El cine canadiense tiene con Xavier Dolan uno de sus máximos exponentes en estos últimos años, ya que a pesar de su juventud (solamente cuenta con 26 años) ha realizado algunas películas sobresalientes a tener en cuenta, tales como: "Los amores imaginarios" (2010), "Laurence Anyways" (2012), o ésta que nos concierne, "Mommy". Escrita y dirigida por él mismo, la premisa se ambienta en una Canadá ficticia, en la cual se ha aprobado una ley que permite que los padres, incapaces de controlar a sus hijos problemáticos, les internen en un centro especial; sin embargo, Diane, una madre viuda con carácter, junto con la inestimable ayuda de Kyla, la vecina de enfrente de su casa, decide educar ella misma a su hijo adolescente Steve, que padece el 'Síndrome de TDAH' , una enfermedad que puede llevarle a resultar violento. Los tres se esfuerzan por encajar, llevando su obligada convivencia lo mejor posible para poder encontrar un nuevo equilibrio y recobrar la esperanza.

Cabe decir que el 'Síndrome de TDAH' es un trastorno de conducta que aparece en la infancia, y se manifiesta como un aumento de la actividad física, impulsividad y dificultad para mantener la atención en una actividad durante un periodo de tiempo continuado. Xavier Dolan, con un notable dominio de la técnica cinematográfica, expone a la perfección los problemas que puede acarrear la enfermedad en un adolescente, y todas las adversidades que una madre viuda tiene que lidiar constantemente para poder enderezar al chico, y así poder tener una vida digna lejos de reformatorios y hospitales psiquiátricos; además de formular cuestiones al respecto.

Destaca la sólida dirección del 'enfant terrible' canadiense, demostrando poseer un equilibrio y madurez artística con respecto de sus obras anteriores, siendo éste posiblemente su mejor filme. También es digno de mención el increíble trabajo del trío protagonista, formado por un impresionante Antoine-Olivier Pilon que interpreta a la perfección al adolescente problemático, exponiendo la chocante dualidad de personalidades, que alterna estados de violencia extrema, en la cual pierde completamente la cabeza, con momentos de ternura y bondad; de igual modo que unas geniales Anne Dorval y Suzanne Clément (actrices habituales del cine de Dolan), que dan vida a esa madre coraje y la vecina que presta su ayuda, respectivamente.

En síntesis, "Mommy" se erige como una película sobresaliente, que muestra de forma emotiva y visceral los problemas que ocasiona una enfermedad de tal magnitud, y que confirma a Xavier Dolan como uno de los mejores directores, y con más proyección, del panorama cinematográfico actual.

En la actualidad, el vertiginoso desarrollo de la ciencia y la técnica ha irrumpido en todos los ámbitos y niveles sociales; de hecho, se dice que estamos en un nuevo tipo de sociedad denominada 'Sociedad de la información'. Como consecuencia de esto han aparecido nuevas formas de entretenerse, como son los chats, foros, redes sociales, vídeojuegos por internet y teléfonos inteligentes... que permiten a personas de todo el mundo compartir su tiempo de ocio, expresar sus opiniones y puntos de vista con personas que de otra manera no conocerían. Bien es cierto que las nuevas tecnologías facilitan nuestra vida; sin embargo, también han provocado un cambio drástico en los valores, las conductas de los individuos y en la cultura. Ya que, cada vez más, las personas utilizan todos estos avances para comunicarse, perdiendo en cierta manera uno de los aspectos fundamentales de las personas, como es el diálogo 'cara a cara' y las relaciones personales. De igual forma, el acceso a Internet está reduciendo de forma categórica las visitas a las bibliotecas y centros de estudio, que antiguamente eran puntos de reunión y encuentro entre las personas.

El director estadounidense Jason Reitman, responsable de películas tan interesantes como "Gracias por fumar" (2005), "Juno" (2007) o "Up in the Air" (2009), refleja a través de diversas historias cruzadas el impacto de la tecnología en nuestras vidas. Pornografía, blogs, vídeojuegos y redes sociales son, al mismo tiempo, una válvula de escape como una causa de conflicto dentro del ámbito familiar. Cabe decir que hay unas historias que funcionan mejor que otras, y algunas no están del todo bien cerradas; aunque encontramos determinadas historias que son realmente tremendas y preocupantes; como aquella de la madre que controla y sobreprotege a su hija de los peligros de internet de manera obsesiva compulsiva; también aquella en la cual una madre 'vende' a su hija a través de un blog con fotografías subidas de tono; o aquella del joven que sacia sus perversiones sexuales más inconfesables a través de una web especializada en vídeos de transexuales.

Destaca el amplio reparto coral del filme, compuesto entre otros por un sorprendente Adam Sandler (que cambia de registro realizando un personaje serio y contenido), Jennifer Garner (en el rol de una madre bastante odiosa), Dean Norris (que se mete en la piel de un recién divorciado), o el joven Ansel Elgort (conocido por filmes como "Bajo la misma estrella" y "Divergente) que interpreta a un adolescente deprimido a causa del reciente divorcio de sus padres. También sobresale el modo en el cual Reitman representa a la gente conectada, con las 'ventanas' de las redes sociales, mensajería instantánea, vídeos, etc..., encima de la cabeza, como si se trataran de personajes sacados del famoso vídeojuego "Los Sims", siendo, a decir verdad, bastante irónico.

En conclusión, a pesar de que "Hombres, mujeres y niños" no acabe de ser del todo redonda y tan trascendente como, por ejemplo "Crash (Colisión)", de Paul Haggis, cabe decir que es una cinta notable, que arroja una mirada escalofriante del impacto que tiene en la sociedad el abuso de las 'nuevas tecnologías', invitándote a la reflexión.

La factoría Disney, en esta nueva edad de oro que atraviesa actualmente, parece empeñada en pasar a acción real los cuentos clásicos que realizó en animación en tiempos pasados, sirva como ejemplo: "Alicia en el país de las maravillas", "Maléfica" que era una versión libre de 'La bella durmiente', o la película que nos concierne, "Cenicienta", un remake en carne y hueso, basada en la adaptación del cuento tradicional llevada a cabo por Charles Perrault, y que Disney la animó en 1950.

En esta ocasión, nos relata las andanzas de la joven Ella, cuyo padre, un comerciante, vuelve a casarse tras la muerte de su madre. Ella quiere dar gusto a su padre y acoge con cariño a su nueva madrastra y a sus hijas Anastasia y Drisella en la casa familiar. No obstante, cuando el padre de Ella muere inesperadamente, la joven se encuentra a merced de una nueva familia celosa y cruel, quedando al final relegada a ser una sirvienta cubierta de ceniza, motivo por el cual le atribuyen el triste nombre de Cenicienta. Pero a pesar de la crueldad con que la tratan, la joven nunca pierde la esperanza y está dispuesta a cumplir las últimas palabras que su madre le dijo: ser valiente y amable.

Para llevarla a cabo, la factoría Disney ha contado con el director británico Kenneth Branagh, reconocido por haber dirigido y actuado en muchas adaptaciones de obras clásicas de William Shakespeare, y la superproducción de la Marvel "Thor", que fue un éxito de taquilla a nivel mundial. Branagh ofrece muy pocas variaciones con respecto del clásico animado de la década de los cincuenta, en la que cabe decir que hay ciertos aspectos que no acaban de funcionar, como el hecho de recrear de mala manera los ratones y el gato por ordenador, y una premisa que está demasiado 'encorsetada' en su homólogo clásico, haciendo que carezca de la más mínima sorpresa. Prácticamente todo lo expuesto está demasiado visto y oído, dando la impresión que se ha limitado a filmar el encargo con el piloto automático. Aunque a su favor, me gustaría destacar la aparición de una divertida hada madrina (interpretada por Helena Bonham Carter), incluyendo la secuencia cuando convierte la calabaza en una carroza, haciendo relucir la magia; también la ausencia de empalagosas canciones, a excepción de una que a modo de 'leifmotiv' la va cantando nuestra protagonista a lo largo de la cinta; además de su trepidante tramo final.

En referencia a los actores cabe decir que cumplen con su cometido, unos Lily James y Richard Madden conformando unos atractivos protagonistas; de igual modo, que los veteranos Cate Blanchett, Derek Jacobi y Stellan Skarsgård que le dan empaque al filme, a pesar de, que en líneas generales, estén algo desaprovechados.

En definitiva, esta nueva adaptación de "Cenicienta" no cambia ni un ápice del conocido clásico animado, aunque es muy entretenida y seguro encantará a los más pequeños de la casa, siendo una opción ideal para llevar a los niños al cine en estas fiestas de pascua.

El director estadounidense David Dobkin se aleja de las comedias que nos tenía acostumbrados, como "El cambiazo" o "De boda en boda", para presentarnos un solvente melodrama judicial de corte clásico, cercano a las adaptaciones cinematográficas de John Grisham, que tan de moda estaban en la década de los noventa, que contiene un guión sólido con un planteamiento argumental que bien recuerda a títulos como "En el estanque dorado" (Mark Rydell, 1981) o "Acción judicial" (Michael Apted, 1991).

Destaca el 'tour de force' interpretativo entre su pareja protagonista, un Robert Downey Jr. que hace valer su gran carisma, demostrando ser un gran actor con recursos interpretativos, más allá del superhéroe de la Marvel, y Robert Duvall que reluce toda su veteranía y estilo, dando fe de la gran química que atesoran y siendo un verdadero gustazo. Downey Jr. se mete en la piel de Hank Palmer, un importante abogado que regresa a su hogar tras la muerte de su madre. Allí se entera que su padre (Robert Duvall), que es el juez del pueblo (y de quien está distanciado), es sospechoso de haber cometido un crimen. Su decisión a regañadientes de investigar el caso lo lleva poco a poco a restablecer con los suyos una relación que estaba rota.

Quizá su mayor problema es que Dobkin descuida al elenco de secundarios, tales como Vera Farmiga, Billy Bob Thornton, Vincent D'Onofrio... tres grandes actores que sin duda podrían haber dado mucho más de si, estando prácticamente desaprovechados; del mismo modo que su algo excesiva duración, sobretodo en el primer acto, haciendo que su ritmo narrativo sea lento y alargando el metraje más allá de las dos horas; sin embargo, "El juez" posee argumentos suficientes, como las enormes actuaciones de sus dos protagonistas, y un excelente tramo final que hacen que valga la pena su visionado.

En definitiva, "El juez" es una película notable, que cuenta una estupenda historia de redención personal y drama judicial a partes iguales, con unas interpretaciones sobresalientes, que hasta incluso le valió a Duvall para conseguir una nominación en la pasada edición de los Oscar; aunque de haber sido dirigida por un director de mayores prestaciones, sin duda hubiera podido llegar a ser mucho mejor.

Prácticamente todos nosotros hemos escuchado, más de una vez, que los jóvenes españoles actuales han tenido la ‘suerte’ de acceder a una formación, que nuestros antepasados jamás pudieron ni soñar con tener. Que son la generación con mayor nivel de estudios de la historia nacional y que también los más ‘preparados’. Aunque la realidad es más bien distinta, ya que las altas cotas de desempleo juvenil en España (hasta la friolera cifra de 26%), engrosadas por la crisis económica, ha propiciado que pase a ser denominada la 'generación perdida', sintiéndose frustrados, desamparados, e incluso 'engañados'. Porque ha ocurrido todo lo contrario a lo que esperaban que sucediese cuando iniciaron su etapa formativa, cuando creyeron firmemente en que tras sus estudios podrían obtener un 'buen trabajo', que sin lugar a dudas compensaría tantos años de esfuerzo y sacrificio. Así que en estos últimos años los jóvenes se han visto de alguna manera 'obligados' a emigrar a otros países, tanto europeos como americanos, en vistas de recuperar la 'dignidad' perdida, consiguiendo un empleo más acorde con sus estudios académicos.

Sirviéndose de este concepto, el director Nacho G. Velilla, responsable de las exitosas series de televisión ('Siete vidas', 'Aida') y de filmes como 'Fuera de carta' y 'Que se mueran los feos', nos presenta la cinta que nos concierne, titulada "Perdiendo el norte", de la que cabe decir que es la película española más taquillera del 2015, con más de 800.000 espectadores.

Velilla construye una historia en la que el concepto de la 'generación perdida' sirve como pretexto para componer una ligera comedia de enredo de las de toda la vida, en la cual su principal reclamo es el notable trabajo de su elenco actoral, compuesto por Blanca Suárez como la chica protagonista, Yon González como el chico protagonista, acompañados por Julián López, Miki Esparbé, José Sacristán, Malena Alterio, Javier Cámara, Carmen Machi y Úrsula Corberó... siendo el más interesante de todos el personaje interpretado por Sacristán (a pesar de estar en un segundo plano), en el que sus diálogos punzantes (basados en la experiencia de una generación que apenas tuvo recursos) atice sin remisión a la perdida sociedad actual, que parece ser que haya involucionado hasta el nivel de repetirse la misma historia ya vivida en los tiempos del franquismo. Por lo demás, queda una simpática comedia ligera, con toques muy divertidos, que recuerdan a los propios vistos en sus anteriores películas. Mención especial para los simpáticos y desternillantes cameos de los televisivos Alberto Chicote (que encarna a un cura) y Arturo Valls (que sale en un programa parecido al de "Españoles por el mundo").

En conclusión, "Perdiendo el norte" es una estupenda comedia ligera, que podría haber sido mucho mejor de haber desarrollado el tono crítico sobre el preocupante tema de la emigración de los jóvenes y el desempleo.

El amor imposible entre el poeta italiano Dante Alighieri y Beatriz Portinari, a quien inmortalizó en sus sonetos de la 'Vita Nuova' y la obra maestra de la literatura italiana 'La Divina Comedia', nos descubrió una nueva forma de amar: sin egoísmo, sin correspondencia, sin esperanza. Un amor idealizado (conocido popularmente como 'amor cortés'), que le permite seguir viviendo con Beatriz como musa de su obra, ya que cabe decir que Dante y Beatriz apenas se vieron un par de veces en toda su vida. En la película que nos concierne, titulada "Blanca como nieve, roja como la sangre", a través de una historia protagonizada por adolescentes, su director Giacomo Campiotti (responsable del estupendo filme "Moscati: el médico de los pobres" [2007]), plantea un paralelismo evidente entre la historia del poeta supremo italiano y su amor idílico, partiendo de la base que esta vez si se conocen y entablan una especie de relación.

Entre mensajes de móvil, deberes, pósters, canciones, partidos de fútbol, motos, miradas y sonrisas se encuentra Leo, un joven risueño inmerso en el torbellino de la adolescencia. Nuestra joven encarnación de Dante asocia el color blanco a la ausencia y la soledad, y el rojo a la pasión y el amor; el mismo color que tiene el pelo de la chica de sus sueños, Beatrice, aunque no sabe ni cómo acercarse. Pronto descubrirá que ella sufre un gran dolor, ya que padece leucemia, y como bien es sabido, es un cáncer que podríamos decir que básicamente vuelve la sangre "blanca". El joven entabla un amistad especial con Beatriz, y le presta su ayuda para superar la enfermedad; dicho de otro modo, ayuda a la chica "roja" de sus sueños para que no se convierta en "blanco" muerte.

Destaca una premisa la cual ofrece una interesante historia de adolescentes, que se enfrentan a la difícil experiencia de re-definir sus sentimientos en cuanto a amistad y amor, vida y muerte; además de aprender la importancia de cumplir sus sueños, equilibrando de maravilla los momentos dramáticos y cómicos. Asimismo, el joven elenco actoral, compuesto por Filippo Scicchitano que se mete en la piel de Leo, Gaia Weiss como la malograda Beatrice, y Aurora Ruffino que encarna a la mejor amiga de Leo (que en realidad está enamorada de él en secreto 'hasta las trancas'), que sirve como contrapunto perfecto entre ambos personajes; del mismo modo que Luca Argentero, que interpreta al profesor de literatura y ayuda a nuestro Dante a ver los acontecimientos de su vida con 'otra perspectiva'.

En definitiva, "Blanca como la nieve, roja como la sangre" es una película notable, a pesar de que su premisa peque de ser algo previsible; sus buenas intenciones; los valores insuflados; y el retrato realista de las inquietudes y sentimientos de la adolescencia (lejos de internet, palabras altisonantes y sexo)... la convierten en una propuesta más que válida y recomendable.

El cine ha tratado el tema de la inteligencia artificial en numerosas ocasiones, desde el periodo mudo con clásicos como "Metropolis" (Fritz Lang, 1927), pasando por brillantes exponentes del género, como "2001, Una odisea del espacio" (Stanley Kubrick, 1968), o "Inteligencia Artificial" (Steven Spielberg, 2001), hasta ejemplos más actuales, como la recomendable "Her" (Spike Jonze, 2013) o la fallida "Trancendence" (Wally Pfister, 2014); sin embargo, la gran mayoría de los títulos que comparten este tema, lo utilizan como punto de partida para desarrollar una trama de acción o ciencia ficción, dejando de lado el proceso de creación del robot y su desarrollo cognitivo.

El director sudafricano Neill Blomkamp, apoyándose en este concepto y en su experiencia en el género, nos presenta "Chappie", su tercer largometraje tras las cámaras, en el cual nos presenta una historia ambientada en una distópica ciudad de Johannesburgo, en el que la policía decide utilizar robots blindados en un esfuerzo por erradicar el alto índice de criminalidad en la ciudad. Cuando uno de esos androides es secuestrado por dos criminales durante su creación, automáticamente se convierte en la "criatura" adoptiva de una familia tan inusual como disfuncional, teniendo como características principales un talento excepcional y sentimientos humanos.

Blomkamp desarrolla la historia desde un punto de vista nostálgico, con referencias patentes al cine y cultura de la década de los ochenta, con una premisa que comparte algunos lazos en común con clásicos como "Robocop" (Paul Veroheven, 1987), "Cortocircuito" (John Badham, 1986) o "E.T. El extraterrestre" (Steven Spielberg, 1982); aunque poseyendo personalidad propia, sin ser un mera repetición de las formulas narrativas antes citadas, y adaptándola a los cánones que rigen en la actualidad.

Para encarnar al entrañable robot, el realizador sudafricano ha contado con la inestimable interpretación de su actor fetiche, Sharlto Copley, que enfundado en un traje, dota al personaje de la "humanidad" y personalidad necesaria. Cabe destacar también, que los pandilleros que desempeñan la función de padres de Chappie (Yolandi y Ninja), son los miembros de la banda sudafricana de rap, "Die Antwoord", quienes tienen los mismos alias y son pareja en la vida real; de igual modo que la ambientación en los suburbios de la capital sudafricana y la brillante factura técnica (sobretodo en el diseño de los androides y su última media hora).

Por contra es necesario indicar que está bastante desaprovechado el talento de actores como Hugh Jackman, que construye un villano de 'tres al cuarto', y sobretodo Sigourney Weaver, en la cual su personaje está relegado a un segundo plano.

En conclusión, "Chappie" es una película notable, con una premisa con alma, sentimiento y moraleja, un interesante y sentido homenaje al "Robocop" clásico, que supera con creces al insulso remake realizado hace un par de años y que está a 'años luz' de la soporífera "Transcendence".

El director Michael Cuesta, curtido en series de televisión como "Dexter", "Blue Bloods (Familia de policias)" o "Homeland", nos trae la incómoda historia real del periodista Gary Webb, que con un desarrollo argumental cercano al clásico de investigación periodística por excelencia, "Todos los hombres del presidente", en el que nos trae un episodio bastante olvidado de la historia reciente de los Estados Unidos; un capítulo de la fase final de la guerra fría en el que la administración Reagan desplegaba una guerra sin cuartel en Centroamérica en general y en Nicaragua en particular, al considerar al gobierno sandinista de dicho país como una cabeza de playa soviética en su patio trasero.

Basada en las historias contadas por el propio Webb, nos relata cómo un periodista de un diario de segunda fila de California, tirando del hilo de los turbios orígenes de los causantes de la epidemia del crack en las calles de los Estados Unidos (principalmente los suburbios afroamericanos), se topa con la que sería la historia de su vida, la controvertida investigación con las ramificaciones del caso Irangate (también conocido como Irán-Contra). Según Webb, la todopoderosa Agencia Central de Inteligencia era responsable de colaborar con los narcotraficantes que introdujeron cocaína en el país, destinando los beneficios a armar a la Contra nicaragüense, y elaborando un reportaje que cayó como una bomba en el seno de la opinión pública estadounidense.

Jeremy Renner es el encargado de encarnar a Gary Webb, siendo posiblemente uno de sus mejores papeles, en el que muestra con su esfuerzo interpretativo las dudas y certezas que sufre el periodista, derivadas de la alta presión de un caso de enormes proporciones. El desfile de famosos actores es bastante amplio, en el que vemos en pequeños roles a gente tan dispar como Andy Garcia, Barry Pepper, Mary Elizabeth Winstead, Ray Liotta, Gil Bellows, Oliver Platt, hasta incluso la despampanante actriz española Paz Vega. Todos ellos son una parte importante en el desarrollo del entramado, que a decir verdad es notable, manteniendo el suspense y la tensión constantes.

En síntesis, "Matar al mensajero" es una película muy interesante, con una interpretación notable de Jeremy Renner, y que parafraseando uno de sus diálogos en el filme, se podría decir que nos cuenta una historia que es 'demasiado verdad' para ser contada y que muchos considerarían más adecuado olvidar.

Cabe decir que el espionaje es un tema bastante recurrente en la historia del cine, y más en la sociedad actual, en que los avances tecnológicos permiten que nuestras conversaciones sean escuchadas y nuestra imagen registrada, hasta extremos insospechados. La saga de James Bond, creada por Ian Fleming, posiblemente sea la más conocida, y actualmente también son dignas de mención las de Misión Imposible y Bourne; sin embargo, no ha habido ningún filme de espías, centrado en un protagonista adolescente, que esté a la alturas de las circunstancias, hasta ahora. Ya que la película que nos concierne, titulada "Kingsman. Servicio Secreto", basándose en la novela gráfica "The Secret Service" creada por Dave Gibbons y Mark Millar, se centra en un delincuente adolescente que se mueve por los barrios bajos de Londres y que pronto verá como su vida da un giro de 180 grados gracias a la ayuda de un misterioso hombre. De criminal pasa, casi inexplicablemente, a encontrarse en la lista de los espías más importantes del país, protegiendo en secreto las calles que antes usaba únicamente en su beneficio propio.

Huelga decir que la elección del director Matthew Vaughn ha sido más que acertada, ya que cuenta con algunas incursiones similares, tales como "Kick Ass: Listo para machacar" o "X-Men primera generación", que lo hacen estar sumamente preparado para abordar una cinta de estas características. Vaughn imprime un ritmo endiablado, adapta la historia de manera inteligente, y la dota con una factura técnica elegante y con estilo. También es destacable su lujoso elenco actoral, en el que podemos encontrar a Colin Firth, en el que confieso que nunca le había visto repartir tanta estopa, siendo una sorpresa muy gratificante; de hecho, se puede destacar cierta secuencia dentro de una iglesia que al más puro estilo "KIll Bill" de Tarantino, en la cual Firth reparte hasta quedarse solo. Asimismo, encontramos a un divertidísimo Samuel L. Jackson, en un rol que me ha recordado vagamente al que realizó en "Django Desencadenado" (Quentin Tarantino, 2012), hay también un curioso 'cameo' de Mark Hamill (el Luke Skywalker de la trilogía original de Star Wars); además de un notable Mark Strong y un sobresaliente (como siempre) Michael Caine, que le aportan categoría al filme.

Es de agradecer la gran cantidad de guiños y referencias a la saga de James Bond, así como de algunos clásicos del cine, como "My Fair Lady" (George Cuckor, 1964), sirviendo a modo de homenaje; al igual que el tono cómico, histriónico y delirante por momentos de su premisa, y mención especial para las canciones de los ochenta que componen la banda sonora, que en ciertos momentos, consiguen ser todo un puntazo nostálgico, sobretodo el "Money for nothing" de los Dire Straits que abre el filme, y el rabioso solo de guitarra de "Free Bird" de los Lynyrd Skynyrd en la secuencia eclesiástica.

En definitiva, "Kingsman: Servicio secreto" es una genial y recomendable parodia-homenaje al cine de espías, repleta de vigorosas secuencias de acción con sus dosis de truculencia, y una premisa inteligente que propicia que se desmarque del resto de propuestas similares.

El alzhéimer es una enfermedad degenerativa que se caracteriza por una pérdida de la memoria inmediata y de otras capacidades mentales, a medida que mueren las células nerviosas y se atrofian diferentes zonas del cerebro. Suele aparecer con mayor frecuencia en personas de la tercera edad; así que cuando aparece en una persona relativamente joven se puede considerar como un caso excepcional. Así que, cuando a la protagonista de la película que nos concierne, "Siempre Alice", le detectan la enfermedad a los cincuenta años, las consecuencias que causa son catastróficas, ya que le destroza automáticamente la vida, y mucho más siendo una persona en la que toda su vida se ha basado en la lucidez del intelecto, ya que era profesora de psicología en la universidad de Harvard y una experta lingüista de fama mundial; además de tener un marido exitoso y tres hijos adultos.

"Siempre Alice" está basada en la novela homónima de Lisa Genova, y a pesar de que su premisa parece estar sacada de un telefilme de sobremesa, esconde un drama realmente auténtico que por desgracia afecta a más 35 millones de personas en todo el mundo. El hecho de contar con la impresionante interpretación de Julianne Moore hace que se eleve la categoría de la película, ya que representa a la perfección a esa mujer, la cual su enfermedad le va causando estragos gradualmente en su vida, hasta a aquel momento idílica, perturbando la normalidad y sus facultades, y convirtiéndose en un verdadero problema para su familia y ella misma. Tal despliegue interpretativo de alto octanaje ha proporcionado que Moore se alzara con la estatuilla dorada a la mejor actriz, en la pasada edición de los premios Oscar.

Además, también cuenta a su favor la enfermedad que ha sufrido uno de los directores de la cinta, Richard Glatzer, que en el transcurso del rodaje del filme, ha ido plasmando su experiencia personal que finalmente lo ha postrado en una silla de ruedas. De hecho, la actriz Julianne Moore dedicó su premio a Glatzer en su discurso en los Oscar, diciendo que quienes, en mitad de su propia crisis por una enfermedad, decidieron que querían hacer películas porque deseaban celebrar quiénes son y a quién aman.

En conclusión, "Siempre Alice" es una película notable, que cuenta con una superlativa interpretación de Julianne Moore, que se ha alzado con el Oscar de manera incontestable, y que muestra con elegancia y delicadeza los sentimientos de una persona que padece alzhéimer y como afecta a su entorno familiar.

El tándem formado por el director Antoine Fuqua y el actor Denzel Washington, vuelve a reunirse trece años después de la exitosa, "Training Day", que le hizo ganar a Washington su segunda estatuilla dorada, para llevar a cabo una nueva y actualizada revisión de la serie de televisión estadounidense, titulada "The Equalizer", que Edward Woodward protagonizaba a mediados de la década de los ochenta.

Denzel Washington se mete en la piel de McCall, un hombre que cree haber dejado atrás su misterioso pasado para poder llevar una vida de paz y tranquilidad; sin embargo, cuando conoce a Teri (interpretada por Chloë Grace Moretz), una joven que se encuentra en manos de unos mafiosos rusos ultraviolentos, no puede quedarse al margen y tiene que ayudarla. McCall, provisto de habilidades secretas que le permiten cobrarse venganza de cualquiera que abuse de los desamparados, abandona su retiro autoimpuesto y recupera su sed de justicia. Si alguien tiene un problema, si lo tiene todo en contra, si no tiene nadie más a quien recurrir, McCall lo ayudará, ya que él es 'El Protector'.

La película toma su título de la serie de televisión de los años ochenta y comparte su premisa central: un hombre, sumamente preparado, que puede “igualar las tornas” cuando los desamparados lo tienen todo en contra. Aunque su director la ha adaptado a los códigos narrativos que rigen en la actualidad. Destaca de sobremanera la construcción del personaje protagonista por parte de Denzel Washington, que valiéndose de su gran carisma, y recursos interpretativos, se mete en la piel de éste justiciero, un buen samaritano que ayuda a los demás porque puede, debido a sus aptitudes. Asimismo, las escenas de acción están muy bien resueltas, con las dosis bien equilibradas de truculencia, que se desmarcan de la 'temida' calificación por edades PG +13 (No apta para menores de 13 años). Un buen ejemplo de ello es la genial secuencia en la cual el personaje de Washington, en unos pocos segundos, les da su merecido a unos mafiosos rusos, y de paso, le da un uso diferente a un sacacorchos.

También es destacable el notable villano encarnado por el actor hungaro-neozelandés Marton Csokas, que se erige como contrapunto perfecto al personaje de Washington, en el cual comparten cierta escena en un restaurante, con un diálogo al más puro estilo Tarantino, y una enorme tensión, siendo de lo mejor del filme; asimismo, la factura técnica es correcta, y el guión es bastante solvente e inteligente, sabiendo equilibrar de forma notable, las raíces ochenteras con los cánones de acción actuales, en el que sin duda, se eleva por encima de productos similares protagonizados por actores más habituados al género.

En definitiva, "The Equalizer" es una muy buena cinta de acción, con un Denzel Washington que con sus dotes interpretativas, eleva la categoría del filme, siendo una de las muestras de acción más destacadas del pasado año 2014.

Siempre he sido fan confeso de Clint Eastwood en todas sus facetas, debido al buen gusto y tablas que demuestra en cada una de sus películas. Su nivel interpretativo ha sido relativamente notable; sin embargo, es en su faceta de director donde más y mejor se ha prodigado, siendo responsable de verdaderas obras maestras, tales como: "Sin Perdón" (Unforgiven, 1992), "Los puentes de Madison" (The bridges of Madison County, 1995), "Mystic River" (Id., 2003) o "Million Dollar Baby" (Id., 2004), por citar algunas. Desde que realizó "Gran Torino" (Id., 2008), que posiblemente sea su última obra maestra, su filmografía ha sufrido bastantes altibajos, alternando buenos filmes interesantes, y otros tantos de corte menor.

La película que nos concierne, titulada "El francotirador" (American Sniper), viene avalada por las seis nominaciones a los premios Oscar (incluyendo la de mejor película y actor protagonista), y nos trae la autobiografía del marine Chris Kyle, un tejano que batió el récord de muertes como francotirador del ejército norteamericano. Kyle fue enviado a Irak con la misión de proteger a sus compañeros. Su precisión milimétrica salvó incontables vidas en el campo de batalla, por lo que se ganó el apodo de 'Leyenda', pero la noticia de sus hazañas llegó hasta las filas enemigas, propiciando que se le pusiera precio a su cabeza, y convirtiéndose en objetivo prioritario de los insurgentes. En Irak, Chris participó en cuatro peligrosas misiones, aplicando el principal lema de los marines Seal: "no dejar a ningún hombre atrás".

Esta última cinta de Clint Eastwood (hasta la fecha), posee los argumentos suficientes para ser tenida en cuenta, como una película más que interesante; no obstante, contiene algunos altibajos importantes que merman su resultado final. Me explico. Por una parte, su gran virtud reside en la portentosa interpretación de su actor protagonista, Bradley Cooper, que se ha involucrado tanto en su rol que hasta incluso ha aumentado su masa muscular, para otorgarle una mayor credibilidad al personaje, siendo posiblemente la mejor que ha realizado en su excelente filmografía. De hecho, con ésta es su tercera nominación consecutiva en los premios Oscar, que atestigua el gran momento por el que atraviesa. La evolución de Kyle es muy interesante, ver como le afecta psicológicamente arrebatar vidas humanas en el transcurso de su experiencia en el campo de batalla, llegando a quedar totalmente insensibilizado (siendo un retrato bastante escalofriante); además, es digno de mención algunas de sus grandes secuencias: como aquella en la cual el marine mata a su primera víctima (siendo muy impactante), o la secuencia de la tormenta de arena, realizada de forma realmente magnífica.

Aunque, por contra se puede decir que la dirección de Eastwood es bastante mecánica, marcando en demasía los tempos narrativos, dando la sensación de que se ha limitado a poner la cámara en su sitio y filmar la cinta con el piloto automático. Ese desarrollo un tanto encorsetado hace que el filme sea repetitivo, dejando patente que le sobra metraje, y haciendo también, que el personaje de la esposa de Kyle (llevado a cabo por Sienna Miller) esté bastante desdibujado. Cabe decir también, que es sorprendente lo desapercibida que pasa la banda sonora de un maestro del talante de Ennio Morricone, en la cual aporta más bien poco (solamente en momentos puntuales).

En definitiva, "El francotirador" es una película interesante, que contiene algunos puntos a favor a tener en cuenta, aunque, cabe decir que sigue en la misma linea de filme menor que por desgracia nos tiene acostumbrados últimamente el gran Clint Eastwood, siendo una pena, porque había material suficiente para construir un gran filme.

El director francés Pierre Salvadori, curtido en el mundo de la comedia, de las cuales se puede destacar "Usted primero" (2003) y "Un engaño de lujo" (2006), nos propone en su última película (hasta la fecha), titulada "En un patio de París", un drama con pinceladas cómicas; en el que se adentra en la crisis de los cuarenta, la locura cotidiana, y la convivencia en una excéntrica comunidad de vecinos.

La historia se centra en Antoine, un músico que acaba de cumplir los cuarenta años de edad, que de pronto decide abandonar su carrera. Tras deambular sin rumbo durante varios días, lo contratan para que se encargue del mantenimiento de un edificio de pisos. Allí conocerá a Mathilde, una mujer jubilada que acaba de mudarse, y que descubre una grieta en la pared del salón, cayendo víctima del pánico. Poco a poco nacerá entre ellos una singular y extraña amistad.

Lo más destacado de esta solvente película, es sin duda, las interpretaciones de su dúo protagonista, compuesto por Gustave de Kervern y Catherine Deneuve. En lo que se refiere a Gustave, construye un personaje bastante contenido, en el que muestra, de forma precisa, como un hombre sufre la temida crisis de los cuarenta; por otra parte, Deneuve está realmente notable, elevando la categoría del filme, ya que perfila un personaje que de manera progresiva se introduce en la locura, conteniendo varios puntos en común con el que interpretó en el clásico de culto de Roman Polanski, "Repulsión" (1965), aunque no tan visceral como aquel. También es muy interesante el retrato que realiza a la siempre complicada convivencia entre vecinos, en el que Salvadori nos ofrece un desfile de pintorescos personajes que aportan el tono divertido y desenfadado de la cinta, destacando: el genial predicador de la secta religiosa, el exfutbolista caído en desgracia que colecciona bicicletas, y el manioso arquitecto 'toca-pelotas'.

En conclusión, "En un patio de París" es una buena comedia agridulce, ensalzada por las notables interpretaciones de sus protagonistas, sobretodo una Catherine Deneuve que demuestra todo su talento y carisma, y que nos retrata la temida crisis de los cuarenta de forma interesante y con todas sus consecuencias.

La primera impresión que tienes al ver la película que nos concierne, "The interview", es que tanto revuelo no era para tanto, ya que se trata de una comedia ligera, que contiene algunos gags bastante divertidos. El hecho de que levantara tanta polémica solamente es debido a la visión política de un país intolerante que prohíbe, sin razón plausible, la libertad de expresión. Según dicen, la base del buen sentido del humor reside en reírse de uno mismo, siempre dentro de los cánones del respeto; de hecho, desde hace mucho tiempo se ha utilizado la comedia para mostrar lo absurdas que pueden ser las peores cosas del mundo, sirva como ejemplo grandes clásicos como "El gran dictador" (Charles Chaplin, 1940) que hacía un retrato paródico de Adolf Hitler, o "Ser o no ser" (Ernst Lubitsch, 1942) que basándose en el monólogo de la tragedia Hamlet de William Shakespeare, realizaba una feroz sátira antinazi, por citar algunas, que sin lugar a dudas, se apoyan en este concepto.

La premisa de esta alocada comedia de acción se centra Dave Skylark y su productor Aaron Rapoport, que dirigen un programa de televisión sensacionalista sobre famosos llamado 'Skylark Tonight'. Cuando descubren que el líder Norcoreano Kim Jong-un es un fan del programa, organizan una entrevista con él en un intento por demostrar al mundo lo buen periodistas que son; sin embargo, en el momento en que Dave y Aaron se están preparando para viajar a Pyongyang, sus planes sufren un cambio cuando son reclutados por la CIA para matar al tirano.

El tándem Seth Rogen y James Franco, responsables tanto de series de televisión: "Freaks and Geeks" (1999 - 2000); como de numerosos filmes: "Superfumados" (Pineapple Express, 2008) o "Juerga hasta el fin" (This Is the End, 2013); son los encargados de protagonizar (y Rogen también de dirigir) la cinta, y a decir verdad, es que están bastante solventes en sus respectivos roles. Destaca también la descacharrante caracterización del tirano norcoreano a cargo de Randall Park, siendo lo mejor del filme.

En definitiva, "The Interview" es una buena y entretenida comedia, que trata la extraña y fascinante convergencia entre el poder de una celebridad y el poder político, y que no busca faltar el respeto a nada, ni a nadie, ya que se podría afirmar que es bastante inofensiva.

Se podría decir que la Segunda Guerra Mundial es un tema bastante recurrente en la historia del cine, ya que es sin duda ha sido la mayor contienda bélica de la Historia, con más de cien millones de militares movilizados y un estado de guerra total, en el que se vieron implicadas la mayor parte de las naciones del mundo, incluidas todas las grandes potencias. Grandes filmes han recreado con más o menos acierto prácticamente todas las fases, desde el comienzo del conflicto en 1939, con la invasión alemana de Polonia, pasando por la expansión de la Alemania Nazi en la Europa Continental, la invasión de la Unión Soviética, el ataque asiático a los Estados Unidos, y terminando en la rendición incondicional alemana en 1945. Sirva como ejemplo "El gran dictador" (Charles Chaplin, 1940), "El puente sobre el río Kwai" (David Lean, 1957), "Das Boot (El submarino)" (Wolfgang Petersen, 1981), "La Lista de Schindler" (Steven Spielberg, 1993), o ésta que nos concierne, titulada "Corazones de Acero", de entre otras muchas.

"Corazones de Acero" nos sitúa en abril de 1945, en el que una brigada de cinco soldados americanos a bordo de un tanque 'el Fury', capitaneados por el veterano sargento Wardaddy, ha de luchar contra un ejército nazi al borde de la desesperación, pues los alemanes sabían que su derrota estaba ya cantada por aquel entonces.

Uno de los puntos fuertes de la película reside en las interpretaciones del elenco actoral, encabezado por un genial Brad Pitt que encarna del sargento al mando del escuadrón, y bien secundado por Shia LaBeouf, Jon Bernthal y el joven Logan Lerman. Para que esa hermandad existente entre los miembros de la dotación del tanque fuera lo más auténtica posible, su director contó con el asesoramiento de dos militares especialistas, que diseñaron un campo de entrenamiento básico para que los cinco actores protagonistas fueran expuestos (a una escala menor) a los elementos que padecieron los soldados: lluvias, barro, viento, y falta de sueño. El hecho de haber pasado por tal proceso logra que el filme tenga un realismo increíble, ya que los actores muestran una compenetración auténtica.

La factura técnica es muy buena, y ayuda a la verosimilitud de la premisa; además, su director David Ayer compone un entramado notable, que se ciñe casi a la perfección a los hechos reales acontecidos en la Segunda Guerra Mundial, tomándose ciertas licencias narrativas; aunque éstas le hacen restar credibilidad al final, pero sin desmerecer el conjunto del filme, que es notable.

En síntesis, "Corazones de Acero" es una gran película bélica, de las mejores realizadas últimamente, que nos ofrece un realismo auténtico, bastante parecido al mostrado en el clásico de Spielberg "Salvar al Soldado Ryan", con un conjunto de buenas interpretaciones, y una premisa que plasma el horror y absurdo de la guerra.

"La teoría del todo" se centra en la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer, Jane, en la época cuando se conocieron en Cambridge, mientras eran estudiantes, y posteriormente ambos lucharon contra la ELA (esclerosis lateral amiotrófica), la enfermedad degenerativa que postró al famoso científico en una silla de ruedas. Cabe decir que Jane le profesaba un amor incondicional, ya que a pesar de su juventud, renunció prácticamente a todas sus aspiraciones en la vida para ayudar a afrontar tal enfermedad. Hay que tener en cuenta que la película está basada en el libro de memorias, titulado "Travelling to Infinity: My life with Stephen", escrito por ella en 2007.

Su director James March, curtido en el mundo del documental, responsable de las estupendas "Proyecto Nim" (2011) y "Man on wire" (2008), que fue galardonada en los premios Oscar como mejor documental; ha sabido equilibrar notablemente el tono dramático, con buenas pinceladas de humor que ayudan a hacer más llevadera la tremenda historia del astrofísico. Aunque lo más destacable del filme se encuentra en las geniales interpretaciones, por parte de Felicity Jones que encana a Jane, la primera esposa de Hawking, y sobre todo la de un pletórico Eddie Redmayne, que logra una espectacular y visceral transformación, que bien recuerda a la propia realizada por Daniel Day Lewis en la cinta de Jim Sheridan, "Mi pie izquierdo" (My Left Foot, 1989), que le valió un merecido premio Oscar para su actor. Redmayne consigue recrear tanto su forma de andar, sus gestos, como su forma de hablar, haciendo que en multitud de ocasiones te olvides que estás viendo a un actor interpretando, siendo una interpretación sublime por su fidelidad, y que se postula como una alternativa seria para el Michael Keaton de "Birdman", en la presente edición de los premios Oscar.

En definitiva, "La teoría del todo" es una de las películas del año, realizada con buen gusto, y enardecida por las superlativas interpretaciones de su dúo protagonista; a pesar de que el filme deje en un segundo plano el proceso del científico por resolver la gran ecuación que de sentido a la "teoría del todo", centrándose en la singular, y porque no decirlo, apasionante y maravillosa historia de amor verdadero.

Hace bastante tiempo que una película no me daba tantos quebraderos de cabeza para realizar su correspondiente crítica, ya que el filme que nos concierne, "Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)", es una auténtica rareza inclasificable. Tengo que confesarlo, y que me perdonen los críticos de cine especializados y grandes aficionados al séptimo arte en general, pero las primeras obras de Alejandro González Iñárritu; es decir, tanto "Amores perros" (2000) como "21 gramos" (2003), me chirriaron bastante. Puede que sea debido a una mera cuestión de gustos, supongo (¿que se yo?); sin embargo, sea como fuere, con ese embrutecido estilo no he podido conectar nunca.

Así que con lo expuesto, me atrevería a afirmar que desde que Iñáritu aterrizara en el "Blockbuster", estilizando el estilo, y si lo deseas, comercializándolo... ha conseguido que éste pequeño crítico de cine local que está intentando escribiros cuatro palabras sobre la película en cuestión, conecte con el gran talento que atesora este gran director, y buena prueba de ello han sido la notable "Babel" (2006), o ésta que nos abarca. Ya que cómo iba diciendo antes, "Birdman", es una rareza inclasificable, un experimento, una especie de 'blockbuster' de arte y ensayo ejecutado de forma brillante y muy inteligente.

Con "Birdman", el señor Iñárritu nos trae la historia de un actor, que después de hacerse famoso interpretando a un célebre superhéroe, trata de darle un nuevo rumbo a su vida, intentando recuperar a su familia y prepararse para el estreno de una obra teatral en Broadway que él mismo ha escrito, dirige y protagoniza.

Es posible que no hubiera otro actor más idóneo y capacitado para llevarlo a cabo que Michael Keaton, ya que sin lugar a dudas, está confeccionado a su medida, a su imagen y semejanza, habiendo paralelismos más que evidentes con la vida real de Keaton y el actor que da vida en el filme; ya que ambos interpretaron a principios de los noventa a un superhéroe que le hiciera famoso, llámese "B-at-MAN" = "B-ird-MAN" (lo he escrito así para que evidencie la semejanza de ambos títulos); además, Keaton en la vida real protagonizó las dos primeras entregas del superhéroe murciélago, con "Batman" (Tim Burton, 1989) y "Batman vuelve" (Tim Burton, 1992), siendo el 1992 el año en el cual Keaton abandonaría el personaje, el mismo que se menciona en la película como el fin de la saga, precisamente de la tercera (y ficticia) "Birdman 3", la misma de la que cuelga su imperante póster en la pared de su camerino; asimismo, los dos superhéroes son una especie de 'pájaros' que vuelan, aunque en "Birdman" sirve como metáfora perfecta, ya que tanto a Keaton como su alter ego protagonista de este filme, les 'cortaron las alas' tras abandonar las correspondientes sagas superheroicas. De hecho, tras despojarse del traje del murciélago negro, Keaton se ha pasado muchos años "vagabundeando" entre personajes en subproductos mediocres de tres al cuarto, y esa recuperación de las alas (aunque sea de forma metafórica y experimental), ha conseguido que el actor estadounidense se eleve como el ave fénix, con una actuación superlativa, exprimiendo todo su enorme talento, aquel que escondía en su más recóndito interior, y nos mostrara en la década de los noventa con títulos como el antes citado de "Batman", "Bitelchús" (Tim Burton, 1988) o "Jackie Brown" (Quentin Tarantino, 1997), por citar algunas.

El genial director mexicano nos expone la vida de este actor de una forma espectacular, filmada como un plano secuencia continuo, dándole una factura técnica impresionante, con una fotografía y montaje de órdago. La cámara se cuela libremente entre bambalinas, siguiendo a unos y otros, mostrándonos con lujo de detalles los entresijos del teatro, y todos los que trabajan en él. Aparte de su técnica cinematográfica, el guión es magnífico, sin concesiones, atizando de forma sutil e inteligente al mundo del espectáculo; y aparte de Keaton, el resto del elenco actoral está espléndido, el cual se puede destacar a Edward Norton, Naomi Watts, Emma Stone, y un sorprendente Zach Galifianakis, que se aleja de los roles cómicos habituales.

En conclusión, (y ahí van mi retahíla de etiquetas para calificar el filme), "Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)" es sin duda la cumbre de su director, Alejandro González Iñárritu. Un excelente y virtuoso drama vestido de comedia negruzca, que sirve de redención perfecta para Michael Keaton, y que transcenderá a los anales de la historia del celuloide, como uno de los ejercicios de estilo más originales y estimulantes realizados en mucho, mucho tiempo.

Es más que evidente que la factoría Disney se encuentra atravesando una nueva edad de oro, ofreciéndonos año tras año películas con una entidad y trascendencia importantes, tales como: "Enredados" (Nathan Greno y Byron Howard, 2010), "Rompe Ralph" Rich Moore, 2012), o "Frozen: El Reino del Hielo" (Chris Buck y Jennifer Lee, 2013), por citar algunas; que con el paso del tiempo, a buen seguro se convertirán en clásicos, del mismo modo que "Blancanieves y los siete enanitos", "Fantasía", "La bella y la bestia" o "El rey león".

Con "Big Hero 6", dejan de lado el musical y nos traen una aventura de superhéroes, ya que cabe decir que es una adaptación de un cómic de la Marvel. Sus directores, Chris Williams y Don Hall, responsables de las interesantes "Bolt" (2008) y "Winnie the Pooh" (2008) respectivamente, nos cuentan la historia de Hiro Hamada, un niño de 14 años que vive en la metrópolis de San Fransokyo (un cruce entre San Francisco y Tokio), y que aprende a sacar provecho de su capacidad intelectual gracias a su brillante hermano Tadashi y sus también brillantes amigos: la buscadora de adrenalina GoGo Tamago, el meticuloso de la limpieza Wasabi-No-Ginger, la genio de la química Honey Lemon y el fanático de los cómics Fred. Cuando tras un devastador giro de los acontecimientos, se ven envueltos en una peligrosa conspiración que tiene lugar en las calles de la ciudad, Hiro recurre a su amigo más íntimo: un robot llamado Baymax, y transforma al grupo en una banda de héroes de última tecnología decididos a resolver el misterio.

"Big hero 6" cuenta con un excelente guión, con una premisa que incide tanto en la importancia de madurar y tomar decisiones certeras para encauzar bien la vida, como también en la importancia de relacionarse y tener amigos, ya que éstos pueden prestarte su ayuda en los momentos difíciles. Williams y Hall han sabido equilibrar a la perfección las escenas de acción, con las pinceladas dramáticas, y los momentos cómicos, llevados a cabo por el entrañable y simpático robot Baymax, que sirve como contrapunto perfecto a su joven protagonista. Los guiños y referencias tanto a la cultura geek y la robótica como a la cultura oriental son más que evidentes y enriquecen, aun más si cabe, a la propuesta; además, como viene siendo habitual en todas las historias basadas en las tiras cómicas de la Marvel, Stan Lee tiene su 'cameo', y es necesario indicar también que hay una escena post-créditos.

En conclusión, "Big Hero 6" es una película notable, posiblemente el filme "más Pixar" realizado por Disney, con una historia emotiva, divertida, con mensaje y muy entretenida, que sin lugar a dudas, confirma el magnífico estado de forma en la que se encuentra la factoría de los sueños.

Con la trilogía de "El Señor De Los Anillos", se podría afirmar con total seguridad, que Peter Jackson cambió de forma definitiva la concepción del 'blockbuster', además de granjearle multitud de premios, tales como las once estatuillas doradas que obtuvo por "El retorno del rey" (2003), hecho que le propició colocarse como la película más galardonada en los Oscar de la historia, junto con "Ben-Hur" (William Wyler, 1959) y "Titanic" (James Cameron, 1997). Así que en 2012, y visto el gran éxito de crítica y público conseguido, volvió a la obra de J. R. R. Tolkien, pero esta vez adaptando el libro que anticipó las aventuras de Frodo, Aragorn y compañía, titulado "El Hobbit".

El problema más evidente, ha sido la decisión errónea de dividir en tres partes una historia que tendría que haber sido constituida en un sólo filme (o si lo preferís en dos), para conseguir así una mayor efectividad en compendiar situaciones y personajes; del mismo modo, que compactaría perfectamente el tono y los mensajes sobre el heroísmo, el honor, el poder, la avaricia, y el liderazgo.

A pesar de ello, lo más destacado se encuentra en el innegable sentido del espectáculo visual de Jackson, y en la capacidad del neozelandés para reflejar con conocimiento la mítica de Tolkien, al margen de desaciertos en estructura y exposición, ya que el guión contiene bastantes irregularidades, centrándose prácticamente en la acción, siendo el filme una gran batalla alargada hasta la extenuación; aunque, es necesario indicar que Jackson enlaza de forma notable con la primera entrega de "El Señor de los Anillos", con mención especial para la secuencia, en la cual la elfa Galadriel (interpretada por Cate Blanchett) se enfrenta a un espectral Sauron, desterrándolo finalmente a Mordor, y siendo una verdadera gozada ver al gran Christopher Lee (que interpreta al mago Saruman) en tan buen estado de forma en las luchas, teniendo en cuenta que rebasa los noventa años.

Es necesario indicar, que en ocasiones, algunas de las peripecias y saltos en las peleas, quebrantan todas las leyes de la física, siendo totalmente inverosímiles; sin embargo, los efectos visuales son notables, aunque algo cargantes, ya que Jackson ha abusado un poco de ellos, haciendo que muchas veces se asemeje a un vídeojuego.

En definitiva, "La batalla de los cinco ejércitos" es una película muy entretenida, a pesar de no llegar a las altas cotas alcanzadas por la trilogía del anillo, que contiene sus momentos interesantes y oscuros, y siendo posiblemente la mejor, y más lograda, de las tres entregas del Hobbit.

Los diez mandamientos son un conjunto de principios éticos y de adoración, que juegan un papel importante en el Judaísmo y el Cristianismo, que incluyen instrucciones sobre como adorar sólo a Dios y guardar el día de reposo; como también prohibiciones en contra de la idolatría, asesinato, robo y adulterio. De acuerdo con la historia narrada en el libro de Éxodo (recogido en la Bíblia Hebrea), Dios escribió estos mandatos en dos tablas de piedra, las cuales dio a Moisés en el Monte Sinaí.

La historia, conocida de sobra por todos, ha sido llevada a la gran pantalla en tres ocasiones: dos realizadas por Cecil B. DeMille y ésta que nos concierne. La primera versión, titulada "Los diez mandamientos" (1923), es posiblemente (junto con "BenHur" [Fred Niblo, 1925]), una de las películas más espectaculares del cine mudo. La segunda adaptación (con el mismo título), es uno de los grandes clásicos de la historia del celuloide, en la que su director DeMille (gran especialista en el cine épico), mejoraría considerablemente su anterior versión muda, contando con uno de los sets de filmación más grandes en la historia del cine, y siendo la película más cara realizada en el momento de su estreno. Tras estos brillantes precedentes, para esta nueva y tercera adaptación, la productora fichó al gran director Ridley Scott, responsable de algunas obras de culto del cine moderno, y nominado en tres ocasiones a los premios Oscar.

El estilo de Ridley eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual, y sonora) en un filme. Así que basándose en este hecho, la factura técnica de "Exodus: Dioses y Reyes" es deslumbrante, con unos planos aéreos impresionantes, en el que se ve con sumo detalle las ciudades egipcias con sus pirámides; del mismo modo que las siete plagas, que están reproducidas de forma realmente impactante, siendo posiblemente lo mejor del filme; sin embargo, al elenco actoral le falta ese carisma que poseían los del clásico de DeMille, como los insuperables Charlton Heston, Yul Brynner, Edward G. Robinson o Anne Baxter, entre otros... Es imposible no echar la vista atrás y compararla (las comparaciones son odiosas), pero la evidencia es clara, y más teniendo en cuenta de que es la misma historia ya conocida por todos (con ciertos retoques y con más 'fuegos artificiales'), y que 'bebe' de uno de los exponentes más brillantes de la época dorada del cine de Hollywood.

Solamente Christian Bale se salva de la quema, sobresaliendo por encima de los demás, cargándose en multitud de ocasiones la película a la espalda; o sea (y nunca mejor dicho) tirando del carro. Cabe decir, que a pesar de la gran oportunidad que le ha reportado trabajar en una superproducción, a la hermosa actriz española María Valverde, y el esfuerzo realizado... la subtrama donde ella desarrolla su personaje me ha chirriado bastante, ya que prácticamente no aporta demasiado a la historia principal, más allá de que Moisés echa raíces, alargando en demasía el metraje, y por consiguiente, ralentizando la acción; aunque a su favor, tengo que confesar que es bastante entretenida, y como he comentado anteriormente, visualmente es espectacular.

En definitiva, "Exodus: Dioses y Reyes" es una buena película, posiblemente la mejor realizada por su director en mucho tiempo; pero sabiendo la categoría que atesora, las altas expectativas que suscita, y las grandes obras maestras realizadas, tales como "Alien, el octavo pasajero" "Blade Runner", o "Gladiator, entre otras; es necesario señalar que el resultado final es decepcionante.