamericanas pues también los personajes están muy arquetipados: la liberal, el chulo, la modosita, falta el fumeta…

Se nos introduce en acción mediante una escena imposible, pues no hay chica en el mundo que se “meta” en una casa a solas y además se dedique a explorar todos los rincones, cual Dra. Livignstone Supongo. No empezamos bien… Además nos encontramos con el típico raro de todas estas pelis, deambulando por el bosque con un rifle.

Soy firme defensor de que una peli no tiene porque ser original para ser un buen film, sino que la calidad global y un buen guión es lo que hace que uno disfrute o no de lo que está viendo.

Y aquí radica el problema de Whiter. En primer lugar se dan una serie de situaciones demasiado estiradas por parte del director para poder enfocar la trama que, acompañado de unas actuaciones demasiado pobres y faltas de intensidad, hace que los primeros veinte minutos sean un poco aburridos.

Como punto positivo, podemos destacar que una vez se desata la vorágine mas gore, la cinta tiene un gran ritmo, ofreciendo escenas sangrientas una detrás de otra, aunque también hay que decirlo, sin apenas tensión para el espectador.
Así, con bastantes interrogantes y situaciones salvadas un poco por lo pelos, la cinta convence por un gran trabajo de maquillaje y grandes dosis de violencia rodadas sin pudor alguno.

Lo que empieza de forma sosa, gana puntos con rapidez una vez que aceptamos de buen grado lo que Wither nos ofrece y no intentamos sacarle más punta de lo necesario. Entonces sí podemos disfrutar de cada una de las escenas hasta el fin de la cinta, que incluye su mejor secuencia como despedida.

Teniendo en cuenta que no es una cinta de gran presupuesto, está suficientemente bien resuelta como para que uno pase un buen rato. No es una gran cinta de terror, pero tampoco es mala, y logra entretener al espectador.

Rul T.
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A la espera de que este 2015 llegue a las pantallas de TV la serie de Sam Raimi Ash vs Evil Dead, nos refugiamos para pasar un buen rato de la mano del mítico director de la trilogía de Posesión Infernal. Un Raimi que aparca las telarañas de su exitoso Spiderman para volver a la comedia negra de terror, género que le catapultó a la fama en los ochenta y principio de los noventa.

Alison Lohman da vida a una joven que se debate entre el canibalismo del mundo de la banca y la ética moral y que, en un momento preciso, toma una decisión movida por la codicia. Mrs. Ganush, un personaje que rememora la tradición del poder maléfico de la etnia gitana, que me rememoró uno de los libros de Stephen King que más disfruté en mi juventud: Maleficio.

A partir de aquí Raimi nos da un recital de terror bizarro, gamberro y con sabor a clásico que logra divertir a la vez que mantiene la tensión en el espectador. Alison Lohman lo va a pasar realmente mal pasando por muchos de los clichés del género que Raimi logra sortear con maestría y mucha dosis de parodia y homenaje a partes iguales. Pocas veces se puede ver a alguien a quien le vomiten tanto fluido encima.

Aunque tiene algunos sustos (previsibles) acompañados del típico subidón de volumen, la película funciona mucho mejor como una comedia negra que hará las delicias del espectador de cierta edad, más amante de El Ejército de las Tinieblas que de Spiderman.

Las actuaciones de sus dos protagonistas son más que loables, y el guión se revuelve sobre sí mismo para poder ofrecer otra nueva gamberrada que desespere a la buena de Lohman, la acción es entretenida y no da apenas respiro, dando como resultado un producto entretenido y divertido, 95 minutos de diversión sin más pretensión.

Una buena película, que pese a sus años, no desmerece un revisionado.

Rul T.
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Da gusto encontrarse con una cinta que con tan poco consiga crear una atmósfera tensa y angustiosa a partes iguales; imposible no dejar volar la mente hasta la Funny Games de Haneke.

Partiendo de una premisa muy simple y sin un ápice a la originalidad, Miguel Ángel Vivas da vida a una historia que podemos escuchar tranquilamente en el telediario, mientras cenamos, sin que logre que despeguemos la atención del plato; el resultado en la pantalla es demoledor.

Y es que la simplicidad y la cotidianidad de la trama, de la que cualquier persona podría ser protagonista, hace que rápidamente empaticemos con los personajes que se nos presentan, en especial con una espléndida Manuela Vellés, a la que ya intuimos buena parte de lo que le va a pasar nada más ver su personaje.

Puede criticarse que la película esté cargada de tópicos, pero lo que no cabe duda es que su director ha sabido tratarlos con una maestría que logra infundir un mal rollo creciente en el espectador, pegado a la butaca desde el inicio del ataque hasta el desenlace.

Siempre he defendido que la falta de originalidad tiene que estar suplida con un buen hacer en el resto de apartados: una buena interpretación, un guión elaborado y una buena fotografía son básicas para que la película aporte algo que la haga destacar frente a la mirada del espectador.

Sin duda uno de los platos fuertes de Secuestrados es su excelente interpretación, con una espectacular Manuela Vallés y la canaria Ana Wagener, dotando a sus personajes de un realismo que pone los pelos de punta. Quizás aquí se pueda criticar algún papel secundario, como el novio de Isa, realmente muy flojos en comparación con el trío protagonista; pero dado su poco peso específico en el conjunto, no deja de ser un pequeño borrón.

El guión es francamente bueno. Sin grandes giros, presenta toda una serie de situaciones que alientan al espectador ávido de un feliz desenlace, pero que se ven truncadas de manera más que convincente, acrecentando la creciente angustia del sufrido espectador, que ve como su estómago se encoge sin remedio.

El ritmo es tremendo, y no cesa hasta los créditos finales, sobre todo por los excelentes plano secuencia de los que hace gala la película, junto a las escena de cámara en mano, que no son molestas para nada, y que sí logran lo que en muchos films found footage no hacen: que nos metamos en la piel de los protagonistas.

No obstante, ya una vez recuperado el aliento, eché en falta algo, una vuelta de tuerca que elevase la nota hasta el sobresaliente, un algo que me hiciese pensar “¡y ahora ésto!”. No lo hubo, pero sin duda el disfrute ya había sido mayúsculo.

Rul T
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Interesante comedia negra enmarcada en el slasher que juega suficientemente bien la carta de la exageración del estereotipo para lograr un ameno entretenimiento sin grandes pretensiones.

Christopher Smith, director de Creep y posteriormente a Desmembrados de Triangle, nos presenta una historia directa y sin muchas concesiones, en la que el típico grupo que suele ser víctima del despiadado asesino en serie es representado en esta ocasión no por un montón de jóvenes sin cabeza, sino por los miembros de una compañía que, al más puro estilo coaching tan de moda, se reúnen en pleno bosque húngaro.

Tenemos a los típicos integrantes de la macedonia para triturar, adaptados a la situación: el guapo, la guapa, el líder, el fumado, el chulo, la chica buena, el tontorrón… La historia es una mera excusa para desarrollar toda una serie de gags con bastante mala leche, algunos realmente ingeniosos aunque sin llegar a la carcajada.

Los personajes están bien caracterizados y dentro del esperpento general son totalmente creíbles y reconocibles. Las actuaciones más que correctas y el guión suficientemente atractivo y bien fraguado para dar como resultado una interesante cinta que no llegará al olimpo del género, pero que sin duda dejará satisfecho al espectador.

Las situaciones tienen una justa mezcla de gore y tensión, aliñadas con un toque de buen humor inglés que hace que muchas de las escenas que ya has visto mil veces en otras películas, tengan aquí esa dosis de sorpresa que hacen de Severance un producto más que disfrutable.

Hace algún tiempo, se podía ver en una sesión doble con Ovejas Asesinas (Black Sheep), película más que recomendable y que tengo pendiente de reseñar en el blog. Sin duda una sesión de lo más apetecible.

Rul T.
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Hay películas que han pasado a ser obras maestras u obras de culto por muy diversas razones, por tanto, cuando alguien se atreve a hacer un remake sobre ellas, tiene muchas posibilidades de salir escaldado del asunto. No siempre ocurre, pero normalmente las nuevas versiones suelen quedarse muy por detrás del original.

En este caso, la osadía de Oliver Hirschbiegel ha sido mayúscula, pues La Invasión de los Ultracuerpos permanece en la retina de todos los que tenemos una edad como una de las mejores películas de alienígenas de la historia; la escena final con Donald Sutherland como magnífico colofón. En mi opinión, el resultado final destroza por completo todas las virtudes que encumbraron a la cinta de Philip Kaufman a los altares del género.

Invasión no dejaría de ser una película entretenida para el gran público, ávido de palomitas y poco más, pero aquellos que hemos disfrutados con la versión de 1978 no podemos más que despotricar con todas nuestras fuerzas ante este insulto.

Nichole Kidman está simplemente horrorosa, en uno de los papeles menos creíbles y peor resueltos de la veterana actriz. No hay escena en que la frialdad y la simpleza de la actuación de la australiana destroce por completo la intensidad y la tensión que plasmaba Dutherland en todo momento.

Para colmo, tienen que meter con calzador una historia de supermamá para edulcorar el producto a la mass media americana, con el fin de justificar la típica moralina americana y ofrecer un final para que la gente sonría y se coma su último puñado de palomitas con la alegría de que el mundo está de nuevo a salvo.

Rul T
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¡Hay de mí! Después de cumplir como un campeón durante todas las entregas de Jackson sobre la obra de Tolkien, el destino hizo que la que probablemente será la última de ellas (veo casi imposible que el neozelandés se atreva con nada más) no pudiese disfrutarla en la gran pantalla, como hubiese debido ser. Pero bueno, dejemos de lamernos nuestras heridas porque el desenlace final de la saga bien vale ponerse a saltar de alegría.

Y es que Jackson es un tipo listo y sabe lo que nos gusta. Así que el hombre ha dicho: ¡pues me voy a lo grande! La Batalla de los Cinco Ejércitos es todo un deleite para disfrutar de la iconografía de la Tierra Media y su épica desmedida. Hay dos películas dentro de ella, la narrativa y la visual.

Si nos ponemos a hilar fino en el guión podemos escribir una enciclopedia con los fallos garrafales en cuanto al movimiento de tropas, la llegada de ingentes ejércitos de la nada sin que nadie se percate de ello, la facilidad con la que algunos personajes aparecen y desaparecen de lugares distantes en poco tiempo, etc... Pero ¿queremos ver eso en esta película? ¡No!

Queremos ver que en el prólogo se nos pongan los pelos de punta al ver como Smaug se encamina a Esgaroth, encendiendo su pecho para aniquilar a los hombres del Valle ante la desbandada total de sus pobladores y la épica del héroe que lucha por los suyos, siempre presente en Tolkien. La escena se hace algo corta, pues las embestidas del poderoso dragón son una gozada. Finalmente pasa lo que tenía que pasar y, antes de que empiecen la película en sí, ya tenemos el vello de punta.

Luego todo es una mera excusa para ver llegar a Thranduil a lomos de su alce y su legión de elfos en perfecta formación para reclamar su parte del botín. Es cierto que se nota bastante el CGI, pero quien no diga que es una pasada verlos cargar sus arcos al unísono y disparar es que no tiene sangre en las venas.

Ya estamos todos con los ojos fuera de las cuencas cuando aparece Dáin Pie de Hierro a lomos de un cerdo blandiendo su martillo de guerra y su bravuconearía, con una horda de enanos que tiene la facultad de parecer multiplicarse a medida que los orcos los atacan. Además parece que han renegado de su aversión nata a la magia, haciendo aparecer unas cabras con sillas de montar de la nada... aunque ésto tampoco importa mucho.

Jackson repite aquello que más le había funcionado en las anteriores entregas, entregándonos una batalla espectacular, que recurre al hecho de poder ver a varias razas plantando batalla a las fuerzas de Sauron, consciente que el Hobbit no tiene la chicha argumental que sí tenía ESDLA. Una apuesta sobre seguro para los fans de la saga de Tolkien, mucho más interesado en los aspectos visuales y en la esencia de la Tierra Media, que en la consistencia de un guión totalmente previsible.

Una vez llega el momento final, se nos permite unos minutos de descompresión mientras una a una se van enlazando las tramas que darían continuidad a la Comunidad del Anillo.

Es cierto que la saga no puede alcanzar a su secuela, obra maestra sin duda del cine, pero bien es cierto que con este final Jackson ha conseguido lo que parecía imposible, y es que tras varios años, uno se siente delante del proyector y se trague la carga de los Rohirrim en las puertas de Gondor sin pestañear, como si no la hubiese visto ya una veintena de veces.

Segunda entrega de la saga que volvió a poner de moda el compendio de episodios cortos y cuya primera entrega V/H/S, tuvo un éxito considerable. Al igual que la precuela, la cinta utiliza un hilo conductor que une en cierta manera el resto de historias con el propósito de conseguir un efecto de película completa.

En este caso el nexo es Tape 49, la excusa para que dos investigadores que buscan a un desaparecido se dediquen a visualizar una serie de viejas cintas desperdigadas por la habitación. Como historia es algo floja, aunque al final intentan darle una mayor intensidad.

Clinical Trials: el protagonista recibe un implante de un ojo artificial que gracias a una cámara, le permite ver cosas que nadie puede ver.

Sinceramente no me gustó nada. Mala apertura con una historia llena de situaciones sin credibilidad alguna, con situaciones surrealistas e incomprensibles. Pese al interés de colocar la cámara en el mismo ojo del espectador, no deja de ser una secuencia de sustos esperados con un final predecible desde el minuto uno.

A Ride in the Park: una infección zombie afecta a una serie de personajes que disfrutan del día en un parque.

Los responsables de la bruja de Blair ponen una nota humorística con esta visión del mundo zombie un tanto peculiar. La forma en la que está rodada y algún detalle con una cierta originalidad la hacen amena y disfrutona. No es una maravilla, pero cumple con su papel.

Safe Heaven: unos reporteros filman un reportaje sobre una secta.

Sin duda el plato fuerte de la cinta. Bizarra, gore, brutal, exagerada, impactante… Muchos son los adjetivos que pueden acompañar al plato fuerte de la obra, sin el cual estaríamos hablando de una película bastante floja que apenas se podría recomendar. Pero Gareth Evans y Timo Tjahjanto se salen de madre en una visión tan apocalíptica como sangrienta. Maravillosa.

Alien Abduction Slumber Party: una abducción alienígena del grupito de jóvenes de rigor, aunque más niños que adolescentes.

Tras la tormenta llega la calma, por lo menos aparentemente. Un episodio en el que sólo destaca la idea del encargado de registrar los hechos. Por lo demás resulta un tanto aburrida y confusa, sin muchos alicientes para el espectador. Un bajón demasiado pronunciado con respecto al anterior.

En resumen V/H/S/2 es una peli entretenida, pero salvando Safe Heaven, el resto es mediocre y no aporta mucho más que un mero entretenimiento sin muchas pretensiones. El declive que se suele dar en muchas sagas de éxito empieza ya en esta segunda parte.

Rul T.
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— Dos cabezas significa el doble de dientes, ¿verdad?

Con esta ingeniosa frase se puede resumir esta película, que pasará a la historia por contar en su reparto con dos personajes míticos para los que ya tenemos una edad. En primer lugar, la aparición de Carmen Electra, todo un mito erótico desde los tiempos de los Vigilantes de la Playa, y Brooke Hogan, hija del gran luchador de wrestling, y que se parece más a su padre de lo que probablemente le gustaría a ella misma. Ellas dos solitas se encargab, la una por no decir nada, y la otra por hablar demasiado, de rebajar aún más la calidad de la cinta. Pero claro, si buscamos calidad no nos acercamos a un producto de serie B como éste, porque si alguien pretende "descubrir" una gran película en un título así, es que es de psiquiátrico.

El guión es de lo más cutre salchichero que uno pueda imaginar. Es de suponer que se debió escribir en el lavabo, o bajo los efectos de unas devastadoras fiebres que afectaban la (dudosa) capacidad de su responsable. Uno no espera grandes aspavientos, pero sí un mínimo de coherencia con lo que se está contado, para dar algo de la simple estructura que una cinta de serie B como ésta requiere.

El problema es que ni Carmen Electra, ni Brooke Hohan pueden hacer nada para combatir el estúpido guión, por lo que hubiese sido interesante simplemente que aparecieran como lo que eran, sin intentar darle un protagonismo que no se puede coger ni con pinzas. Brutal la escena en que toma el sol mientras se meriendan a su compañera de bote, y ni se inmuta después. La historia de superación de Brooke Hogan es digna de aparecer en los compendios de medicina psiquiátrica, en el apartado de ¿cómo conseguir que alguien que tiene pánico al agua se meta a soldar un casco de un barco sin haberlo hecho nunca? ¡Oyes, fantástico!

Quitando del medio estas tonterías sin sentido, el resto es todo lo que esperábamos de una producción así: un montón de chicos guaperas y tontos, com muchas más chicas en bikini y con el mismo cerebro que sus congéneres masculinos (equidad ante todo). Un bichejo la mar de divertido y medianamente bien recreado, y un montón de escenas de nuestra querida mascota ayudando a la naturaleza en la imposible misión de la selección natural para eliminar los especímenes menos preparados para la supervivencia.

Cuatro tetas, bastante sangre, y un ingenioso plan que acabe con el animalito de una manera tonta e increíble. Sólo le falto una escena final en la que se viera algún tiburón hembra (por ejemplo de dos colas) pariendo un ejemplar mucho más evolucionado.

Todo y así es una película que no defrauda. Sabes lo que vas a ver y te entretienes viendo cómo nuestro querido escualo hace de las suyas durante una hora y media.

Rul T
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Isabel Coixet vuelve a dar un giro a su carrera creativa adentrándose por primera vez en el género del terror psicológico, con una película pensada más para el circuito internacional que para el público de casa.

Para adentrar al público en esta melancólica historia, Coixet se agarra al tirón de la presencia de Sophie Turner, la televisiva Sansa Stark, actriz a la que tal como le pasó a Elijah Wood con Frodo, tendrá muchos problemas para deshacerse de su alter ego lupino. Tampoco ayuda a que su aspecto físico, marcado por su inconfundible melena pelirroja, sea exactamente el mismo que en Juego de Tronos (por lo menos de inicio).

La historia que nos presenta la catalana ya ha sido contada en numerosas ocasiones, por lo que lo destacable en la cinta era saber si Coixet podía embeber su personal estilo dentro de un género a priori desconocido para ella, obteniendo un buen resultado. La respuesta es que lo consigue a medias; Mi otro yo tiene un cierto atractivo, pero se queda corta en la intensidad, naufragando entre dos aguas, el drama y el terror, sin llegar a conseguir afianzarse en ninguna de ellas.

A nivel estético hay que reconocer la labor de fotografía, una cuidada escenografía con algunas localizaciones simples pero efectivas, como el túnel que Fay se ve obligada a cruzar en su vida cotidiana. La ambientación, más próxima al Sundance que al cine de terror, no juega tampoco a su favor, pues ralentiza demasiado la acción, haciendo perder interés por la historia que hay tras la velada existencia de su protagonista.

A nivel de personajes, Sophie Turner lleva todo el peso de la cinta, pero se ve desarropada por la poca pretensión de los personajes que la rodean, fruto de un guión algo pobre, con algunas soluciones demasiado simples, cuando no esperpénticas para entrelazar la red que permita solucionar el puzzle emocional que ha ideado Coixet. En este apartado, la solución de las escenas de la madre y su amante son casi ridículas.

El resultado final es algo descafeinado al querer Coixet explicar una historia casi coral, en la que la presencia que atormenta a Fay ejerce a ratos como apoyo de las otras subtramas, quedando relegada a un segundo plano en demasiadas ocasiones. Esa es la sensación final tras el visionado, un bueno, vale, no está mal…, que te deja un poco indiferente pese a algunas escenas bien logradas y los necesarios momentos de confusión de su protagonista con la presencia.

En resumen, una película que no acaba de gustar ni a los amantes del género del terror, ni a los del cine de Coixet, que se encuentran ante un híbrido que no saca el jugo suficiente a ninguna de sus facetas.

Rul T.
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Grotesque merece entrar por derecho propio un triángulo de depravación que contendría en sus otros dos vértices la saga Human Centipode y A Serbian Film. Con esta premisa se entiende que se trata de un visionado complicado, no apto para todos los públicos y que genera una fuerte controversia entre defensores y detractores. Y es que Grotesque lleva la violencia, a priori gratuita, hasta el límite de la soportabilidad, superando con creces la línea que separa la cordura.

Nos encontramos ante la figura del Mad Doctor, que sin motivo alguno es capaz de desencadenar una ola de terror y dolor sobre sus indefensas víctimas, que de repente se ven obligadas a soportar una situación que no hubiesen imaginado ni en la peor de sus pesadillas. Los tres actores, víctimas y verdugos, hacen una notable actuación, sobre todo el doctor, sin duda el personaje que más chicha tiene en un guión parco en palabras, pero con algún giro que otro más que interesante.

Tras una primera violencia más psicológica, en la que se rompen las perspectivas surgidas en el horizonte de los protagonistas, la cinta se adentra en una sinrazón de violencia explícita, gore salvaje y pruebas de amor que harían palidecer a John Kramer, alias Puzzle. Y quizás sea ese el punto más grotesco de la cinta, la crudeza y la simpleza de la extrema violencia que desarrolla, alejada de cualquier tipo de artificio; burda, salvaje, absurda.

Con apenas dos escenarios, es capaz de captar el interés del espectador, que lucha contra los reproches de su estómago, mientras no da crédito ante alguno de los vuelcos que presenta la trama, y que hacen aún más enfermiza la acción. Hay que agradecer que su director nos dé un pequeño respiro, en modo de pulcra y luminosa habitación de hospital; descanso necesario para masticar lo que hemos visto hasta el momento y poder afrontar con renovada fuerza el tramo final.

Un tramo final en el que de nuevo se nos presenta un nuevo giro, tragicómico, que hace incluso que soltemos alguna que otra carcajada, fruto de la tensión a la que hemos estado sometidos desde el primer minuto. Quizás para muchos este cambio sea un motivo de crítica, unido a la poca profundidad de la idea original en que se basa, aunque más bien parece la opción elegida por su director para recalcar lo absurdo e injustificable de los hechos, una exageración enfermiza de la mente nipona, la válvula de escape de una férrea tradición.

En cualquier caso, la explicación que nos ofrecen en los minutos finales, no deja de convertirse en algo meramente anecdótico, casi insustancial.

Sin duda una cinta que no te dejará indiferente y con el estómago revuelto.

Rul T.
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Más que correcto film del director de Faust 5.0 que nos envuelve en una historia de terror rural donde los viejos secretos habitan entre los gruesos muros de los caserios, entre las sombras de las que huye su protagonista.

Eskalofrío es una película que sin grandes alardes consigue algo fundamental: entretener al espectador. La cinta une a la perfección toda una serie de pequeñas virtudes que, sin destacar especialmente, logran generar una sólida estructura en la que sostener una historia ya contada mil veces, generando un interés al que algunas producciones de grandes presupuestos y pretensiones no logran llegar.

La actuación de Junio Valverde en el papel de Santi y el de Francesc Orella como el casero Dimas, recogen todo el peso argumental de la trama, acompañados por unos secundarios que cumplen su función perfectamente, y en el que podemos ver a una joven Blanca Suarez que empezaba a afianzar su carrera como sex symbol teenager de la mano de la serie El Internado.

La cuidada ambientación logra una excelente atmósfera, ayudada por el siempre inquietante panorama que ofrece un bosque en penumbra. La buena fotografía y el buen hacer de su director nos ofrece momentos en los que la tensión está muy bien lograda, dejando al espectador alguna escena en el interior de la casa que logra dejarte sin respiración durante unos instantes.

Si se bucea con ganas de destripar las entrañas argumentales, se puede criticar algunas partes del guión a la hora de resolver el misterio que acecha a la población, por resultar algo simplonas y sencillas, pero sin ser extremadamente quisquilloso se puede concluir que en su conjunto la historia está suficientemente armada como para ser verosímil, aunque quizás algunas partes se debían haber trabajado algo más. Resulta complicado aceptar la supervivencia de la criatura en esas circunstancias sin quizás algo de ayuda externa, que hubiese abierto un interesante camino de purga expiatoria mucho más jugosa que las relacionadas con la madre y el naciente y forzado romance con Blanca Suárez.

No obstante el resultado es más que satisfactorio para el espectador, que pasará un rato de lo más entretenido.

Rul T.
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Descubrí esta película gracias al fantástico blog Nido de Cuervos. Lo que en un principio me pareció una simple carátula llamativa, me sirvió para descubrir un género, el Pinku Eiga, y una de sus musas: Asami.

Según podemos leer en Wikipedia, el Pinku Eiga (Violencia Rosa) es un subgénero cinematográfico de acción de origen japonés. Este surgió a finales de los años ’60 y tuvo su mayor fuerza en los años ’70. El subgénero se encuentra delimitado por una serie de normas y características fundamentales, entre ellas: siempre están protagonizadas por mujeres jóvenes, las tramas están relacionadas con guerrillas o bandas callejeras, se muestran asesinatos y/o cualquier otro tema en el que se recurra a la violencia.

En este tipo de películas destacan films como Blossoming Night Dreams o Stray cat Rock , entre otras muchas. Una de las musas mas representantes en este movimiento es Reiko Oshida, protagonista del clásico Okatsu The Fugitive.

Asociado en la actualidad con un cine en el que priva más el desnudo y el sexo que la cinta en sí, esta Gun Woman se aleja totalmente de ese concepto para presentarnos un sangriento ejercicio de la venganza más gore que nos podamos imaginar.

Abrigada por una banda sonora que es una obra de arte en sí misma y una fotografía fantástica, que hace que muchos planos nos resulten memorables (sobre todo a la hora de ensalzar la sádica figura de Hamazaki Jr.), la película tarda apenas unos segundos en dejarnos pegados a la pantalla, en la escena del prólogo, con una mujer en la ducha en la que se nos avisa de lo que está por llegar: violencia y cuerpos desnudos.

Se puede achacar cierta benevolencia al guión, a la hora de la conversión de Asami en una máquina de matar, pero es algo inherente al género, con lo que tenemos que convivir si queremos pasar un buen rato. Si aceptamos de antemano que vamos a adentrarnos en lo que bien podría ser un violento manga, disfrutaremos a raudales del festival de sangre y odio que nos espera.

Otra de las constantes en la película es la cantidad de desnudos femeninos que vamos a ver. Además de que Asami se pasa la mayor parte de la película desnuda, la violencia sexual es uno de las constantes, resultando verdaderamente desagradable en muchos momentos, y creando una empatía natural con los dos protagonistas, a los que se le perdona incluso una sangrienta clase teórica de las consecuencias y el timming del desangrado humano que pone los pelos de punta.

El desarrollo de la trama presenta giros más que suficientes para resultar adictiva, pues no sólo se limita al avance lineal de la historia, sino que nos sorprende con más de un escabroso vuelco argumental que acrecenta el interés del espectador, desde la primera escena a la última. Y cuando digo la última, debes visualizar por completo los créditos finales, pues además de disfrutar del tema que cierra la película (buenísimo), nos esperan aún unos pocos segundos más de historia que bien valen la pena.

Otra de las grandes protagonistas de la cinta es sin duda la sangre. Si no eres fan de ella, Gun Woman te va a resultar un despropósito exagerado, pero si no te importa ver litros y litros derramados y cuerpos tintados de arriba a abajo, sin duda vas a disfrutar más que un vampiro en la fiesta de la hemoglobina.

Sin duda una película más que interesante, muy disfrutona y salvaje.

Rul T
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Entretenido thriller basado en hechos reales en el que el debutante Simone North nos explica la historia de Rachel Barber, adolescente interpretada por Kate Bell (The Cup, 2011), desaparecida en extrañas circunstancias. La historia narra las pesquisas que llevaron a descubrir a su asesina, Caroline Reid, magníficamente interpretada por Ruth Bradley.

La película cabalga entre el thriller y el drama en una atmósfera sundance preciosista y minimalista, gozando de una hermosa fotografía y una excelente banda sonora, que arrullan el moderado tempo en el que se desarrollan unos hechos que nos explican desde el comienzo, por lo que todo el factor sorpresa se limita a encontrarnos el momento en el que se desencadenarán los macabros acontecimientos.

En los primeros compases nos presentan a los personajes, la bella y perfecta Rachel, modelo de perfección para la sociedad y en especial para sus padres, Guy Pierce y Miranda Otto (nuestra Eowin de El Señor de los Anillos). En contraposición tenemos a Caroline, bala perdida emocionalmente inestable, que busca a cualquier precio el reconocimiento especialmente de su padre, encarnado por otro ilustre actor, el veterano Sam Neill, curtido en mil y una batallas.

Pese a conocer de antemano qué es lo que va a suceder, la cinta no pierde interés ninguno gracias al papelón de Ruth Bradley, que encarna la definición de locura en su papel, dotando de una intensa dosis de credibilidad la puesta en escena. Sin duda, In Her Skin, vale la pena sólo por su actuación. La escena frente al espejo es todo un esperpento que suscita tanta lástima como aversión en el espectador.

El resto de personajes se limitan a cumplir su papel de secundarios para la estructura argumental, aunque la película podría pasar perfectamente sin la mayoría de ellos. Podemos rescatar a Sam Neill por su sobriedad y buen hacer, y único papel que enriquece la trama por su relación con la protagonista.

Una agradable elección que no sorprende pero que invita a pasar un buen rato debido a su buena factura en conjunto. Esperemos que su director ruede de nuevo, pues su debut ha sido prometedor.

Rul T
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Era una tarde de sofá tras una ardua mañana de trabajo en el jardín de casa cuando decido poner en la tele La Sexta 3. Hacen varias pelis de serie B y terror... yo estoy cansado... mi mujer tiene que trabajar.... voy a por un par de cervezas al frigo.
Así, sin comerlo ni beberlo, me planto ante Attack the Block, (tras una rápida mirada en Filmaffinity y comprobar que en 2011 ganó en el Festival de Sitges, el Premio del público y Mejor BSO. Bueno, esto puede ser interesante.

La cinta se inicia con un asalto a una chica en un barrio marginal de Londrés, por una colla de macarras quinceañeros, que pasarán a ser los protagonistas de la peli, lo cual ya te hace colocarte en una posición determinada en el sofá para ver lo que vas a ver.

La película camina con cierta comodidad en la Serie B, con algunos toques de humor británico sin llegar a la genialidad de otros títulos como Shaun of the Dead, pero que en contadas ocasiones te llevan una sonrisa a los labios.

En ningún momento, su novel director, ha pretendido hacer una película de alienígenas «seria», Attack the Block es una peli gamberra, totalmente inverosimil y pensada para un público más bien adolescente, pues insiste en la idea de la fidelidad del grupo y la importancia del supuesto líder.

Los extraterrestres, una mezcla entre critter y mono, parecen sacados de un almacén de los chinos, con sus mandíbulas fosforitas y su comportamiento animal, pese a ser capaces de atravesar el universo a bordo de no se sabe que artilugio. Las reacciones de los personajes son impensables y, el aislamiento de la acción en el barrio, sin la presencia de nadie más ante una invasión de seres de otro planeta tampoco ayuda.

Pero es cierto que es un film entretenido, con buenas dosis de acción, algún momento de sangre sin excesos y, como hemos dicho antes, algún que otro momento divertido. Unido a su corta duración, 80 minutos, hace que su visionado sea muy ameno, por lo que uno no queda defraudado de lo que ve.

Quizás, el final sea el momento más flojo, pues su director podía haber rebuscado alguna idea más compleja que el simple reconocimiento unánime, pero pensando a quien va dirigida, pues tampoco se puede pedir más.

Entretenida para pasar un rato divertido sin pretensiones.

Rul T.
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La ópera prima de los hermanos Goetz es un excelente film que se enmarca en el género «survival». En muchas ocasiones, este tipo de películas no llega a alcanzar un gran interés y se basa sobretodo en las mil y una visicitudes que tendrán que superar el/los protagonistas para salir airosos del embrollo.

Scenic route se aleja del «mcgiverismo» ingenioso para sobrevivir y se centra mucho más en el desarrollo emocional de la propia lucha por la vida, y las consecuencias que acarrea esa tensión en los individuos que la padecen.

Este es el gran acierto de la película. Centrada en los dos personajes protagonistas, Josh Duhamel (Turistas, Transformers) y Dan Folger (actor de carácter más cómico), y rodada en su mayor parte en una cuneta. Ambos actores están genial, dotando a las escenas de un crudo realismo, al instante el espectador necesita saber por qué el guaperas cojo ese va a acabar como la foro de la portada.

Aquí es donde la pareja de directores hace un gran trabajo, pues logra crear un ambiente de tensión perfectamente acorde al gran guión y su brillante interpretación. Vemos como la relación de ambos personajes esconde problemas que vienen de lejos, que a todos nos resultan suficientemente cercanos como para empatizar rápidamente con la situación.

Hay algún momento en que la trama decae con algún que otro altibajo, pero compensado con creces por los momentos más intensos y desfortunados por los que pasan los protagonistas. Si bien se puede cuestionar alguna decisión que pueden tomar en algún momento y las exageradas coincidencias que hacen que se conviertan en pésimas, la propuesta tiene originalidad y solvencia, haciendo que en todo momento mantenga el interés al otro lado de la pantalla.

Quizás el momento final sea el más discutido, innecesario para algunos, brillante para otros, a mi me pareció muy acertado, para una cinta que tiene una gran calidad, te mantiene pegado a la pantalla y te deja un gran sabor de boca.

El nivel técnico también es destaclabe, sobresaliendo la fotografía y el maquillaje. ¡Espectacular la escena de la sesión de peluquería en mitad de la nada!

Muy aconsejable.

Rul T.
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Desempolvamos este clásico del 92 que se convirtió en un gran éxito de taquilla y público y que lanzó el mito erótico de una Rebecca de Mornay que daba, y estaba, de miedo en aquellos años.

Revisionada ahora, conociendo la historia, podría resultar un film algo descafeinado, pero para mi sorpresa, aunque la echaran a media tarde en la Sexta 3, resultó una gran diversión.

Hay que reconocer que aún pasado todos estos años, el personaje de Rebecca consigue ponerte los pelos de punta, con esa maldad perfectamente estructurada, la frialdad con la que actúa el personaje y la obsesión con la que Peyton traza su plan para llevarlo a su fin.

La estructura de thriller clásico engancha desde el primer momento, manteniendo una tensión continua en el espectador, que observa como una y otra vez, las víctimas de la niñera caen ante sus argucias sin poder evitarlo.

El personaje de Rebecca no tiene ningún pudor en arremeter contra todo lo que pueda cerrarle el paso, sin importar niños, discapacitados, hombres o mujeres. Es verdaderamente espeluznante como consigue atraer de tal manera tanto a los niños del matrimonio como al marido, que tiene que soportar una lucha interna demoledora para no verse arrastrado por los encantos de Peyton.

El único punto flojo es el final, y es que aquí es donde podían haber hecho una película sobresaliente, pero la ridícula obstinación de muchos directores americanos de que la película tiene que tener un final feliz, hace que el desenlace sea poco creíble y desafortunado.

Un final con Peyton consiguiendo sus fines y marido y niños locos con ella viviendo en su antigua casa hubiera sido la leche. Pero bueno, nos conformaremos con el resto del metraje, que sí que vale bien la pena.

Aunque como dice mi mujer: "¿Quién se va a creer que una esposa va a contratar una niñera que esté así de buena con tu marido en casa?"

Rul T.
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