Se puede afirmar con total seguridad que Javier Fesser es un fan confeso de los tebeos de "Mortadelo y Filemon", y desde hace muchos años ha estado empeñado en trasladar a la gran pantalla los estrafalarios personajes de Francisco Ibañez; de hecho, también se puede decir que el humor absurdo de Fesser comparte muchos lazos en común con el de la Editorial Bruguera, la cual Ibañez plasma sus entrañables tiras cómicas, sirva como ejemplo: sus primeros cortos, como "Aquel Ritmillo" (1995), o su opera prima "El milagro de P Tinto" (1998).

Primero lo intentó con "La gran aventura de Mortadelo y Filemón" (2003), que tras un esfuerzo titánico por adaptar sendos personajes de la viñeta a acción real, el resultado final contenía más luces que sombras, siendo uno de sus grandes aciertos los notables efectos especiales, que plasmaban con bastante fidelidad la estética del tebeo; sin embargo, tanto su guión como algunos personajes no estuvieron a la altura, convirtiéndola en una película fallida. Ahora, tras estar varios años trabajando hasta el más mínimo detalle, llega esta conversión a animación estereoscópica 3-D, en el que cabe decir que alberga lo mejor de los tebeos de Ibañez, con la imaginaria de Fesser, valiéndose de los aciertos que tuvo en 2003 con su adaptación de 'carne y hueso', y enmendando los muchos errores cometidos en el pasado, para realizar una adaptación mucho más fiel al espíritu original de las tiras cómicas.

Todo en ella funciona a las mil maravillas, como esa encadenación de divertidos gags constante, en el que entremezcla el clásico humor 'slapstick' (el golpe y porrazo típico del cine mudo), con el genial humor absurdo de Fesser; además, contiene un ritmo endiablado, y una factura técnica deslumbrante (a cargo de 'Ilion Animation Studios', responsables de la estupenda "Planet 51" [Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez, 2009]) a la altura de cualquier producción de Pixar o Dreamworks. Mención especial merece la larga secuencia inicial del sueño de Filemón, que parodia a los filmes de "Iron Man" y los de la saga del único agente secreto con licencia para matar, James Bond 007; también las continuas puyas a la condición política y social (genial el gag de "El gran Fulano"); y asimismo, las hilarantes apariciones del inconscientemente torpe Rompetechos, que te arrancan de forma irremediable más de una carcajada, aunque personalmente me hubiera gustado ver también a otros entrañables personajes del universo Bruguera, como "Pepe, Gotera y Otilio", el "Botones Sacarino" y a los del "13 Rue del Percebe".

En síntesis, "Mortadelo y Filemon contra Jimmy el Cachondo" es una película divertidísima, que a pesar de que no llega a ser la adaptación definitiva de los tebeos poco le ha faltado, ya que sin lugar a dudas, es posiblemente la única en más de cincuenta años que le ha hecho justicia, y eso es más que meritorio.

En el año 2012, en plena fiebre adolescente generada por el fenómeno de los vampiros 'estilizados' de la saga de "Crepúsculo", y demás imitaciones que, salvando las distancias, fueron apareciendo, tales como: "Soy el número cuatro" (D.J. Caruso, 2011) o "The Host" (Andrew Niccol, 2012); apareció la primera entrega de "Los juegos del hambre", sin hacer demasiado ruido, y bajo la falsa apariencia de ser una película más para jovencitos, se fue desmarcando a raíz de una segunda parte notable, que dejaba entrever que su premisa tenía una historia con más enjundia de la que habitualmente suelen tener este tipo de propuestas.

Los paralelismos con la clásica novela de George Orwell, "1984", son más que evidentes, como ese afán del estado de someter a un control asfixiante y a una propaganda alienante a la gente pobre (que vive en los distintos distritos que conforman la 'Panem'), suprimiendo todo derecho, condenándolos a una existencia poco más que miserable, y usando todos los medios disponibles para imponer su autoritaria ley.

A pesar de que en un principio pueda parecer innecesario el hecho de haber dividido este último capítulo en dos (claramente por exigencias de la productora, con el fin de doblar beneficios), a diferencia de, por ejemplo la saga de "El Hobbit" de Peter Jackson, en el que se ha estirado tanto las tramas que incluso llega a límites tediosos, aburriendo al más curtido, y dando la sensación de que te están sacando los 'cuartos' del bolsillo de forma descarada. Esta primera entrega del "Sinsajo" demuestra ser una parte esencial en la historia, profundizando bastante en las inquietudes y motivaciones de los personajes, y erigiéndose como una transición necesaria a su apoteósico broche final.

La estructura argumental cambia de forma evidente, tras el final de la segunda entrega cuando nuestra protagonista, Katniss Everdeen, acabó definitivamente con 'los juegos del hambre', marcando las directrices a seguir en la inminente guerra, preparando a su estandarte Katniss, y dándole los motivos necesarios para que lidere la revolución de los distritos. La actriz Jennifer Lawrence ofrece una interpretación convincente, demostrando su gran estado de forma y como una de las sensaciones del Hollywood actual; además, el elenco de secundarios es muy bueno que le dan empaque al filme, compuesto por actores del talante de Julianne Moore, Stanley Tucci, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Donald Sutherland, Jeffrey Wright, o el malogrado Phillip Seymour Hoffman, siendo ésta posiblemente su última película.

En resumidas cuentas, esta primera parte del "Sinsajo" es una película muy interesante, realizada de forma inteligente por su director Francis Lawrence (responsable de "Soy Leyenda"), con una factura técnica notable, y con una premisa que sirve de enlace perfecto a su esperado capítulo final.

El director cántabro Nacho Vigalondo, tras haber sido nominado hace unos años a los premios Oscar con su cortometraje "7:35 de la mañana", y a los Goya con su gran opera prima "Los Cronocrímenes", firma esta experimental cinta de suspense, titulada "Open Windows", siendo su tercera incursión detrás de las cámaras.

Vigalondo se apoya en las nuevas tecnologías, para conformar un fibroso entramado de intriga, con una premisa inicial que contiene muchos lazos en común con el clásico de Alfred Hitchcock, "La ventana indiscreta", aunque cambiando obviamente las formas; en otras palabras, es como una versión de ésta pero 2.0, es decir, a través de un ordenador y las redes sociales... hecho que la hace ser una propuesta original y arriesgada, dándole una vuelta de tuerca al clásico en su forma visual, pero manteniendo el espíritu 'voyeur' del clásico de Hitchcock.

Aparte de su impresionante puesta en escena, y un montaje notable, destaca el dúo protagonista, con un Elijah Wood en un rol que recuerda mucho al que realizó en "Grand Piano", y del que cabe decir que, a pesar de haber protagonizado una de las sagas más rentables del cine (la trilogía de "El Señor de los Anillos), está escogiendo papeles bastante arriesgados como este, o por ejemplo el del estiloso remake de "Maniac"; asimismo podemos destacar a la ex-actriz porno Sasha Grey, que a raíz de protagonizar hace diez años la película de Steven Soderbergh, "The Girlfriend Experience", viene desarrollando su carrera como actriz convencional con más o menos acierto, y un buen ejemplo de ello es su correcta actuación, dotando al personaje con las dosis necesarias de pánico y morbosidad.

Por contra cabe decir que va perdiendo fuelle a medida que avanza, habiendo algunos giros argumentales en su tramo final inverosímiles, y que desembocan en un final tramposo, que merma un poco el resultado final; además, esa novedosa factura técnica puede echar a más de uno hacia atrás, ya que toda la acción la vemos a través de la pantalla del ordenador del protagonista, y las sucesivas ventanas que se van abriendo (de ahí su nombre).

En conclusión, pese a sus altibajos, "Open Windows" es una película muy entretenida, con un planteamiento interesante, en el que Nacho Vigalondo demuestra estar capacitado y tener los recursos necesarios para construir una pieza de suspense de alto octanaje... aunque como los diamantes en bruto, aun le quedan algunas cosas por pulir.

La primera entrega de "Dos tontos muy tontos", que se estrenó hace veinte años, supuso el debut en la dirección de Bobby y Peter Farrelly, especialista de la comedia absurda, o como se llama coloquialmente: 'de sal gorda'; que cuentan con algunas de ellas consideradas de las más destacadas del género, como "Algo pasa con Mary" (1998), "Vaya par de idiotas" (1996) que posiblemente sea su mejor filme hasta la fecha, o su debut antes citado, que consagró a su actor protagonista, Jim Carrey.

En esta tardía secuela, los hermanos Farrelly se apoyan en la nostalgia de la primera entrega, en la que Jim Carrey y Jeff Daniels a pesar de haber pasado la friolera de veinte años, conservan intacta esa compenetración mutua que atesoraban tan bien en la primera, bordando el papel de mentecato; aunque huelga decir que hay algunos gags que funcionan mejor que otros (como esa descacharrante parodia a la genial serie de Vince Gilligan, "Breaking Bad"), y habiendo también otros tantos que están demasiado pasado de vueltas, como los de perfil escatológico que personalmente no me acaban de gustar.

Uno de sus grandes aciertos reside en la interpretación secundaria de Kathleen Turner, que al igual como hizo en las series de "Californication" (haciendo de la ninfómana jefa de Charlie Runkle), o en "Friends" (haciendo del padre de Chandler), y también teniendo en cuenta que en los años ochenta era toda una 'sex symbol' del cine de Hollywood, en "Dos tontos todavía más tontos" se autoparodia, como si de alguna manera hubiera fusionado ambos roles, siendo posiblemente el personaje más divertido, y realizando uno de los mejores gags del filme. Mención especial merece que Laurie Holden y Jim Carrey compartieron protagonismo hace unos cuantos años en la notable película de Frank Darabount, titulada "The Majestic", en una de las escasas interpretaciones "serias" del cómico estadounidense; y además, cabe reseñar también que tras los títulos de crédito, hay una última escena que tiene su gracia, del mismo modo que en la primera entrega.

Por contra cabe decir que el guión es bastante flojo, aunque en este tipo de propuestas suele estar siempre relegado a un segundo plano; también se nota la falta de frescura, pero es algo normal teniendo en cuenta que la primera entrega es una de las comedias más aclamadas y divertidas de los últimos tiempos; y su excesiva duración, alcanzando casi las dos horas, sobrándole al menos veinte minutos que hubieran agilizado el ritmo y mejorado considerablemente el resultado final del filme.

En conclusión, a pesar de sus fallos, "Dos tontos todavía más tontos" contiene los suficientes chistes graciosos que la hacen bastante entretenida, ideal para desconectar totalmente de las rutinas cotidianas.

Se podría afirmar que "Caminando entre las tumbas" es la enésima incursión en la acción pura y dura del actor nord-irlandés Liam Neeson, del que huelga decir que interpretó a Oskar Schindler en la obra maestra de Steven Spielberg "La lista de Schindler", y siendo un actor que rebasa los sesenta años, se podría decir con total seguridad que ha sido capaz de adaptarse y seguir trabajando, ya que en Hollywood cuando llegas a ciertas edades suelen dejarte en un segundo plano, o directamente en el más absoluto de los olvidos.

Neeson se vale de su enorme carisma y recursos interpretativos para elevar una película más o menos decente, como por ejemplo "Venganza" o "Sin identidad"; no obstante, en el caso de esta que nos concierne, titulada "Caminando entre las tumbas", se podría decir que, aparte del carisma de Neeson, destaca el estilo que rezuma su director, Scott Frank, que a pesar de ser un segunda incursión en la dirección, demuestra ser conocedor del género tras filmar este 'pulp' de forma inteligente.

La película nos cuenta la historia de Matt Scudder, un ex-policía de Nueva York que trabaja como detective privado a pesar de que no tiene licencia. Cuando accede a regañadientes a ayudar a un traficante de heroína a cazar a los hombres que secuestraron y asesinaron brutalmente a su esposa, descubre que no es la primera vez que esos hombres han cometido este tipo de crímenes. Entonces decide recorrer las calles de Nueva York para detener a los asesinos antes de que vuelvan a matar.

El arranque es realmente notable, en una secuencia que recuerda a cintas clásicas policíacas setenteras como "Harry, el sucio" o "French Connection". Tras ese demoledor principio, la premisa va desarrollándose a fuego lento, evocando los genuinos films noir de los años cuarenta, pero sin la típica 'femme fatale', dosificando muy bien las escenas de acción, y manteniendo el suspense hasta el final.

En definitiva, "Caminando entre las tumbas" es la misma historia de siempre, pero muy bien contada y con estilo, que se vale de la enorme pesonalidad que le imprime un actor del calado de Neeson, que la hace elevarse del resto de incursiones en las que el actor nord-irlandés suele realizar últimamente.

A lo largo de la historia del séptimo arte, han habido ciertos grandes directores, los cuales cada nueva película que estrenaban se convertía en todo un acontecimiento, levantando mucha expectación, sirvan como ejemplo Alfred Hitchcock, o Stanley Kubrick... Se podría afirmar que el británico Christopher Nolan pertenece también a ese reducido grupo de cineastas, con una filmografía que le precede, ya que huelga decir que es responsable de elevar casi a la obra maestra al superhéroe de la DC "Batman", con su trilogía de "El caballero oscuro", y también de cintas tan complejas como "Memento" u "Origen", entre otras. Ahora se enmarca en la ciencia ficción ampulosa con su nueva película, "Interstellar", que 'bebe' directamente de clásicos del género, tales como "2001, Una odisea en el espacio" (Stanley Kubrick, 1968) y "Contact" (Robert Zemeckis, 1997), pero poseyendo su sello indiscutible presente en todo su cine.

En "Interestellar" se nos muestra un futuro planeta Tierra en decadencia, en el cual las tormentas de polvo arrasan con los cultivos y hacen enfermar a las personas, (que pensándolo bien y detenidamente, es una distopía más que probable). Un grupo de astronautas, a través de una misión secreta, se introducen en un agujero espacio-temporal recién descubierto con el fin de encontrar un planeta potencialmente habitable, como alternativa al nuestro.

Nolan, nos describe con excelente precisión (a través de su excelente y muy bien trabajado guión, firmado por su hijo y él mismo) una historia donde se dan cabida la compleja teoría de la relatividad (poco explotada en el cine), la empírica ley de Murphy, y varias hipótesis (por ahora sólo consistentes sobre el papel) para llevar a cabo un filme de ciencia y ficción, (sutil y grandilocuente a partes iguales) haciendo que todo confluya en un impresionante clímax final, (que a diferencia del confuso y abierto final de "2001" de Kubrick), Nolan lo utiliza para cerrar el círculo de la premisa inicial y de paso proclamar que no hay mayor deidad que la propia humanidad. También destaca la trama familiar padre-hija (presente también en "Contact"), que no tendría entidad de no ser por lo que la rodea: fantasmales anomalías gravitatorias, ingenio científico frente al conformismo de una humanidad destinada a desaparecer, sacrificio individual en favor de la supervivencia de la especie, la lucha entre los ideales personales y la naturaleza humana, además del sometimiento de las personas antes las inexorables leyes del universo al que pertenecemos; en resumidas cuentas, un guión que es consistente en todas sus tramas.

La factura técnica es realmente impresionante, con una excelsa fotografía que resalta la belleza de sus imágenes, tanto en la Tierra, como en el universo, los mundos alternativos, y esa desbordante e imaginativa quinta dimensión; todo ello amenizado con una magna banda sonora, que potencia aun más si cabe lo visto en la pantalla. Asimismo es necesario indicar que, pese a su larga duración, el ritmo no decae en ningún momento, haciendo que el espectador mantenga el interés.

El trabajo de los interpretes es notable, con un Matthew McConaughey que sigue en estado de gracia, una formidable (como siempre) Jessica Chastain, los veteranos John Lithgow y Michael Caine que aportan tablas y buen oficio, al igual que Anne Hathaway, Casey Affleck, Wes Bentley, Topher Grace, y Matt Damon que le dan empaque al filme.

En síntesis, "Interestellar" se erige como una muy recomendable, emocionante, interesante, rigurosa, hermosa, maravillosa, poética, onírica y reflexiva obra maestra de la ciencia ficción, que trasciende a los anales del celuloide como uno de los exponentes del género, al lado de las grandes obras citadas anteriormente (y de las que 'bebe'), y dando fe a una corazonada personal mía, la cual reza que si Stanley Kubrick viviera actualmente, sin lugar a dudas, realizaría una película con esta entidad y calado.

A lo largo de la historia del celuloide, se han realizado muchísimas adaptaciones de la novela escrita por Bram Stoker, "Drácula", que convirtió a su protagonista en el vampiro más famoso. Desde la primeriza, muda, y con distinto nombre (debido a que no pudieron conseguir los derechos del libro), titulada "Nosferatu", pasando por el inolvidable clásico de Tod Browning y Bela Lugosi, las diversas adaptaciones de la factoría Hammer con un genial Christopher Lee a la cabeza, hasta la impresionante adaptación a cargo de Francis Ford Coppola, de la que huelga decir que posiblemente sea la mejor hasta la fecha.

Ahora nos llega la enésima versión, con la 'muletilla' de "la leyenda jamás contada", que se centra en la figura de Vlad Tepes (más conocido como el 'Empalador'), narrando su trágica vida, los dilemas que tuvo que afrontar y cómo se convirtió finalmente en un vampiro. Stoker se inspiró en la vida de Vlad III, príncipe de Valaquia (en la actualidad es el sur de Rumania), que fue considerado un héroe en su momento por cómo defendió a su pueblo del expansionismo otomano, famoso por su manera de castigar a los enemigos y traidores, llevando a cabo prácticas bastante sádicas como la desmembración y el empalamiento.

El director Gary Shore (que debuta tras las cámaras), nos presenta a un príncipe con conciencia y humanidad, a pesar de sus métodos en el campo de batalla. Se podría decir que Shore se vale del famoso refrán que dice "en el amor y en la guerra todo vale" para, de alguna manera, 'justificar' las razones por las cuales el príncipe vende su alma al diablo, otorgándole grandes poderes que le ofrecen la capacidad necesaria para defender a los suyos, pero pagando un alto precio por ello. Quizás sea lo más destacado de este filme, un buen planteamiento de la premisa, aunque luego se vaya diluyendo entre los efectos especiales, en el que por momentos esté más cerca de un superhéroe de la DC (llámese 'Batman', el caballero oscuro); además de Luke Evans (visto en la trilogía de "El Hobbit" de Peter Jackson), que es el encargado de meterse en la piel de Drácula, y a decir verdad construye bastante bien el personaje.

En definitiva, esta nueva incursión en el mito de Drácula, funciona a modo de precuela, conformando una historia que en lineas generales entretiene, con unos guiños al clásico de Coppola, y un interesante y sorpresivo final.

El trabajo en la dirección David Fincher es sinónimo de calidad, talento, y una cualidad innata en la puesta en escena. De hecho, es responsable de una de las películas más impactantes de la historia del celuloide, que no es otra que el clásico policíaco "Seven", bastante influyente en el género que ha dado pie a multitud de imitaciones tanto en el cine como en las series televisivas. Además ha realizado grandes obras como "El club de la lucha", "Zodiac", o "La red social". Tras su periplo por la excelente serie "House of Cards", vuelve a la gran pantalla con "Perdida".

La historia se centra en Nick Dunne, que el día de su quinto aniversario de boda informa que su esposa Amy ha desaparecido misteriosamente. Pero pronto la presión policial y mediática hace que el retrato de felicidad doméstica que ofrece Nick empiece a tambalearse. Además, su extraña conducta lo convierte en sospechoso, y todo el mundo comienza a preguntase si Nick mató a su esposa...

"Perdida" cuenta con un guión sólido y muy bien hilvanado, escrito por el propio autor de la novela, Gillian Flynn, el cual su primera hora es realmente impresionante, en el que Fincher demuestra todo su talento a la hora de plantear la historia; sin embargo, no solo es magnífica la estructuración del suspense, sino que al mismo tiempo, realiza un escalofriante retrato de como los medios de comunicación manipulan la información a su antojo para crear la noticia, y en algunas ocasiones, buscar esa morbosidad, que en estos tiempos que corren, con internet y las redes sociales en rabiosa actualidad, toda la información se convierte automáticamente en viral, escampándose en cuestión de minutos.

Fincher se toma su tiempo, desgranando a fuego lento los mecanismos de la trama; no obstante, en el último tercio del filme le pasa factura, ya que hay un giro de guión un tanto forzado, que hace precipitar un final abrupto; es decir, es como si Fincher no hubiera podido controlar los tiempos adecuadamente, faltándole para desarrollar mejor esa parte. Quizás se deba a que el director se entretiene un poco en el nudo de la historia, explayándose demasiado en cierta subtrama que a decir verdad no es tan importante en el grosso argumental, y la cual debería haber recortado en sala de montaje.

Los intérpretes están realmente muy bien, y posiblemente sea lo más destacado del filme, con Ben Affleck a la cabeza, metiéndose en la piel del marido y principal sospechoso de la desaparecida, que le toca lidiar con la muchedumbre, policía, medios de comunicación, familia, amigos, etc...; aunque la palma se la lleva de calle Rosamund Pike, que huelga decir que está realmente descomunal, con una actuación de la desaparecida que sorprende, en el que por momentos hace que se te pongan los pelos como escarpias, y posiblemente sea de las más destacadas de este año 2014.

En definitiva, "Perdida" es otra muestra más del buen oficio de Fincher tras las cámaras, que funciona como un filme neo-noir con influencias Hitchcocknianas, y con un planteamiento del suspense magnífico, a pesar de que se diluya en su desarrollo hasta su precipitado final.

Cuando uno se para a pensar en la saga Torrente y "arrejuntar" unas palabras sobre ella, lo primero que viene a la mente es que posiblemente sea el personaje más guarro del cine español; sin embargo, también se puede decir que es una de las sagas más rentables de nuestro cine, ya que guste o no, su creador Santiago Segura ha sido capaz de encontrar la "tecla" para que un personaje de esta índole tenga tanto éxito. Puede que toda esa popularidad se deba a que Segura, bajo toda la parafernalia típica que arrastra el personaje, realice una crítica a la sociedad española, de hecho, el personaje de José Luis Torrente está inspirado en una persona real que surgió durante un almuerzo del propio Segura en un restaurante chino, donde vio a un cliente que se mostró de forma grosera con la camarera, haciendo que los familiares que almorzaban con él se sintieran avergonzados.

Esta quinta entrega, subtitulada "Operación Eurovegas", se sitúa en el año 2018, en la cual Torrente sale de la cárcel, y se encuentra aturdido ante una España convulsa y dividida. Intentando encontrar respuestas en su interior para despejar su confusión, decide convertirse en un "fuera de la ley", y se propone atracar un casino con una banda de incompetentes, junto con John Marshall, la persona que se ocupó de supervisar la seguridad cuando se planificó el principal casino-hotel de Eurovegas.

Esa ambientación en un futuro alternativo no muy lejano, sirve como pretexto para que Santiago Segura atice tanto a la situación política como social española actual, tales como: la independencia de Cataluña, la investidura del rey Felipe VI, la crisis del euro, la candidatura olímpica de Madrid 2016 o el aeropuerto de Castellón, entre otros muchos; que a pesar de la naturaleza propia del personaje de Torrente, de alguna manera le aporta credibilidad a la historia; es decir, que el mundo distópico planteado por Segura no se aleja en demasía de la realidad.

Como viene siendo habitual en la saga, el desfile de famosos cameos es bastante amplio, empezando con el propio equipo que contrata José Luís Torrente para llevar a cabo su plan; como el torero Jesulín de Ubrique que sorprende (para bien) con su personaje; el rescate del popular humorista Fernando Esteso, que se hizo famoso con las películas de corte erótico-humorístico junto a Andrés Pajares; Julián López y Carlos Areces (con un personaje desternillante), ambos conocidos por formar parte del programa televisivo de humor surrealista "Muchachada Nui"; o algunos como la cantante Angy Fernández, la presentadora de televisión Anna Simón o el humorista Josema Yuste (Martes y 13) que fueron "compañeros" de Segura en el programa televisivo de Antena 3 "Tu cara me suena", incrementando la cota de "amiguetes" del director.

Los sendos homenajes y guiños que realiza a "Ocean's Eleven" (Steven Soderbergh, 2001) como a "La cuadrilla de los once" (Lewis Milestone, 1960) son más que evidentes, debido a que su premisa argumental es prácticamente la misma; y a pesar del humor escatológico que conlleva un personaje tan soez como Torrente, gran parte de los gags del filme están relacionados con el propio desarrollo del atraco, siendo bastante divertidos e ingeniosos, conteniendo reminiscencias también a las comedias realizadas en la década de 1960 de José María Forqué, Pedro Masó y Luís García Berlanga.

En definitiva, esta quinta parte de Torrente revitaliza con creces una saga que estaba prácticamente agotada, ofreciendo la mejor entrega de todas junto con la primera, siendo muy divertida y chispeante, con una factura técnica notable, y además con su toque glamuroso aportado por el galán estadounidense Alec Baldwin, capaz de trabajar a las órdenes de grandes directores como Woody Allen, Martin Scorsese o Tim Burton, como de embarcarse en un proyecto como éste, más distendido y extravagante.

Se puede afirmar con total seguridad que este año 2014 está siendo verdaderamente bastante satisfactorio para el cine español, ya que se han estrenado grandes películas; tales como "Carmina y amén", la brillante secuela de la exitosa opera prima de Paco León; la divertida comedia "Ocho apellidos vascos", de Emilio Martínez Lázaro; además de "El Niño", el vertiginoso thriller sobre el narcotráfico en el Estrecho de Gibraltar de Daniel Monzón; sin descuidar el regreso del soez policía Torrente con su "Operación Eurovegas"; entre otras... sin embargo, por encima de todas ellas destaca la película que nos concierne, "La isla mínima", un potente thriller policíaco que, no solo es el mejor estreno del año, sino que se erige como uno de los mejores largometrajes realizados en la historia del cine de nuestro país.

La trama se centra en dos policías que son expedientados, y enviados, a un remoto pueblo de las marismas del Guadalquivir a investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. Tras encontrarlas brutalmente asesinadas, los dos policías de ideologías opuestas, tienen que lidiar con una comunidad anclada en el pasado, y encontrar al despiadado asesino.

Su director Alberto Rodríguez, responsable de la solvente "Grupo 7", demuestra poseer una sobriedad y un talento increíble, sabiendo manejar los tiempos en todo momento... manteniendo el suspense hasta el final, e hilvanando de maravilla una tremenda historia que pone los pelos como escarpias. Destaca también con creces la ambientación cuidada al detalle, en la cual posiblemente más de uno haya encontrado similitudes con la soberbia serie de Nic Pizzolatto y Cary Joji Fukunaga: "True Detective", no obstante, huelga decir que "La isla mínima" ya estaba rodada cuando se emitió la serie. Aunque tal comparación puede que sirva como pretexto halagador de un trabajo bien realizado, ya que como decía anteriormente, la ambientación es magnífica, que te transporta a los primeros años de la transición española, en la cual los habitantes de los pequeños pueblos y aldeas estaban hartos de formar parte de esa "España profunda", de la etiqueta que los tildaba de paletos, y con la necesidad imperiosa de huir a las grandes urbes para tener una oportunidad en la vida; en otras palabras, de progresar, dejar atrás el tedioso pasado. De ello, Alberto Rodríguez, junto con Rafael Cobos, se sirven para darle al villano de la función la motivación perfecta para saciar sus más bajos instintos.

Aparte de la ambientación, hay que reivindicar la excelente fotografía, a cargo de Alex Catalán, con esos planos picados a vista de halcón realmente impresionantes; de igual modo podríamos considerar el notable trabajo de edición de sonido, que al contrario de "Grupo 7", en el cual no se entendía prácticamente nada de los diálogos, en esta ocasión, el sonido es nítido y muy bueno... chapeau!

Las interpretaciones son notables, tanto de Raúl Arévalo como inspector de policía, al igual que Nerea Barros y Antonio de la Torre que dan vida a los padres de las víctimas... pero sobretodo, cabe destacar la soberbia interpretación de Javier Gutiérrez, un actor que está verdaderamente desconocido, realizando una actuación distinta a lo que habitualmente nos suele ofrecer, tanto en serie de televisión como en largometrajes varios... sin lugar a dudas, la mejor que ha ofrecido en su carrera.

En definitiva, "La isla mínima" es una obra maestra absoluta, dirigida brillantemente por Alberto Rodríguez, que realiza un entramado sutil y muy inteligente, y al mismo tiempo, hace un retrato a los primeros años de la transición española... un filme imprescindible que transciende a los anales de nuestro cine patrio como unos de los mejores ejercicios de estilo en su género.

A principios de la década de los noventa, el director estadounidense Richard Linklater escribió y dirigió la película "Danzed and Confused", que narraba el último día de clases de un grupo de alumnos de secundaria en 1976. Con ello, pretendía realizar un fiel retrato del sentimiento de los jóvenes de la época, en la que se podía ver el libre consumo de drogas y la falta de guía que desemboca en que cada quién tiene y practica sus valores de manera independiente; algo similar a lo que hizo George Lucas con su filme "American Graffity". Por consiguiente, cogiendo tal referente se podría decir que Linklater se ha superado a si mismo con la película que nos concierne, "Boyhood (Momentos de una vida), ya que en ella relata el devenir de un chico y su familia a lo largo de poco más de una década, mostrando como van cambiando sus sentimientos e inquietudes, y al mismo tiempo, como evoluciona la sociedad. Linklater incide y reflexiona sobre la vida, planteando y respondiendo de forma sutil e inteligente cuestiones al respecto, potenciadas con lo expuesto en el transcurso del metraje.

Para llevarla a cabo, Linklater contrató al entonces niño de 7 años Ellar Coltrane para meterlo en el centro de la historia; además de su amigo y actor fetiche Ethan Hawke, Patricia Arquette, y su propia hija, Lorelei Linklater. Lo verdaderamente increíble de "Boyhood" es la convicción que ha mostrado su director a lo largo de 12 años para sobrellevar un proyecto de esta envergadura, manteniendo enchufados tanto al elenco actoral como al equipo técnico en ese largo periodo de tiempo, y una vez terminado todo, comprobar que el resultado final es más que satisfactorio... sin lugar a dudas, una labor muy meritoria y encomiable que evidencia la certera visión del director.

Al estar rodada en ese largo periodo de tiempo, huelga decir que la evolución "natural" de los personajes es impresionante; sin embargo, aparte de eso, se puede destacar la excelente banda sonora, repleta de canciones country, rock y pop, debido a que están muy bien integradas en el contexto de la historia.

En conclusión, "Boyhood" es una obra maestra, un verdadero ejercicio de estilo realizado por su director, Richard Linklater, que ha demostrado entereza, fe, y una visión insólita; a pesar de que su argumento sea muy sencillo, el cual se puede resumir en una frase... pero en este caso, no es lo que cuenta, sino como lo cuenta.

Muy Recomendable.

Basada en una de las novelas más recientes del novelista británico especializado en relatos de suspense y espionaje, John Le Carré, y con una de las últimas interpretaciones del malogrado gran actor Phillip Semour Hoffman, se presenta el filme "El hombre más buscado".

La trama se centra en un joven ruso, sin papeles, que consigue llegar a Hamburgo llevando encima una extraordinaria cantidad de dinero, declarándose musulmán devoto y con signos de haber sido torturado. Por otro lado, los espías de tres naciones, dedicados a la lucha antiterrorista, están convencidos de que han localizado a un importante terrorista islamista. Una abogada idealista, defensora de los derechos humanos, y un poderoso banquero son los únicos que conocen la verdadera identidad del joven.

El director holandés Anton Corbijn, curtido en el mundo de los videoclips musicales, le imprime una atmósfera sombría realmente espléndida, con reminiscencias al mejor cine de espías realizado en la década de los setenta; asimismo, demuestra cierto rigor narrativo disponiendo de un buen entramado, en el que todas las piezas encajan perfectamente; aunque huelga decir que en algunos momentos, el desarrollo pierda ritmo... pero sin desmerecer el resultado final del filme, que es notable.

Aparte de la solidez argumental y ambiental, destaca el gran trabajo del elenco actoral, encabezado por el impresionante Phillip Seymour Hoffman que se mete en la piel del astuto espía Günther Bachmann. Willem Dafoe, Rachel McAdams y Robin Wright (en un rol parecido al que realiza en la serie "House of Cards") también están formidables, dándole empaque a la película.

En conclusión, "El hombre más buscado" es un brillante thriller de espías, con una premisa que incide en la desconfianza hacia el Oriente Medio tras el 11-S y que mantiene el suspense hasta su estupendo final; y que además, cuenta con un deslumbrante Seymour Hoffman que demuestra todo el talento que atesoraba, y dejando patente la gran pérdida que ha supuesto para el mundo cinematográfico.

Tras unos inicios titubeantes, en 2009, el director Daniel Monzón se asentó en el cine de nuestro país con “Celda 211”, una de las películas carcelarias más impresionantes, ya no solo hecha en España, sino de la historia del séptimo arte.

En la película que nos concierne, "El Niño", de igual modo que Paul Greengrass en la saga "Bourne", Monzón plantea un inicio que te deja expectante, con un dominio del suspense y la acción insólita para el cine español. A partir del magnífico comienzo, la trama se divide en dos partes bien diferenciadas que se van desgranando de forma gradual y paralela: la primera se centra en las andanzas dos jóvenes, el Compi y el Niño, que quieren introducirse en el mundo del narcotráfico en el Estrecho de Gibraltar; y la segunda nos relata cómo dos agentes de policía antidroga, José y Maria, le siguen la pista a un importante narcotraficante apodado "El Inglés".

A nivel interpretativo: Luis Tosar, Eduard Fernández y Sergi López le dan empaque al filme; sin embargo, huelga decir que Tosar está un "escalón" por debajo de la arrebatadora interpretación de "Malamadre", que realizó en la cinta "Celda 211". Por otra parte, es necesario reseñar que el debutante Jesús Castro está francamente bien; no obstante, dista mucho del nivel que atesoraba Paul Newman (evidentemente, las comparaciones son odiosas). Por contra, cabría decir que Bárbara Lennie me ha parecido la actuación más floja de la película; aunque no deslustra para nada el resultado final, que es notable.

Daniel Monzón deja patente que el éxito de "Celda 211" no fue casualidad, confirmándose como uno de los mejores directores del panorama actual del cine español, realizando filmes arriesgados e interesantes, en el que sin lugar a dudas, arrojan una bocanada de aire fresco que se agradece (y mucho), resquebrajando el hastiado estancamiento que por desgracia sufre el cine de nuestro país.

En síntesis, "El Niño" se erige como un potente thriller, al más puro estilo de clásicos setenteros, tales como: "French Connection" (William Friedkin, 1971), "La Huida" (Sam Peckinpah, 1972) o "Harry el Sucio" (Don Siegel, 1971), por citar algunos; incluyendo unas persecuciones acojonantes (como aquella entre una lancha acuática y el helicóptero que pasará a los anales del cine español), y con una trama sugestiva y muy inteligente.

La premisa de "Lucy" se basa en la hipótesis que dice que el ser humano sólo usa un reducido porcentaje de su cerebro, un 10%. La ciencia especulativa lleva siglos imaginando lo que pasaría si se consiguiera superar ese límite. ¿De qué seríamos capaces si usásemos todo el cerebro? Si cada una de las ochenta y seis mil millones de neuronas que componen el cerebro humano funcionasen a la vez, ¿podría esa persona convertirse en un superhumano?

Tal teoría, aunque hayan algunos que crean (o han creído) en ella, tales como el mismísmo Albert Einstein, o la comunidad de la Cienciología, que la utiliza como argumento para reclutar adeptos, la hipótesis es una falacia científica; en otras palabras, una teoría totalmente falsa, debido a que si sólo utilizáramos el 10% seríamos vegetales o estaríamos directamente muertos, ya que realmente utilizamos el 100% de nuestra masa cerebral; aunque no de forma simultánea.

El inicio de "Lucy" es simplemente brillante, siendo (junto a las escenas de acción), lo mejor del filme. Me ha gustado mucho la habilidad con la que Besson presenta los personajes, y al mismo tiempo, expone la teoría del porcentaje del cerebro. De modo paralelo, los dos hilos argumentales se van desgranando en el fantástico inicio; igualmente que la comparación de la protagonista, con la otra "Lucy", la que está considerada como el primer homínido de la historia.

Por momentos, parece ser que el director francés haya recuperado ese "touch" que poseía para las secuencias de acción, aquel que tanto disfrutamos con cintas, tales como "León, El Profesional" o "El Quinto Elemento". El excelente trabajo de Scarlett Johansson también ayuda en ello, ya que tras haber descubierto esa faceta interpretativa en el universo cinematográfico de Marvel, con su interpretación de la "Viuda Negra", en esta que nos concierne, Scarlett saca a relucir todo su potencial, echándose muchas veces la película a la espalda; asimismo, podemos afirmar que los veteranos Morgan Freeman y Choi Min-sik son el contrapunto perfecto a la protagonista, dándole empaque al filme, hecho que se agradece.

Por contra, cabe decir que a medida del transcurso de los minutos, da la sensación de que a Besson se le va la película de las manos; o dicho de otro modo, es como si se le "fuera la olla", metiendo algunas incongruencias en el guión que personalmente me chirriaron bastante, ya que siendo ficción el realizador puede tomarse ciertas licencias; sin embargo, no todo vale.

Pese a esas irregularidades, "Lucy" es una película muy entretenida, muy efectiva en algunos tramos, superando con creces a la soporífera "Transcendece" del "tito" Johnny Deep, y con una Scarlett Johansson que demuestra todo su talento como una actriz válida para la acción, como ya demostraran en el pasado otras actrices "Made in Luc Besson": Natalie Portman, o Milla Jovovich.

Cuando Marvel anunció que iba a incluir en la segunda fase de su universo cinematográfico de superhéroes a los guardianes de la galaxia, confieso que estaba un poco receloso y algo expectante, a partes iguales, cuestionándome que saldría de estos semi-desconocidos "Guardianes". La elección de James Gunn no ayudaba demasiado tampoco, tras comprobar su periplo por la serie B desenfadada de "Slither, la plaga" (2006), o "Tromeo y Julieta" (1996) de la irreverente factoría Troma; sin embargo, después de visionar esta nueva entrega del universo Marvel, no tengo más remedio que admitir que he disfrutado muchísimo de las aventuras de este variopinto puñado de "superhéroes", ya que "Guardianes de la galaxia" contiene reminiscencias a la primera entrega de "La guerra de las galaxias" (también conocida como Episodio IV), aquella con la cual George Lucas nos asombró a finales de los años setenta; del mismo modo que a la malograda serie "Firefly", considerada actualmente como de culto, que fue concebida por Joss Whedon (responsable de "Los Vengadores" [2012]); debido principalmente al hecho de que nos cuenta una historia protagonizada por antihéroes errantes, cazarecompensas, piratas... que experimentan una aventura espacial, que funciona a las mil maravillas como un "Space Western", con pinceladas humorísticas; y que además, logra amplificar, de forma imaginativa e inteligente, el universo Marvel.

Destaca también el excepcional grupo de protagonistas, cada uno con su rasgo particular que lo define y hace único, sirva como ejemplo: Peter Quill "Star-lord", interpretado por Chris Pratt, que se caracteriza por el "walkman" con la cinta de casete "Awesome Mix Vol. 1" que siempre lleva consigo, obtenido de su madre antes de morir y que ella había grabado para él. Repleto de canciones que le gustaban, todas ellas de la década de 1970, siendo lo único que le queda de su madre, y por consiguiente, lo único que le queda de su antiguo hogar en la Tierra, y el cual Star-lord lo utiliza como una conexión con su pasado y con la tristeza que se siente de haber perdido todo aquello. A lo largo del transcurso del metraje, los temas grabados en el casete, en el que se encuentran verdaderas joyas, tales como: el memorable hit de Elvin Bishop "Fooled around in fell in love", "I'm not in love" de 10CC, o "Moonage daydream" del soberbio álbum de David Bowie "The rise and fall Ziggy Stardust and the spiders from Mars", entre otras muchas; van sirviendo a modo de "soundtrack", y le dan un "aire" nostálgico y melancólico al largometraje que se agradece, y mucho.

Como nos tienen acostumbrados éste tipo de propuestas, la factura técnica es impecable... con unos efectos visuales coloristas y muy logrados, cercanos a los vistos en la primera entrega de "Thor" (Kenneth Branagh, 2011), salvando las distancias; asimismo, el hecho de que los cómics de "Guardianes de la galaxia" sean bastante desconocidos por el gran público en general, le ha proporcionado al director del filme, James Gunn, la oportunidad de dar rienda suelta a su creatividad fantástica sin ningún tipo de atadura, concibiendo una aventura muy entretenida, y por supuesto, recomendable, erigiéndose como una de las mejores creada por la factoría Marvel.

En 2010, el director canadiense Dean DeBlois sorprendió tanto a la crítica como al público con la cinta de animación titulada, "Como entrenar a tu dragón", que adaptaba la novela juvenil homónima escrita por la novelista británica Cressida Cowell. Aquella cinta supuso un punto de inflexión importante para el estudio Dreamworks, perteneciente al "Rey Midas de Hollywood" Spielberg, que lo confirmó como una seria alternativa a tener en cuenta para darle replica a la titánica compañía Disney/Pixar.

Cuatro años tras aquella se presenta esta segunda entrega, que continua las aventuras de Hipo cinco años después de los sucesos que le llevaron a conseguir entrenar a su dragón, rompiendo la estela de su pueblo vikingo de cazarlos. Astrid y el resto de la pandilla han conseguido que la isla tome contacto con un nuevo deporte: las carreras de dragones. Mientras realizan una carrera, atraviesan los cielos llegando a territorios inhóspitos, donde nadie antes ha estado. Explorando nuevos mundos, el viaje les lleva a descubrir una cueva recubierta de hielo que resulta ser el hogar de cientos de nuevos dragones salvajes, protegidos por un misterioso guardián. Hipo y los suyos deberán unirse al guardián para proteger a los dragones de las fuerzas malignas que quieren acabar con ellos.

Me ha gustado mucho la factura técnica del filme, que posee unas texturas increíbles (sobretodo lo bien conseguida que está el agua, por citar un ejemplo), las impresionantes escenas de vuelo (que recuerdan vagamente a las propias en "Avatar" [James Cameron, 2009]), y las escenas de "lucha", que me han recordado a la épica batalla de "El Señor de los Anillos: El retorno del rey" (Peter Jackson, 2003), con esos planos aéreos que quitan el hipo.

Destaca también lo bien hilvanada que está su historia, que continua los hechos acontecidos en la primera entrega de manera coherente, con una certera evolución de los personajes principales; asimismo, la premisa equilibra el toque cómico con la aventura y acción, conteniendo sus momentos de oscuridad, y un mensaje subyacente sobre el perdón y las segundas oportunidades, que cala hondo en el espectador, siendo lo mejor de la película y lo que la engrandece.

En conclusión, se puede afirmar que, "Como entrenar a tu dragón 2", es el ejemplo de como se deberían de realizar este tipo de secuelas: una historia interesante y con calado, grandes dosis de acción, aventuras y espectáculo, y momentos de diversión a raudales...; en resumidas cuentas, una maravilla totalmente recomendable.

Allá por el 2006, el director irlandés John Carney sorprendió a propios y extraños con una película muy pequeña, apenas realizada con dos millones de euros de presupuesto (cantidad irrisoria teniendo en cuenta como se las gastan hoy en día), dos músicos debutantes en la interpretación, y muchas ganas e ilusión por hacer bien las cosas. Aquella película, titulada "Once (Una Vez)", debido a su honestidad y al boca a oreja, llamó mucho la atención, hasta el punto de colarse en los premios Oscar, siendo galardonada con la estatuilla dorada a la mejor canción. Podría decirse que aquella pequeña joya le brindó a Carney la oportunidad de trabajar en Hollywood, siendo éste su debut en suelo estadounidense.

Titulada "Begin Again", su premisa comparte varios lazos en común con "Once", pero digamos que a la inversa; en otras palabras, es la historia de un músico prometedor que quiere grabar un disco; sin embargo, en "Once" el artista tocaba sus canciones en la calle, y luego se mete en un estudio de grabación para llevar a cabo su propósito, y en "Begin Again" es el mismo artista el que se lanza a las calles de la gran ciudad para grabar dicho álbum, debido al rechazo de la industria discográfica.

Tal punto de partida propicia que Carney realice una especie de retrato a la ciudad de Nueva York, que bien recuerda a los propios realizados por Woody Allen en multitud de maravillosas películas, tales como: "Annie Hall", "Manhattan", o "Celebrity". Mención especial merece la secuencia en la cual los protagonistas escuchan diversas canciones, con los auriculares en las orejas, paseando por las calles, y sus respectivos ambientes nocturnos, de la gran ciudad..., simplemente genial; por otra parte, huelga decir que el hecho de que los protagonistas decidan grabar el disco en las calles, y más concretamente en la terraza de un edificio, me ha recordado al famoso concierto de The Beatles en la azotea de los estudios Abbey Road en Londres.

Cabe destacar la excelente interpretación de Mark Ruffalo, que construye su personaje de forma convincente, demostrando que se mueve como pez en el agua en este tipo de papeles (como ya demostró en "Los chicos están bien" [Lisa Cholodenko, 2010], por citar un ejemplo), y dando fe del gran talento que atesora; también decir que sorprende bastante la forma de cantar de Keira Knightley, con esa voz dulce y aterciopelada (todo un descubrimiento); del mismo modo que la incursión en la interpretación de Adam Levine (vocalista del grupo de pop Maroon 5), estando realmente bien.

A pesar de no ser completamente redonda, "Begin Again" es una película fantástica, que trata el tema de las segundas oportunidades, en el que toda persona se merece hacer borrón y cuenta nueva en su vida, de volver a empezar (como bien reza el título); asimismo, se puede decir que destila positivismo por todos sus poros, dejando un buen sabor de boca al terminar el filme, algo que se agradece bastante en estos tiempos que corren; y además, ofrece un puñado de estupendas canciones, que la hacen definitivamente una propuesta interesante, y sin lugar a dudas, muy recomendable.

En 2011, el director estadounidense Rupert Wyatt sorprendió a propios y extraños con "El origen del planeta de los simios", una película que nos relataba cómo se originó la saga creada originalmente por el escritor francés Pierre Boulle, con su estupenda novela distópica "El planeta de los simios", publicada en 1963, y llevada por primera vez al cine en 1968, por Franklin J. Schaffner, en el inmortal clásico protagonizado por Charlton Heston.

El largometraje de Wyatt consiguió revitalizar una saga completamente agotada, debido al estancamiento de ideas, aportando un punto de vista distinto y original, nunca antes tratado, con una premisa emotiva y coherente, potenciada por unos efectos especiales revolucionarios, sobretodo en la caracterización del simio César, mediante el uso de la tecnología del CGI (captura de movimiento por ordenador), llevada a cabo por el genio Andy Serkis, que ya maravilló con su Gollum de la saga "El señor de los anillos", de Peter Jackson.

Con todo, el listón estaba más que alto, y la responsabilidad de realizar una secuela digna era una ardua tarea, la cual finalmente recayó en el director Matt Reeves, autor de la interesante "Monstruoso" (Cloverfield, 2008) y el competente remake de "Déjame entrar" (Let me in, 2010), que no solo lo ha hecho bien, sino que ha conseguido superar a su predecesora.

Ambientada diez años después de la primera, un grupo de simios muy evolucionados, capitaneados por César, se convierte en la raza dominante del devastado planeta Tierra. La única amenaza para su desarrollo la representa un grupo de seres humanos que han sobrevivido al virus, que tras una tregua de paz, está a punto de estallar una guerra que determinará cuál será la raza dominante.

A pesar de que en un principio se podría pensar que la historia iba a quedar más descuidada, el trío de guionistas (compuesto por Rick Jaffa, Amanda Silver y Mark Bomback), han logrado construir un guion sólido, en el que las motivaciones de cada uno de los personajes, tanto del bando de los simios como de los humanos, están muy bien descritas, y continua los hechos relatados en la primera entrega de forma certera y verosímil.

Destaca también la impresionante factura técnica, con unos asombrosos efectos especiales que quitan el hipo, y que ayudan a darle credibilidad a la historia (sirva como ejemplo lo realistas que se ven a los simios montados a caballo); asimismo, el trabajo del plantel de actores es magnífico, en el cual Jason Clarke, Gary Oldman, Keri Russell le dan empaque al filme; y sobretodo como Andy Serkis se pone en la piel del simio César, con una caracterización a base de captura de movimiento que mejora exponencialmente a la de su predecesora, que consigue captar todas las emociones y matices del personaje de manera realmente espeluznante, sin perder ni un atisbo de la carga dramática y adueñándose de la pantalla. En menor medida, es notable el personaje de Koba, interpretado por Toby Kebbell (también por CGI), que se erige como el contrapunto perfecto al personaje de César.

En conclusión, "El amanecer del planeta de los simios" es un blockbuster veraniego muy potente, que nos trae una historia interesante, con sus dosis de emotividad, y con unos virtuosos efectos especiales que enaltecen al filme hasta el extremo de rayar la obra maestra.

Se puede afirmar que el simple hecho de ser padres muchas veces nos atemoriza, por la responsabilidad que implica serlo. La palabra responsabilidad significa la habilidad de responder ante una realidad, y ésta la consideramos demasiado grande y difícil, ya que siempre hemos escuchado que "nadie nos enseñó a ser padres". Esto es una falsa creencia limitante para justificar conductas nuestras, o de nuestros hijos, que no queremos afrontar. ¡Nuestros mejores maestros hemos sido nosotros mismos! Y no hemos caído en cuenta. A partir de haber vivido una infancia feliz o infeliz, yo sé qué es bueno para un niño, qué siente un niño, la perspectiva de un niño, qué lo puede dañar y cómo me gustaba a mí o me hubiera gustado que me trataran; así que es a partir de mi vivencia de mi infancia, por la cual yo aprendí a ser un buen padre o una buena madre.

Apoyándose en estos conceptos, José F. Ortuño y Laura Alvea han cimentado la película que nos concierne: "The Extraordinary Tale"; un cuento sobre una pareja un tanto especial y particular (debido a que sufren un grave trastorno mental derivado de una infancia difícil), y que tienen que afrontar la arduosa tarea de ser padres.

Para llevar a cabo tal historia, sus directores le han dado un toque especial, bastante original, con grandes dosis de humor negro, una estética fantástica deudora del cine realizado por Jean-Pierre Jeunet (responsable de la maravillosa "Amelie" [2001]), que la convierten en una de las más fascinantes, e ilusionantes, operas primas creadas en España en mucho, mucho tiempo.

Destaca el impresionante trabajo de su pareja protagonista, formada por el estadounidense Ken Appledorn y la actriz canaria de origen alemán Aïda Ballmann; que con sus múltiples gesticulaciones, y matices, llena la pantalla, apoderándose de ella, y que por momentos me ha recordado al cine mudo de los grandes Charles Chaplin o Buster Keaton, salvando las distancias evidentemente. La banda sonora compuesta por Héctor Pérez también me ha parecido estupenda, encajando como anillo al dedo dentro del contexto del filme.

En conclusión, "The Extraordinary Tale" se erige como una notable y atípica pequeña joya, que se desmarca del resto por su imaginativa estética, su propuesta fresca y entrañable, su premisa con calado, y el rebosante talento de sus directores y plantel de intérpretes; sin lugar a dudas, una verdadera maravilla.

El pasado año 2013, hubo una película, titulada "Las ventajas de ser un marginado" (Stephen Chbosky), que realizaba un fiel reflejo a la actual generación adolescente, mostrando la manera que tenían de sobrellevar su juventud, con todas sus inquietudes, la búsqueda de su identidad, y aquellos momentos en los que se sentían infinitos. Tal película fue catalogada como una de las mejores, y más recomendables, para el público adolescente, debido a que trascendía la superficialidad con la que normalmente se tratan este tipo de historias, logrando trasmitir la complejidad de las historias que cada personaje cargaba a cuestas.

En ese mismo sentido, podemos catalogar la película que nos concierne, titulada "Bajo la misma estrella", basada en el bestseller homónimo de John Green, que es, por encima de todo, un romance entre dos jóvenes que, en circunstancias adversas, se aferran a la vida y a los sueños, aquellos que a veces se cumplen y los que a veces, como en la vida, no lo hacen.

Huelga decir, que la premisa comparte varios puntos en común con el clásico protagonizado por Ali MacGraw y Ryan O'Neal, "Love Story" (Arthur Hiller, 1970), y también vagamente a "50/50" (Jonathan Levine, 2011), salvando evidentemente las distancias; ya que nos cuenta una historia centrada en una chica de 16 años llamada Hazel Grace, que sufre cáncer de pulmón, y que a regañadientes, entra a formar parte de un grupo para ayudar a enfermos de cáncer juvenil, donde conoce a Augustus Waters, un chico de 18 años, y del cual se enamora e inician una relación.

Cabe decir, que una de las grandes virtudes de este largometraje, reside en el excelente trabajo de la pareja protagonista, Shailene Woodley y Ansel Elgort (que ya habían coincidido anteriormente en "Divergente" [Neil Burger, 2014]), que construyen unos personajes realmente fascinantes, carismáticos, y repletos de matices. Otro de sus puntos a favor es la fidelidad con respecto a la obra en la que se inspira, que a pesar de tener algunos altibajos, me ha gustado bastante el equilibrio existente entre el humor y el drama, sin llegar a empachar en ninguno de los dos sentidos. De igual modo, es necesario destacar la aportación de una estupenda Laura Dern, que se pone en la difícil piel de ser madre de una chica con cáncer, y además, la de cierto actor de renombre (que no citaré, por razones obvias), que le dan empaque al filme.

Mención especial merece la intimista y especial banda sonora, llena de canciones de artistas como M83, One Republic, o Lykke Li, que armonizan a la perfección con el contexto del filme, enriqueciéndolo y potenciándolo, aun más si cabe.

"Bajo la misma estrella" es una película notable, que posee una atrayente historia, unos personajes muy interesantes y bien construidos, y que trata el amor verdadero entre adolescentes de una forma verosímil, coherente, conmovedora, y además, rebosante de valores que calan hondo; en definitiva, una cinta muy recomendable, que explora cuán exquisita, inesperada y trágica puede ser la aventura de saberse vivo, y querer a alguien.