Antes de hablar de la película diré que fue una agradable sorpresa ver como en la sala en la que me encontraba había 40 personas y todas ellas adultas, era una sesión nocturna, pero el hecho de que gente ya crecidita no vea inconveniente en ver una película de dibujos animados es algo que creo que hay que reseñar, existe cine bueno o malo y nada más. No diré también que la película es una sorpresa, agradable sorpresa, por cierto, porque era de esperar que la factoría Dreamworks nos ofreciera un producto muy digno, tal y como ha hecho en muchas ocasiones, por ejemplo, con Madagascar o Spirit, hablando de films de animación, pero tengo que decir que Kung Fu Panda está a la altura de sus mejores films.

El cine de animación se está convirtiendo, ya hace un tiempo, en un cine de alta calidad y casi, casi de experimentación. La película de la que hablamos te dibuja una sonrisa al inicio que no te permite borrar hasta bien acabada la misma. Es una sonrisa que a veces se convierte en risa destornillante, que alimenta el cerebro y el alma. La historia que se cuenta es previsible, pero se cuenta con tantos recursos dramáticos o formales que al final te entregas a ella sin ningún reparo, valgan como ejemplo, la escena del enfrentamiento en padre e hijo adoptivos o la magnífica secuencia “rodada” en la prisión. Ahora toca ir a por la siguiente de Dreamworks, que ya viene muy pronto.

Buena película, y tengo que decir que si me lo llegan a decir a mitad de su visionado no me lo hubiese creído. La primera parte de la película refleja una Ibiza casi contemporánea, que se mueve y baila alrededor del protagonista. Un mundo estéril y sin moral que el film muestra sin tomar partido, casi como un documental, salpicado de primeros planos de personas que conocieron a Frankie Wilde y nos cuentan sus recuerdos, como mandan los cánones de los documentales.

A pesar de la amoralidad y de escenas estéticamente muy desagradables, no por ello, la película cae en derroteros de imposible vuelta. Es en la segunda parte, en la lucha de Frankie contra la droga y la sordera que el film alcanza sus mejores cotas. No diré que se invente nada nuevo o que no se cuente algo ya mil veces contado, pero si que destacaré la honestidad y la sencillez con que se hace, unido a una agradable falta de grandilocuencia que te deja un buen sabor de boca, o mejor y por seguir en la lógica de la película, un regusto en los oídos cuando abandonas la sala de proyección.

El título de la película en castellano es confuso, utiliza la palabra leyenda, que realmente sobra, y que crea la apariencia de la realidad de un disc jockey que es pura ficción. El título en inglés es más correcto, y hace referencia a una frase de cockney (slang) que utiliza la rima del nombre de un disc jockey que sí que existió de verdad, Pete Tong, con la palabra inglesa “wrong”, equivocado.

Empezaré diciendo que no he visto ni un capítulo de la serie en que se basa la película, así que no puedo comparar, aunque dudo, visto lo visto, que lo haga algún día. El film cuenta la historia de cuatro amigas, ya cuarentonas, y sus andanzas amorosas/sexuales. Lo hace de la forma más plana y previsible posible; no hay opción a la sorpresa. Las protagonistas, -convertidas en contertulias adolescentes sempiternas de aventuras y escarceos amorosos, ajenas a todo lo demás- no nos dan tregua con sus interminables conversaciones triviales. No hay una radiografía crítica de una sociedad huera y superficial, lo que hay es complacencia con lo que se enseña y nulidad creativa. Lo mejor es la escena insertada de Judy Garland cantando en “Meet me in Saint Louis”. La película dura 145 interminables minutos, yo no le dedicaré ni 145 palabras.

Decía Truffaut que si una película se centraba mucho en la acción, los personajes quedaban sin dibujar; sin embargo, si se detenía mucho en la descripción y desarrollo de los personajes, la acción se resentía mucho y se ralentizaba en demasía el ritmo de la película. Está claro que Grimaldi ha elegido esta segunda opción, pero para que esa elección hubiese tenido garantías de éxito, habría precisado que Moretti estuviera acreditado en los títulos de crédito como director y no sólo como actor principal.

De hecho, no creo que esta película se hubiese estrenado en nuestro país de no haber participado Moretti en ella. La película tiene un buen arranque y se plantea como reto hacer de una plaza urbana delante de un colegio el escenario principal del film. Al principio interesa, pero después se hace repetitiva en exceso. Reconozco que es un reto y se agradece en los tiempos que corren, pero a la película la acaba perjudicando mucho el “quietismo” de sus protagonistas, tanto físico como emocional; por ejemplo, las diferentes conversaciones sobre el futuro de la empresa tienen poco interés inicial, pero a medida que avanza el metraje pierde incluso ese poco inicial, por no hablar de la relación padre-hija.

Sobre la ya famosa escena de sexo explícito, no entraré sobre su onirismo o no, o sobre su oportunidad en función del guión, aunque incomoda un poco la sospecha de un cierto oportunismo en su inclusión.

En fin, y ya para acabar y concretar, una de tantas películas europeas, que dispara a un objetivo más alto o más lejano de lo que el calibre de sus balas puede permitirle.

Después de que Ang Lee dirigiera la hermosa e interesante a ratos “Hulk”, parecía difícil que un director con mucho menos pedigrí pudiera ofrecernos algo digno de mención. Pues bien, Louis Leterrier lo consigue, es más diría que lo supera en muchos momentos.

Toda película de Superhéroes Marvel, aquí más bien antihéroe, tiene unos minutos de introducción previos a la aparición de la estrella marveliana, que deseamos que sean lo más breve posible. En el caso del “Increíble Hulk” me ocurrió al revés. Todo lo que sucede en la primera parte, -desde la escena inicial donde se recapitula a base de cortos flashes el origen de Hulk y sin que se medie palabra, pasando por los acontecimientos de la favela brasileña, y acabando con la poética escena bajo la lluvia ya en los USA,- es cine en estado puro, casi mudo, porque las imágenes ya te lo dicen todo, cosa muy poco habitual en el cine moderno, por cierto.

Incluso la escena de la primera aparición de Hulk, está rodada a lo clásico, insinuando más que enseñando, con un Hulk menos agigantado y más humano que el de Lee; Edward Horton ayuda también mucho a construir su lado humano. Lástima, que ya en la segunda parte, la película se doblegue a la dictadura típica y casi irremediable de los efectos especiales, y es que ya hemos visto tantos…

No me lo creo, no me lo puedo creer, estoy seguro que M. Night Shyalaman es capaz de hacerlo mucho mejor. Capaz de construir unos personajes principales que no sean caricatura de arquetipos que albergamos en la memoria, de presentar unos expertos creíbles, capaz de escribir un guión mejor, sin tantas incongruencias como la que explico, por ejemplo, en la zona spoiler, de no hacer un montaje que parece parodia de serie B, pegando, como exabruptos, planos generales narrativamente muy pobres con primerísimos planos de actores que no se creen su papel. A este respecto, el papel del profesor científico, superado por todo, está a la misma baja altura que su inefable mujer.

Sin embargo, a pesar de todo, de esta parodia sin sentido, un Shyalaman más multiétnico que nunca, es capaz con poquísimos elementos de construir escenas o momentos dignos de mención, por ejemplo, casi todos aquellos en que los afectados llegan al cenit de su trastorno, o la escena de la casa habitada por una mujer solitaria, que casi es una película dentro de la película.

El director conduce la película a través del amor hacia una pretendida transcendencia, transcendencia que ya se apuntaba en sus primeras y más logradas películas, pero que tanto se desbordaba y perjudicaba en “La joven del agua”. Al final, lo que te devuelven los seis euros gastados en taquilla es una película entretenida a ratos, pero intranscendente, que le vamos a hacer.

Me permito utilizar el título de la memorable novela de Proust para titular mi crítica. La película es eso, un retroceso en el tiempo y en el gusto de la saga empezada con “En busca del arca pérdida” durante la década de los ochenta. No creo que quepa plantearse si era necesaria otra película con Indiana Jones, ni hablar sobre un guión inconsistente, sólo se trata de pasar un rato divertido y la película lo consigue. Los personajes han evolucionado y se ríen de sí mismos, lo que nos da la distancia necesaria para poder disfrutar de un film “trufado” de efectos especiales y perdonar la debilidad de la historia que se cuenta. Para acabar diré que Spielberg demuestra que con poco puede hacer mucho y que Harrison está increíblemente veraz para sus 64 tacos. ¿Habrá una quinta entrega? que dicen que no hay quinto malo…..

Frank Darabont se está convirtiendo en un valor muy sólido en el cine actual, baste recordar para demostrarlo “La milla verde” o “Cadena perpetua”. Autor total de sus films, pues él es el guionista y productor también, gusta de contar unas historias con poco elementos ornamentales, un puñado de personajes bien construidos, y un ritmo cadencioso, muy poco habitual en el trepidante cine actual; una calma tensa domina sus films.
La niebla de Stephen King no es una excepción. Esta estupenda película cuenta la historia de una niebla sobrenatural de aparición repentina que se instala sobre un pueblo. Un grupo de vecinos y de residentes ocasionales se refugian en un supermercado, desde donde deberán enfrentarse a lo desconocido y a ellos mismos. La escena final es memorable, sobre todo para aquellos que tenemos retoños. Estamos ante la típica película de terror que quizás no encante a los amantes de cine del género, pero que sí que entusiasma a los amantes del cine en general. Ojalá Darabont rompa su también ritmo cadencioso en lo que se refiere al estreno de nuevas películas y no hayamos de esperar tanto a la próxima.

Para empezar diré que ya tocaba, que ya nos tocaba a los cinéfilos forjados en los setenta y en los ochenta a fuer de visitar las salas cinematográficas una película como ésta, de un autor clásico, o quizás baste con decir de un autor, ahora que predomina tanto director novel, “videoclipero”, siempre por ser reconocido, sometido al imperio del productor y de un público instalado en fase permanente de adolescente por madurar.

Lumet cumple medio siglo detrás de la cámara con una gran película de cine negro, a la altura de su inicial “Doce hombres sin piedad” o de“Veredicto final”, con un film que recuerda a los clásicos de los cincuenta o sesenta.

Todo puede estar a punto de desmoronarse, a veces basta con que ceda el más ligero de los pilares que sostienen nuestras vidas para que se produzca una sucesión imparable de acontecimientos donde todo dejará de ser lo que solía ser o, mejor dicho, lo que solía parecer ser. Esto es lo que cuenta Lumet con una firmeza inusual y una voluntad de llegar a las últimas consecuencias realmente inolvidables, sirviéndose de una familia que ha dejado de ser una familia.

Y lo hace, además, sin salirse nunca de madre, encauzado todo ello en un guión bien estructurado, aunque desestructurado cronológicamente, envuelto en una banda sonora que es de lo mejorcito que se ha oído en cine en mucho tiempo y unos actores masculinos a cual mejor, ¡qué padre y qué hijos!.

Sólo un pero, pero no para el director, más bien para el distribuidor y que importa mucho decir en un web como esta, que tanto cuida el lenguaje: No es correcta la traducción del título, éste debería decir “Antes de que el diablo….”

¿Cuál es el criterio que utilizamos para elegir una película a la hora de ir al cine? No sabría decir. Para ver la película que nos ocupa me pareció bastante motivo la pobreza de la cartelera actual, la presencia de una Cameron venida a menos, pero todavía digamos que potente, y una aceptable nota de mi página web de cine favorita, o sea, ésta en la que estamos. El recuerdo de otra película, con título inicial coincidente y con Cameron también presente jugó un papel menor, pero he de reconocer que aumentó a medida que el metraje avanzaba. Seré directo, la película es una agradable sorpresa, la carcajada no te abandona en ningún momento, el humor no es estúpido, roza el absurdo y pocas veces resulta grueso y molesto. Para muestra dos botones: La impagable escena inicial de la fiesta sorpresa del cumpleaños del novio de Cameron, o las escenas paralelas de los dos protagonistas determinando su viaje a Las Vegas. El romanticismo impregna toda la película, un romanticismo muy alejado de un tono acaramelado. Por cierto, casi se me olvidaba, Cameron está estupenda y deja pequeño a su compañero de reparto. En fin, que no estamos ante una película que nos cambie el punto de vista con que observamos la realidad o nos haga crecer internamente, pero ni falta que hace. Al acabar el film abandonamos la sala con el primer mandamiento del buen cine cumplido: Hacernos pasar un buen rato, sin tomarnos por tontos; ya quisieran muchas pretenciosas películas conseguir la mitad de lo mismo, claro que para ello deberían superar el "ombliguismo" que tanto las limita.

Para aquellos que crecimos con los héroes de Marvel, tenemos ante las películas que se basan en ellos una doble actitud. Una de miedo, no vaya a ser que nos estropeen a nuestro héroe juvenil, y otra de esperanza, la de poner movimiento y vida a unos dibujos que albergaron muchos sueños.

Vaya por delante para quien no lo sepa que el Hombre de Hierro nunca gozó de un gran estatus, semejante a los 4 fantásticos o Spiderman, que era mejor secundario de los Vengadores que protagonista, por lo que quizás uno no espera mucho de su versión cinematográfica. Esta no defrauda, pero tampoco entusiasma.

La película tiene en su primera parte una escena bastante estimable, como es la del nacimiento del héroe en una cueva en contraste con su vida anterior, pero los vericuetos que toma después, tardando mucho en definir el personaje y, sobre todo, la escena final, de puro artificio y fuegos artificiales le restan interés, por mucho que Jeff Bridges esté creíble en su increíble personaje. Que los enemigos, ya sean afganos o yanquis, no estén a la altura “marveliana” habitual tampoco ayuda mucho al disfrute.

En fin, una película por debajo de las versiones como las de Spiderman, pero por encima de otras, como la de los 4 fantásticos, por circunscribirnos a películas basadas en los cómics de Marvel.

Confieso que cuando fui a ver “21 BlackJack” no sabía nada sobre este peculiar juego de apuestas, que mientras la estuve viendo tampoco lo entendí, y que posteriormente a su visionado no me he preocupado por saber de él. No es que la película te invite a ello. Se trata de una película muy plana, con un guión que podía haber dado mucho más de si, pero como pasa tantas veces en el cine moderno se parte de una idea interesante que se pierde en el camino de su desarrollo.

Resulta difícil engancharse a una película que apenas se toma la molestia de explicar el juego en que se basa y que además pasa muy por encima a la hora de explicar en que consiste la artimaña que aplican sus protagonistas en los casinos para hacer de las suyas. La escena del desenlace final resulta inverosimil.

Así las cosas, la película tiene que reducirse a ir de escena efectista en escena efectista camino de muy poca cosa, rellenando los 123 minutos que dura, ¿por qué tantos? A pesar de lo dicho, no se hacen excesivamente pesados hasta la ruptura del grupo. Lo mejor es un Kevin Space que deja en mal lugar al resto del reparto.

Una película hermosa y diferente, lo que es de agradecer en los tiempos que corren. Los problemas de un joven artista casi todavía adolescente ante su primer desengaño amoroso contados desde un punto de vista a la vez cómico, cotidiano y romántico; y con un toque fantástico muy atractivo. ¿Quién no ha soñado con poder parar el tiempo y los acontecimientos? ¿Quién no ha soñado con poder asomarse a los demás con la impunidad pero al mismo tiempo con la honestidad con que lo hace el protagonista de la película? La película se ha atrevido a soñarlo y lo ha hecho de la forma más bella posible.

La película baja levemente su interés hacia la segunda parte, pero su fantástico final la redime y la coloca en el puesto que merece. Los actores, por su parte, también ayudan lo suyo. Una curiosa e inusual película inglesa, que haya muchas más así.

Antes que nada, hay que decir que asistí al visionado de esta película con muy pocas expectativas: un director desconocido y la presencia de la guapa pero inexpresiva Jessica Alba. Me llamaba la atención el tema médico que propone. Que viera la película en la más absoluta soledad de una sala vacía tampoco presagiaba nada bueno.

Sin embargo, he de confesar que desde un principio la película atrapó mi atención y ya no la soltó. No es que lo hiciera de forma muy poderosa, pero digamos que es una película que se deja ver, con un golpe de guión sorprendente y que te mantiene “despierto” hasta el último de sus planos, lo que ya es mucho.

Una curiosidad que rebaja mi quizás excesiva generosidad a la hora de juzgar el film; si se ve el trailer de un minuto y cuarenta y siete segundos ya casi puedes decir que la has visto; lo cual dice muy poco de quien ha hecho el trailer y de una película entretenida, pero que no pasará a la historia del cine.

Antes que nada debo decir que "Cobardes” no me gustó. La vi demasiado maniquea, padres muy malos en su papel paterno, con profesores quijotescos pero desencantados luchando solos contra la adversidad. Corbacho y Cruz presentan unos hijos absolutamente herméticos a sus padres y unos padres absolutamente ajenos a sus hijos, con multitud de situaciones inverosímiles, y rizando el rizo hasta convertir a la victima en el acosador y viceversa.

Las intenciones son buenas, pero se esquematiza tanto que se llega a la caricatura, se fija de antemano a donde se quiere llegar, pero se hace por el camino más fácil y manido. Tan sólo el final tiene interés, pero no deja de ser incongruente con la escena que le precede con la hermana del protagonista. En fin, que en cine las buenas intenciones no lo puede ser todo, sólo son el principio, y hace falta armarlas con un buen guión y unos personajes con carne.

Los actores tampoco brillan. Por contra, la película se ve sin mucho esfuerzo, más que nada gracias a un ritmo cinematográfico bastante ágil y un minutaje no excesivo; en todo caso, muy pobre bagaje para lo esperado.