A mí me parece un milagro. ¿Cómo puede ser que Woody Allen con sus casi ochenta y ocho años pueda seguir haciendo películas llenas de ingenio y argumentos muy bien trazados? ¿Cómo puede ser que después de todo lo sucedido, de haber sido absuelto dos veces, y sin embargo llevar encima permanentemente la sombra de la duda, de rodar en francés pueda ofrecernos obras tan redondas? Obras impregnadas de sus características que permiten detectar casi enseguida que estamos ante algo surgido de su imaginación, aunque no supiéramos que son suyas.

No salgo de mi asombro y me congratulo. Tenemos Woody Allen para rato, cruzo los dedos. En esta su más reciente película, Allen juega otra vez con la casualidades y con la suerte. Con unos actores que parecen ser miembros de la factoría Allen de toda la vida, el director neoyorquino trenza la historia de un amor juvenil no declarado y que se manifiesta muchos años después a muchos kilómetros de donde surgió. Llega en el momento adecuado, otra casualidad, y es por ello que fructifica.

Su desarrollo nos mantiene en vilo durante su desarrollo. No desvelaré el final pero la temática que tantas veces ha tratado Woody Allen, la suerte, tiene una importancia capital. Decir también que sus contenidos noventa y seis minutos son toda una lección para tantos que son incapaces de meter la tijera a tanto metraje rodado y finalmente expuesto. Y todo esto sin multiversos, mundos distópicos, o figuras monstruosas; tan solo la imaginación desbordante de unos de los mejores directores que han tenido el cine en sus últimas cinco décadas, aunque a muchos les cueste reconocerlo o les pese.

Seguramente Nanni Moretti es uno de los directores más interesantes de la actualidad. Es un rescoldo de un tiempo donde en el cine importaba lo que se contaba y no todo se basaba en efectos de ordenador y en argumentos rocambolescos y mañidos, de aquellos que identificas como ya vistos, y revistos, pero que con la excusa de transpórtalos a otras épocas, diatópicas o no, o a otras dimensiones, se nos quieren presentar en largometrajes interminables como la quintaesencia del cine moderno; a falta de imaginación, parece que debemols conformarnos con esto.

Sin embargo, no por ello diré que estamos ante un gran película, pero sí que creo que ante una buena película. En el cine es normal que los actores bordeen muchas veces en un mismo plano lo sublime y lo ridículo, a veces depende del guion, otras veces, de los actores, que sea dicho de paso, en esta película brillan a gran altura. Esto es lo que pasa en muchas escenas de este film italiano. A veces se acerca más a lo sublime como en muchas de las escenas cantadas, aunque no estemos propiamente en film musical, y otras veces se acerca peligrosamente a lo ridículo como en la escena donde Moretti interviene en un rodaje ajeno.

En todo caso, se trata de una obra diferente, arriesgada, bien construida sobre el nacimiento del eurocomunismo, o mejor dicho, de la desvinculación de los partidos comunistas de la Europa occidental de la obediencia soviética. Dadas las pocas proyecciones en las salas aconsejo su rápido visionado; y que conste que lo de rápido no hace referencia a su metraje más bien corto, noventa y cinco minutos, pero que se agradece mucho, en este cine moderno de metrajes extendidos ad nauseam buscando un final que no llega. ¿No quedamos que el cine era el arte de la elipsis y del montaje? Pues bien, pregúntenselo a Moretti, Nanni de nombre.

Lo recuerdo muy bien. Cuando vi la primera entrega de Indiana Jones, yo ya tenía una edad. Recuerdo perfectamente los cines de entonces. Solían ser salas únicas, normalmente abarrotadas de gente los fines de semana, y días del espectador. Las butacas estaban todas ellas en el mismo nivel, lo que te obligaba en muchas ocasiones a tener muy levantados los ojos y la cabeza, y las filas no hacían arco semicircular como ahora, que te sientes donde te sientes, parece que tu mirada enfoca de dirige sin esfuerzo al centro de la pantalla. Estaban los acomodadores, que para los que llegamos tarde, que por mucho que expliques a la juventud en que consistía su trabajo, no consiguen entenderlo, y el NODO hacía muy poco que había dejado de ser de proyección obligatoria.

En estos espacios es donde vi esa primera entrega de Indiana Jones, dirigida por Spielberg, y tengo que decir que me maravilló. No estoy seguro de haber visto todas las secuelas posteriores, pero a esta que presumiblemente interpreta por última vez Harrison Ford, no podía dejar de verla.

Para empezar, increíble el rejuvenecimiento que las nuevas tecnologías han conseguido hacer con Harrison Ford; esto tampoco lo había antes, por muy buenos maquilladores que hubiese. Que conste que fui a ver la película echando en falta a Spielberg en su papel de director, pero a medida que el metraje iba pasando, lo encontraba menos en falta.

La historia que se cuenta es bastante sólida. Es cierto que estamos como casi siempre con argumentos que hacen depender de un hilo el destino de la humanidad, pero aquí se hace con inteligencia y sin recurrir a los metaversos, aunque sí que es cierto que cualquier viaje al pasado puede generar un metaverso.

Quizás por excesiva, la escena rodada o situada en Tánger podría haber sido un poco moderada, pero en general, ni siquiera la inicial en el tren me parece fuera de lógica. La relación que se establece entre el protagonista y su ahijada es un acierto a todas luces, y la escena casi final en la Siracusa atemporal, tiene aquello que siempre digo del cine: nos enseña Historia casi sin quererlo.

Dado el progreso de las nuevas tecnologías, no descarto una nueva entrega, pero si en esta se ha podido salvar la ya muy poca agilidad que Harrison Ford puede ofrecer, dudo que de aquí a unos años puede este hándicap solventarse, aunque seguro que en manos de unos guionistas avispados puede salvarse; en ese caso, allí me encontrarán, al otro lado de la pantalla.

Siempre lo digo. Una de la buenas cosas del cine, y hay que decir que tiene muchas, es esa capacidad que tiene de contarnos cosas que ocurrieron, que son Historia con mayúsculas, que quizás representan unas pocas líneas en la mayoría de manuales de divulgación, pero que tiene su importancia, y a veces mucha. Dar a conocer esas intrahistorias es una de esas virtudes del cine; de otra manera, sería harto difícil, pues no podemos dedicar el tiempo que precisaría en un libro enteramente dedicado a esa infrahistoria, hay tantas y tantas.

Esto que acabo de decir es plenamente aplicable a la película que ahora comento. Nolan, en otra obra llena de buen cine, nos propone una gran película. No era nada fácil. Estamos ante una biografía, una bio-pic; esto que podría ser de gran ayuda a la hora de elaborar el guion, no lo es tanto. Estas películas suelen ser bastante planas, lineales, ya que no suele haber un planteamiento, nudo, desenlace como en otros muchos filmes. Además, hay que mantener una tensión cuando quizás ya conocemos el final de la historia.

Pues bien, todos estos inconvenientes los supera Nola con creces. Consigue que estemos en casi todo momento con cierta tensión, que todo sea transcendente, y lo hace por espacio de casi tres horas. No está nada mal. Nos mantiene en vilo, aunque sepamos el final, saber si conseguirán fabricar la bomba antes que los alemanes, contado todo esto con diversos flash-back intercalados situados en la época oscura de McCarthy y su caza de brujas, cuando los héroes podían llegar a ser villanos, a poco que se despistaran.

Nolan supera con éxito el hecho de que los procesos revisionistas a que sometieron a Oppenheimer fuesen más bien a puerta cerrada y, por tanto, no tuvieron la vistosidad que otros contextos podrían haber ofrecido.

Para acabar, el hecho de haber centrado la película en Oppenheimer, autor intelectual de la bomba atómica, más que su inventor, tiene el inconveniente no menor de que el film no puede centrarse en la bomba atómica una vez esta salió de las manos de Oppenheimer, por cierto, maravillosamente interpretado por el actor inglés Cilian Murphy. Desde estas líneas mi enhorabuena a Nolan por no haber cedido a lo fácil y ser coherente hasta el final.

Parecería misión imposible hacer otra película de “Misión imposible”, y que además, la película resultante fuera la primera parte de una entrega de dos; pues así ha sido. Antes que nada, a modo personal, diré que vi esta película durante un viaje a Nueva York. Cuando estás cansado, ya con ganas de coger el avión de vuelta, haciendo horas, estar fresquito y cómodo en una sala de cine se agradece mucho.

Dicho esto, y a pesar de la circunstancias descritas, estamos hablando de buen film. Otro más de la saga. La verdad es que ya no me fijo si el director es éste u otro, aunque últimamente es el mismo, Christopher McQuarrie.. Me entrego al espectáculo y a las carreras alocadas de Tom Cruise y a disfrutar.

El argumento, -alguien podría preguntarse si importa el argumento-, sirve como excusa perfecta para las escenas de acción. No diré que es original porque no puede serlo algo que pone a la humanidad en peligro de existencia, pero es mucho más que digno. No te engaña con vericuetos imposibles, o tramas enredadas para que al no entender nada, no te preguntes por las bondades del guion. Siempre está la contrapartida femenina a Tom Cruise, y no me pareció que fuera forzada, lo vi natural y bien encajado en la historia. Si tengo que destacar alguna escena, lo hago con la de los vagones del tren en el precipicio, y no desvelo más.

En definitiva, que ya estoy esperando la segunda parte, a pesar de que preferiría más argumento que acción, pero lo que se me ofrece me parece lo suficiente interesante para tenerme más de dos horas y media ante la pantalla, y sobre todo, no me lleva a metaversos imposibles, con los que últimamente no paran de bombardearnos, a ver si se calman un poco.

Una película sin pretensiones no va mal de vez en cuando. Así que vas al cine con la esperanza de pasar un buen rato, sin pedir demasiado, y además, la película te sitúa en un escenario de ensueño, que tú mismo has visitado no hace mucho, pues miel sobre hojuelas.

Este es mi planteamiento, más que el planteamiento del director de la película a la hora de ver esta película. No voy a engañar; si no fuera porque fui entregado, con mentalidad veraniega y rezumando alegría porque algo me ponía en contacto con mi Río de Janeiro añorado, quizás mi opinión sería otra, no muy distinta, pero otra.

La película emplea un humor cómplice, es decir, exige que te olvides de tu lógica y te entregas a la suya, lo que haces de buen grado, sin mucho esfuerzo, entre risa y risa, aunque tampoco haya tantas.

Todo el desarrollo de estas amistades de la infancia que hacen lo que sea, sacrificando su propio bienestar, por el bien del amigo con el que perdiste el contacto y que es un bala perdida son muy cinematográficas y conmovedoras; nos llegan al corazón, pero casi todos sabemos que las dejamos en la sala junto a las palomitas que otros no comieron.

En definitiva, si es que puedo decirlo después de tan breve crítica, que si se quiere pasar un buen rato, con algo fácil de digerir, pero que no insulta la inteligencia y, de paso, viajar por un rato a la ciudad maravillosa, esta cinta es más que digna, pero muy poco más.

Ya me tocaba. Por fin, una película que no esté basada en los efectos especiales, en argumentos de mundos futuristas o de pasados imposibles, o en esos multiversos que pueblan nuestros mundos, aunque quizás sea al revés y sean los mundos que pueblan los multiversos, puestos a enredar la nada, como tantas veces se hace en estas películas.

Y otra cosa, que no es poco. Setenta y siete minutos de metraje, ni uno más. Ya sé que el minuto te sale más caro porque el precio de la entrada es el mismo, pero la verdad hay tantas cosas que hacer, que da un poco de rabia dedicar casi tres horas de tu vida a algo que muchas veces no tiene nada de original y está alargado hasta el infinito.

No es este el caso de esta película, con título que podría llevar a pensar en otra cosa. Su argumento está muy bien construido; es sencillo, pero no simple; tampoco pretende engañar a nadie. Plantea algo que puede pasar en alguna ocasión; llegar a los Estados Unidos y atascarte en el control de pasaportes. Es una pesadilla que algunos pueden tener.

Claro que lo parece ser una cosa, al final podría ser otra. La burocracia, sea del país que sea, funciona ignorando vuelos de conexión o el cansancio de horas acumuladas de vuelo. Tienen sus protocolos y los aplican sin más consideraciones.

Todo esto está muy bien recogido en el film de Rojas y Vázquez. Todo está rodado con planos cortos, secuencias de poca duración, diálogos de frases cortas en actores y actrices muy competentes, en las que se va mezclando el inglés, el español y el catalán, dando como resultado una película angustiosa con un resultado sorprendente, en lo que lo público puede afectar a lo privado.

Para acabar, estamos ante dos directores noveles, cuya futura trayectoria habrá que seguir muy de cerca. Esperemos que oportunidades no les falten; en mi caso, ahí me tendrán, sentado frente a la pantalla, en el silencio y en la obscuridad de una sala de cine.

El cine y yo estamos últimamente distanciados. Ya no recuerdo cuándo fue la última vez que vi en el cine una película como las de antes, que tuviera un argumento no resumible en dos líneas, y que sobre todo no todo estuviera basada en efectos especiales, que lo que hacen muchas veces es amplificar una violencia que sirve para rellenar argumentos cosidos con punzadas gruesas, faltos de toda originalidad, para ir acumulando, eso sí que no falte, minutos y más minutos de celuloide, o comoquiera que esto se llame ahora.

Eso sí, siempre hay películas que se cuelan en la cartelera, que parecen basarse en el cine de toda la vida, pero siempre resulta también que el horario de proyección es muy reducido, y con muy pocas salas donde visionarlas; en definitiva, que como no vivas en una ciudad grande, se te escapan, al menos, en pantalla grande.

Por eso, la mera existencia de un film como “La sirenita”, -que no deja de ser un remake de la película de 1989, y no una version del cuento de Andersen-, con estreno generalizado, puede llamar la atención en este mundo moderno tan poco amable con los cinéfilos de toda la vida.

No recuerdo muy bien la primera película de Disney, ni siquiera recuedo si la llegué a ver, pero una cosa es clara; no hace falta haberla visto o recordarla para poder juzgar como una obra autónoma e independiente este nuevo film. Ya solo con los de más de treinta años transcurridos hacer una versión con seres de carne y hueso, y quizás también espinas, es motivo más que suficiente.

Si he hablado de efectos especiales, no ha sido por casualidad; lo ha sido siendo consciente que este nuevo film sobre la sirenita tiene mucho de su sentido en el hecho del empleo de las nuevas tecnologías, pero un empleo que ayuda, que enriquece, que justifica la historia, y no al contrario, tal como he expuesto al principio.

En este film nos encontramos a Ariel, la hija pequeña del rey Tritón, que tiene una mente que le hace preguntarse cómo son esos habitantes que viven mar afuera, y que no se resigna a su existencia sumergida. A lo largo de los minutos, reiremos con las ocurrencias del cangrejo, del alcatraz, y del pececito, disfrutaremos de las canciones cantadas magníficamente por Halley Bailey, nos enfadaremos con la impunidad con la que actúa la malvada tía, e intuiremos en casi en todo momento el final de la historia, sin que por ello disminuya nuestro interés.

Nos no preguntaremos cómo es posible que los habitantes del mundo de las sirenas puedan respirar tanto debajo del mar como en la superficie, cómo puede ser que el rey Tritón pueda convertir en humana a una criatura sirena, o, por ejemplo, cómo es posible que hablen la misma lengua, los habitantes de las profundidades y de la superficie terrestre.

Nos quedaremos, en cambio, con la magia del cine, esa magia que te eleva de lo natural hacia lo sobrenatural, y saldremos del cine con el gusto y regusto de haber visto una buena película, quizás no la mejor película, pero sí lo suficiente para que ese gusanillo por el cine que algunos llevamos dentro, nos pique en un futuro muy próximo, quizás para encontrarnos otra vez en otra película con este magnífico actor español llamado Javier Bardem, pero tal vez en tierra firme.

Hay veces que es más importante ir al cine que la película que vas a ver. Este es el caso. Después de meses con los cines cerrados, los cinéfilos tenemos una obligación: ir al cine. En una sala vacía, éramos cuatro gatos literalmente, vimos esta película que contra todo pronóstico resulta ser un film de agradable visionado.

La historia de una asistente personal que aspira a más, pero sin por ello avasallar a la gente, está muy bien contada y muy protagonizada por Dakota Johnson; se agradece y te reconcilia con esa nueva normalidad tan cacareada. No pedimos mucho, creo yo.

Está película es bastante curiosa. Está basada en el hombre invisible, un tema recurrente en la historia del cine, pero con otro punto de vista muy diferente, el del acosador. Cuenta para ello con una gran actriz como es Elisabeth Moss, que es la base y el timón de este film y que se está convirtiendo en la gran referencia interpretativa del cine actual

La primera parte está francamente bien pues asistimos a una historia de intriga, locura inducida y de violencia de género. Destacan sobre todo los primeros cincos minutos. No hay casi palabras, pero lo intuimos toda. La mezcla de todo resulta entretenida y el avance de la película se hace con sentido y con garra. Podríamos encontrarle alguna pega, pero en su conjunto funciona bastante bien, aunque el proceso de locura a la que se somete a la protagonista podría estar mejor desarrollado, pues es un poco brusco en ocasiones
La segunda parte ya no me parece que esté tan bien. No está mal, pues seguimos teniendo a la estupenda Elisabeth Moss a la cabeza, pero lo que era una especie de thriller se convierte en una película de terror, a veces sin mucho sentido.

En definitiva nos encontramos ante un film que no hará historia en el cine, pero que resulta entretenido a ratos y que representa un buen comienzo para su carrera cinematográfica para su protagonista, muy conocida por sus papeles en Mad men o el Cuento de la criada.

Estamos antes que nada ante un buen film, pero la cuestión no es esa. Según he leído está basada en una obra de teatro, cosa que notamos a cada fotograma. Esto no es malo en si mismo, el cine no tiene porqué diferenciarse del teatro a base de grandes planos, grandes escenarios, muchos personajes, o grandes efectos especiales. El cine puede ser perfectamente un arte intimista, que se desarrolla en espacios pequeños y con pocos personajes.

Todos estos requisitos los cumple este pequeño gran film. Parece beber en exceso de la obra teatro en que se basa, pero tendría que haberla visto para poder opinar. Así que me quedo con la triada de actores, actorazos más bien, que componen la película, al cual mejor. Hay en su inicio y su desarrollo un Macguffin que nunca llegamos a vislumbrar cuál es, aunque los pensamientos nos lleven a caminos torticeros, ya se sabe: piensa mal y acertarás. El desarrollo está muy bien y nos lleva a esa idea de que todo puede mudar en un segundo. Hay un continuo giro de guión a cada escena y se hace con sentido y sin trampas hasta llegar a la escena final, realmente sobrecogedora y no digo más.

A mí, ya para acabar esta breve crítica, tan breve como el minutaje del film, me parece que obviando su origen teatral, estamos ante una buena película que condesa en cada unos de sus pocos minutos mucho cine gracias, en parte, a sus magníficos actores; además, es cine español, que nunca está de más decirlo.

No me gusta iniciar una crítica sin dejar clara mi opinión sobre el film que pretendo comentar. Hay críticas que leer y no llegas a saber si al autor le gustó o le dejó de gustar la película. Ya digo que esta obra merece la pena ser vista. Sé que debe mucho a los efectos de ordenador y, por supuesto, al famoso libro de Jack London. La historia es bastante sencilla. Un perro grande, bonachón y travieso que vive como un marajá en la casa de su dueño es secuestrado para ser vendido como perro de trineo en la lejana Alaska.

Allí conocerá diversos dueños, unos mejores, otros peores hasta algo cambia su vida para siempre, cosa que no desvelaré.. Antes de ello, conocerá el frío, la soledad, la lucha, el odio, y el amor de algunos hombres, que haberlos los hay. Se trata de un perro portentoso y noble. Yo diría que el director y sobre todo los responsables de los creadores de la animación de Buck, el perro protagonista, consiguen lo que pretenden, que el perro sea creíble, que su mirada nos atreviese sin indiferencia.

Reconozco que me lo he pasado bien viendo la excepcional fotografía de la película y viendo con añoranza a Harrison Ford, así como otros actores no tan conocidos, pero no por ello, muy reconocibles. En fin, se trata de una buena historia, muy recomendable para toda la familia, quieras o no escapar del ambiente carnavalesco que inunda nuestras ciudades.

Vi esta película en la “Cidade Maravilhosa”, y me gustó la experiencia de compartir un poco de mi tiempo con otros espectadores, mayormente cariocas, al tiempo que leía los subtítulos en la lengua del país. Eso sí, eché en falta el doblaje de nuestro país, demasiado tiempo con la mirada fijada en unos letreros cuando lo importante pasaba unos metros más arriba.

Viendo el tráiler de esta película pensaba cómo podía ser su desarrollo. La verdad es que me ha gustado, aunque no de una forma rotunda. Se trata de la historia de un niño con un amigo imaginario en la Alemania Nazi en guerra, ya casi en los estertores de la misma.

No se cuenta nada en especial, pero el tratamiento que tiene la historia hace que nos interesemos por ella. Ese terrible contraste entre el adoctrinamiento brutal de un régimen cruel y la realidad humana que lo envolvía visto con los ojos de un niño de diez años hace de este film, una obra especial.

Pocas veces permitiríamos un tratamiento humorístico ante un problema tan serio y que generó tanto dolor y odio y, sin embargo, esta vez sí que lo hacemos porque esta moralmente justificado; es más, ayuda a soportar y comprender una realidad que pasó y que no podemos cambiar.

Sigo en la zona spoiler...

Quizás nunca viajaré a Corea del Sur, pero sé que viendo este film, en cierto modo, he estado un poquito, ya no hablo de la Corea del Norte. Con ello no quiero decir que esta película sea normal; todo lo contrario, dista mucho de serlo y lo digo para bien. Antes que nada, estamos ante una gran película, sin paliativos ni condicionantes. Todo parece normal cuando, en realidad, no lo es. ¿No es así la realidad?

Lo más interesante es el contraste que se produce entra las dos familias coreanas protagonistas. Una muy bien aposentada, otra muy pobre. Una, viviendo en una mansión de lujo, la otra, en una especie de subterráneo donde deben soportar la visión de las micciones de los borrachos o de las inundaciones imprevisibles. Poco a poco sus destinos se van uniendo, unos lo saben porque lo imponen, los otros ni lo sospechan. No sabemos cuál de la dos familias es más parásita. Los ricos porque parasitan a la sociedad, los pobres porque lo hacen con los ricos, pero también con los pobres, en una lucha fratricida y sin cuartel.

También resulta muy interesante el desarrollo del argumento, pausado pero vigoroso. Todo se produce con sentido, nada es gratuito o tramposo. Asistimos ante un estupendo espectáculo que nos atrapa y nos sorprende a cada momento. El final es imposible y hermoso; si no es posible, al menos que nos dejen soñar, y este film venido del lejano Oriente para quedarse, lo permite. Que vengan más, que yo los veo.

La Primera Guerra Mundial no tiene la épica de la Segunda Guerra Mundial. Fue una guerra sucia, metidos los soldados en trincheras apestadas de ratas, con muchísimos muertos a cambio de avanzar unos pocos metros que podías perder al día siguiente; hasta los uniformes y sus cascos eran feos. Toda una generación de jóvenes fue sacrificada en aras de no se sabe muy bien qué. Si durante la Segunda Guerra Mundial la causa parecía justa y era una guerra que había que ganar, la Primera Guerra Mundial parece la última de las clásicas guerras entre potencias, sin negar que luego lo siguieran siendo.

A partir de una anécdota que le contó su abuelo, Sam Mendes construye un relato verídico sobre una historia que pudo pasar. Le otorga, por una vez, de una épica y de unos espacios abiertos, que debieron ser poco comunes en la cruda realidad. A través de un solo soldado vemos todo lo que puede pasar en una guerra encarnizada, la solidaridad con tu compañero, con el enemigo, el miedo, el heroísmo, la desesperación, la inutilidad de la acciones militares y, a su vez, la importancia de las mismas. El viaje con esa carta que tenía que entregar del soldado protagonista tiene momentos de poesía como pocas veces hemos visto en el cine últimamente; no se sacrifica los momentos de reflexión y de asunción del dolor constante en aras a continuas acciones bélicas, aunque tampoco falten estas. Puede que para algunos tenga un ritmo excesivamente lento, pero en mi opinión es el indicado. En definitiva, algo más que un buen film bélico.

Una anécdota llevada a la maestría, eso es lo primero y con carácter de urgencia crítica que tengo que decir de un film sencillamente encomiable. Me ha gustado y me ha gustado mucho, por si no había quedado claro. La historia es aparentemente muy sencilla. En la Atlanta de 1996, con los Juegos Olímpicos por celebrarse se produjo un atentado terrorista. Un simple guardia de seguridad va a tener una importancia capital. Es el que detecta la mochila y minimiza los daños, pero rápidamente se convierte en el chivo expiatorio perfecto para el FBI y pasa a vivir unas semanas como investigado que son realmente una pesadilla.

No contaré más, pero sí que diré de cómo un director en el ocaso de su carrera y de su vida es capaz de filmar una película con pulso fuerte y decidido hacia una muestra más de un trozo real de vida que se nos ofrece. Durante los ciento treinta minutos de proyección asistimos, gracias también a un actor que se funde hasta lo indecible con su personaje, a la historia de un pobre hombre, quizás no tan capaz como otros muchos, pero con una tenacidad admirable, que es sometido a la cruda investigación de lo que para él es el cuerpo de policía más prestigioso de su país.

No hay un minuto que sobre, una escena que chirríe. Todo está enfocado a su protagonista y a su increíble capacidad para afrontar una situación inesperada que volvería locos a muchos. Como un perfecto reloj suizo, todos los engranajes funcionan a la mil maravillas para tenernos en tensión cuando, en realidad, todo podría resumirse en muy pocas líneas. No quiero acabar sin mencionar esa relación entre el abogado y su cliente, que ya nos gustaría a muchos, que llegado el caso, se diese. En definitiva, otra obra maestra del maestro Eastwood y ya van unas cuantas.

No puedo más que quitarme el sombrero. Vaya películón. Había oído hablar muchas veces del caso Dreyfuss, del manifiesto de Zola, de toda la polémica que se generó en aquel entonces, pero no sabía muy bien el detalle de la historia y su resolución. Como siempre el cine hace un servicio impagable a la Historia con mayúsculas, contándonos una historia que puede ser desconocida para el gran público.

No es Polanski uno de mis autores favoritos de las últimas décadas, aunque le reconozco mucho mérito. Ese mérito se lo reconozco con creces en este film. Muy alejado de todo lo que suponga artificio y banalidad, el director francés y polaco rueda de manera maestra, con unos actores que brillan con luz propia, una historia que podría ser algo pesada e incluso farragosa, ya que es básicamente un film político y jurídico, más que militar.

No sobra ni falta un plano. No se muestra a salvador de Dreyfuss, esto es, Picquart, como un héroe contra toda circunstancia ni a Dreyfuss como ser absolutamente angelical. Son personajes con sus grises en un mundo oscurecido. No hay concesión en la película para el espectador, pero no por ello es un film complicado; yo lo encontré entretenido y con un ritmo adecuado y solvente

No puedo acabar sin mencionar que además de la excepcional actuación, los decorados y la vestimenta son francamente impresionantes. Puedo asegurar que mientras estuve viendo el film me encontraba imbuido en los últimos años del siglo XIX y que cuando acabó la película y salí a la calle me costó un poco rencontrarme con el presente siglo. Otro de las cosas que hace del cine, visto en pantalla gigante y a oscuras, algo especial por lo que merece luchar.

Quizás no estemos ante una gran película, pero sí ante una obra propia de su autor, es decir, una obra que reúne al mismo tiempo una dosis de buen cine, de mucha acción y de una intriga relativamente interesante.

El argumento es ya por todos conocido, o quizás por muchos desconocido. Está en todo caso en los libros de texto, a poco que se abran. El ataque traidor japonés a los bases norteamericanas en Hawái y la subsiguiente guerra en el Pacífico que puso al mundo al borde de la victoria de las potencias del Eje, con lo que eso habría significado, por muy políticos correctos que ahora queramos ser.

Aparece en el film el mejor director de todos los tiempos, John Ford, y no lo hace gratuitamente. El famoso director estaba en ese momento allí, aunque no se esperaba tanta acción.

La película se centra básicamente en la acción que se produjo mucho más que en la relaciones entre los protagonistas. En este sentido es mucho más un documental que una película de ficción. Quizás habría sido el documental que le hubiese gustado rodar al maestro Ford, dicho sea con todos los respetos.

Pero no por documental debemos pensar en un film mediocre. A mí me parece que lo que ofrece, con esas pinceladas de camaradería entre aviadores y marinos, es más que suficiente para pasar un buen rato y es ese buen rato el que pasé.

La guerra civil es un pozo sin fondo para quien la quiera aprovechar. No hablo, por supuesto, de todo el sufrimiento, inmenso, causado. Me refiero a que es nuestro drama, nuestro drama contemporáneo del que debería beber muchos de nuestros creedores. Es una temática infrautilizada, de la que los americanos, por ejemplo, habrían hecho miles de películas.

Los conocidos topos, esas personas que se encerraron a escondidas en sus propias casas para evitar las represalias del bando nacional, en especial, era otro filón por desempolvar, y no era un filón fácil. Filmar a una persona en cautividad, aunque sea en su casa, puede resultar muy estático, con poca progresión y acción.

En esta ocasión, la película dura dos horas y media, que no es poco. Pues bien, a pesar de ello, este film resulta muy entretenido. Acontecen las situaciones suficientes como para que no sea todo grabado en un único escenario, y lo mejor es que nada es gratuito, todo está muy bien argumentado, todo tiene un sentido, que hace que el film progrese, tenga sentido, y no sea solo un medio de denuncia.

Especialmente interesante me parece la relación entre los dos protagonistas y cómo esta va evolucionando a lo largo del minutaje, y no solo hablo de la evolución física. Quizás lo más destacable es el odio mantenido por muchos, incluso más allá de los que hacían las leyes, porque, en definitiva, treinta años pueden parecer muchos, pero si lo pensamos no son tantos, después de tanto dolor y sufrimiento.

Admiro a Woody Allen desde hace muchos años y sigo sus estrenos, película tras película, desde principios de los ochenta. Es casi un ritual, la película anual de Woody Allen. Estoy muy en desacuerdo con aquellos que piensan que debería dejarlo, que debería poner un colofón a tan prolija y productiva carrera. Nunca he estado de acuerdo y no puedo entenderlo. Cuando uno de sus films está en cartelera, casi nunca es superado por el resto de las películas que conforman la cartelera, aunque el film sea una obra menor en la filmografía de su autor. Por eso, cuando estando de viaje por la interesante ciudad de Ceuta, española y africana, aproveché para cumplir con mi ritual.

Quizás haya sido con esta última película que he sentido que el director neoyorquino debería empezar a pensar en parar. Tiene este film todo el aroma y gusto de las obras de su creador, sin duda. Sorprende la insultante juventud y la competencia de sus protagonistas en especial de Selena Gómez, pero dicho esto hay en este film demasiado encuentros causales y demasiadas casualidades, recursos que facilitan mucho la escritura de un guion pero que son muy fáciles, los tienes al alcance casi de tu antojo. Todos esos encuentros casuales en el deambular del protagonista, por ejemplo, por las calles de Manhattan hacen pensar que al menos por esta vez el maestro no se ha esforzado mucho a la hora de escribir el guion, sin ser tramposo ni malo, no vuela a la altura acostumbrada, ¿o es que estaremos demasiado bien acostumbrados?

A pesar de ello, seguro que este film tan típicamente de su autor sigue estando por encima de sus coetáneos, por eso me parece que sí, que quizás el genio inventor de historias está llegando a su fin como creador, pero dejemos que sea el mismo quien decida su fin. Se lo ha ganado, ¿no?