A la par de las investigaciones de la justicia francesa ante las denuncias de varios hombres que acusaban al sacerdote católico Bernard Preynat de haber sido acosados y abusados sexualmente cuando eran niños, el cineasta francés François Ozon realizaba un trabajo documental acerca del caso, que derivó en esta ficción que recrea el caso mencionado.

Alexandre (Melvil Poupaud) es un hombre adulto, católico, con un buen empleo y una familia armoniosa familia, cuando se entera que el sacerdote que abusó de él siendo niño en un grupo de boys scouts permanece trabajando junto a infantes, decide tomar acciones acercándose a las autoridades de la iglesia primero, y al notar la inacción de sus jerarcas, decide tomar la vía legal.

Ante ello, la policía busca a las personas que establecieron antecedentes años atrás, citando a François (Dennis Menochet), que también padeció abusos de niño, quien decide denunciar e inicia junto a otro ex abusado, Giles (Éric Caravaca), una asociación que busca atraer a más denunciantes, a donde llega Giles (Swann Arlaud), quienes junto a Melvil permanecen en la lucha para conseguir justicia.

La estructura de la película se divide en tres partes en las que se centra cada una en uno de los personajes, Alexandre, François (y un poco de Giles) y por último Emmanuel, en los que, en diferentes tonos, ahonda en su pasado en breves flashbacks que los muestran en su convivencia con el sacerdote, centrándose en el presente donde se los ve en su vida cotidiana antes de entrar a luchar legalmente y posteriormente, en su convivencia en la organización que forman, denominada “La palabra liberada”, para llegar a una última parte donde todos interactúan.

La película resulta reveladora en diferentes sentidos, remarcando la reacia e hipócrita postura de la iglesia ante los abusos, cómplice desde el silencio establecido ante las viles acciones de sus sacerdotes, como se muestra al cardenal Barbarin (François Marthouret), que rechaza el uso de la palabra pedófilo, así como sorpresivas reacciones de algunos familiares, medrosos ante lo que representa la iglesiay que apenas muestran reproches a sus familiares víctimas.

Narrada con solidez, Ozon acierta al acercarse a las víctimas con respeto, sin caer en subrayados innecesarios ni situaciones manipuladoras, centrándose objetivamente en la lucha de estos hombres que organizados tratan de hacer valer la justicia.

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La saga mas influyente de la historia del cine, que generó todo un universo cinematográfico que se ha expandido en secuelas, precuelas, spin offs, y series animadas y de acción real, llega, supuestamente, a su fin, de la mano de J.J. Abrams, el mismo que fue el encargado de volver a echarla a andar en lo que fue el episodio 7 de la saga, con la consigna de dar un cierre que satisfaga a las masas de seguidores.

La llegada a este episodio fue un tanto caótica, tras el “fracaso” del episodio 8 y las múltiples inconformidades de los fanáticos respecto a las arriesgadas decisiones de Rian Johnson, los ejecutivos de Disney deciden cambiar al ya confirmado director Colin Trevorrow para evitar cualquier riesgo, haciendo una apuesta segura al nombrar el regreso de J.J. Abrams como el responsable del capítulo final.

El resultado de este episodio 9 es una película que cierra cada una de las historias, que da las respuestas esperadas y en la que aparecen, y reaparecen, los personajes que los fanáticos quieren ver, reescribiendo algunos de los hechos establecidos por Johnson en el capítulo anterior y manteniendo uno que otro, conformando así un satisfactorio episodio de cierre.

Abrams decide no asumir riesgo alguno y transita por una senda segura en la que lo principal es satisfacer el fan service, al contrario de Rian Johnson, que buscó ir más allá del canon establecido, aunque no todas sus decisiones fueran acertadas, se la jugó buscando que la saga explorara nuevas posibilidades, ante el rechazo generalizado de los fanáticos.

Es por eso por lo que, para el cierre de la saga creada por George Lucas se ha optado por el regreso de Abrams, quien dirigió satisfactoriamente el episodio 7, si bien haciendo una especie de actualización de la primera película, logró sobreponerse al mal sabor de las precuelas y entregar un reinicio convincente.

La película final cumple en ser un digno cierre para la querida saga, sosteniéndose en muchos pasajes en base a la nostalgia con la aparición de personajes ya clásicos y presentando algunos nuevos (por aquello del merchandising), pero sin asumir riesgo alguno y complaciendo en dar lo esperado en cuanto al cierre de las subtramas y las respuestas que todos desean, en un episodio final que no decepciona aunque solo por momentos emociona.

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En su quinto largometraje, cuarto de ficción, el realizador Hari Sama se sumerge en sus memorias y experiencias de su juventud en la ciudad de México de mitad de la década de los 80, en un retrato generacional intimista y personal.

Carlos (Xabiani Ponce de León), es un joven que está saliendo al mundo, y junto a su amigo Gera (José Antonio Toledano) se adentran en el movimiento contracultural de los años ochenta de la ciudad de México, cuando juntos conocen un bar de la mano de Rita (Ximena Romo), hermana de Gera, y su banda.

A partir de ahí ambos se sumergirán en un mundo hasta entonces desconocido, donde entre música y drogas explorarán y experimentarán su sexualidad, sus cuerpos, y demás nuevas experiencias en una ciudad afectada por el reciente terremoto y en plena efervescencia mundialista.

Sama consigue volcar y plasmar sus recuerdos de una época convulsionada, a través de su mirada a su propia juventud en un relato donde logra evadir sentimentalismos nostálgicos, permitiéndose recrear y explorar los sitios donde fue aprendiendo y conociendo de la vida.

Como una especie de coming of age convulsa, la película envuelve en su historia todo un retrato de una escena subterránea en la que los jóvenes se sumergían para, a través de la música o de diferentes performances, hacer sentir su voz, en un mundo cada vez más hostil que les ponía enfrente obstáculos inéditos, como fue en su momento la irrupción del SIDA, encontrando en diferentes expresiones artísticas esa necesaria válvula de escape.

Un relato cálido y vibrante de una etapa de inflexión en un contexto convulsionado, que logra capturar notas de verdad en un momento en el que nada permaneció igual, logrando una correcta recreación de esos años sin necesidad de abusar de la nostalgia ni recurrir a la inútil moraleja y con un intenso trabajo de sus intérpretes.

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El director sudafricano ganador del Oscar en 2005 con su película ‘Tsotsi’, Gavin Hood, presenta ahora, similar a su trabajo anterior, un thriller político británico, basado en un hecho real que solo por momentos consigue volverse atrapante.

Inicia el año 2003, Katharine Gun (Keira Knightley), trabaja como traductora en el GCHQ, una agencia del servicio de inteligencia del gobierno británico, su vida tranquila se altera cuando llega un correo electrónico de la Agencia de Seguridad Nacional de los Estados Unidos.

En el mail se les pedía espiar a miembros de seis delegaciones pertenecientes al Consejo de Seguridad de la ONU, cuyos posibles votos podrían ser decisivos para legitimar la inminente invasión a Irak. Fiel a sus convicciones, Katharine decide filtrarlo consciente de las consecuencias legales que el hecho le puede acarrear.

La historia que narra la película de Gavin Hood es apasionante, y Keira Knightley consigue ponerse a la altura de las circunstancias para así dotar de vitalidad a su personaje, en un relato que no siempre consigue ponerse a esa misma altura.

Hood consigue una película correcta, por momentos demasiado académica y sin el pulso necesario para la historia que se narra, pero eso sí, la trama nunca se sale de su control y consigue sostener cierto equilibrio entre los varios personajes que van sumándose a lo largo del metraje.

Lo que se narra daba para una película de mayor calibre, en una historia de conspiraciones gubernamentales y convicciones personales, con los suficientes ingredientes para un sólido thriller político al que le falta un poco de garra para trascender.

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Hace apenas dos años se lanzó una nueva versión de ‘Jumanji’ dirigida al nuevo público y el resultado fue increíblemente positivo, consiguiendo llevar bien la adaptación del juego ahora como un videojuego resultando una película ingeniosa y divertida y ahora, lo inevitable, una secuela.

Ahora, los cuatro jóvenes jugadores han crecido y cursan la universidad, de hecho, no más en su pueblo, por lo que al llegar las vacaciones de navidad regresan a casan y deciden reunirse a comer, pero ante la incertidumbre que siente Spencer ante su relación con Martha (Morgan Turner) y para armarse de valor, decide volver a Jumanji.

Al notar su ausencia sus amigos deciden ir a buscarlo y al darse cuenta que ha reactivado el videojuego y que su amigo está dentro, deciden ir en su ayuda, pero al hacerlo no todos entran, y no solo eso, sino que sus avatares se han intercambiado, además de que se han llevado al juego involuntariamente, al abuelo de Spencer (Danny DeVito) y a su amigo (Danny Glover), por lo que en esas circunstancias tratarán de jugar para regresar.

Esta nueva entrega consigue ser una digna secuela que mantiene el nivel de diversión de las películas anteriores, aprovechando, como sucedía en la película anterior, la explotación al máximo de las diferencias físicas entre los personajes “reales” y sus avatares, que en esta entrega es el recurso humorístico principal, pues tanto Johnson como Hart interactúan como si fuesen DeVito y Glover.

Pero no todo funciona como en su antecesora, algunos hilos quedan sueltos en cuanto a la justificación para que la consola funcione, entre otros detalles, además, algunos pasajes del juego parecen calcados de la serie ‘Game of Thrones’, incluyendo algún personaje, y la repentina adición de Awkwafina en el reparto que no funciona del todo, mientras que algunos momentos de la película se sienten como un deja vu, lo que pone en evidencia el inevitable agotamiento de la fórmula ante posibles secuelas.

A pesar de sus fallos y su extensa duración, esta nueva entrega cumple la cuota de humor y entretenimiento que el espectador busca para estas fechas, con algunas secuencias verdaderamente espectaculares y la siempre efectiva presencia de Jack Black que salva cualquier situación.

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La dupla de directores austriacos formada por Severin Fiala y Veronika Franz se dieron a conocer al mundo con ‘Goodnight Mommy’, una pieza de terror psicológico que abordaba la relación madre-hijo desde un plano bastante perturbador desde el punto de vista infantil, ahora en ‘The Lodge’ la relación es entre un par de adolescentes y la novia de su padre, y posible futura madrastra.

Tras un suceso trágico, un padre de familia (Richard Armitage), decide llevar a sus dos hijos a pasar unos días de las vacaciones navideñas a una cabaña fuera de la ciudad, con la intención de distraerlos y para que además socialicen con Grace (Riley Keough), su futura esposa.

Debiendo volver a la ciudad un par de días por cuestiones de trabajo, los deja en la cabaña para que estrechen relaciones, pero los chicos no son muy cordiales con Grace. Cuando todo parecía ir mejor, cosas extrañas empiezan a suceder, afectándole de manera especial a Grace, quien no ha podido superar algunos traumas de su infancia.

Fiala y Franz ya habían demostrado saber crear inquietantes atmósferas y en ‘The Lodge’ lo confirman, una película sólida de terror que, a pesar del título de su estreno en México (La cabaña siniestra) es todos menos una película de sustos, y si, un inquietante relato en el que el trabajo de los directores se plasma en las intensas atmósferas conseguidas.

Y es que los directores prescinden de todo elemento sobrenatural en su relato, llevando a la historia hacia un terreno donde lo que predomina es el terror psicológico a partir de los desconcertantes climas, apoyándose en el buen aprovechamiento del espacio físico de la cabaña en cuestión, del gran trabajo musical de Danny Bensi y Saunder Jurriaans, y las imponentes imágenes que Thimios Bakatatakis consigue del entorno geográfico que se convierte en un personaje más.

Con apenas estos elementos y un muy sólido guion, Fiala y Franz construyen un perturbador y atrapante relato, en la línea de su propia película ya mencionada ‘Goodnight Mommy’, ‘Hereditary’ o ‘The Witch’, terror de gran nivel.

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Después de haber dirigido ‘Star Wars: Los últimos Jedi’, Rian Johnson cambia totalmente de registro ahora con una película que emula y homenajea a las viejas películas y seriales de detectives, consiguiendo así una de las películas más disfrutables estrenadas este año.

La historia es como sigue, un viejo escritor de novelas de misterio, Harlan (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su habitación la noche de su cumpleaños, aparentemente cometió suicidio dándose un tajo en el cuello, por lo que los todos integrantes de su familia presentes en su festejo son sospechosos de su muerte, lo mismo su enfermera personal, la inmigrante sudamericana Marta (Ana de Armas).

Por tal motivo, todos son citados para ser entrevistados por la policía, incluyendo a la joven Marta, así desfilan los hijos Linda (Jaime Lee Curtis), Walt (Michael Shannon); el yerno Richard (Don Johnson), la nuera Joni (Toni Collette); y los nietos, Ransom (Chris Evans), Jacob (Jaeden Martell) y Meg (Katherine Langford), pero de pronto hace su aparición el detective Benoit Blanc (Daniel Craig), quien fue contratado de manera misteriosa y anónima para resolver el caso antes de la lectura del testamento.

Johnson, quien es además el autor del guion, logra narrar la historia con precisión y ritmo; un típico “whodunit” aderezado con mucho humor que recuerda de la mejor manera las historias de Agatha Christie en las que todo se reduce a adivinar a la persona que ha cometido el crimen, pero, aun más importante que llegar a conocer ese dato, Johnson plantea una historia de manera ingeniosa con personajes precisos y bien definidos y un humor que complementa un relato por demás disfrutable.

Para ayudarse a conseguir eso, Johnson ha logrado reunir a un reparto de ensueño, todos caras conocidas y con gran talento que además transmiten el placer de formar parte de un relato inteligente y lleno de aristas, teniendo cada uno su momento de lucimiento, donde por supuesto se destaca una Ana de Armas derrochando simpatía y un Daniel Craig que da vida a un perspicaz detective donde se percibe la influencia del mítico Sherlock Holmes y una que otra nota del Hércules Poirot de Christie.

Una película narrada con brío, sofisticada, inteligente y sobre todo entretenida, una historia que atrapa y envuelve al espectador y le lleva a involucrarse con el caso a resolver gracias a su solvente guion y sus múltiples fortalezas. Toda una gozada.

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Una película producida por los hermanos Russo y protagonizada por Chadwick Boseman prometía por lo menos buenas dosis de acción y adrenalina, además de contar con una premisa que logra despertar cierto interés, pero que en su resultado final termina por decepcionar.

Boseman interpreta a Andre, un policía de Nueva York encargado de investigar el violento asesinato de varios policías sucedido por un par de maleantes que han robado algunos kilos de cocaína que pretenden vender y huir con el dinero obtenido.

Para el caso se le asigna como su compañera a la agente Frankie Burns (Sienna Miller), y como primera medida Andre decide aislar la isla de Manhattan cerrando todos los puentes y accesos a ella por esa noche para asegurar la captura de los criminales.

A pesar de su prometedora premisa, la película que dirige Brian Kirk deja mucho a deber debido a su mala ejecución y los múltiples agujeros que presenta su guion, plagado de clichés, lugares comunes y resoluciones poco inspiradas que terminan por dinamitar el verosímil de la historia.

Lo peor que puede pasar en un thriller como éste es justo lo que sucede en esta película, que los giros de la historia se pueden adivinar apenas se plantea el conflicto, pero si el relato hubiese sido narrado con cierto rigor y cuidado esto no sería tanto problema, pero no, el relato es por demás convencional y sin atención a los detalles, por lo que varias secuencias no logran generar la tensión pretendida.

Tampoco colabora mucho el trabajo actoral de sus protagonistas, un Chadwick Boseman inexpresivo como en todas sus películas y una Sienna Miller a la que se le percibe con cierta incomodidad todo el tiempo, que no consiguen levantar el vuelo de una película olvidable y rutinaria.

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Una nueva producción original de Netflix ahora a cargo del brasilero Fernando Meirelles, ‘Los dos papas’, que es un acercamiento a los dos más recientes líderes de la iglesia católica, dos personalidades que se contraponen en los extremos pero que terminarán demostrando que no son tan distintos.

Luego de ser elegido el sucesor de Juan Pablo II, el conservador alemán Joseph Ratzinger (Anthony Hopkins), que decide tomar el nombre de Benedicto XVI, debe hacerle frente a uno de los momentos de mayor crisis de la iglesia católica, complicada entre escándalos financieros y acusaciones de abusos a menores por parte de párrocos alrededor del mundo.

El papa recibe al arzobispo de Buenos Aires, Jorge Bergoglio (Jonathan Pryce), uno de sus competidores y de una ideología reformista, que busca de alguna manera presentar su renuncia, pero entre charlas, música y fútbol, Benedicto notará que tiene mucho en común con su colega a pesar de sus radicales posturas, quien tras la dimisión de Ratzinger será elegido su sucesor, haciéndose llamar Francisco.

Meirelles, que conquistó al mundo con su película ‘Ciudad de Dios’ codirigida con Katia Lund, no arriesga demasiado y termina conformando un relato por demás complaciente con sus personajes reales, mucho en parte al guion de Anthony McCarten (‘Bohemian Rhapsody’, ‘La teoría del todo’), pero eso sí, bastante entretenido, desaprovechando una gran oportunidad al retratar a dos de los hombres más poderosos de los años recientes, quienes han debido manejar a la Iglesia Católica en su momento de menor popularidad.

La película de Meirelles se centra en los diferentes encuentros que los dos papas habrán de sostener, los primeros de alguna manera ásperos, pero que irán aligerándose conforme cada uno se vea reflejado en el otro, consiguiendo en algunos pasajes funcionar como una comedia efectiva, enaltecida por el enorme trabajo de sus actores, que son por mucho la mayor virtud de la película, pero sin llegar a profundizar lo esperado en los temas más controversiales (abusos, matrimonio igualitario, aborto, etc), que apenas son mencionados al paso.

En otros momentos, Meirelles indaga en el pasado de Francisco, desde su etapa infantil y conforme va creciendo hasta llegar a ser un adulto joven (Juan Minujín), renunciado al amor, pero después peligrosamente cerca de la junta militar que estableció una dictadura en su país, pero, convenientemente, no hace lo mismo con el pasado de Ratzinger, siendo en esos momentos que se resiente la ausencia en pantalla de Hopkins y Pryce, terminando por dar forma a una película tremendamente divertida y simpática, pero sin llegar a profundizar lo suficiente (y necesario).

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La nueva película del director Noah Baumbach es, como dice su título, la historia de un matrimonio, pero la manera de acercarse a ellos no es como uno podría esperarlo, Baumbach decide no centrarse en el momento en que se conocen y surge el amor, tampoco en el desarrollo de su vida en común formando su familia, sino que se enfocará en diseccionar el proceso de su desintegración.

La película inicia de una manera especial, una pareja enumera las virtudes y motivos por los que se enamoró del otro, el director y también guionista provee así al espectador de la información que necesita saber para conocerlos y compenetrarse con ambos, pero a la siguiente secuencia lo desarma por completo.

Charlie (Adam Driver), un talentoso director de teatro, y Nicole (Scarlett Johansson), una actriz que, tras debutar con cierto éxito en el cine, decide solo protagonizar las obras de su marido en Nueva York, están en terapia a punto de separarse, Ella decide viajar junto a su pequeño hijo a su ciudad, Los Angeles, para protagonizar una serie de televisión, donde tras las desavenencias existentes con su ex, decide que todo se resuelva por medio de abogados.

El director plantea así una historia de quiebre en donde la importancia de narrar cada detalle cobra otra dimensión conforme presenciamos el derrumbe de una relación que ve como el amor y sus buenas intenciones entran en conflicto ante sus respectivos intereses, dinamitada por la irrupción de sus abogados, dando paso a una guerra sin cuartel que abre nuevas subtramas y significados, magnificados por la brillante participación de sus actores, Ray Liotta, Alan Alda y una Laura Dern que resplandece como lo hace habitualmente, pero ahora sobre cargada de un empoderamiento que traspasa la pantalla.

Baumbach refleja ecos de su historia personal en un relato donde conviven el drama familiar con la comedia y el thriller judicial, en el que es posible reconocer ecos e influencia de la obra de Woody Allen y por lo tanto de Bergman, soportado por un preciso e impecable guion, que necesitaba de un trabajo así de sólido y contundente en sus intérpretes, lo que cumplen a cabalidad tanto Driver como Johansson, en las que son posiblemente las mejores actuaciones hasta hoy de sus carreras.

Y también es ‘Marriage Story’ la obra cumbre en la carrera de su director, una película de ruptura que conmueve, emociona y moviliza en más de un sentido, en una acumulación de maravillosas escenas entrañables llenas de pasión, ingenio e intensidad.

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Cada nueva película de Woody Allen es un evento cinematográfico en sí, ahora su más reciente trabajo se ha visto empañado primero, por la cancelación de Amazon Prime de su contrato con Allen y después, la negativa de los exhibidores en Estados Unidos para estrenar esta película, entre otros escándalos que no impidieron la llegada a las salas en otras partes del mundo.

La historia de esta nueva película de Allen narra lo que en un principio sería un fin de semana ideal en Nueva York para una joven pareja que parece atrapada en el tiempo, él, Gatsby (Timothée Chalamet), un romántico joven que gusta del juego, los viejos bares con piano en vivo y amante del Nueva York más clásico, ella, Ashleigh Enright (Elle Fanning), una chica un tanto ingenua que es reportera del diario escolar, que ha proyectado el viaje con la intención de entrevistar a un afamado director de cine en crisis (Liev Schreiber).

La planeación de Gatsby es impecable, pero todo empieza a salirse de su control, la entrevista de su novia se alarga justo cuando la lluvia se hace presente, su chica parece haber conocido a un famoso actor (Diego Luna) y él se ha encontrado con la hermana de su ex (Selena Gomez), una joven que le ayudará a replantearse las cosas, en un fin de semana confuso y caótico.

La nueva película de Allen es bastante ligera pero sumamente entretenida, una comedia que mezcla romance y enredos en su típica Nueva York, pero con una fuerte mirada al pasado a partir de sus dos protagonistas, dos jóvenes viejos que gustan y añoran los tiempos pasados, el cine clásico y los piano bar.

Como es recurrente en su filmografía, la película está llena de referencias cinéfilas y literarias, largas conversaciones con diálogos ingeniosos, la exploración del mundo del cine y sus infaltables reflexiones filosóficas, música jazz y la belleza visual en el trabajo del maestro Storaro.

Si bien la película no presenta nada nuevo, lo que es difícil ante un realizador de más de 80 años, si contiene cierto encanto en su historia y en sus personajes, que en parte son un reflejo del propio director, dando forma a un divertimento ligero cargado de ironía, nostalgia y humor.

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El cuarto largometraje de Malik Bader es un thriller con cierta onda retro, que narra una historia sin novedad alguna y de manera convencional, pero que encuentra ciertos momentos que la vuelven atendible.

La acción sucede en Nueva York, Moe Diamond (Liam Hemsworth) es un tipo que se dedica a blanquear dinero de la mafia. Cuando una operación se complica, todo cambia a peor para Moe, que despierta tras una golpiza sin memoria, y con la policía detrás de él.

La película se sostiene gracias a la narrativa de su director, que consigue crear cierta atmósfera y un buen ritmo que permite mantener el interés en lo que sucede, además de algunos personajes llamativos.

El acierto mayor es ese aire al cine de la década de los 70, lo que dota de cierta personalidad al relato, y la vuelve atractiva desde lo visual, pero lo que le resta méritos es su galería de personajes estereotípicos, y una vuelta de tuerca en la historia que se siente forzada.

Una película que se deja ver, para nada memorable, pero con algún mínimo elemento para destacar, que termina resintiendo la falta de fuerza de su protagonista, rígido e incapaz de transmitir alguna emoción.

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El cinefotógrafo y realizador, sobre todo de series, Michael Goi, regresa al largometraje y al cine de terror con una historia ambientada en un barco en altamar, una historia sobrenatural que nunca consigue cuajar.

El capitán David (Gary Oldman), busca hacerse de su propio barco para así tratar de mejorar la economía familiar, así compra uno de nombre “Mary” que no se ve en tan buenas condiciones pero que con una manita de gato podría funcionar.

Pese a la negativa de su esposa Sarah (Emily Mortimer), y con la ayuda de su amigo, conocedor del tema (Manuel García-Rulfo), lo compran y junto a su familia se embarcan a la aventura, con sus dos hijas, la menor llamada igual que el barco, además del novio de la mayor, lo que no saben, es que la embarcación está poseída por un ente sobrenatural.

Si la premisa de la película es difícil de asimilar, esto se complica más ante un trompicado desarrollo de una historia que es narrada con cierto desgano y a puro golpe de efecto y con la esperada vuelta de tuerca cerca del final, y si alguna duda le queda al espectador, durante los créditos finales se puede ver una clara explicación de la historia.

Una película fallida, carente de tensión y que tiene en las correctas actuaciones de sus intérpretes lo único rescatable.

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Pasaron 19 años del debut como director del también actor Edward Norton, sucedido con una comedia poco memorable, y ahora llega su segunda película, una historia que persiguió por años, adaptando el mismo la novela de Jonathan Lethem y conformando un equipo insuperable, tanto en lo técnico como en lo actoral.

La historia está adaptada en la década de 1950, Lionel Essrog (Norton), a quien llaman también Brooklyn, un obstinado investigador privado que padece el síndrome de Tourette, quien intenta resolver el misterio tras el asesinato de su mejor amigo y compañero.

Ello lo lleva a introducirse en un mundo entre políticos, actos de corrupción y racismo, debiendo enfrentarse a un poderoso funcionario que amenaza a unos barrios marginales que son defendidos por un grupo de mujeres activistas, lideradas entre otras por Laura Rose (Gugu Mbatha-Raw), que se convertirá en el interés romántico de Lionel.

Estéticamente la película de Norton es muy atractiva, tomando elementos del cine clásico, más concretamente del thriller policíaco y del cine negro, el director se permite algunos momentos de notable belleza en la construcción de los planos, lo que sucede de similar manera en el plano musical, consiguiendo agradables momentos en las incursiones del protagonista en ambientes propios del jazz.

Pero es en el aspecto narrativo donde el trabajo de Norton se queda corto, el relato no termina por fluir del todo, construyendo una película inconsistente, en la que a una secuencia lograda y llamativa le sigue otra que se alarga con diálogos redundantes, intrascendentes y sobre explicativos, como el hecho de que el personaje de Norton deba advertir a cada personaje con el que se encuentra que padece Tourette, lo que no funciona en esta adaptación a la pantalla que además se extiende innecesariamente en su duración.

Por lo demás, este segundo paso en la carrera de Norton como director es sin duda alguna mayormente positivo, todo un acierto el rodearse de grandes profesionales y conjuntar un reparto lleno de figuras tales como Willem Dafoe, Bruce Willis, Bobby Cannavale, Leslie Mann y Alec Baldwin, todo un verdadero dream team en una película que no consigue satisfacer del todo sus muy altas pretensiones.

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En el año de su estreno, ‘Frozen’ representó todo un cambio en el paradigma de la producción propia de Disney tras comprar a Pixar, significando todo un suceso en la taquilla, con un producto visualmente a la altura de los productos de los creadores de la saga ‘Toy Story’, y una historia entrañable que ponía en un rol inédito a sus princesas, y un par de temas que aun hoy siguen presentes en el inconsciente colectivo.

Por ello era inevitable la secuela, luego de algunos experimentos cortos con no muy buena fortuna, llega esta segunda parte que ahonda en el pasado de las hermanas Elsa y Ana, iniciando con un prólogo en el que siendo niñas y a manera de cuento, su padre les narra la historia de un bosque encantado que quedó cubierto por la niebla, mientras su madre le cuenta de un río en el que se encuentran las respuestas a todo.

Cuando una voz la llama, Elsa decide emprender la aventura ante una latente amenaza para su pueblo, pero no lo hará sola, estará acompañada por Ana, Kristoff, Sven y el simpático Olaf, en un viaje en el que se sumergirán en su propio pasado para encontrar las respuestas que más han estado buscando.

La película está planteada como una aventura en la que las revelaciones se irán mostrando una a una, en situaciones divertidas con varios momentos musicales, algunos momentos románticos, como siempre en esta historia, inconclusos, y hasta algunas sabias reflexiones a cargo de Olaf.

La apuesta en esta segunda entrega es mayor y el resultado final se queda un tanto corto, el relato propone un viaje profundo a las raíces de las hermanas, de los padres, y de los poderes de Elsa, este viaje se torna por momentos excesivamente solemne.

La historia que se cuenta es por demás interesante, hay momentos musicales, aunque ninguno del impacto de su predecesora, diversión en su primera mitad no falta, pero a esta secuela, que repite equipo de dirección con la parejade Chris Buck y Jennifer Lee, es una digna secuela sin duda alguna, pero le hace falta algo de esa magia y encanto que hizo de la primera película un evento inolvidable e irrepetible.

Con la que es apenas su segunda película, el director Ali Abbasi consigue confirmarse como gran narrador, habiendo ganado el premio máximo en Cannes en la sección Un Certain Regard, con una poderosa película basada en un relato de John Ajvide Lindqvist, el autor de “Let The Right One In”.

La historia que narra es la de Tina (Eva Melander), una mujer peculiar, pues siendo oficial aduanera en un aeropuerto, posee un poderoso olfato que le permite percibir en la gente sentimientos tales como la culpa, la vergüenza o el miedo, ella vive en pareja con un hombre que cría perros y cada tanta visita a su padre que vive en un asilo.



Pero su mundo se sacude cuando por el pasillo del aeropuerto pasa Vore (Eero Milonoff), un hombre con facciones similares a las de ella al que no puede descifrar, lo que le incomoda y fascina por igual, y que la llevará a vivir cosas inéditas y cuestionarse su propia naturaleza.

La película de Ali Abbasi crea un universo a partir del primer plano y establece un verosímil de manera sólida y que no rompe nunca, consiguiendo consolidar un relato por demás ingenioso, incómodo e inquietante, que indaga en lo más profundo de la sique y sentimientos de su personaje principal.

Lo más brillante es como el director logra de a poco, escenas tras escenas, hilvanar una historia compleja pero no impenetrable, en la que permite indagar en el pasado y naturaleza de sus criaturas de tal manera que permite sostener en todo momento ese verosímil establecido, y llevando el relato de a poco de un estado “real” hacia un mundo imaginario y por lo mismo impredecible, desatando un torbellino de emociones que involucra por igual la parte sentimental, la sexual y una más violenta.

Como si estuviera narrando un cuento de hadas, pero en este caso uno un tanto más perturbador e inquietante, Abbasi da forma a una película ingeniosa y seductora, que mira desde otra perspectiva a esos seres diferentes a los que la sociedad parece admitir y terminando usando, pero nunca aceptándolos de manera honesta.

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La más reciente película del director James Mangold, realizador de títulos como ‘Logan’, ‘3:10 to Yuma’ o ‘Walk the Line’, entre otros, narra una historia basada en hechos reales, que cuenta como la Ford Motor Company se decidió a plantarle cara a Ferrari para fabricar un auto más veloz y ganarle las 24 horas de Le Mans.

Son los años 60, la compañía Ford está cerca de entrar en crisis y Henry Ford II (Tracy Letts) les exige a sus empleados ideas creativas para evitarlo. Lee Iacocca (Jon Bernthal) sugiere la idea de crear un auto más veloz que los de Ferrari que le de prestigio a la marca de la compañía.

Para ello se asocian con el expiloto y diseñador Carroll Shelby (Matt Damon) quien propone al mecánico inglés de complicado carácter Ken Milles (Christian Bale) como el piloto ideal para superar a Ferrari en Le Mans, encontrando cierta resistencia dentro del cuerpo ejecutivo de la compañía.

Si bien el título original de la película pone en primer plano la disputa de las dos importantes compañías de automóviles, el relato de Mangold se centra en narrar la relación de Shelby y Milles, dos profesionales comprometidos a quienes une una fuerte amistad y una misma visión dentro de la pista, por lo que el director se toma el tiempo necesario para mostrar y desarrollar la gestación del vehículo, las complicaciones profesionales y personales que les traerá, hasta llegar a la esperada confrontación final.

Mangold se las arregla para construir un relato fascinante que pasa por diferentes momentos y situaciones pero que atrapa por completo al espectador, transitando a su relato desde el drama a la comedia sin mayor complejidad, hasta llevarlo a los terrenos deportivos, sosteniendo un ritmo que se torna vertiginoso y preciso, que conduce al relato hasta volverlo por demás emocionante, a pesar de su excesiva duración.

Un relato bien clásico y sumamente efectivo, donde el director le permite a su amplio reparto los momentos suficientes para lucirse y consigue llevar siempre con buena mano a sus dos estrellas, Damon y sobre todo un muy contenido Bale, que son los dos pilares que llenan de alma y corazón una película muy disfrutable, sorpresiva, intensa y muy emotiva. Todo un logro.

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El director alemán establecido en Hollywood Roland Emmerich es un especialista en rodar películas que tienden más a la espectacularidad de la imagen que a la profundidad de la historia que se narra, es el hombre responsable de títulos como ‘Día de la independencia’ y su secuela, ‘Godzilla’ del 98, ‘’El día después de mañana’, ‘El patriota’ o ‘2012’ entre varios títulos más, ahora se centra en un episodio de la Segunda Guerra Mundial.

La batalla de Midway se ha llevado varias veces al cine, una de las más recientes es la poco memorable ‘Pearl Harbor’ de Michael Bay, otro director de blockbusters, pero ambas producciones tienen ciertas características que las diferencian, pero que al final no son más que productos que buscan enaltecer el orgullo patriótico de lo espectadores estadounidenses.

Esta película inicia con el hecho histórico del ataque japonés a Pearl Harbor, lo que obliga a la participación de los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, cuyo ejército después de ejecutar un bombardeo sobre el territorio de Japón, estableció una estrategia sorpresa para contrarrestar al ejército nipón en las islas Midway.

En la película de Michael Bay el relato se centraba en narrar un triangulo amoroso en medio de la guerra, pero Emmerich decide tomar otro camino y centrar casi la totalidad de la historia siguiendo a varios personajes de diferente rango dentro del ejército, personajes interpretados por Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Aaron Eckhart y Denis Quaid, y así poder ver desde adentro como se va gestando la estrategia del contraataque.

La película pretende ser un homenaje no solo para los héroes norteamericanos, sino que también está dedicada a los caídos del lado japonés, pero no logra evitar ser parcial en la manera en que se narran los hechos, presentando a sus personajes de manera plana y unidimensional, como el esperado arquetipo del soldado yanqui dispuesto a dar la vida por su patria, con diálogos grandilocuentes pero con nula profundidad, ni siquiera en los personajes principales que interpretan Skrein y Wilson, o presentando a personajes clave que de pronto son olvidados, como el de Eckhart, y si bien dedican un par de secuencias en mostrar a los japones como seres nobles que defendían su causa, el resto del metraje se los presenta como los tipos muy mal encarados y sin corazón que decidieron hacerles frente sin suerte.

La película busca un registro cercano a la realidad y para ello Emmerich filma espectaculares secuencias de batallas sobre los aviones que intentan añadir algo de tensión al relato sin lograrlo, pues el todo está narrado con poco nervio y con ciertas inconsistencias donde se muestran personajes que parecen ajenos al conflicto bélico que los envuelve, lo que convierte a ‘Midway’ en un relato tibio y poco estimulante, al servicio de enaltecer corazones patrioteros y nada más.

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El director Martin Scorsese supo darle forma a un universo cinematográfico donde pocos como él se adentraron en la vida de los gánsteres con tal profundidad, logrando construir verdaderas obras maestras con actores como Robert De Niro, Harvey Keitel o Joe Pesci, a los que reúne en su nueva película en la que regresa al mundo del hampa, repasando una parte de la historia del siglo pasado de los Estados Unidos, en un relato vibrante y personal.

Partiendo del libro “I Heard You Paint Houses”, de Charles Brandt, que ha adaptado para la gran pantalla el guionista Steven Zaillian, se narra la historia de Frank Sheeran (De Niro), veterano de la Segunda Guerra Mundial, el irlandés del título que trabajaba como chófer de un camión y que poco a poco se fue relacionando con diferentes personalidades hasta llegar a colaborar con el poderoso líder sindical Jimmy Hoffa (Al Pacino), a quien conoce gracias a su amigo Russell Bufalino (Joe Pesci), convirtiéndose en la figura encargada de ejecutar el trabajo sucio para los suyos.

El relato viaja constantemente en el tiempo, y así Scorsese se toma el tiempo, con ayuda de la tecnología para rejuvenecer a sus actores, para contarnos mucho de cada uno de sus personajes, de como se conocen y como terminan involucrándose, de sus relaciones familiares y así hasta llegar a verlos como ancianos que cargan sobre si el peso de sus actos y decisiones, excepto a Hoffa, de quien se sabe un día desapareció y nunca más se supo de él, tema que la película también aborda a detalle y que se convierte en una parte importante del conflicto de Sheeran en sus últimos días.

La narración de Scorsese se modifica de acuerdo a lo que se va contando, en una primera parte todo es más vertiginoso, similar a lo visto en ‘Goodfellas’ o ‘’The Wolf of Wall Street’, con muchos diálogos y una edición y planos secuencias precisos, y un destacadísimo trabajo cinematográfico de Rodrigo Prieto, mientras que en el segundo tramo donde se aborda la etapa madura de los personajes, la narración se torna más calma, íntima e introspectiva, donde las miradas dejan de lado a las palabras y los silencios se vuelven implacables, como el paso del tiempo y la culpa a cuestas.

La película es larga, mucho, son casi tres horas y media pero Scorsese se las arregla para no perder el ritmo y hace que no se sientan tanto, y sabe bien aprovechar cada minuto para contar su historia de mafiosos, pero también para dar un buen repaso por la historia reciente de su país, en un periodo en el que Hoffa supo hacer valer su poder y enfrentar a los Kennedy por igual, aunque esto se aborda de manera lateral, pues Marty no pierde nunca el foco sobre sus personajes y lo que quiere contar.

Y lo que nos cuenta son esas historias que él vio desde niño y que conoce a la perfección, que le han permitido dar forma a una muy sólida filmografía con varias obras maestras a cuestas y con un grupo de actores a los que hace brillar como en sus mejores tiempos, con un trabajo descomunal de Joe Pesci y De Niro, lo mismo Harvey Keitel y su breve aparición y haciendo destacar sobre todo a Pacino en su primera colaboración juntos, al que muestra contenido y en plena forma, logrando así una de sus mejores películas, que ya es mucho decir, un relato intenso, introspectivo y apabullante en más de un sentido. Sin duda, estamos ante uno de los mejores directores de la historia del cine que ha alcanzado, una vez más, llegar a lo más alto.

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El actor José María Yazpik debuta como realizador con una comedia efectiva en la que regresa al pueblo de su padre y donde pasó algunos años de su infancia, para filmar una historia basada en una trágica anécdota sucedida en Colombia.

Yazpik, además de escribir y dirigir, protagoniza su ópera prima interpretando a Chema, un narco de poca monta que se ve obligado a volver a su pueblo, San Ignacio en Baja California Sur, con el objetivo de recuperar 500 paquetes de a kilo de cocaína, liberados de una avioneta que se quedaba sin combustible, en una historia que se ubica en los inicios de los años 80.

Chema, que salió del pueblo varios años atrás con la idea de volverse actor y ahora regresa para encontrarse que su ex, Jacinta (Mariana Treviño), ha formado una familia, ofrece 100 dólares a cambio por cada paquete que se recupere, modificando por completo la dinámica de los pobladores.

La película de Yazpik es una comedia costumbrista en la que la anécdota de los paquetes caídos del cielo le sirve de pretexto para contar la historia de un hombre que regresa de manera forzada a su terruño donde debe enfrentar a su pasado perdido y su incierto presente.

Yazpik consigue una comedia simpática y convencional que se apoya en un verdadero dream team de la actuación, en la que destacan además de los ya mencionados a Angélica Aragón, Joaquín Cossío y Jesús Ochoa entre otros, en un relato que combina de manera acertada la comedia y el drama, y sin necesidad de enaltecer el modo de vida narco, algo tan en boga en la producción audiovisual actual.

La película abusa de los estereotipos y replica una y otra vez muletillas y chistes, y a pesar de que se queda a medias en el desarrollo de sus personajes, consigue ser un divertido relato bien narrado, con un promisorio futuro para su realizador.

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