El amor es un tema del que nunca nos cansamos, está en todas partes, se manifiesta de formas distintas, y como reza el título de esta película documental, el amor lo es todo. La directora Kim Longinotto, con una amplia experiencia en el mundo documental, le ha dedicado toda una película a explorar esta inexplicable tendencia humana. A través de un 'collage' cinematográfico de más de 100 años de amor, viajaremos a través del cine con películas; tales como "Kiss in the Tunnel" (George Albert Smith, 1899), pasando por la notable (e injustamente olvidada) "Piccadilly" (Ewald André Dupont, 1929) protagonizada por la bella actriz británica de origen chino, Anna May Wong, y que supuso el debut como actor del gran Charles Laughton; "Pressure" (Horace Ové, 1975) que fue el primer largometraje dirigido por un británico negro; también el filme sobre el matrimonio gay contemporáneo "Mi hermosa lavandería" (Stephen Frears, 1985) protagonizada por el gran Daniel Day Lewis; hasta la notable "Brick Lane" (Sarah Gavron, 2007)... todas ellas rescatadas del material de archivo del Archivo Nacional del BFI (British Film Institute), Yorkshire Filmoteca y otras fuentes.

"Love is All" nos lleva a un viaje a través del siglo veinte, explorando el amor y el noviazgo en pantalla en un siglo de agitación social sin precedentes. Desde el primer beso capturado en pantalla, pasando por la perturbación de la guerra, al nacimiento de la cultura juvenil, el movimiento gay o el amor libre, seguimos a múltiples parejas flirteando en bailes, besándose en los autocines, o luchando por su derecho a amar. Aunque se podría entender también como una oda de amor al cine mudo británico, a través de los fragmentos rescatados que componen el filme.

Destaca de sobremanera las canciones que componen la exquisita banda sonora, llevada a cabo por Richard Hawley, cantante británico (nacido en Sheffield) que fue miembro como guitarrista del célebre grupo Pulp. Sus sólidas y modernas canciones acompañan a largo y ancho de todo el metraje, a las imágenes en blanco y negro, y fragmentos de grabaciones de noticias y películas mudas. También es destacable el sobrio montaje; aunque su duración es un tanto excesiva, dada la propia naturaleza del filme, sobrándole unos veinte minutos que hubieran agilizado mejor el concepto de la historia.

En definitiva, "Love Is All: 100 Years of Love & Courtship" se trata de un documental de corte experimental, que muestra el amor en sus diversas formas a través de la pantalla y de la historia del celuloide británico, que a pesar de ser excesiva en su metraje, la forma de abordar el concepto del amor, las impresionantes canciones de Hawley, y el rescate de algunas joyas del cine británico hacen que la experiencia de su visionado no te deje indiferente.

Después de haber triunfado con su anterior largometraje, "Intocable", los directores Oliver Nakache y Eric Toledano nos traen "Samba", también protagonizada por Omar Sy. En ella nos vuelven a contar una historia sobre dos extraños que podrían encontrar juntos la senda de la felicidad. Por un lado está Samba, un trabajador clandestino que se fue de su país, y que ahora intenta regularizar su situación para poder cumplir con una oferta de trabajo que ha recibido; y por otro lado Alice, una ejecutiva que lo tiene todo para ser feliz, pero que está sobrecargada de trabajo y ha reventado. El trabajo es el valor supremo para ambos, pero cuando se conocen van a descubrir nuevos horizontes, e intentarán ser felices de forma distinta de la que impone el mundo del trabajo y el éxito social.

"Samba" toca de manera interesante el espinoso tema de la inmigración ilegal, mostrando un mundo por el que el cine francés no se ha interesado demasiado hasta ahora: andamios, obras, centros de separación de residuos, fondos de cocinas, imágenes de esos jóvenes que esperan a las cinco de la mañana a que los jefes de las obras les contraten para la jornada; en fin, en todos esos problemas con los que tienen que lidiar estas personas para ganarse la vida y subsistir. Me ha gustado la forma en la cual los directores Nakache y Toledano tratan el tema, resumiendo la hipocresía de un sistema que, a pesar de todo, necesita de esa mano de obra; no obstante, el desarrollo del entramado sufre diversas pérdidas de ritmo propiciando que se alague hasta las casi dos horas, siendo una duración un tanto excesiva.

Omar Sy y Charlotte Gainsbourg están estupendos. Omar encarna a un trabajador clandestino al que le costó dos años llegar a Francia, renunciando a abandonar el país y luchando cada día para normalizar su situación; por otra parte, Charlotte encarna a una mujer que intenta volver a sentir, recuperar la empatía y la sensibilidad hacia los demás, tras haber padecido el síndrome conocido como "burnout" (que a grandes rasgos consiste en la presencia de una respuesta prolongada de estrés). Mención especial para Tahar Rahim, en un rol cómico y desenfadado que me ha sorprendido, lejos del ofrecido en filmes anteriores, como "Un profeta" o "El Pasado (Le passe)".

En conclusión, pese a que no llega a la trascendencia y altas cotas ofrecidas por su anterior cinta "Intocable", "Samba" es una buena película, muy entretenida, con una premisa que busca esa transición entre los momentos de felicidad intensa y la aventura más trágica, a caballo entre la comedia y el drama, que contiene reminiscencias al cine de Ettore Scola, con ese talento para abordar temas auténticos con una emoción, una empatía y una gracia extraordinarias, estando siempre sostenido por unos actores muy grandes.

Hace unos años, concretamente en 2011, una comedia dramática consiguió pulverizar la taquilla, y rendir a la crítica y público con una historia sencilla, familiar, realista y muy bien interpretada. La película en cuestión es "Intocable" (Oliver Nakache y Eric Toledano), en el que un inmigrante de los suburbios de París se tiene que hacer cargo de un aristócrata tetrapléjico. La película que nos concierne, titulada "La familia Bélier", comparte la esencia de la maravillosa cinta de Nakache y Toledano, con una premisa centrada en una familia en la que todos sus miembros son sordomudos, excepto Paula, de 16 años. Ella hace de intérprete para sus padres, especialmente en lo que respecta al funcionamiento de la granja de la familia. Un día, alentada por su profesor de música, que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France, pero se trata de una elección que la obligará a distanciarse de su familia.

El director del filme Eric Lartigau compone una deliciosa y sencilla historia, de una chica joven que experimenta el cambio de la pubertad a la juventud plena, teniendo que asumir las riendas de su vida con todas las responsabilidades que ello acarrea. Lartigau equilibra de maravilla los momentos divertidos con los más dramáticos, dotándola de una gran emotividad debido en gran medida por el excelente elenco de actores, simplemente fantásticos y entrañables. Por encima de todos podríamos destacar dos: en primer lugar la joven Louane Emera que es, sin duda, un gran descubrimiento. Louane es muy conocida en el país galo por su faceta de cantante, ya que participó en la segunda edición del célebre programa televisivo, "The Voice", quedando en segundo lugar. Con "La familia Bélier", Louane debuta como actriz de forma brillante, ya que está realmente magnífica, aportándole al personaje de los matices y personalidad que requiere, y que le proporcionó ganar el premio a la mejor actriz revelación en la presente edición de los César; del mismo modo, también destaca François Damiens, que ya estuvo fantástico en "La Delicadeza" (David y Stéphane Foenkinos, 2011), y aquí realiza posiblemente la mejor interpretación de su carrera. Además de los actores, también destaca una banda sonora repleta de canciones realmente preciosas, cantadas por la protagonista Louane Emera, que emociona por su sensibilidad, buen gusto y gran talento para la música.

En definitiva, "La familia Bélier" es una gran película, bien filmada e interpretada, con una historia divertida y emotiva a partes iguales, y que deja al descubierto el enorme talento de la joven Louane Emera, tanto en la música como en la interpretación.

Confieso que cuando me dirigí a ver "Tomorrowland: El mundo del mañana", iba con las expectativas por los suelos, después de leer infinidad de malas críticas. Con ese bajo estado de ánimo, y una vez terminada, puedo afirmar que me he llevado una grata sorpresa, pues me ha gustado más de lo que cabría esperar, y no es tan mala como me la pintaban, ni mucho menos. Teniendo claro de antemano que no es una obra maestra, ni tampoco una maravilla; sin embargo, sí que hay ciertos aspectos interesantes a tener en consideración.

Lo primero que salta a la vista es su brillante factura técnica, con unos efectos especiales impresionantes e imaginativos, que le aportan una incesante riqueza fantasiosa a los edificios de "la ciudad de las artes y las ciencias" de Valencia; destacando de sobremanera su primera media hora, destilando un delicioso toque nostálgico, bebiendo directamente del cine de los ochenta con el sello de Spielberg; además de los guiños al universo Disney con las figuritas del merchandising de "Star Wars", también a "Regreso al futuro" de Robert Zemeckis, a esa fantástica "Fábrica de Chocolate" de Roald Dahl (que hace unos años la llevó a la gran pantalla Tim Burton, de la mano de la factoría Disney), y vagamente al espíritu del clásico musical "El Mago de Oz", con esa ciudad futurista de Tomorrowland que podría ser el homólogo del 'Mundo de Oz', salvando las distancias evidentemente.

La premisa de esta aventura fantástica incide en no perder nunca la esperanza y la capacidad para soñar, ya que con perseverancia, fe y confianza en uno mismo se puede superar cualquier adversidad y conseguir todo aquello que te propones. Este mensaje es posiblemente lo más destacable del filme, y se podría afirmar con total seguridad que es muy adecuado en estos tiempos que corren, en el que impera desgraciadamente el pesimismo. Aunque es cierto que el desarrollo del entramado se pierde un poco en el nudo de la historia, que va perdiendo la frescura inicial de la fantasía en detrimento de estancarse en una convencional aventura de ciencia ficción, con pérdidas de ritmo que ralentizan y alargan el metraje, pese a esos chispazos cómicos y visuales (el de la Torre Eiffel es impagable); no obstante, su final, pese a que algunos lo han tachado de naif, potencia y valida ese mensaje; además, tampoco no nos tenemos que olvidar de que se trata de una cinta de la factoría Disney, enfocada más específicamente a un público infantil.

Quizás lo más flojo del filme sean sus interpretaciones, a pesar de haber contado con grandes actores en su elenco, con un George Clooney que por momentos es divertido, pero dada su categoría se le puede exigir mucho más; del mismo modo que un desangelado Hugh Laurie, lejos de esa socarronería que destilaba su célebre Doctor House; aunque Britt Robertson y Raffey Cassidy me han gustado bastante, encarnando sendos personajes con desparpajo.

En definitiva, "Tomorrowland" es una película interesante y entretenida, con un mensaje ideal para los más pequeños (y no tanto), pero que da la sensación de que se ha quedado a mitad de camino, en el que su director y equipo de guionistas no han sabido sacar todo el jugo a la historia, relegando el conjunto a ser solamente una simpática aventura.

Louis "Lou" Bloom es un maleante que a duras penas se gana la vida. Tras negociar el precio de sus mercancías robadas y pedir un trabajo a su comprador, este le dice que no emplearía a un ladrón. Inspirado por un grupo de periodistas freelance a los que ve trabajando en la escena de un accidente automovilístico. Después de conversar brevemente con Joe y que este también le niegue trabajo, se decide a realizar él mismo esta actividad. Roba entonces una bicicleta de carreras y la intercambia por una cámara de vídeo y una radio scanner. Esa noche llega tarde a su primera escena, pero se acerca mucho más a la víctima para poder competir. A partir de ahí empezará una carrera ascendente en donde los límites legales y morales para conseguir la noticia van a cambiar.

Bajo esta interesantísima premisa se presenta la película que nos concierne, "Nightcrawler", la opera prima del director estadounidense Dan Gilroy, que causó sensación en el momento de su estreno, ganando diversos premios y obteniendo multitud de nominaciones, incluyendo en los premios Oscar. Y todo ello debido principalmente a la superlativa interpretación de su protagonista, ya que sin duda, lo más destacable del filme es Jake Gyllenhaal, que realiza un personaje odioso y enfermizo, que verdaderamente hace honor al título de la película, "Nightcrawler", siendo un voraz depredador nocturno en busca de la noticia exclusiva, y de la mejor toma de cámara posible; y si no puede conseguirla, es capaz hasta de corromper la escena si hace falta. No hay ningún tipo de límite para esta especie de 'psicópata' de las noticias. Los pelos como escarpias, y no por la visceralidad y lo explicito de algunas de sus imágenes de accidentes y asesinatos, sino por sus decisiones carentes de escrúpulos que toma para ascender, pisoteando a quien se interponga en su camino. Es ahí donde radica el encanto de este thriller, filmado con mano firme y muchas agallas, a pesar de ser su opera prima.

En menor medida también destaca el trabajo de su elenco actoral, sobretodo de la veterana Rene Russo, en el que su esplendido personaje se convierte en el contrapunto perfecto para nuestro depredador protagonista; asimismo, Bill Paxton (conocido por filmes como "Apolo 13" o la serie "Big Love") y Kevin Rahm (conocido por la serie de "Mad Men"), le aportan categoría a la película.

En conclusión, "Nightcrawler" es una película fantástica, que realiza una escalofriante sátira sobre el periodismo criminalístico, con un Jake Gyllenhaal apabullante y deliciosamente turbador, y que realiza un inquietante análisis de una sociedad morbosamente adicta a la violencia cotidiana.

Generalmente, el cine y la literatura de horror se basan en el miedo a lo desconocido, ya que ese algo desconocido da miedo porque puede hacernos daño o condenarnos a sufrir de formas indescriptibles. El miedo trata de suscitarse afectando directamente a la emotividad del espectador o lector, que se identifica con los padecimientos o vivencias extremas de determinados personajes. En el cine, con el fin de reforzar la tensión y acrecentar el interés en la trama, suele recurrirse a la tétrica ambientación musical, la inestabilidad emocional de los personajes, y los paisajes oscuramente sugerentes... dando forma a lo que se conoce por terror psicológico, que tuvo su origen en los relatos del gran escritor Edgar Allan Poe.

Con un presupuesto de solamente dos millones de dólares, un puñado de actores jóvenes y desconocidos, y bebiendo directamente de grandes clásicos del género de finales de los setenta y la década de los ochenta, el director David Robert Mitchell conforma esta modesta cinta de terror que nos concierne, titulada "It Follows", que utiliza el terror psicológico como principal baza para conformar una sencilla historia (aunque muy efectiva), de una chica joven que es acechada por una especie de fantasmas.

Jay, de 18 años, tiene su primer encuentro sexual con su novio en la parte trasera de un coche. Tras el hecho, aparentemente inocente, la situación se pone algo tensa cuando su novio hace que ella se desmaye. Al despertar, el joven le explica que lo hizo para ahuyentar a una serie de espíritus que lo acosan. A partir de ese momento, es Jay quien sufrirá las consecuencias de ese acoso, encontrándose sumergida en visiones y pesadillas; teniendo la sensación de que alguien o algo la observa.

Destaca de sobremanera una potente y atmosférica banda sonora compuesta por Disasterpeace, que contiene fuertes influencias a las propias realizadas por la banda de rock progresivo italiano Goblin (responsables de poner música a algunos clásicos de terror del maestro Dario Argento); asimismo, diversas escenas parecen sacadas del imprescindible clásico de John Carpenter, "La noche de Halloween", con el que comparte gran parte de su espíritu terrorífico, aunque cabe decir que también posee alma propia, no quedándose para nada en la mera copia.

"It Follows" deja de lado los asesinatos sanguinolentos y los típicos sustos fáciles que tan de moda están en el caduco y deslavazado cine de terror actual... para potenciar ese miedo a lo desconocido, puro y clásico terror psicológico verdaderamente inquietante, que se ve representado en la mismísima muerte, aquella que avanza caminando despacio y que finalmente acaba llegando.

Posiblemente le ha faltado un par de golpes de efecto y empaque a su premisa, que con un desenlace más trabajado hubiera redondeado mejor la propuesta; sin embargo y en lineas generales, es una notable cinta de horror, con una enrarecida atmósfera bastante inquietante y aterradora, realizada con inteligencia, gusto y buenas intenciones, que la convierten en la sensación del género de este año 2015.

A finales de los años setenta, el realizador australiano George Miller (junto con un joven y desconocido Mel Gibson), confeccionó un infernal retrato de un país australiano estéril y dominado por las bandas, pasándolo por el filtro de la ciencia ficción apocalíptica, y que con el tiempo se convirtió en todo un clásico de culto.

Esta nueva entrega, titulada "Furia en la carretera", nos llega veinte años después de la esperpéntica tercera parte (de hecho lo único rescatable es la canción de Tina Turner), y nos trae a un solitario Mad Max perseguido por su turbulento pasado; no obstante, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un camión de guerra conducido por una Emperatriz de élite: Furiosa. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una "guerra de la carretera" de altas revoluciones...

Miller ha resucitado la saga que él mismo creó y le puso en el panorama cinematográfico, actualizándola a los cánones que rigen en la actualidad, pero manteniendo la esencia de sus dos primeras entregas: el espíritu rebelde y macarra. 'Fury Road' nos hace sentir en nuestras carnes el árido polvo de sus anaranjados desiertos, la tensión de las adrenalíticas persecuciones, explosiones, y la acción pura metida en vena... todo en ella es mastodóntico y bestial; sin embargo, no se queda solo en su espectáculo visual, ya que posee corazón y sentimientos, con un trasfondo que subyaga el tema sobre el maltrato a las mujeres.

Cabe destacar el alto nivel de las interpretaciones, sobre todo de su dúo protagonista, que a pesar de la sonada ausencia del carismático Mel Gibson, el rudo Tom Hardy le sustituye de forma notable, encarnando de maravilla al antihéroe Max Rockatansky; aunque es Charlize Theron la que se lleva el gato al agua, estando realmente inmensa y genial como la Emperatriz Furiosa, siendo está una de sus mejores interpretaciones en su vasta carrera.

También destaca una factura técnica alucinante, una fotografía colorista que dota de vida cada fotograma, una banda sonora potente (y a ratos hasta divertida) ya que los tamborileros blancos y el delirante guitarra escupe fuego (que personalmente me ha recordado a esa desenfadada banda del club de la 'Teta Enroscada' de la cinta 'Tarantiana', "Abierto hasta el amanecer") son parte del desquiciado grupo del señor de la guerra.

Por ponerle alguna traba (eso sí, pequeña), quizás sea que el guión es un tanto sencillo (aunque solvente), pero siendo una cinta de evasión y espectáculo, tampoco hay que marear tanto la perdiz, y por consiguiente, esta nimiedad no consigue empañar la sensacional experiencia de disfrutar de esta gran película.

En conclusión, "Mad Max: Furia en la carretera" es una película impresionante, que revitaliza una saga que se había reducido a su estatus de culto, dándola a conocer a las nuevas generaciones, y que personalmente espero que sea la primera de una nueva, estimulante, bizarra, y espectacular saga post-apocalíptica.

Dicen de la xenofobia que es el miedo, hostilidad, rechazo u odio al extranjero. En los países occidentales, tradicionalmente han sido, y son, las formaciones de derecha las que alimentan y promueven este sentimiento, existiendo en la actualidad una creciente preocupación por el rebrote de estas formaciones y de estas actitudes debido al creciente fenómeno inmigratorio, los conflictos interculturales derivados de su mala gestión y la crisis económica. Según algunas corrientes de la psicología se puede deducir que la xenofobia es un proceso ambivalente en el que los casos más extremos experimentan un sesgo en su percepción que les haría sobrevalorar su cultura, sus tradiciones y su grupo étnico sobre las demás, experimentando una mayor empatía, aprecio y amor por lo conocido y familiar, lo que implicaría, despliegue de estrategias defensivas.

El director francés Philippe de Chauveron utiliza este concepto psicológico como pretexto para conformar una sátira con el propósito principal, aparte de entretener y arrancarte las carcajadas, de realizar una crítica a la rancia política del país galo, a la par de realizar un alegato a favor del respeto y la evolución de los valores morales, sin renunciar a la idiosincrasia personal de cada uno... ya que en estos tiempos que corren, en el que los avances tecnológicos, la información continuada y el choque de culturas propiciado por internet, han cambiado por completo los estándares de la sociedad... muy lejos queda la esclavitud y la represión política. Estamos en un mundo nuevo, en el que la diversidad cultural y generacional está a la orden del día... las ciudades están repletas de turistas e inmigrantes de multitud de países, ya que sea cual sea la raza, estado y condición de cada individuo, esencialmente todos somos seres humanos, los cuales compartimos las mismas inquietudes y necesidades básicas.

Chauveron escribe y dirige esta historia centrada en una familia de clase media. Claude y Marie son un un matrimonio católico y muy conservador, tienen cuatro hijas a las que han tratado de inculcar sus valores y principios; sin embargo, las chicas sólo les han dado disgustos: la mayor se casó con un musulmán; la segunda, con un judío, y la tercera, con un chino. El matrimonio deposita todas sus esperanzas en la hija menor, esperando que, al menos ella, se case por la iglesia.

Destacan de sobremanera las interpretaciones de prácticamente todo su elenco actoral, sobretodo las de Christian Clavier y Pascal Nzonzi que están realmente divertidísimos como padres de la novia y novio respectivamente, teniendo los mejores gags del filme (genial la secuencia cuando los dos se van de pesca).

En conclusión, "Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? es una comedia notable, que no en vano obtuvo un enorme éxito de taquilla en Francia, que con más de 12 millones de espectadores, siendo el filme con mayor recaudación en su país desde "Intocable" (Olivier Nakache y Eric Toledano, 2011).

Después de la gran expectación generada por una de las franquicias cinematográficas más exitosas de todos los tiempos, capaz de reactivar y por fin darles justicia a las adaptaciones de superhéroes, con todas las cintas pertenecientes a las fases, esta segunda entrega de "Los Vengadores", titulada "La Era de Ultrón", baja un poco el pistón con respecto, ya no de su notable primera entrega (también firmada por Joss Whedon), sino también comparándola con las continuaciones de los personajes pertenecientes al 'Unverso Marvel', sirviendo como ejemplo "Capitán América: El soldado de invierno" (Anthony y Joe Russo, 2014); además de la maravillosa "Guardianes de la Galaxia" (James Gunn, 2014), que supuso un verdadero soplo de aire fresco en la franquicia.

La premisa se centra en Tony Stark, que al intentar reactivar un programa caído en desuso cuyo objetivo es mantener la paz, las cosas empiezan a torcerse y los héroes más poderosos de la Tierra, incluyendo a Iron Man, Capitán América, Thor, El Increíble Hulk, Viuda Negra y Ojo de Halcón, tendrán que afrontar la prueba definitiva cuando el destino del planeta se ponga en juego. Cuando el villano Ultron emerge, le corresponderá a Los Vengadores detener sus terribles planes, que junto a las incómodas alianzas de la Bruja Escarlata, Quicksilver y Visión, les llevarán a una inesperada acción que allanará el camino para una épica y única aventura.

Cabe decir que a pesar de su excesiva duración, algo que viene siendo habitual últimamente, el filme es muy entretenido, con una brillante factura técnica, resaltado unos efectos visuales de órdago; no obstante, a pesar de la multitud de personajes con sus correspondientes subtramas, en esencia su guión es más bien sencillo, reduciéndose a la clásica batalla entre el bien contra el mal, con un villano de turno con las típicas pretensiones de destruir el mundo (del que cabe puntualizar que el actor James Spader dota al personaje de personalidad y cierto carisma), y con el grupo de superhéroes que finalmente acude al rescate, salvando al planeta.

En líneas generales, "La era de Ultrón" cumple bastante con su cometido, siendo una notable cinta de evasión y espectáculo, concluyendo las tramas y subtramas de los personajes abiertas en todas las entregas anteriores, además de preparar los hechos que desemboquen en el posiblemente épico doble capítulo final "Infinity War", contra el megavillano 'Thanos'; aunque es posible que al fan más acérrimo del cada vez más extenso y saturado 'Universo cinematográfico Marvel' le haya dejado un sabor agridulce.

Este thriller cibernético estilizado nos trae una premisa centrada en varios agentes norteamericanos y chinos, que con la ayuda de un convicto liberado, se unen para detener a un misterioso hacker. Todo comienza cuando los gobiernos de Estados Unidos y China se ven obligados a cooperar por el bien de la seguridad nacional de ambas potencias. El motivo: una fuerte amenaza informática está poniendo en riesgo las vidas y el futuro de la población; delitos informáticos de alto nivel para los que deberán recurrir a sus mejores agentes de campo si quieren llegar a tiempo para evitar lo peor.

Se podría afirmar que "Blackhat" se sitúa al mismo nivel que las últimas producciones del director estadounidense Michael Mann, rodadas en cámaras digitales; no obstante, está un escalón por debajo de "Collateral", su primera película rodada en esa técnica, la cual comparte varios puntos en común, y posiblemente sea su último gran filme.

La película empieza de más a menos, siendo muy interesante su arranque en la cual la cámara se cuela libremente dentro de las redes y los ordenadores al más puro estilo 'Matrix'; ademas destacan unas secuencias de acción filmadas con brío y mano firme, con persecuciones y tensión a raudales. Sin embargo, al elenco actoral le falta el carisma que sí tenían Tom Cruise y Jamie Foxx en la citada "Collateral", ya que su protagonista Chris Hemsworth (conocido por encarnar al superhéroe de la Marvel 'Thor') ofrece una interpretación más bien plana, carente de matices, aparte de desaprovechar el enorme talento de una actriz (varias veces nominada a los Oscar) como Viola Davis. También, en ciertos momentos, el aspecto visual llega a chirriar, ya que se pierde completamente el toque cinematográfico.

En definitiva, "Blackhat" es una película entretenida, con un entramado solvente pero un tanto irregular; aunque siendo un filme realizado por un director con una categoría definida y gran estatus como lo es Michael Mann, con cintas tan impresionantes como 'Heat' o 'El dilema' a sus espaldas, huelga decir que el resultado global es más bien decepcionante.

Galípoli fue una de las batallas más sangrientas de la I Guerra Mundial. Un auténtico baño de sangre. Cuando estalló la contienda en 1914, Australia había sido una república federal de solo 13 años, y el nuevo gobierno estaba ansioso por establecer su reputación entre las naciones del mundo. Los soldados australianos y neo-zelandeses formaban parte de la expedición aliada que se propuso capturar la península turca, con la finalidad de abrir los Dardanelos a las naciones de guerra aliadas, siendo el objetivo final capturar Constantinopla (actualmente la ciudad de Estambul), capital del imperio Otomano, que era aliado de Alemania. Aunque la campaña de Galípoli fracasó en sus objetivos militares, las acciones de Australia y Nueva Zelanda dejaron todo un legado de gran alcance, ya que se creo lo que se conoce como la 'leyenda de Anzac', convirtiéndose en una parte importante de la identidad de ambas naciones.

Para su primera película detrás las cámaras el actor neozelandés Rusell Crowe, coge como punto de partida la batalla de Galípoli, y más concretamente el 'espíritu de Anzac', sirviéndole como pretexto para construir la historia de un hombre, que tras perder trágicamente a su esposa, se embarca en un viaje por una Turquía en plena guerra para buscar a sus tres hijos desaparecidos en tan cruento combate.

Cabe decir que "El maestro del agua" contiene un punto de partida muy interesante; no obstante, adolece en esa subtrama romántica cogida con pinzas, estando bastante forzada, y que entorpece el desarrollo de la trama principal, y por consiguiente, alarga en demasía el metraje, rozando casi las dos horas. Pero a su favor, cabe decir que destaca el trabajo en la dirección de Crowe, que demuestra tener mimbres de buen director, dotando al filme de una brillante factura técnica; además de construirse un personaje a su medida, para relucir todo su talento interpretativo. En menor medida, Olga Kurylenko está realmente bien, aunque encarne a esa mujer turca en la discutida subtrama romántica.

En definitiva, "El maestro del agua" es un debut interesante y prometedor en la dirección del gran actor Russell Crowe, bastante entretenido y bien filmado, pero que a pesar de sus esfuerzos y buenas intenciones, su resultado global es un tanto irregular.

Se podría decir que el extraño tándem formado por el director español (afincado en Estados Unidos) Jaume Collet-Serra, y el actor irlandés Liam Neeson, está dando excelentes resultados, ya que con ésta, titulada "Una noche para sobrevivir", es su tercera colaboración juntos, tras las interesantes "Sin Identidad" y "Non Stop (Sin Escalas)".

En "Una noche para sobrevivir", deja de lado el suspense heredero de Alfred Hitchcock y se enmarca de lleno en un filme puramente de acción, protagonizado por mafias. Al veterano mercenario Jimmy Conlon, conocido como 'El Cavatumbas', lo persiguen los crímenes del pasado, pero también el policía que le ha seguido la pista durante 30 años. Cuando se entera de que su hijo Mike corre peligro, Jimmy tiene que elegir entre el clan criminal al que ha pertenecido siempre y su familia, a la que había abandonado hace mucho tiempo. Sólo dispone de una noche para averiguar a quién debe su lealtad.

Cabe decir que la premisa bebe tanto del cine noir clásico, con esos personajes atrapados por su pasado del que quieren huir, pero que final e irremediablemente acaban enfrentándose a él, ajustando todas las cuentas pendientes; como del cine de acción típico de las décadas de los setenta y ochenta, que estaban repletas de grandes persecuciones con coches de policía, y tiroteos en medio de la ciudad, que estaban protagonizadas por grandes del género, tales como: Steven Seagal, Clint Eastwood o Charles Bronson... del que esta última faceta de Liam Neeson lo convierte en el heredero predilecto; o dicho de otro modo, una especie de 'justiciero' para las nuevas generaciones.

Jaume Collet-Serra demuestra poseer una madurez artística con respecto de sus filmes anteriores, hilvanando mucho mejor la trama, y realizando una dirección sólida, y por qué no decirlo, realmente espectacular... con esos planos aéreos picados que quitan el hipo, siendo esta sin duda su mejor película, —lejos queda el infumable remake de "La casa de cera— que por lo menos le abrió las puertas de Hollywood a este brillante director español.

También destaca un reparto actoral repleto de grandes estrellas, encabezado por el gran Liam Neeson, que una vez más demuestra su calidad y aplomo para interpretar al antihéroe del filme; aunque no podemos desdeñar el 'tour de force' interpretativo que tiene el gran Ed Harris con Neesson, simplemente genial, y las brillantes aportaciones de Vincent D'Onofrio, Common, Joel Kinnaman, Bruce McGill y Holt McCallany que le aportan empaque a la cinta.

En definitiva, "Una noche para sobrevivir" es un notable thriller, con vigorosas secuencias de acción, un buen plantel de intérpretes, y que confirma al gran Liam Neeson como antihéroe de acción en el panorama cinematográfico actual; además de consolidar ese tándem Neeson-Collet Serra, del que personalmente espero que no sea su último coletazo.

Alan Turing fue un hombre con una mente muy brillante. Reconocido como genio informático y "padre de la computación", se movió en campos tan dispares como las matemáticas, la filosofía, la biología, la química y podría decirse que la ciencia en general. Sus aportaciones en el campo de la criptografía sirvieron para que la Segunda Guerra Mundial durara mucho menos de lo esperado, gracias a la decodificación de los planes secretos de los nazis de su máquina Enigma, por lo que los aliados pudieron alzarse con la victoria antes de lo previsto. Sin duda, un auténtico hacker. Siendo el precursor de la informática moderna, diseñó uno de las primeras máquinas electrónicas programables digitales y contribuyó a lo que más adelante se denominó 'inteligencia artificial'.

La película que nos concierne, "The imitation game (Descifrando Enigma)" recoge la fascinante historia de uno de los hombres más influyentes del Siglo XX, cuando fue reclutado por el Servicio de Inteligencia Británico para descifrar el código nazi Enigma, durante la Segunda Guerra Mundial, aunque lejos de ser admirado como un héroe, Turing fue acusado y juzgado desgraciadamente por su condición de homosexual, que le llevaría a ser imputado por indecencia grave y perversión sexual, y siendo el detonante de su suicidio en 1952.

El director noruego Morten Tyldum es el encargado de dirigir el biopic, siendo ésta su primera película en tierras británicas, después de sus cuatro largometrajes realizados en su país, de los cuales destaca la recomendable "Headhunters". Tyldum le imprime clasicismo y elegancia al filme, destacando de sobremanera el excelente trabajo en la dirección de actores, en el que todos están realmente notables: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode; aunque por encima de todos ellos se erige Cumberbatch, que encarna al famoso matemático, y que posiblemente realice la mejor interpretación de toda su carrera, aportando de manera impresionante todos los matices que requiere el personaje. También es digno de mención el sólido guión, basado en el libro de Andrew Hodges, llevado a cabo por el joven escritor Graham Moore, que fue galardonado en la pasada entrega de los premios Oscar. Moore fragmenta la historia en tres líneas argumentales, que se van desgranando de forma paralela e interesante: una se centra en los años mozos de Turing cuando era estudiante, otra cuando fue imputado por su condición de homosexual, y la otra cuando fue contratado para descifrar el código, siendo ésta última la principal. Asimismo, Alexandre Desplat compone una banda sonora realmente preciosa, que enfatiza tanto los momentos de tensión como los emotivos.

Es posible que la historia contenga varios errores con respecto a la realidad; sin embargo, siendo una película de ficción, al adaptarla se pueden tomar ciertas licencias narrativas para dramatizarla. En este caso, las variaciones (que haberlas, haylas), no entorpecen el resultado final de la cinta, ya que si de verdad se pretende saber a ciencia cierta la vida del matemático, lo ideal es ver un documental y no un filme totalmente de ficción. Dicho esto, perdonando las variaciones, no hay nada que achacar a este gran biopic.

En síntesis, "The imitation game" es un filme notable, muy bien dirigido (y más aún interpretado), con un impresionante Benedict Cumberbatch, y que da a conocer la importancia que tuvo el matemático en el devenir de la 'Gran Guerra', y también en el campo de la computación.

Cabe decir que en estos últimos años no se han prodigado demasiado las películas de estafadores, debido principalmente al cambio de la tendencia cinematográfica en los espectadores, estando las adaptaciones de cómics de superhéroes y los blockbusters de rabiosa actualidad. Aunque, a lo largo de la historia del séptimo arte han habido algunos largometrajes enmarcados en este género que bien merecen tenerlos en consideración, como por ejemplo la multipremiada en los Oscar "El golpe" (George Roy Hill, 1973), la cinta argentina "Nueve reinas" (Fabián Bielinsky, 2000) o la lujosa "Ocean's Eleven" (Steven Soderbergh, 2001), entre otras muchas.

El filme que nos concierne, titulado "Focus", nos relata las andanzas de un experimentado estafador que acoge a una atractiva joven bajo su protectorado; no obstante, las cosas se complican cuando ambos comienzan un romance. Mientras le enseña los trucos del oficio, ella desea estrechar demasiado los lazos con él, y éste termina por romper la relación. Tres años más tarde, la mujer que había encendido una llama en él, convertida en una mujer fatal, reaparece en Buenos Aires en un circuito de carreras en el que las apuestas son muy elevadas.

La película se compone de dos partes bien diferenciadas, estando la primera planteada de forma excelente, con un entramado en el que nada es lo que parece, y una certera presentación del dúo protagonista; sin embargo, la segunda baja el pistón considerablemente, quedándose la resolución del desaguisado a medias, dando la impresión de que ha habido mucho ruido y fuegos de artificio, para luego haber, a decir verdad, muy pocas nueces, mermando el resultado global del filme.

Es destacable el trabajo solvente que realiza la pareja protagonista, formada por Will Smith y Margott Robbie, que demuestran tener una buena química entre ellos y carisma, reluciendo su habitual palabrería; no obstante, el personaje de Rodrigo Santoro, que entra a escena en la discutida segunda parte, no acaba de cuajar, estando desdibujado y por supuesto, totalmente desaprovechado.

En definitiva, pese a sus fallos, "Focus" es un filme entretenido, con un interesante planteamiento de su premisa, en el que destaca la buena química entre su pareja protagonista, aunque está lejos del nivel ofrecido por otras cintas de estafadores similares.

Clint Eastwood, desde sus inicios en la década de los sesenta, casi siempre se ha prodigado en papeles de spaghetti western y de tipo duro. A principios de los setenta debutó tras las cámaras con “Escalofrío en la noche” (Play Misty for me, 1973), un interesante filme de suspense que comparte bastantes similitudes con "Psicosis", el clásico de Alfred Hitchcock. Durante el periodo restante de los setenta y toda la década de los ochenta, Eastwood fue desarrollando su faceta como director (intercalándola con la de actor) de manera efectiva, ofreciendo películas enmarcadas en la acción, y en el suspense policíaco; pero fue en la década de los noventa cuando realmente empezó a consolidarse como un director de nivel, tras realizar el western crepuscular “Sin Perdón” (Unforgiven, 1992), erigiéndose como ganadora absoluta en los premios Oscar de aquel año, obteniendo cuatro (incluyendo mejor película y director). Tras aquella le siguieron: “Un mundo perfecto” (A perfect world, 1993), “Los puentes de Mádison” (The bridges of Madison County, 1995), “Poder Absoluto” (Absolute Power, 1996), y “Mystic River” (2003), entre otras; todas ellas le consagraron definitivamente como uno de lo grandes directores del momento.

Posiblemente el 2004 fue su gran año, tras volver a ganar el premio Oscar al mejor director por “Million Dollar Baby”, una soberbia cinta que combina una historia de boxeo y un profundo drama sobre la eutanasia. La película está basada en un libro de relatos cortos de título homónimo, escrito por F.X. O'Toole, del cual Eastwood adapta el relato principal (que contiene solamente treinta páginas) de forma íntegra, y escoge lo más interesante de los otros relatos, dándole entereza y profundidad a la historia. Se podría afirmar en este caso que la película supera con creces al libro.

La trama se centra en Frankie Dunn (Eastwood), que regenta un gimnasio, con la ayuda de Scrap (Freeman), un ex-boxeador que es además su único amigo. Un día, entra en su gimnasio Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), una voluntariosa chica que quiere boxear y que está dispuesta a luchar para conseguirlo. Tras multitud de negativas de Frankie, que no quería entrenar a mujeres, finalmente decide adiestrarla para que se presente al campeonato mundial y convertirla en la “chica del millón de dólares”.

Aparte de la certera adaptación de Eastwood, junto con Paul Haggis (reputado guionista que triunfó en 2006 en los Oscar con su opera prima “Crash (Colisión)”), cabe destacar el excelente trabajo de los actores: Hillary Swank, que interpreta a la protagonista de forma brillante; un impresionante Morgan Freeman; y el propio Clint Eastwood. Ambos actores masculinos demuestran la gran química que atesoran (como ya hicieran anteriormente en la citada “Sin Perdon”); asimismo la voz en off de Morgan Freeman es impresionante y engrandece aun más el filme (del mismo modo que en “Cadena Perpetua” [The Shawshank Redemption, Frank Darabount, 1994]).

Mención especial merece la genial e intimista banda sonora compuesta por el propio Eastwood, y el tremendo giro argumental en los últimos treinta minutos, que al igual que un típico gancho ganador en boxeo, Eastwood nos deja noqueados y sin respiración, elevando el largometraje a la categoría de una obra maestra absoluta.

Después de “Million Dollar Baby”, Clint Eastwood ha seguido realizando grandes películas, tales como “Gran Torino” (2008), “El Intercambio” (The Changeling, 2008), “Invictus” (2009) o “El Francotirador” (2014); no obstante, ninguna es tan genial y contiene tanto calado como ésta.

El Quimérico Inquilino nos trae la historia de un tímido y amable ciudadano francés de procedencia polaca llamado Trelkovski, que alquila una habitación en la que la anterior inquilina intentó suicidarse tirándose por la ventana, pero fracasando en su intento queda en coma, aunque muere poco después durante la visita de Trelkovski en el hospital. Tras instalarse en la habitación, poco a poco, nuestro protagonista (brillantemente interpretado por el propio Polanski, en el que quizás, realice la mejor interpretación como actor de su carrera) empieza a presenciar hechos que le meten de lleno en una auténtica pesadilla que le induce a la locura.

Polanski, al igual que hizo con sus magistrales filmes “Repulsión” y “La Semilla del Diablo” logra realizar una disección de la paranoia, metiendo de forma brillante elementos surrealistas, tanto grotescos como bizarros (genial la secuencia en el que el patio de luces se tranforma en un anfiteatro), con pinceladas de humor negro (impagable la secuencia en el que un travestido Polanski está frente al espejo), que dan forma al infierno en el que se sumerge nuestro protagonista. Mención especial para la excelente banda sonora realizada por Philippe Sarde, en el que los sonidos lisérgicos potencian aun más los hechos que sufre el personaje. Polanski dirige con pulso firme esta historia cocinada a fuego lento, con una logradísima ambientación, y todo ello aderezado con el notable trabajo del elenco actoral.

Incomprendida y vapuleada en su estreno, tanto por la crítica especializada, como por el público, El Quimérico Inquilino se ha convertido en una exquisita pieza de culto con el paso del tiempo, y sin lugar a dudas, en una ambigua obra maestra que está entre lo mejor que ha realizado el cineasta polaco y que bien merece ser rescatada de su injusto olvido.

Opera prima como director del aclamado actor y realizador estadounidense Clint Eastwood. En ella nos cuenta la historia de un popular locutor de radio (interpretado por el propio Eastwood), el cual empieza a verse acosado por una psicótica fan llamada Evelyn (magistralmente interpretada por Jessica Walter), haciéndole la vida imposible a él y los que le rodean, y desembocando en peligrosas y terribles consecuencias.

Eastwood empezó a apuntar maneras con este primer film, que fue aclamado por la crítica y público, dotándolo de un excelente pulso narrativo, con secuencias de angustioso suspense; una muy buena dirección de actores, sacándoles el máximo a cada uno, desde los estupendos secundarios como Donna Mills que interpreta a Tobie la novia de este, o John Larch que interpreta al puntilloso sargento McCallum, hasta una espectacular Jessica Walter que interpreta a Evelyn; y también un exquisito gusto por la música jazz (huelga decir que de las estupendas canciones que componen su banda sonora, destaca la gran versión que Roberta Flack realizó del tema "The first time ever I saw your face" escrito por el compositor Ewan MacColl para Peggy Seeger en 1957), y el buen cine, ya que se podría decir que esta inquietante película posee reminiscencias al maestro del suspense Hitchcock y a su gran clásico Psicosis, y también al infravalorado clásico de su mentor Don Siegel (que como dato curioso tiene un pequeño papel interpretando al barman Murphy) "El Seductor (The Beguiled)", también de ese mismo año, en el que Eastwood realiza una interpretación muy pareja, pero distinta a los papeles de duro que nos tenía acostumbrados.

En conclusión, pese a tener sus fallos y no ser una película redonda, sí que podemos afirmar que se trata de un peliculón muy recomendable, y sin duda un clásico de culto de Clint Eastwood, leyenda viva de la historia del cine.

En el año 1939 fue cuando la Edad de Oro de Hollywood vivió su máximo esplendor, debido al estreno de grandes películas como: "El Mago de Oz", "Cumbres Borrascosas" de William Wyler, "La Diligencia" de John Ford", "Caballero sin espada" de Frank Capra o "Ninotchka" de Ernst Lubitsch, entre otras muchas; que ayudaron a asentar definitivamente el conocido Star System (sistema de los grandes estudios). Aunque de entre todas ellas, hubo una que marcó un antes y un después en la forma de entender y realizar el cine: "Lo que el viento se llevó", una grandilocuente superproducción que fue galardonada con diez premios Óscar. "Lo que el viento se llevó" introdujo cambios importantes en lo referente a la técnica cinematográfica, gracias principalmente a la labor de William Cameron Menzies y su magnífico uso del color, en una época en la que aun no se había asentado tal sistema, predominando el blanco y negro. Está basada en la novela homónima de Margaret Mitchell, y cuenta la historia de la joven adinerada y vanidosa Scarlett O'Hara, que durante la guerra de Secesión, y en los difíciles tiempos de la post-guerra, lucha por salir adelante cargando con todas las responsabilidades familiares. Del mismo modo, suspira por el amor de Ashley Wilkes, marido de su prima Melania Hamilton, y además tiene que lidiar con las pretensiones del apuesto (pero no tan noble) Rhett Butler, que está enamorado de ella.

Destaca la soberbia banda sonora de Max Steiner; por añadidura, es sobresaliente el trabajo de todo el reparto; la joven Vivien Leigh que interpreta a Scarlett, papel que la elevó al estrellato; el aplomo de Clark Gable interpretando a Rhett Butler; Olivia de Havilland como Melania; Leslie Howard como Ashley; y Hattie McDaniel dando vida a la entrañable "Mammy", que fue la primera actriz afroamericana galardonada en la historia con un premio Óscar a la mejor actriz secundaria. Su productor y gran artífice del resultado final, David O’Selznick, tardó dos años en elegir a la actriz que diera vida a Scarlett, que tras un multitudinario casting al que se presentaron más de 1400 candidatas (entre las que se encontraban Joan Crawford, Barbara Stanwyck, o Paulette Goddard) fue elegida finalmente Vivien Leigh, actriz inglesa de ascendencia india que por aquella época estaba casada con Sir Lawrence Olivier.

También se empecinó para que se rodara en color, además de introducir en el guión los conocidos diálogos, como las primeras palabras del comienzo, o el de la última frase de Rhett “Frankly my dear, I don't give a damn" (que traducido al español sería "Francamente, querida, me importa un bledo"), que a punto estuvo de no pasar la censura por culpa de la palabra “damn”, de ahí que O’Selznick se viera obligado a pagar a los censores una cuantiosa suma para poder incluirla. Se puede afirmar que "Lo que el viento se llevó" es el melodrama por excelencia, que cuenta con una historia muy bien relatada; unos personajes carismáticos y repletos de matices; secuencias y diálogos increíbles que han pasado a la historia como "A Dios pongo por testigo que nunca más volveré a pasar hambre". Está impregnada de valores como el amor, el honor, el orgullo, la familia, la propiedad y la esclavitud; todo ello la convierte en una de las películas más veneradas, galardonadas, y hermosas jamás realizadas.

Después de debutar exitosamente con el drama psicológico “El cuchillo en el agua” (Nóz W. Wodzie, 1962) en su Polonia natal (siendo candidata al premio Oscar a la mejor película extranjera), Roman Polanski fue a Gran Bretaña para rodar su segundo largometraje, titulado “Repulsión”.

“Repulsión” es la primera parte de una trilogía no oficial conocida cómo "trilogía del apartamento", compuesta también por la genial “La semilla del diablo” (Rosemary's Baby, 1969) que está considerada como una de las mejores películas del director, y la injustamente infravalorada “El quimérico inquilino” (Le Locataire, 1976); las tres tienen como particularidad que el personaje central de la historia es un ser mentalmente inestable, y por consiguiente, debido a su condición, realiza un descenso a los infiernos.

La puesta en escena que el director polaco le imprime al filme es brillante, en el cual existe una serie de elementos, que a medida que la trama avanza, van potenciando la enrarecida atmósfera.

La cinta está protagonizada de forma sensacional por la actriz francesa Catherine Deneuve, que con sutiles matices y expresiones faciales, construye un personaje complejo que raya el autismo; posiblemente sea su mejor interpretación de toda su larga trayectoria, junto con “Belle de jour” (Luís Buñuel, 1966), que comparte varios puntos en común.

Como dato curioso, es interesante reseñar que “Repulsión” fue la primera película en la que se oyó un orgasmo real; de ahí que al principio le fuese otorgada la clasificación X, siendo exhibida en cines de arte y ensayo.

Las influencias de Alfred Hitchcock, el maestro del suspense, son ostensibles, tomando como principal referencia los primeros planos del ojo, que bien evocan a los vistos en “Recuerda” (Spellbound, 1945) (concretamente en la famosa escena del sueño creada por el artista del surrealismo Salvador Dalí, que a su vez se inspiraba en la famosa escena del ojo cortado del mediometraje “Un perro andaluz” [Un chien andalou , 1927] de Luis Buñuel y el propio Dalí).

La manera en que la protagonista desciende a los infiernos es realmente sublime, plasmada gradualmente a través de diversos elementos, tanto del apartamento donde reside (las patatas y el conejo que poco a poco van pudriéndose), como los que están dentro de la psique de la protagonista (las paredes que se agrietan o las fantasías sexuales); todos ellos se ven exaltados por una genial y opresiva banda sonora a cargo de Chico Hamilton, que contiene reminiscencias del mejor Bernard Herrman. Se puede destacar también la excelente fotografía en blanco y negro de Gilbert Taylor, que realiza un inteligente uso de los claroscuros (aludiendo al expresionismo alemán); además de la impresionante dirección de Polanski, que cámara al hombro, nos muestra en multitud de planos subjetivos el sentir de la protagonista, haciéndonos partícipes de su mentalidad esquizoide.

Todos los elementos anteriormente citados hacen de “Repulsión” una obra maestra de culto, de las mejores realizadas por Polanski, y sin lugar a dudas, una de las muestras de terror psicológico más destacadas de la historia del cine, que influyó en grandes cineastas surrealistas como David Lynch.

Tras el inesperado fallecimiento de Paul Walker, mucho se especuló con el futuro de la saga, ya que solamente se llevaba un mes de producción; pero el buen hacer de su guionista Chris Morgan; junto con el prestigioso director malayo James Wan, reconocido por sus incursiones en el terror, sirviendo como ejemplo "Saw" (2004), "Insidious" (2010) o "Expediente Warren: The Conjuring" (2013); y además del hecho de haber contado con la inestimable ayuda del hermano de Paul, Cody Walker, que ha completado las escenas que dejó su hermano sin grabar, realizando tomas de espaldas y planos lejanos... han conseguido ponerle un más que digno broche de oro a la exitosa franquicia.

Cabe decir que ésta séptima entrega se erige como la mejor de toda la saga, superado incluso a la primera; a pesar de que algunas de las adrenalíticas secuencias de acción sean inverosímiles, rompiendo todas las leyes de la física (como aquella de los coches lanzados desde un avión con paracaídas o la del coche saltando de rascacielos en rascacielos), y su guión sea simple, y por momentos algo absurdo... su alto sentido del espectáculo, la solvente dirección de Wan, y un elenco actoral repleto de estrellas, propicia tomar ciertas licencias y perdonarle sus fallos, ya que si duda, es completamente disfrutable.

Ya que destaca de sobremanera un reparto actoral de primera categoría, estando los habituales de la saga junto con otros dignos de mención; como el pequeño rol que desempeña la actriz española Elsa Pataky; también el actor tailandés, y experto en artes marciales, Tony Jaa, responsable de la afamada trilogía de "Ong Bak"; sin olvidarnos del notable villano encarnado por el carismático Jason Statham; además de los roles secundarios del legendario Kurt Russell y un solvente Djimon Hounsou. Asimismo también vale la pena destacar el emotivo homenaje hacia el tristemente fallecido Paul Walker, contando con una recopilación de escenas donde participó a lo largo de la saga, y una frase final de Vin Diesel que hace que se te salga el corazón, siendo realmente impresionante.

En definitiva, "Fast & Furious 7" es una película muy entretenida, cumpliendo con creces con su cometido, repleta de asombrosas e imposibles escenas de acción, un genial y sentido homenaje a Paul Walker, y que sin lugar a dudas, se postula como la mejor cinta de acción del año 2015.