La más reciente producción de la Blumhouse, productora que ha sabido inyectar una generosa renovación en el muy manoseado género del terror en los últimos años, significa el primer protagónico absoluto para Octavia Spencer, quien una vez más es dirigida por el prolífico director Tate Taylor.

Una madre, Erica (Juliette Lewis) regresa a su ciudad natal junto a su hija Maggie (Diana Silvers), quien apenas al llegar socializa junto a un grupo de jóvenes de su escuela, quienes buscan que algún adulto les compre algunas botellas de alcohol, sin conseguirlo hasta que se aparece por el lugar Sue Ann (Octavia Spencer), una mujer que trabaja en una veterinaria quien no solo les compra las botellas de alcohol, sino que les ofrece que utilicen el sótano de su casa para que realicen sus reuniones,

Los jóvenes pronto entran en confianza con la mujer, a la que llaman “Ma”, y el sótano de su casa se convierte en el punto de reunión de una buena cantidad de jóvenes, pero Maggie no se cree del todo la repentina generosidad de Sue Ann, de quien sospecha que oculta sus verdaderas intenciones.

La película inicia como muchas en el género, con una efectiva descripción del lugar y del grupo de amigos, volviendo efectiva rápidamente la dinámica que necesita el relato para avanzar y volver prometedor lo que está por venir dentro de la historia.

Pero los problemas empiezan cuando se empieza a hablar del pasado de Sue Ann y la consecuente y consabida justificación de sus hechos a través de la psicología del personaje, en donde a través de algunos flashbacks se subraya que lo que está por hacer Sue Ann encuentra su motivo en esos hechos del pasado.

El último tramo de la película empieza a padecer de ello y todo el relato se convierte en un desmadrado caos que intenta inútilmente que todo cabo suelto quede bien atado, desaprovechando a una actriz que es toda entrega y que resulta lo más rescatable de un thriller, que presenta algunas reminiscencias a ‘Misey’, que pretendía ser diferente y termina siendo muy ordinario.

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Se mantiene la tendencia de adaptar novelas de romances dirigidas al público adolescente, e increíblemente, una vez más, también se mantiene el bajo nivel de su ejecución a la pantalla grande, esta vez a cargo de la directora Ry Russo-Young, quien ya tiene experiencia en ello (Si no despierto).

Natasha (Yara Shahidi) es una adolescente hija de inmigrantes jamaiquinos quien busca desesperadamente ayuda para conseguir una prórroga para evitar que ella y su familia sean deportados de los Estados Unidos a la mañana siguiente.

Por obra del destino conoce a Daniel (Charles Melton), también hijo de inmigrantes, quien está por tener una entrevista para ingresar a la Universidad a estudiar medicina y así complacer el deseo de sus padres, pero no el suyo, así, Natasha y Daniel deberán vivir un amor a contrarreloj buscando cambiar sus destinos.

La adaptación de esta historia se presenta de manera por demás acartonada, además de que cabe mencionar que la historia en si es completamente una historia de amor forzada por los caprichos de un guion que toma prestada la premisa del clásico de Richard Linklater, ‘Antes del amanecer’, para terminar en una versión obvia y perezosa.

La historia es adaptada en una ciudad de New York de tarjeta postal, y presenta todos los lugares comunes posibles, además de incluir de manera grotesca todo lo necesario para mostrarse inclusiva y políticamente correcta.

Así, ‘El sol también es una estrella’ resulta una película intrascendente y superficial, un relato donde escasea la emoción genuina y que subestima a su público potencial.

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El fotógrafo Tom Volf debuta en la realización cinematográfica con un documental que es todo un tributo a una de las figuras más grandes, si no es que la más, del bel canto y del arte en general, María Callas.

El documental es un gran trabajo que recopila una cantidad impresionante de material de archivo que consigue acercar al espectador de manera íntima y conocer a fondo a uno de los personajes más grandes y controversiales del siglo pasado.

Volf consiguió recopilar material de incalculable valor que contiene información de primera mano, como filmaciones profesionales y caseras, entrevistas de televisión, audios, fotografías, cartas, todo armado de una manera tal que es la propia Callas quien va contando aspectos privados de su vida, y en otros momentos contando con la voz de Fanny Ardant leyendo documentos de índole personal.

El relato que Volf consigue armar indaga en la personalidad y trayectoria de la artista, viajando al pasado donde de viva voz cuenta aspectos de su niñez, su paso como estudiante, y su llegada a los más grandes escenarios convirtiéndose en la gran artista que fue, siempre envuelta en escándalos de prensa.

Pero también es posible acercarse a momentos de mayor intimidad, con detalladas declaraciones en cuanto a sus amores, sus matrimonios y sus fracasos amorosos, su vida alrededor del mundo y demás que revelan a una personalidad no tan fuerte como lo hubiese pensado el espectador común.

El documental consigue ser dinámico y bastante entretenido, pero sobre todo es revelador en cuanto al desglose de la personalidad de la Callas, una gran artista y mujer a la que hay que darse la oportunidad de conocer un poco mejor.

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A la prolífica filmografía del realizador Robert Guédiguian se suma su más reciente película la cual contiene una fuerte carga poética y política en una historia emotiva y familiar.

Tres hermanos se reúnen en la casa donde pasaron su infancia luego de que su padre sufriera un accidente cerebro vascular, así, la hermana actriz regresa al lugar donde creció y del que salió casi huyendo, así como su hermano de derechas, un hombre insensible que sale con una mujer mucho menor que él, además de su otro hermano que se quedó a vivir siempre en el lugar.

El reencuentro servirá para recordar experiencias del pasado llenas de nostalgia y que además reavivará viejas deudas afectivas que buscarán sanar, así como enfrentar sus distintas posturas ideológicas respecto a las que les enseño su padre cuando eran chicos,

Con un entorno bello respecto al paisaje que rodea la casa y su enorme balcón, se sumarán algunos otros personajes más que darán lugar a momentos del pasado que regresan a la manera de flashbacks o en charlas, pero que dejan en claro su postura personal.

Pero otros temas se pondrán en la mesa, como lo inevitable de la vejez, las consecuencias de la inmigración y del crecimiento urbano en su zona, el desempleo y la conciencia social, algunas veces tomados de una manera elocuente y en otras de una manera sobrecargada a partir de diálogos pomposos.

El relato transita por diversos estados que van desde lo social a lo humanista con pasajes plagados de momentos donde se impone lo emotivo y nostálgico.

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Disney sigue explotando la nostalgia de su público adaptando en versiones live action sus clásicos animados, es el turno de ‘Aladdin’, para el que se ha convocado al cineasta Guy Ritchie, alguna vez un cineasta en búsqueda de un sello personal que entrega una película bastante ordinaria.

Esta nueva versión narra la historia conocida del ladrón callejero Aladdin (Mena Massoud), quien se enamora de la princesa Jasmine (Naomi Scott), pero que tras ser capturado por el ambicioso Jafar (Marwan Kenzari) merodeando los pasillos del castillo, debe aceptar realizar un desafío para él.

Así es como encontrará una lámpara mágica que contiene a un divertido genio (Will Smith), quien le ofrece concederle tres deseos por haberlo liberado, y así, la oportunidad real de conquistar a la hermosa Jasmine.

La adaptación que Ritchie hace de la historia se mantiene bastante cercana a la original, si bien esta nueva versión entrega alrededor de media hora más de metraje, y algunas cuatro nuevas canciones que se suman a las ya conocidas, dan como resultado una película visualmente atractiva, muy entretenida pero fácilmente olvidable.

Ritchie consigue una película totalmente impersonal en la que es difícil encontrar un rasgo propio de su filmografía, por el contrario, su versión de ‘Aladdin’ es completamente genérica, en la que lo llamativo está en la ambientación de los decorados, sobre todo en los números musicales, y en la representación que logra Will Smith del genio, quien se apropia de manera acertada del personaje y de la película, y alguna que otra canción que se destaca, pero en general esta nueva entrega de Disney carece del encanto y magia de la original, con un villano que no convence y una pareja que no consigue la química deseada para la trama romántica.

Poco hay para destacar de una realización acartonada, en la que no brillan ni siquiera las muchas e innecesarias secuencias de persecución, filmadas de manera tal que se vuelven inentendibles, y muchos menos los personajes grises presentados en esta versión poco inspirada.

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En su debut en el largometraje, la directora Lila Avilés realiza una minuciosa disección de la vida laboral de una mujer que trabaja en un hotel, y al mismo tiempo todo un estudio de las marcadas diferencias de clases.

Evelia (Gabriela Cartol), es una mujer que trabaja como camarista en un lujoso hotel de la Ciudad de México, tiene un hijo de cuatro años y trabaja duro siguiendo su rutina con la esperanza de conseguir un ascenso.

Eve debe mantener en orden el piso que está bajo su responsabilidad, al tiempo que gana un dinero extra cuidando el bebé de una huésped argentina entre otras actividades, la película se interna en un microcosmos desconocido para el que no forma parte de este, ubicando casi la totalidad de la acción tras las paredes del hotel.

El relato de Avilés es una representación detallada de la rutina de Eve, un acercamiento minimalista a unas personas que dejan su vida en el trabajo pero que, según la situación, se vuelven casi invisibles o un soporte necesario para quienes se ubican social o laboralmente por encima de ellos, pero también muestra sus relaciones con sus pares, sus alianzas, lealtades y demás.

La mirada de la directora es detallada, sobria, sutil, siempre guardando cierta distancia respecto a Eve, convirtiendo a ‘La camarista’ en un relato casi observacional, pero en el que suceden cosas alrededor de la protagonista que lleva al relato a tener elevados picos de tensión.

Sin recurrir a innecesarios subrayados Avilés recorre junto a Eve ese camino de responsabilidades lleno de frustraciones, pero lo hace con dignidad y nobleza, en un debut que no teme asumir riesgos de los que suele salir bien librados.

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Los perros son, sin duda, la debilidad de muchos, y han logrado instalarse en el mundo de cine casi como un nuevo subgénero, las películas de perritos, por lo que no sonaba tan descabellado realizar la secuela de ‘La razón de estar contigo’, película que propone que, al morir, los perros reencarnan en otro cachorro conservando su memoria.

La historia de esta secuela mantiene esa idea y sigue a lo visto en la primera entrega, el matrimonio conformado por Ethan (Dennis Quaid) y Hannah (Marg Helgenberger), dueños del perro Bailey, conviven en su casa con su nuera Gloria (Betty Gilpin), quien se siente incapaz de poder criar a su pequeña hija CJ tras la muerte de su marido, sintiéndose acosada por sus suegros, decide irse junto a la pequeña.

Al poco tiempo tiempo de que Gloria y CJ se han ido muere Bailey, al que Ethan en sus últimos momentos le pide cuide a CJ en sus próximas vidas, pronto Bailey regresa como una cachorrita, y hará lo necesario para mantenerse cerca de CJ (Kathryn Prescott) el resto de su vida.

La película sigue la misma estructura de su predecesora, solo que ahora la historia se centra en un solo personaje, el de CJ, a diferencia de la primera entrega que seguía las diferentes vidas del perro y sus dueños, eso sí, la película sostiene las mismas armas para buscar conmover.

Si bien la realización repite los mismos vicios de la primera película, inclusive se mantiene el recurso de la voz en of del perro, esta segunda entrega resulta mas efectiva al centrar la historia en un mismo personaje y su relación con su(s) perro(s), lo que la vuelve menos dispersa.

Pero acá no hay mucha novedad, la mayor parte del encanto del relato recae en los diferentes perritos que vamos viendo a lo largo de la historia y su innegable encanto, que son la razón principal para ver esta tierna película que cinematográficamente aporta más bien poco.

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La inesperada saga de John Wick ha ido madurando película a película, contrario a lo que suele suceder en el mundo del cine, cada nueva película ha resultado superior a su antecesora y en esta tercera entrega alcanza su punto más alto.

Tras liquidar a uno de los miembros del gremio de asesinos al que pertenecía, John Wick (Keanu Reeves) es expulsado, convirtiéndose en el objetivo principal de una gran cantidad de asesinos a sueldo que le esperan y buscan en cada esquina para tratar de deshacerse de él.

La primera de las varias virtudes de esta saga es el hecho de haber sabido como expandir el universo en el que se desarrolla la acción sin trastocar ni debilitar lo hecho previamente, en cada película, por el contrario, consigue adicionar situaciones y personajes que se incluyen de manera orgánica.

Chad Stahelski perfecciona lo conseguido en las dos películas previas entregando una tercera película donde la historia, en vez de agotarse, encuentra nuevos caminos por los que transita esta saga, manteniendo siempre el ritmo y sosteniendo el interés ante las adversidades que deberá enfrentar ahora Wick, el papel que termina por encumbrar la carrera de Keanu Reeves, por encima del realizado en la trilogía de ‘Matrix’.

Y es que en este tercer capítulo Stahelski redobla la apuesta y supera lo que parecía insuperable, filmando de manera efectiva cada secuencia de acción y peleas, haciendo de cada una de ellas un evento inolvidable, logrando que cada una sea más llamativa y espectacular que la anterior, con un nivel de ejecución superior a la media del cine de acción actual y consiguiendo emocionar por la manera ingeniosa y precisa en que están resueltas.

Así, John Wick se ha convertido en el nuevo gran héroe de acción de estos tiempos, con una saga con personalidad, que además de gran espectáculo cuenta con una historia sólida y que no muestra aun, afortunadamente, señales de agotamiento.

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En una época donde el cine de superhéroes domina las taquillas del mundo, llega a las salas una película que toma como punto de partida el mito de uno de los superhéroes más conocidos y le aplica tal vuelta de tuerca que es imposible que deje indiferente a quien se acerque a verle.

Tori (Elizabeth Banks) y Kyle Breyer (David Denman), son un matrimonio joven que buscan ampliar su familia, cuando una noche una fuerte explosión les sorprende, descubren que todo se ha debido a que un extraño objeto ha caído en el bosque cercano a su granja conteniendo en su interior a un pequeño bebé.

Tori y Kyle deciden adoptar al pequeño y ocultar el misterioso artefacto, así educan con amor a Brandon (Jackson A. Dunn), quien resulta ser un chico con una inteligencia superior a la media lo que lo convierte en el blanco perfecto para la burla de sus compañeros, así Brandon crece hasta percatarse que es un ser superior con poderes, por lo que empieza a fantasear con hacer lo necesario para conquistar el planeta.

Además de la ingeniosa vuelta de tuerca que ofrece ‘Brightburn’, es una película que sabe combinar diversos géneros en un relato que exuda buenas ideas y consigue ser atrapante desde el mismo inicio.

Con un nombre detrás como el de James Gunn, que le otorga al filme una cierta notoriedad, la película contiene momentos que incluyen, además de las notas exactas de humor y lo habitual en relatos de superhéroes, pasajes plagados de tensión que coquetea con el horror, otorgándole al relato una intensidad inesperada.

Con más hallazgos que defectos, ‘Brightburn’ consigue ser una película que sobresale por sus notas de originalidad y la búsqueda de nuevos senderos para el cine de superhéroes, dejando abierta la posibilidad para nuevas entregas, las que esperaremos con impaciencia.

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Partiendo de una novela de Rhidian Brook, la película que dirige James Kent plantea un drama romántico en un duro contexto que no termina de cuajar ni como película histórica ni en su planteamiento romántico.

Ambientada apenas 6 meses después del triunfo de los aliados en la Segunda Guerra Mundial, en una devastada ciudad de Hamburgo a la que llega Rachael Morgan (Keira Knightley) para reunirse con su marido, Lewis (Jason Clarke), un coronel británico que encabeza los esfuerzos de reconstrucción de esa ciudad.

La pareja deberá alojarse en la casa que perteneció al viudo alemán Stephen Lubert (Alexander Skarsgård), que por decisión del propio Lewis seguirá viviendo en el piso de arriba junto a su hija adolescente, lo que dará lugar a eventos donde la pasión y la traición se apoderarán de la situación.

Como es lo esperado en toda película similar de época, la recreación del momento histórico cumple a cabalidad las exigencias del relato, lo mismo que las actuaciones, estando esa situación primaria cubierta queda lo más importante por cubrir, la historia, siendo aquí donde la película naufraga.

El drama romántico no logra trascender nunca, quedando al nivel de los expuestos en diferentes telenovelas donde los conflictos de peso quedan reducidos a meras banalidades, dando pie a un romance que se antoja poco probable ante lo complejo del contexto, que en la película termina por ser casi ignorado.

Así, la trama no ahonda del todo en personajes que deberían tener más peso, centrando el grueso del relato en la débil situación romántica que se ve rebasada ante la acumulación de lugares comunes que inundan un relato al que le faltó esa supuesta pasión que atañe a sus personajes.

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‘UglyDolls’ es una producción dirigida específicamente al público más pequeño, el cual es subestimado con una propuesta débil que no logra trascender y que se queda corta ante las propuestas animadas tan avanzadas como las de, por ejemplo, Pixar.

¿A dónde van los muñecos que, tras ser fabricados, resultan con desperfectos? Este es el punto de partida de ‘UglyDolls’, una película de animación que se centra en un grupo de deformes muñecos que viven en un lugar denominado UglyVille.

Pero cuando uno de ellos se cuestiona que hay más allá de UglyVille, la curiosidad le hace intentar llegar a ese lugar del que se habla donde existen niños que existen con muñecos como ellos, así logrará contagiar a un grupo de compañeros que salen a explorar.

En esta época es difícil no comparar cualquier producto animado con los que han salido de la factoría Pixar, y al hacer dicha comparación entre cualquiera de esos filmes animados con ‘UglyDolls’ las diferencias son bastante notables.

‘UglyDolls’ carece de gracia e ingenio, su historia no es lo suficientemente atractiva y la narrativa no consigue atrapar, por el contrario, contiene varios espacios donde el aburrimiento asoma, además de que varios aspectos mostrados a lo largo de la trama generan una sensación de deja vu.

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Con el propósito de conmemorar los cien años del fin de la Primera Guerra Mundial, el Museo Imperial de la Guerra le propuso al director Peter Jackson realizar un documental a partir de más de 600 horas de archivo fílmico original más grabaciones de audio de más de 200 veteranos de guerra.

El resultado es un documental que resulta toda una experiencia que permite al espectador ser parte de momentos de una intimidad inédita, que permite apreciar como nunca. el escenario real de esa guerra histórica.

Jackson armó un relato a partir de las imágenes de archivo complementadas con grabaciones de audio que contienen relatos de soldados británicos que van narrando sus experiencias, desde el momento en que deciden enlistarse, algunos incluso siendo menores de edad, pasando a contar de manera explicita lo que representó estar ya sea en las trincheras mientras escuchaban las explosiones cercanas, viendo como algunos compañeros morían, e incluso como podían alimentarse rodeados de cadáveres humanos y animales en condiciones realmente extremas.

Así, es posible conocer como se preparaban para un posible ataque del enemigo, ya sea por las bombas lanzadas o la manera en que actuaban a contrarreloj ante un ataque por gas pimienta y las consecuencias de ello en los sobrevivientes, que debían saber adaptarse para mantenerse con vida en medio de un ambiente insalubre y llenos de peligros obvios.

El director de ‘El señor de los anillos’ no solo montó las imágenes agregando los audios con los testimonios, sino que tomo decisiones más arriesgadas como añadir color a las imágenes, doblar a algunos personajes que hablan a cámara, de lo que, por supuesto su registro original era silente, además de añadir música y sonidos varios que le otorgan a las imágenes una mayor sensación de realidad. Una realidad manipulada, si, pero que permite crear a través de esta obra fílmica una recreación casi exacta de los que se vivió en esa guerra.

El resultado es una experiencia única, si bien se da a partir de la manipulación de los registros históricos, tiene un valor justificado como una representación de un momento histórico además del valor añadido desde lo puramente cinematográfico.

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La nueva colaboración entre el actor Seth Rogen y el director Jonathan Levine (50/50, The Night Before) es una comedia romántica que huye de todo convencionalismo propio del género, y si bien se ciñe a lo que dicta el mismo, el resultado deja ver una película que va más allá de l establecido sin abandonar nunca la comedia.

Charlotte Field (Charlize Theron) es la Secretaria de Estado del Gobierno de los Estados Unidos, el actual presidente, (Bob Odenkirk) ha decidido no buscar la reelección para seguir su sueño de convertirse en actor de Hollywood, por lo que ofrecerá todo su apoyo a Charlotte para que se convierta en la primera presidenta de su país.

Para subir en las encuestas se le recomienda a Charlotte que debe relajar y descontracturar su imagen, para ello, y después de un encuentro fortuito en un evento, decide contratar a Fred Flarsky (Seth Rogen), a quien cuidaba cuando ella era adolescente, para que escriba sus discursos. Ahora él se ha convertido en un idealista editorialista recientemente desempleado que primero se sentirá fuera de lugar dentro del equipo de colaboradores de Charlotte, y después incómodo cuando un sentimiento empieza a surgir entre ambos.

La comedia contiene mucho de los elementos vistos en películas del género protagonizadas por Seth Rogen, quien interpreta aquí otra vez a un tipo outsider, fumón y sumamente gracioso que reviva la llama del amor adolescente nada más y nada menos que con la candidata a la presidencia de los Estados Unidos.

Además de acertar en mezclar el romance y la política en una comedia, otro acierto es la elección de Charlize Theron como el objetivo romántico del personaje de Rogen, dos seres totalmente opuestos en más de un sentido que consiguen en pantalla una química insuperable, dándole la vuelta a la típica comedia romántica e intercambiando los roles de la pareja, donde aquí es ella la poderosa y quien parece tener el control, pero sin apego visto en el cine reciente que busca empoderar a la mujer solo por un tema de moda, y llevándose entre las piernas la corrección que impera en el cine hoy en día.

Así, el resultado es una comedia totalmente disfrutable, con una inteligencia poco común y sobre todo deliciosamente divertida.

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Hasta hace algunos años, el actor Jonah Hill era el gordito chistoso de muchas de las películas que emergieron con el sello de la nueva comedia americana, dirigidas por nombres tales como Greg Mottola o Judd Apatow. Después de otorgar algunas grandes actuaciones junto a directores como Scorsese o Gus Van Sant, Hill debuta como director con una película con algunos puntos en común con un título de este último, ‘Paranoid Park’.

La historia que narra ‘En los 90’ es la de Stevie (Sunny Suljic), un joven de 13 años que vive junto a su un tanto indiferente madre Dabney (Katherine Waterston), y junto a su hermano mayor Ian (Lucas Hedges), de quien debe soportar golpes y malos tratos de manera común.

Pero Stevie está creciendo y llegando a la complicada adolescencia, busca salir al mundo y ser aceptado, por ello se acerca a un grupo de jóvenes skaters de su barrio que suelen juntarse dentro de una tienda de patinetas, a los que emulará y seguirá hasta conseguir ser admitido en su grupo, con los que empezará a vivir situaciones completamente nuevas en su vida.

El debut de Jonah Hill tiene como principal referente, como ya se ha mencionado, a ‘Paranoid Park’ de Gus Van Sant, pero alcanzar el vuelo poético de dicha película, la de Hill es una película típicamente independiente y poco presupuesto que sabe mostrar esa etapa de la vida sin recurrir a innecesarias estridencias.

Hill demuestra buen pulso para contar su historia, y se acerca a sus personajes de manera noble, logrando emanar esa empatía a lo largo de su metraje, otorgándole a su relato un aire de autenticidad que la vuelve un tanto entrañable, a lo que hay que sumarle el atinado score a cargo de Trent Reznor y Atticus Ross.

Jonah Hill demuestra así que además de un buen actor puede ser también un interesante director, logrando una más que aceptable carta de presentación y dejando así la puerta abierta para sus futuras propuestas.

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De inicio, el proyecto de realizar una película como ‘Air Strike’ suena bastante ambicioso, una película de época, bélica y con una fulgurante estrella de Hollywood parecía todo un interesante combo que auguraba una película épica que había que ver. El resultado está lejos de eso.

Willis interpreta a un coronel norteamericano que entrena a un grupo de pilotos chinos en plena guerra contra el Japón. Mientras un variopinto grupo de personas en un camión trata de sobrevivir y llegar a un lugar donde deben hacer entrega lo que transporta el responsable del vehículo.

La narración es por demás caótica, donde todo se narra desde la perspectiva china, lo cual es obvio, pero que de pronto se instala en los territorios del enemigo sin justificación alguna.

Al desorden narrativo debe sumarse la mala calidad de los efectos especiales, los cuales se reducen a explosiones que visualmente son poco creíbles y el vuelo de los aviones, el cual es un tanto mejor logrado.

El relato no consigue volverse emotivo porque la narrativa lo impide, tornando en confuso la dirección que toma el relato que incluso por momentos se vuelve involuntariamente cómico.

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Después de irrumpir con fuerza con su debut con ‘Get Out’, película que le valió a Jordan Peele el Oscar al mejor guion original, ahora en su segunda película redobla la apuesta con otra propuesta original e inteligente que también se inscribe dentro del registro del género de terror.

Siendo pequeña, Adelaide se separa de sus padres en una feria junto al mar hasta perderse en una casa de los espejos, lo que la lleva a vivir una experiencia traumática. Años más tarde y siendo ya una adulta y madre de familia, Adelaide (Lupita Nyong’o) junto a su esposo Gabe (Winston Duke) y sus dos hijos, van a la que era la casa de la infancia de Adelaide para pasar unos días de descanso.

Sintiéndose incómoda desde el principio, Adelaide accede ir a la playa de Santa Cruz a pasar la tarde, el lugar donde se perdió de niña, y ya de noche de regreso en su casa, descubren afuera de su puerta principal a una misteriosa familia que lucen similares a ellos y que parecen dispuestos a lastimarlos.

Haciendo uso de la teoría de doppelgänger que establece que todos tenemos un doble, Peele da forma a un poderoso thriller en medio de una efectiva atmósfera propia del cine de terror, que es a la vez, al igual que su ópera prima, un alegato de múltiples interpretaciones que interpela directamente a la actual sociedad de su país, de la que la película parece ser un reflejo, siendo esto establecido desde su título original, ‘US’, que además de ser el pronombre personal es la abreviatura en inglés de Estados Unidos.

La película se sostiene principalmente por las sobresalientes actuaciones de su reparto, donde se destacan Lupita Nyong’o con su doble interpretación y la breve aparición de Elisabeth Moss, y además de su ingenioso guion, el cual es además de astuto, provocador, el cual cuenta con una solida estructura que conforma notables secuencias llenas de tensión seguidas de otras con algunas notas de humor que relajan el momento.

La película funciona por la notable ejecución y puesta en escena de Peele, además de las ya mencionadas sólidas interpretaciones, y a pesar de que el espectador debe prestar ciertas concesiones a algunos momentos débiles dentro de la trama, una vez más Jordan Peele consigue un ambicioso, sólido e inquietante relato compuesto de varias capas, imperfecto, pero al mismo tiempo fascinante.

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Al inabarcable universo de los Pokémon le llegó la hora de una versión en acción real, el encargado de tan compleja misión es el director Rob Letterman, con un argumento basado no en la historia original sino en un spin off, el popular videojuego “Detective Pikachu”, logrando así una película con un tratamiento visual apantallante, pero débil en la historia que cuenta.

Tim Goodman (Justice Smith) es un joven que tiene un trabajo que no le satisface en una compañía de seguros, cuando recibe la noticia que su padre habría muerto en un accidente automovilístico, debe viajar a Ryme City, una ciudad donde conviven los seres humanos con los Pokémon, donde su padre trabajaba como detective.

Ahí Tim conocerá al Pokémon de su padre, Pikachu, con quien encontrará la manera de comunicarse, y con quien empezará a investigar el misterio de la desaparición de su padre, además de intentar conocer el pasado de Pikachu ya que el no logra recordar nada, pero en su búsqueda se toparán con una amenaza para el universo Pokémon.

El inicio de la película es auspicioso, a la presentación del personaje principal a cargo de Justice Smith le van siguiendo la aparición de algunos Pokémon además de una gran cantidad de referencias que sin duda será un deleite para los más fanáticos.

La presentaciónde Ryme City confirma las virtudes visuales de la película, y los muy logrados efectos en CGI para la creación de las criaturas que lucen perfectamente insertadas en el mundo de los humanos.

Pero, tras el prometedor inicio de lo que parecía ser una peculiar película policial en un colorido universo de pequeños monstruos, todo se va al caño al predominar una historia muy descuidada, plagada de lugares comunes, personajes unidimensionales y con giros que se van anunciando de manera torpe, rematando con un tramo final narrado de manera caótica que termina perdiendo de a poco la fuerza inicial, donde ni la gracia de Ryan Reynolds la salva, terminando en una película medianamente entretenida, sobre todo para los más conocedores y fanáticos que seguro la disfrutarán, pero que naufraga por una trama débil y mal contada.

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Más de diez años y 22 películas después, Marvel ha conseguido otorgarle dignidad a un subgénero cinematográfico muy devaluado como lo era el de los superhéroes. Y la confirmación llega precisamente con una épica película que supone el fin de una primera etapa llena de riesgos y búsquedas varias donde, sorteando diversos obstáculos y de la mano de algunos personajes famosos y otros, la mayoría, más bien desconocidos para el gran público, lograron posicionarlos como los grandes héroes del cine de nuestros tiempos. Una tarea titánica que solo con el paso de los años será bien valorada.

Así llega esta esperada conclusión, la cual recorre un camino que atinadamente dejó bien preparado la entrega anterior con ‘Avengers: Infinity War’, una película que puso bien en claro y en toda su dimensión el nivel mastodóntico del rival de nuestros héroes, un villano de una dimensión humana no vista anteriormente, solo comparable al famoso Joker de Nolan, con un objetivo muy claro y mucho más allá del lugar común de dominar el mundo, y peor aun, con ese objetivo cumplido a cabalidad, dejando en ruinas a un universo completo y totalmente devastados a los héroes sobrevivientes que fallaron en su misión de proteger a los suyos.

Y es ahí donde inicia esta historia, con una secuencia íntima y familiar que tiene como protagonista al vengador con menos pantalla de todos, Clint Barton/Hawkeye (Jeremy Renner), pero que funciona a la perfección para dimensionar el nivel de la devastación provocada por Thanos (Josh Brolin), donde reina la frustración, la culpa, la desesperación y la rabia de los sobrevivientes ante lo sucedido, dando paso a una primera hora narrada de manera calma, donde no se verán secuencias de acción, pero que se mantiene firme ante el espíritu de esta saga y se aleja de toda seña de solemnidad y abrazando siempre el humor.

Y es que en ‘Avengers: Endgame’ sucede todo tipo de cosas, hay desde momentos íntimos y dramáticos pasando por tragedias mayúsculas, pasos de comedia a cargo del gran actor que es Paul Rudd y por supuesto, espectaculares y monumentales batallas, además de un sinfín de guiños al propio universo Marvel, y hasta viajes temporales, donde se incluyen algunas divertidas referencias a ‘Volver al futuro’ y demás película temáticas.

Es si, una película en la que suceden muchas cosas que el espectador espera que sucedan, pero también incluye diferentes e inesperadas sorpresas en sus tres horas de duración que prácticamente no se resienten, logrando sostener un ritmo adecuado a lo largo del metraje y logrando la proeza de darle su respectivo tiempo e importancia a cada uno de sus personajes, centrándose obviamente en los Vengadores originales, es decir, los que interpretan Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth y Scarlett Johansson.

Cada uno de sus personajes tiene su momento épico dentro de la historia, algunos más que otros y con sucesos con un peso determinante dentro de la trama, con tanto peso que seguro casi nadie se lo veía venir, así como épicas son las secuencias con autoreferencias a la misma saga, algunos momentos son verdaderamente geniales, y lo mismo pasa con la larga secuencia de la batalla final, con algunos tramos y diálogos memorables, llegando a algunas decisiones finales que marcarán un nuevo rumbo dentro del universo.

Así, ‘Avengers: Endgame’ se convierte en toda una experiencia que trasciende lo meramente cinematográfico, un evento sin precedentes cargado de buen entretenimiento pero también de una fuerte carga emotiva, una película titánica e irrepetible que sella y marca toda una época, que ha creado una alta expectativa que Marvel, con Kevin Feige y los hermanos Russo a la cabeza, han sabido cumplir satisfactoriamente. Veamos como sigue el resto.

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La leyenda popular mexicana de “la llorona” se integra al universo cinematográfico de horror creado por James Wan a partir de ‘El conjuro’, en una historia que traslada dicha leyenda a Los Angeles en la década de los 70, y que consigue, si bien no estar a la altura de las películas dirigidas por Wan,una pieza digna y sobre todo efectiva.

Tras un breve prólogo que narra el supuesto origen de la leyenda en el México de 1673, donde una mujer despechada asesina a sus dos hijos ahogándolos en un río para después, arrepentida, quitarse la vida de el mismo modo, la historia se ubica en el año de 1973 en la ciudad de Los Angeles, donde conocemos a Anna (Linda Cardellini) una mujer viuda de un policía, madre de dos hijos y que se desempeña como trabajadora social.

Anna lleva un caso donde busca rescatar a dos chicos latinos encerrados en una habitación por su madre Patricia (Patricia Velasquez), quien trata de convencerla de que lo hace para protegerlos de la llorona, Anna, incrédula, consigue internarlos en un refugio, pero a la mañana siguiente se dará cuenta que todo termina en una terrible tragedia, al poco tiempo sus propios hijos empezarán a padecer de extrañas situaciones que la llevarán a pensar que ahora la llorona va detrás sus hijos.

En lo que es su debut en el largometraje, el realizador Michael Chaves consigue una película imperfecta, pero con más hallazgos que desaciertos, donde se percibe en algunas escenas una fuerte influencia del horror japonés y, sobre todo, algunas características propias del cine del productor James Wan, visible en una puesta en escena en donde se prioriza la creación de una atmósfera en escenas largas por encima de los sustos fáciles, que también los incluye, aunque en menor medida.

El relato está integrado por diferentes secuencias en las que Chaves construye momentos bien logrados de total tensión que derivan en algunos buenos sustos, añadiendo algunas notas de humor que además de relajar ciertos momentos, sirven para aligerar un relato que sigue la estructura clásica del género, y de la saga, y que además sabe aprovechar los elementos propios de la cultura mexicana insertados en la historia.

Así, ‘La maldición de la llorona’ consigue ser una efectiva pieza de terror, donde los agujeros y deficiencias del guion son complementados por una ejecución eficiente que logra una historia bien contada y que consigue generar los momentos de tensión y terror que el aficionado al género busca en este tipo de películas, lo que no es ningún logro menor.

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Tras el éxito de ‘No manches Frida’, la versión mexicana de la taquillera comedia alemana “Fack ju Göhte”, no causa sorpresa la llegada de una segunda entrega que continúa explotando el innegable gancho con el público que tienen la pareja protagónica formada por Martha Higareda y Omar Chaparro.

Pero, como era de esperarse, los resultados son aun peores en esta secuela, la cual inicia con una boda fallida que rompe la relación entre el ex ladrón convertido en maestro (Chaparro) y la anteriormente introvertida y casi ciega maestra Lucy (Higareda), la cual solo conserva de la primera parte el nombre del personaje.

Ante la llegada de una nueva directora (Andrea Noli), el cuerpo docente del instituto Frida Kahlo, en el que se incluye a una maestra sustituta (Itatí Cantoral), se entera que la escuela corre el riesgo de ser cerrada, a menos que resulten triunfadores en unos juegos escolares que se llevarán a cabo en las playas de la Riviera Nayarit, donde Zequi intentará además reconquistar el corazón de su amada ante la amenaza del profesor de una escuela rival, Mario (Aarón Díaz), ex novio de Lucy.

Para esta secuela repite en la dirección el español Nacho G. Velilla así como gran parte del reparto de la primera parte, incluyendo una participación especial de Fernanda Castillo, lo único verdaderamente rescatable de una película que busca causar risa a base de comentarios crueles, violentos y subidos de tono por parte de sus personajes.

La trama de esta segunda entrega es todavía más débil y previsible que la primera, el desmadroso grupo de alumnos deberán superar una competencia de baile y el profesor deberá reconquistar a su novia, no resulta difícil adivinar como terminará todo, lo malo no es eso, sino que para llegar a ello el espectador debe pasar por una tortuosa experiencia de 100 minutos de malas actuaciones, situaciones nada graciosas, maldiciones por doquier y chistes sin un remate eficaz que dan forma a esta fallida secuela.

Nada nuevo en nuestro cine, ‘No manches Frida 2’ sigue la estela del cine mexicano industrial reciente, el de las películas basadas en fórmulas probadas, realizadas sin rigor ni gracia, y que desafortunadamente han sido bien recibidas por los espectadores. Así nos va.

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