El rumbo de la historia lo encauza el argumento protagonizado por el genial, inimitable, sarcástico, amanerado, valiente y extravagante capitán Jack Sparrow, que surca los mares bajo la imponente bandera negra con calavera y dos huesos cruzados, en busca de aventuras, emociones y situaciones que puedan hacer crecer su riqueza. Pero donde hay un gran pirata, hay un gran enemigo: el Capitán Barbossa (Geoffrey Rush), quien se ha apoderado del navío de Sparrow, el Perla Negra, lleva hasta el extremo sus malvadas intenciones arrasando Port Royal y secuestrando a Elizabeth Swann (Keira Knightley), la hija del Gobernador Weatherby (Jonathan Pryce). El amor que el Comodoro Norrington (Jack Davenport) y el herrero Will Turner (Orlando Bloom) demuestran sobre la bella mujer, chocará convirtiéndose en una persecución a través de las aguas para lograr rescatarla y frenar el objetivo del Capitán Barbossa, que no es otro que el de servirse de la guapa mujer para encontrar una pieza de oro azteca que romperá, mediante un ritual, la maldición que durante años ha afectado a su tripulación… Mientras el Comodoro basará su principal obsesión en atrapar a Jack Sparrow, Will Turner, quien siente un gran desprecio por los piratas, acabará compartiendo barco con el citado Jack, pues las intenciones de ambos apuntan en la misma dirección: mientras el pirata desea volver a tomar su navío, Turner sólo quiere recuperar a quien va en él: Elizabeth.

El trabajo de todo el reparto es notable, y la interpretación de Johnny Depp (“Sleepy Hollow“, 1999), bañada en el histrión, estupenda. Toda una lección de personalidad propia para un personaje sencillamente arrebatador. Depp está en su salsa. Geoffrey Rush (“El discurso del Rey“, 2010) como el capitán Barbossa, aterra con su mirada dentro de un rol que pocos podían haber superado, mientras Keira Knightley desarrolla su labor con un temple admirable, anticipando lo que vendría dos años más tarde con su maravilloso papel protagonista en “Orgullo y prejuicio” (2005). Orlando Bloom (“El reino de los cielos“, 2005) demuestra corrección y algunos momentos de fugaz brillantez, aunque no me resulta para nada indispensable, y Jonathan Pryce (“Regeneration“, 1997) regala momentos y miradas sin desperdicio desde su personaje del Gobernador.

El compositor alemán Klaus Badelt (“La máquina del tiempo”, 2002) ofrece unas partituras entusiastas, con un nivel de acción similar al de las escenas de la cinta y con un fascinante resultado que sería reconocido fácilmente mucho tiempo después del estreno de esta película, hasta convertirse en una de las bandas sonoras más afamadas de las últimas décadas.

Un fenomenal viaje a través de los mares y una gran película -a pesar de sus pertinentes limitaciones- de aventuras, piratas y emociones.

Toda esta hermosa obra de arte, está subida a un altar gracias a su prodigiosa fotografía, que busca en muchas ocasiones encuadres de teatro, dejando a sus personajes en mitad, o a un lado de la pantalla, situándolos sobre un escenario poco iluminado y decorado con austeridad. Toda la dirección artística hace un trabajo impecable. La idiosincrasia del pueblo se construye a partir de una ciudad recreada al milímetro en el “Melody Ranch” de Newhall (California), dentro de un espacio reducido que presenta callejones inmundos llenos de barro, que da la sensación de que todos están cerca de todos y de que cualquiera puede estar en cualquier punto del pueblo en cuestión de minutos. Se agradece además que se abandone el gran error de todas esas grandes producciones clásicas que tan bien interpretaron John Wayne o Gary Cooper entre otros muchísimos gigantes del cine: ese defecto de dibujar a los personajes y sus pueblos con la máxima pulcritud, con locales de suelos y ventanas brillantes, calles sin apenas suciedad o atuendos recién sacados de la sastrería que jamás se ensucian. Aquí, las mujeres y los hombres se enfangan. Los sombreros son la cima de lo polvoriento. Aquí, señores y señoras, no hay higiene. Es un pueblo lleno de suciedad y sus personajes, a no ser que estén todo el día en sus locales o domicilios, son el vivo retrato de una realidad tan simple como la de que si un sitio está sucio, sus personajes se ensucian, algo que tan bien se representó en el Spaghetti-Western. Por otra parte, las tetas de todas las preciosas mujeres que dan vida a las putas que aparecen en el relato, pueden considerarse parte del escenario, al ser sus apariciones constantes, sin ningún tipo de pudor.

Las tres temporadas de las que dispone Deadwood son magistrales. Si bien la primera es la mejor de todas, por presentarnos a todos sus personajes y abrir el melón de todas las situaciones que se irán desarrollando durante los primeros episodios y que servirán de telón para las próximas temporadas, las otras dos gozan de una calidad que, para valorarla, deberemos detenernos en la segunda, que es la “menos buena” de las tres, hasta llegar a la última, que resucita lo mejor de la primera sin renunciar a un argumento enfocado desde otras perspectivas, con otras historias y quizá mayor tensión que nunca.

Siempre nos quedará ese fantástico resultado, con esa ciudad tan llena de vida, de personajes que comparten lo histórico de las leyendas y la ficción más exquisita. Con esos burdeles que son algo más que simples bares en los que echar un trago y algo más, convirtiéndose los mencionados locales en auténticos ayuntamientos improvisados. Y ese olor a western auténtico, con mezcla de “clásico-spaghetti-moderno” que hace que el espectador se meta hasta la cocina de cualquiera de los locales, convirtiéndose en un vecino más de ese maldecido pueblo, repleto de personajes que suspiran por mejorar sus vidas o simplemente mantenerlas intactas.

Se nota lo forzado de gran parte de las escenas. Además otras tantas veces se concede a la protagonista el beneficio de lo que en el juego sería “modo fácil”: sorprende cómo resuelve muchas situaciones extremas con una completa sencillez. En otras tantas ocasiones lo previsible del resultado de una escena es palpable.

Además Radha Mitchell no llega al aprobado, con todo un concierto de inexpresividad y total falta de sorpresa en su rostro cuando los acontecimientos así lo mandan. Exceptuando uno de los últimos ‘sprints’ de la cinta, Mitchell no logra abandonar lo irregular de una interpretación para olvidar. Afortunadamente, está Laurie Holden, quien da vida a la agente de policía a la que mejor le sienta el uniforme de la historia del cine. Cumple con una corrección bastante amplia con su trabajo, y supera en mucho al del resto del reparto, pero cuesta asumir que una agente de policía de algún recóndito pueblo norteamericano sea una modelo con pistola: al menos, podrían haberle cambiado esa sexy indumentaria. Aunque los errores son más, no puedo permitirme el hecho de detallarlos, al correr el riesgo de tocar detalles que desvelen partes importantes del argumento. Alice Krige como Christabella, es quizá la segunda que mejor lo hace del filme. La niña, Jodelle Ferland, también cumple con su papel, dentro de los límites de la corrección, al igual que Deborah Kara Unger como la misteriosa mujer.

No todo es malo en esta cinta, ya que de ser así, sería absurdo que un servidor le diese un seis -alto- de nota. La película vive en un estado de tensión creciente que no para de romperse al aparecer el marido de la protagonista en escena. Justo cuando se ha conseguido crear un buen nivel de terror, se reproducen las escenas citadas, consiguiendo con ello que la atmósfera que se estaba formando hasta el momento, vuelva a reiniciarse. La excelente ambientación de la ciudad es uno de los factores que también contribuyen a la creación de esa irregular atmósfera que envuelve a sus protagonistas y pretende hacer lo propio con el espectador. Es una pena que se haya preferido casi por completo rodar en los interiores del emblemático pueblo, en detrimento de mostrar sus calles, que son lo mejor que aparece en la película.

¿Estamos ante una buena adaptación de un videojuego? Sí. Pero los errores citados rompen su armonía como película y hacen que únicamente -que ya es mucho- podamos disfrutarla con interés, pues la cinta se deja ver muy bien mientras entretiene con dignidad. No cae en muchos tópicos del cine de estas características y sorprende desde unos efectos visuales alucinantes. Las cosas que no cuadran en esta película se dan la mano con escenas poderosas que en ocasiones siguen oliendo al juego en el que se basan, y un guión bastante aceptable, a pesar de que ser muy poco explicativo y los dos únicos flashbacks que incluye con la idea de hacernos comprender qué pasa y por qué, sean meras postales que muy bonitas quedan, pero que muy poco aclaran.

Y es que ya le pueden ir las cosas perfectamente que su rostro seguirá impregnando la atmósfera con su angustia. Conocer a una joven madre soltera (Liv Tyler) podrá, al menos, brindalre la oportunidad de poder pensar en si su vida tiene algún sentido en este planeta. La relación con su apesadumbrado hermano, que dirige un horroroso equipo de baloncesto femenino infantil que jamás gana un partido y lo único que hace es dar espectáculos para olvidar, será otro de los aspectos estudiados en esta intensa película que durante toda su duración se procura cierta ligereza y por desgracia no encuentre el punto de una contundencia que deje K.O. al espectador. Es un lunar apenas visible en este portentoso paseo a través de la insignificancia, que no hace de menos a la comedia, dando paso a la misma de manera espontánea en algunos momentos que invitan a la sonrisa, haciendo un poquito más ameno y simpático el recorrido de la desesperanza.

Este es sin duda uno de los mejores papeles que haya podido hacer hasta la fecha del estreno de esta película, Casey Affleck (“El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford“, 2007). Este actor, el eterno “hermano de” y el “cara de niño” dibuja la tristeza matemáticamente desde su rostro y la inamovilidad de su personaje, que al no encontrar una razón lógica para animar su vida, prefiere tambalearse por la casa familiar, cual parásito, sin hacer nada productivo porque él mismo se considera un inútil. Si anteriormente he dicho que este es el mejor retrato sobre la melancolía del que he sido testigo, lo es además de por el acierto de su director en el desarrollo de la trama, por la sobresaliente -y esto lo digo sin ánimo de exagerar- interpretación de Casey: el mejor desgraciado sumido en la tristeza que he visto en el cine. Liv Tyler (“Divina pero peligrosa“, 2001) no es moco de pavo en el plantel, pues su presencia no se debe a la obligada aparición de una chica en la vida del protagonista de cualquier película. Ella parece comprender qué es Jim, qué es su agobiante melancolía y a lo que se puede enfrentar si intenta lo más mínimo con él. Pude ser el antídoto, pero también la perdición. Tyler es el nexo de unión entre el personaje principal de la película y la comprensión de éste por parte del espectador. El resto del reparto cumple con creces el trámite de sus papeles y por ello, la película rezuma realismo.

El compositor estadounidense de Minneapolis, Evan Lurie, es el encargado de realizar una banda sonora que si bien es bastante acertada, un servidor llega a esta conclusión por lo imperceptible de sus compases durante el metraje. Y es que las partituras del que ya ha trabajado en más ocasiones con Buscemi y ha sido un habitual de Roberto Benigni, o son escasos, o no llaman la atención por que no buscan protagonismo en la trama, o sencillamente comprenden que la música de la melancolía es una partitura en blanco.

Su seguro regreso al pueblo con sed de venganza, alerta al “viejo Bill”, que ordena una especie de “toque de queda” en la ciudad, haciendo que se advierta a la gente de no salir a la calle por riesgo de una peligrosa tormenta. Todo queda desierto. Se cubren todos los accesos. La ciudad, sus policías y varios ciudadanos armados, esperan a Jimmy.

Ryan Kwanten (“Silencio desde el mal”, 2007) resuelve con gran corrección el trabajo del rol protagonista. La aparente ingenuidad que transmite su personaje y la contundencia con la que ejecuta las acciones del mismo son la garantía de una buena interpretación. También cabe destacar el papel de Steve Bisley, quien apareciera en 1979 como Jim Goose en “Mad Max: Salvajes de la autopista” y haya centrado la práctica totalidad de su carrera en películas y series dirigidas para la televisión. Su actuación contribuye a la creación de un personaje, el del “viejo Bill”, sólido, frío e imponente. Por otra parte, Tommy Lewis (“The chant of Jimmie Blacksmith”, 1978) adopta el rol del convicto fugado Jimmy Conway, con una moderada calidad, afectada por la exageración de los rasgos de su personaje. Y es que se sigue cometiendo el fatal error de llevar al límite las caracterizaciones de personajes enigmáticos o de oscuro pasado. Falla pues, Hughes, al caer en el error de esos cientos de cineastas que construyen a los malos de la película con los típicos estereotipos 'hollywoodienses': media cara quemada (como es el caso que nos ocupa), cojera, un ojo a la funerala, algún tipo de máscara... Deberían empezar a decantarse por figuras más normales para encarnar a los villanos. Con menos preocupaciones por el físico, y más por su inteligencia. Por último en lo que respecta a las interpretaciones, mencionar también que se agradecen las breves pero bien aprovechadas escenas de Kevin Harrington (“La luna en directo (The Dish)”, 2000).

Uno de los activos de esta película es un apartado musical excelente, dirigido por Dmitri Golovko. Sus partituras son estupendas, e incluso van ganando fuerza a medida que van avanzando los minutos en la cinta. La fotografía, de Tim Hudson, es espectacular, especialmente en las escenas diurnas. Deja para la retina unas postales preciosas, que comparten la aridez más absoluta con la frondosidad de sus paisajes más relajante y envolvente.

Con todo, destacar el meritorio debut de Patrick Hughes con su primer largometraje, con pequeños errores que podemos asumir por el carácter novel de la obra, que no deja de aportar un gran nivel de disfrute dentro de sus cortísimos (a mí al menos me lo han parecido) 95 minutos de duración. Una grata sorpresa.

Las interpretaciones están cubiertas notablemente por el siempre magnífico George C. Scott (“Patton”, 1970) y un rotundo Stacey Keach (“Mike Hammer, detective privado”, 1997). Ambos copan el interés y protagonizan las escenas más gratificantes de la cinta. El resto del reparto cumple con sus papeles, pero no resulta necesario reseñar sus apariciones por la absoluta normalidad de las mismas. El compositor Quincy Jones (“El color púrpura”, 1985) acompaña alegremente con sus compases las entretenidas patrullas nocturnas de los agentes californianos, con piezas de ritmo atrevido e intrigante que acaban rindiéndose a un mayor protagonismo de partituras más convencionales e inmediatamente olvidables.

El apartado interpretativo es extraordinario. El papel desarrollado por Blas Jaramillo como el padre Ernesto convence con holgura desde un tono apagado y casi silencioso. Seis meses después del estreno de la película, ese Dios al que rezaba con no poco escepticismo su personaje, se lo llevaría al cielo por culpa de una pancreatitis y una peritonitis, a los 39 años de edad. Prosiguiendo con el análisis de los papeles más destacados, comentar también el de Marcela Mar, quien transmite en ocasiones una ternura casi infantil a pesar de la infinita sensualidad de su personaje, y que sufre consiguiendo que aquellos que la vemos, también suframos. Su sonrisa es contagiosa. Sus lágrimas penetran los corazones. Borda su interpretación y se convierte en una garantía del reparto. Y llegamos a Damián Alcázar. Qué decir del mexicano. Con una mirada, cruza la pantalla. Y cuando habla, logra una inmediata atención sobre sus palabras, pronunciadas con una seguridad y una contundencia que aclara que este señor es de aquellos que no actúa: sus personajes se apoderan de él. Es otro papel sobresaliente que suma a su intensa carrera. Afortunadamente, son muchos y muy importantes los momentos que le corresponden, al posarse sobre él el poder de un argumento (aunque el director conceda también mucha dedicación a las otras historias) que no olvidemos, está basado en hechos reales, aunque el nombre de la auténtica persona en la que se inspira el guión, Campo Elías Delgado, se haya cambiado por el de Eliseo.

Aunque los actos que protagoniza este sean totalmente deleznables y hasta provoquen el vómito, sin duda plantea cuestiones sobre la moralidad, el egoísmo y la hipocresía diaria de las personas, todas aquellas que no se preocupan por el resto y que sólo miran por sí mismas, muchas veces a través del cristal del materialismo o la ambición de poder. Ese hermetismo humano (caracterizado por tomarse demasiado a pecho lo de “si te haces de miel, te comen las moscas” hasta convertirse en supuestas rocas que en el fondo lloran) al que por desgracia, cada día, todos nos vamos acostumbrando por parecer ésta la única salida para guiar nuestras vidas, con la vista puesta en evitar los problemas y las sorpresas desagradables. Una forma cobarde y codiciosa que ya no deja ver buenos en un mundo de malos, y que incluso crea monstruos, o mejor dicho diablos: hace subir del Infierno a Satanás, mezclándolo en nuestro día a día, para hacernos explotar en la cara toda la rabia contenida sobre nosotros.

La banda sonora no logra hacerse con el protagonismo de una película (aunque sí logra impregnar de calma el ambiente) que se vale para crear su fuerza de sus interpretaciones, momentos y excelente destreza para narrar su guión. No necesita elevar desde las notas musicales el poderío de sus aterradoras y memorables postales. Compuesta por Angelo Milli, la pieza más destacada resulta ser de uno de los arcángeles de la música de siempre: Schubert con su Piano Sonata en A mayor D 959.

El hermetismo con el que el periodista y el hombre detenido desarrollan la situación es el protagonista de una trama densa, veraz e inteligente que estudia los principios del protagonista, Manolo Bonilla, desde los ojos de los propios compañeros de éste y un honrado e incorruptible policía que investiga las muertes y desapariciones de los niños, mientras cerca al reportero: el capitán Bolívar Rojas, interpretado por el también director de cine, Camilo Luzuriaga. Sebastián Cordero (“Rabia“, 2009) construye un thriller muy bien montado, de gustosa narración y grandes interpretaciones. La de Damián Alcázar es sobresaliente y merecedora del mayor de los premios. El célebre actor mexicano está de diez, y da toda una lección de expresividad y buen uso de las palabras. John Leguizamo (“Where God left his shoes“, 2007) y Leonor Watling (“La habitación del niño“, 2006) consumen correctamente su función, completando sus papeles con una convincente seriedad y ciertos momentos que tocan lo notable. La aparición de Camilo Luzuriaga (director de “1809-1810, mientras llega el día“, 2004) es una grata sorpresa, que firma un personaje que a pesar de no gozar de un gran protagonismo, cumple con creces su faceta y aporta a la historia el grado de tensión necesario para que los protagonistas no campen a sus anchas sin estar bajo su atenta mirada. Es el bello incordio, la buena “mosca cojonera” de toda una serie de personajes que no tienen desperdicio.

Alfred Molina, quizá utilizado como reclamo en esta cinta, colabora con el plantel encarnando al presentador del show televisivo para el que trabaja el protagonista interpretado por Leguizamo. El compositor brasileño Antonio Pinto (“El señor de la guerra”, 2005) pone la música original de esta película, acompañada por temas de propia creación u otros como “Periódico de ayer” de Hector Lavoe, “Esta pena es mía” de Carlota Jaramillo, “Nuestro juramento” de Café Tacvba o “La hora lila” de Hugo Idrovo.

No se engañen. No es otra de esas películas en las que seremos testigos de un primer cuarto de hora tranquilo que prepara unos minutos posteriores de vértigo. Aquí desaparece ese metodismo, ese orden de “primero la calma, después lo terrorífico”. Es una montaña rusa que se procura sorprender y quitar la razón a los que piensan durante el visionado: “ahora va a pasar esto”. Hay thriller. Los sustos no se suceden gratuitamente y los momentos de terror han sido cuidadosamente adaptados para que vivamos unos momentos que se esmeran en que lo que estamos viendo, tenga un aspecto realista. Aunque su terror no agobie ni llegue a un nivel espeluznante, consigue hacer presencia como auténtico, mientras desborda intriga y hace que el espectador no pare de cuestionarse cosas. Las buenas interpretaciones de un convincente Javier Gutiérrez (“Las manos del pianista”, 2008) y una sublime Leonor Watling (“Lope”, 2010), así como las agradecidas apariciones del gran Sancho Gracia (“800 balas”, 2002) y el siempre formidable secundario Antonio Dechent , son el seguro de una buena producción, correcta y sin errores perceptibles que le podamos reprochar. Es un gran entretenimiento que se permite la inclusión de algunas buenas dosis de humor, una muy aceptable cinta de terror que sabe cambiar de ritmo continuamente sin cansar, ofreciendo un trabajo que sin llegar a ser notable, no deja de ser vibrante y de agradecido resultado.

Los compases de Roque Baños (“Los crímenes de Oxford”, 2008) ayudan a mantener el nivel de presión e inquietud que figuran en los momentos de mayor impresión de la cinta.

Las interpretaciones de los protagonistas, partícipes ambos de un excelente guión escrito por el propio director, resultan notables y dan lugar a la duda de cómo ambos actores han podido tener tan escaso recorrido en el cine. Mientras el hoy titulado en fisiología y miembro de varias publicaciones y entidades relacionadas con la salud, Jeremy Theobald, ha limitado sus apariciones a cortometrajes anteriores a “Following” y un capítulo de la emblemática serie británica “Policía de barrio” (2000), Alex Haw es hoy un arquitecto, profesor y escritor. Lucy Russell, quien da vida al tercer personaje más importante de esta película, realiza una correcta interpretación que le ha valido para disfrutar de más papeles dentro del cine, encabezando el reparto de, por ejemplo, el drama histórico “La inglesa y el duque” (2001).

El compositor David Julyan completa una lúcida y característica banda sonora, adecuada por su tono misterioso dentro de una artesanal historia llena de enigmas y marcada por un ritmo neutral, envuelto dentro de una atmósfera apagada, solitaria e incluso, triste. Los magníficos compases de Julyan le valieron la confianza de Nolan para llevárselo consigo en los sucesivos proyectos, “cortando el grifo” el director inglés a partir de “Batman Begins” (2006) (aunque un año más tarde sí podría componer las partituras de “El truco final”), decantándose el realizador por otros músicos más comerciales.

Quédense con el detalle del logotipo de Batman sobre la puerta de entrada de una de las casas. Era 1998 y Nolan ya se veía capaz de anticipar lo que siete años más tarde se convertiría en la mejor película de superhéroes creada hasta la fecha, seguida de una espectacular secuela que ya tiene en proceso de creación la compañera que cierre la trilogía del famoso hombre murciélago.

Uno de los fuertes de la película reside, además de en unos inteligentes giros de su trama y su distraído rendimiento, en la gran ambientación que concede el lúgubre bloque de pisos protagonista, emplazado en Esplugues de Llobregat (Barcelona), y la elaboración artística de sus interiores. La música, del conocido Roque Baños (“Alatriste”, 2006), añade tensión al argumento hasta convertirse casi en un elemento indispensable. Destaca, además, el tema de apertura y cierre de la cinta, “Hada”, de Carlos Ann.

El filme pertenece a una serie de seis largometrajes de terror para la televisión, llamada “Películas para no dormir”, coordinadas y supervisadas por el célebre Narciso Ibáñez Serrador -creador de la mítica serie “Historias para no dormir” (1965)- quien también dirige una de las entregas, junto a otros cineastas como Álex de la Iglesia (“La comunidad”, 2000) o Paco Plaza (“Romasanta”, 2004).

Es la Iglesia que el ruso Kiril Lakota (Anthony Quinn) pisa en esta película como arzobispo, una vez liberado del cautiverio al que fue sometido en su país por motivos políticos. Es el presidente de la entonces Unión Soviética, Piort Ilyich Kamenev (Laurence Olivier), quien en plena Guerra Fría da la orden de liberación del párroco, en un claro movimiento de ajedrecista político, con vistas a solucionar un previsible conflicto con China. Kiril Lakota es enviado a Roma, donde junto a su inseparable y polémico sacerdote David Telemond (Oskar Werner), es nombrado cardenal por el entonces Sumo Pontífice, por las buenas sensaciones y firme demostración de fe del ex preso político, quien durante la realización de trabajos forzados, aprovechaba el momento para predicar su mensaje entre sus compañeros. Es el destino, la vida, el mundo o Dios, quien pone a Lakota en el lugar indicado y en el momento idóneo, como si fuese un enviado, encontrándose tan humilde, admirable y sencillo predicador en mitad de un Cónclave que decide la elección de un nuevo Papa ante la inminente defunción del entonces Vicario de Cristo. Después de despedir la chimenea vaticana hasta siete veces humo negro, el blanco humeante aparece para anunciar “Habemus Papam”: Kiril Lakota es nombrado el primer Papa no italiano en siglos. Hecho que sería más curioso de no ser porque irónicamente, diez años más tarde, esta trama se convirtiese en realidad, siendo elegido Pontífice un polaco, el entrañable Karol Wojtyla, que adoptó el nombre de Juan Pablo II.

Anthony Quinn está fantástico en su sagrado rol, sorprendiendo el hecho de cómo un actor que ha dado vida a cientos de personajes toscos o de malos modales (fue el inolvidable Zampanò en “La Strada”, 1954, y revolucionó México en “¡Viva Zapata!, 1952) maneje con tanta naturalidad los hilos de un personaje inmensamente humilde, de voz templada y maneras apacibles, siempre prefiriendo escuchar a hablar. Dentro del reparto también destacan unos correctos Oskar Werner y Laurence Olivier, además de un buen Leo McKern -por encima de la media y creo que inmediatamente después de Quinn en esta cinta- y la anecdótica pero muy correcta aparición del gran Vittorio de Sica, dando vida aquí al Cardenal Rinaldi. Las narraciones que realiza David Janssen como el periodista George Faber para la TV, relatando los acontecimientos de la muerte y la elección de un nuevo Papa, contienen algunos de los momentos más brillantes del guión.

La música, de Alex North deja como herencia toda una serie de preciosas partituras de acentuado tono épico que acompañan, o llevan en volandas, una historia que me mantuvo pegado al asiento y sin parpadear durante sus dos horas y media de duración, que consiguen ver su poderío prolongado desde el primer al último minuto. Completamente atemporal, la reflexión realizada por el personaje de Quinn en el momento más brillante de la película es aleccionadora, memorable, y sigue siendo una demanda de muchos en el día de hoy.

El papel desarrollado por Michael J. Fox (“Corazones de hierro”, 1989) es magnífico por lo expresivo del mismo, transmitiendo desde su mirada y nerviosos movimientos la agitación que vive su personaje por los acontecimientos que va descubriendo. Christopher Lloyd (“Una pandilla de lunáticos”, 1989), bata blanca en ristre, comienza pareciendo demasiado sobreactuado por un exceso de histrionismo, pero al final la personalidad de su enloquecido personaje termina conquistando. Crispin Glover (“Rubin y Ed”, 1991) consigue caracterizar desde una correcta interpretación a George McFly, el padre de Marty, con la fuerza de la que desearía disponer su atemorizado personaje, del que quizá podamos sentir incluso pena por lo desgraciado del mismo. Mención también para Lea Thompson (“La fuerza del corazón”, 1998) como Lorraine Baines, madre del protagonista y uno de los pilares necesarios en esta historia.

Los compases del 'score' de Alan Silvestri (“Depredador”, 1987) se alternan con temas muy reconocidos de las dos épocas en las que transcurre la acción, habiéndome provocado el “Johnny B. Goode” de Chuck Berry, pero tocado aquí por el propio Michael J. Fox (quien hoy tiene que estar luchando contra la enfermedad del parkinson), un escalofrío tanto como por la calidad de la famosa pieza como por el momento y la forma de su aparición.

Con todo esto, una obra muy recomendable, considerada por muchos como de culto y memorable también por ser la primera de las tres películas que conforman la trilogía de “Regreso al futuro”. Una forma de descubrir que aún es pronto para rectificar o atrevernos a dar ese paso que no dimos por nuestra indecisión. Porque “si te lo propones, puedes conseguirlo todo”.

Tan de agradecer es la historia vivida por los citados personajes como las consiguientes interpretaciones de quienes los encarnan. Robert Downey Jr. ya había dejado sus pizcas de humor e ironía en las dos películas que dan vida al superhéroe “Ironman” (2008), además de en “Sherlock Holmes” (2009). La personalidad demostrada en las mencionadas producciones guarda una relación más que profunda con la desempeñada por el actor en “Due Date”, lo cual le hacía el ideal para desarrollar un trabajo de estas características, siendo su valoración en este epígrafe, de notable, por la fluidez y buen hacer de un papel interpretado por todo un experto con más de setenta apariciones en el cine. Zach Galifianakis (que ya vivió lo suyo en “Resacón en Las Vegas”), días después de protagonizar en televisión el “histórico” momento en el que alguien, por primera vez, se encendía un porro en ese ente, se trajo la marihuana restante para disfrutarla su personaje, a modo de medicamento por un supuesto glaucoma, en toda una serie de momentos que nos hacen creer que el susodicho, está realmente fumado. Lo hace bien, muy bien, y es desde luego su “amarihuanado” -y también, amariconado- personaje, el principal aliciente de esta comedia, pues sobre él recae el peso de la mayor parte de los “gags”.

Para hacernos más ameno este viaje, la banda sonora de la película reúne una nada despreciable selección musical en la que se dan cita rap, rock y country con temas como “Check yo self” de Ice Cube, “Sweet Jane” de Cowboy Junkies, "People are crazy" de Billy Currington y por supuesto, el “Hey You” del inimitable grupo Pink Floyd, que hace presencia en un alucinógeno pasaje de esta disparatada comedia que entretiene dentro de una aceptable previsibilidad y divierte con liviandad, pero también con eficacia.

Como ya he mencionado en las primeras líneas, uno de los fuertes de esta comedia, además del permanente divertimento que ofrece desde su carácter paródico y el buen gusto por el desarrollo de sus “gags” (unido todo eso por un montaje estupendo, muy en la línea Aronofsky en “Réquiem por un sueño”, 2000), es una perfecta compenetración entre sus actores protagonistas, Pegg y Frost. Esto, sumado al resto del reparto, bastante correcto en líneas generales y con más personajes que no tienen ningún desperdicio (vaya “fluidas” conversaciones entre ancianos), da como resultado un apartado interpretativo notable muy a la altura de una película que no descansa.: sus actos se suceden sin dar aliento al espectador, mientras que la diversión se perpetúa al ritmo trepidante de todas las acciones, cargadas algunas de adrenalina y compuestas otras de un laborioso tono irónico que deja tras de sí escenas muy gratas y algunas delirantes sorpresas. Un buen pack, todo en uno, en el que lo refinado e inteligente del humor inglés se estrecha la mano con la locura y la acción del americano.

Mención distinguida para la banda sonora, de David Arnold (compositor de hasta cinco películas de la saga de James Bond) que contiene -dentro de su buen conjunto- una pieza extraordinaria que goza de todo su esplendor en una gran escena que pone -a modo de western- el freno a la velocidad de su acción para anticipar más tropelías de su director, que da la sensación de poder haber seguido filmando otras dos horitas de metraje, con la misma energía que la demostrada en todos estos minutos.