Definitivamente el cine español ha cambiado. Desde hace ya unos cuantos años una nueva oleada de grandes cineastas jóvenes, y algunos de ellos nóveles, como Koldo Serra (Bosque de sombras), Daniel Sánchez Arévalo (La gran familia española), Alberto Rodríguez (La isla mínima), Carlos Vermut (Magical girl) o Miguel Ángel Vivas (Secuestrados), entre otros... están, de alguna manera, rompiendo los cánones característicos de nuestro cine, despojándolo de las típicas etiquetas de la "españolada" de turno, y aportando un toque de frescura que se agradece y mucho. Ahí están, por ejemplificar el asunto, los registros que obtuvo el pasado año 2014, con una taquilla digamos histórica. Uno de los realizadores que podríamos perfectamente sumar a este grupo sería, sin lugar a dudas, Dani de la Torre, director de la película que nos concierne: "El desconocido".

Tras realizar algunos cortos y un largometraje, nos presenta una propuesta de género de alto octanaje, con una premisa centrada en Carlos, un ejecutivo de banca que comienza su rutinaria mañana llevando a sus hijos al colegio. Cuando arranca el coche, recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. La voz de un desconocido le comunica que tiene apenas unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero; si no lo consigue, su coche volará por los aires.

Pienso que este tipo de propuestas escasean en el cine español. Dani de la Torre lleva al extremo un thriller fibroso, en el que la tensión, el suspense, y la espectacularidad de las secuencias de acción te mantienen pegado a la butaca. Por si no fuera suficiente, el filme se sustenta con la impresionante y visceral interpretación de un colosal Luis Tosar, que demuestra de nuevo (y ya van) de que pasta está hecho y que es uno de los mejores actores en el panorama actual de nuestro cine; sin embargo, no solamente Tosar está brillante, también podríamos destacar la debutante Paula del Río, que interpreta de forma genial a la hija de Tosar; además de un notable elenco de secundarios, como Goya Toledo, Elvira Mínguez, Fernando Cayo y sobretodo un fugaz pero intenso Javier Gutiérrez, que le aportan empaque al filme.

Su premisa es muy interesante, con un trasfondo que concibe una voraz crítica a un sistema financiero corrupto, en el que no hay buenos ni malos, solamente una infinidad de víctimas arruinadas, estafadas y desahuciadas, con sus vidas propias y las de sus familias, destrozadas. El desarrollo de la trama también es digno de reseñar, pese a tener algunas trampas narrativas que se le pueden perdonar fácilmente, ya que el suspense, el ingenio con el que está llevada y las altas dosis de acción y tensión, hacen que sea una película realmente notable, y a la par, recomendable.

Cabe decir que la primavera de 1996 fue la más mortífera en toda la historia del monte Everest. Conocida popularmente como "El desastre de 1996", catorce alpinistas perdieron su vida intentando alcanzar el pico más alto del mundo, durante la temporada de escalada de aquel terrible año. Repartidos en dos expediciones, diez de ellos murieron el mismo día, al sorprenderles en plena ascensión una descomunal tormenta no prevista que, aún hoy día, los investigadores siguen preguntándose cómo se desencadenó, y sin duda, es una de las peores que el hombre ha conocido jamás; los otros cuatro, murieron un mes después a causa de las fatales lesiones que sufrieron durante la ventisca.

El director hispano-islandés Baltasar Kormákur, en su cuarta película en tierras norteamericanas, deja de lado el cine de acción, como en "Contraband" (2012) y "2 Guns" (2013), para relatarnos una crónica sobre el fatal suceso. Para llevarla a cabo, cuenta con un impresionante elenco actoral, compuesto entre otros por Jason Clarke, Josh Brolin, Jake Gyllenhaal, Keira Knightley, Sam Worthington, Robin Wright, Emily Watson y John Hawkes; y aquí es donde reside uno de los principales problemas del filme. La sobresaturación de actores hace que en ocasiones la premisa sea confusa y enrevesada, a pesar de ser bastante rigurosa con los hechos reales acontecidos; asimismo, muchos de ellos salen con la cara medio tapada, algo que les imposibilita lucirse y realizar una buena interpretación. Pero a su favor, destaca la impresionante fotografía, lo bien realizada y filmada que está la película, que la dota de un realismo sobrecogedor, y las altas dosis de tensión y sufrimiento, poniendo a prueba el temple de los alpinistas, teniendo que luchar contra la furia desatada de los elementos y superar obstáculos imposibles en un desesperado esfuerzo por sobrevivir.

En definitiva, "Everest" es una película muy interesante, que a pesar del "overbooking" en su elenco actoral, su brillante factura técnica y las grandes dosis de tensión la convierten en una cinta que merece la pena su visionado.

El 'found foutage' es una técnica cinematográfica bastante utilizada en los últimos tiempos en el género de terror. Desde que hiciera acto de aparición en la película (considerada en la actualidad) de culto, "El proyecto de la Bruja de Blair" (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999)... largometrajes como "[REC]" (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007), "Paranormal Activity" (Oren Peli, 2007), y más recientemente, como es el caso de "Eliminado" (Levan Gabriadze, 2014), se han servido de este recurso para otorgar, con más o menos acierto, un mayor realismo que impacte al espectador.

El director y guionista indio, M. Night Shyamalan, tras estar bastante devaluado por sus últimos trabajos: la infravalorada fantasía épica "Airbender, el último guerrero" (The Last Airbender, 2010) y la floja aventura postapocaliptica con Jaden y Will Smith "After Earth" (Id, 2013); utiliza el recurso antes citado para su última película tras las cámaras, titulada "La Visita", en el que vuelve a la senda del género terrorífico que tantas satisfacciones le ha aportado en el pasado.

Una de las características principales del 'found foutage' es la grabación tipo amateur cámara en mano, que a pesar de conceder un grado de realismo, al mismo tiempo hace que los abruptos movimientos de cámara dejen una sensación de mareo constante; sin embargo, Shyamalan resuelve de manera inteligente ese tema con el personaje principal, una adolescente (interpretada por Olivia DeJonge) que está estudiando cinematografía, propiciando que los encuadres sean mejores y el movimiento de cámara sea más sutil. Con todo, es necesario indicar que posiblemente sea la película que mejor ha empleado esta técnica (en el género de terror, que conste), y sin duda, es uno de sus puntos a favor.

El que Shyamalan haya utilizado este recurso marca un punto de inflexión en su filmografía, ya que a pesar de aportar un toque de frescura al filme que se agradece, hace que pierda el estilo que ha caracterizado desde siempre al director indio: la cuidada puesta en escena y el desarrollo de los personajes. Aunque "La Visita" es su mejor largometraje en mucho tiempo, que con un presupuesto mínimo y mucho ingenio, ha conseguido reconciliarse con crítica y público.

La premisa es bastante sencilla, pero muy efectiva, centrada en una madre que deja a sus dos hijos en la remota granja de sus abuelos, en Pensilvania, durante una semana, los cuales van descubriendo que la anciana pareja está metida en algo profundamente inquietante. El realizador de "El sexto sentido" nos presenta una historia espeluznante y rematadamente muy divertida a partes iguales, en el que destacan sus intérpretes, sobretodo esa adorablemente maliciosa anciana, interpretada de forma soberbia por Deanna Dunagan, que a base de galletas, sonrisas y carreras logra por momentos poner los pelos como escarpias (con algunos sustos muy bien conseguidos); y también el joven Ed Oxenbould, que aporta genialmente los momentos divertidos al filme; asimismo, hay un trasfondo muy interesante en su argumento que trata el tema de los rencores familiares.

En definitiva, "La Visita" supone el regreso a la primera línea de un director denostado en los últimos tiempos, M. Night Shyamalan, con una película realmente fresca, entretenida, inteligente, divertida, inquietante, y por supuesto, recomendable.

El veterano director australiano Fred Schepisi, responsable de maravillosas películas como "Un grito en la oscuridad" (1988), "La casa Rusia" (1990), "Criaturas feroces" (1997), o "Last Orders" (2001), nos presenta una atrayente propuesta, junto a dos actores de grandísimo nivel: Clive Owen (que fue nominado por "Closer") y sobretodo la francesa Juliette Binoche (ganadora del premio Oscar por "El paciente inglés").

Ambientada en una escuela preparatoria de élite situada en Nueva Inglaterra, gira en torno a la "polémica" relación que entablarán un profesor de inglés y una profesora de arte. Jack Marcus lucha por mantener la atención de sus alumnos, pero cuando una conocida artista comienza a dar clases en la escuela, Jack declara una guerra a base de palabras e imágenes, enfrentando a sus estudiantes contra ella en un intento por mostrar qué medio puede tener mayor significado. De esta manera dinamizan la creatividad de sus estudiantes y los dos profesores encuentran nuevos estímulos en sus profesiones.

Owen y Binoche encarnan a dos profesores de facultad que no pasan por un buen momento por diversos motivos; él, de lengua, atraviesa una sequía creativa y su adicción al alcohol le acarrea múltiples problemas y hace que esté cuestionado en el centro educativo; por otra parte, ella enseña bellas artes y su grave enfermedad degenerativa que le impide hacer vida normal y seguir pintando. A destacar como Binoche aborda su personaje, que bien recuerda a la gran pintora mexicana Frida Kahlo, mostrando de manera soberbia la frustración de como la enfermedad se va adueñando de todo.

El punto de partida del filme es muy interesante, ya que a modo de comedia, nos hace reflexionar en el principal problema que afecta generalmente a la juventud de hoy en día, el cual consiste en una sobresaturación de información y aparatos electrónicos, que les hace estar enganchados, perdiendo interés en realizar otras cosas y estando casi todo el tiempo aburridos y comatosos; siendo la mayoría unos zombies, vamos. Los docentes se percatan de ello y aprovechan su rivalidad entre "imágenes contra palabras" para componer un "tour de force", implicando a los alumnos y despertando en ellos la curiosidad y las ganas de aprender... dándoles ese "aliciente" que les faltaba para apartar de una vez por todas la apatía constante y sonante. Esta sugerente premisa nos hace reflexionar sobre la calidad en la educación y la pérdida de los valores morales y culturales, que por desgracia caracteriza a la mayoría de las generaciones jóvenes.

Por contra, de entrada se puede declarar que el título que le han puesto en España, "Lecciones de amor", es un tanto desafortunado... ya que "Palabras e Imágenes" es mucho más apropiado; asimismo, hay cierta subtrama, aquella protagonizada por una estudiante asiática que sufre un acoso, que no acaba de encajar demasiado bien en la historia, desviando de mala gana la atención sobre la interesante premisa principal antes reseñada y llegando por momentos a chirriar bastante; sin embargo, no llega a deslustrar el resultado general del filme, que es muy bueno.

En resumidas cuentas, "Lecciones de amor" es una película notable, que reivindica la buena educación y el amor por la cultura, sostenida por dos enormes intérpretes, como son Clive Owen y Juliette Binoche, que demuestran tener una buena química entre ellos, estando a un nivel por encima de la resta, y que cuenta con un director con las tablas suficientes, para llevar a buen puerto esta recomendable cinta.

Escribir la reseña de una película como "Magical Girl" es una tarea muy complicada, debido principalmente a que si se desentrañase algo de su premisa, podría destrozar el elemento sorpresa, algo indispensable para disfrutar al cien por cien de esta magnífica película. Su director, Carlos Vermut ya apuntó maneras con su interesante opera prima, titulada "Diamond Flash", en el que entremezclaba con bastante originalidad y surrealismo múltiples géneros, como drama, thriller, comedia y hasta algún toque de ciencia ficción; que la han convertido en una película de culto. Con "Magical Girl", Vermut ha conseguido perfeccionar su estilo creando un filme que roza la obra maestra, en el que todos los elementos están realmente brillantes, empezando por los actores: todos ellos soberbios, destacando una hipnótica Bárbara Lennie, interpretando fantásticamente a esa enigmática 'niña' de fuego, y que propició que se llevara un merecido premio Goya por su actuación; sin embargo, el que más me ha gustado es, sin lugar a dudas, el gran José Sacristán, realmente impresionante la maestría con el que aborda su personaje, atormentado por su pasado, y tras su 'punto de inflexión' (siendo uno de los puntos álgidos del filme), mostrándose totalmente implacable, dando fe del talento interpretativo que atesora uno de los actores más grandes del cine español.

El guión es otro punto brillante, el cual está estructurado por capítulos, en el que en sus primeros veinte minutos no guardan relación aparente, y en el que poco a poco van encajando todas las piezas, al igual que esos puzzles gigantes que resuelve el personaje de Sacristán en el filme. Hay claramente tres hilos argumentales bien diferenciados, y en todos ellos, cada personaje acarrea lo suyo, y actúa en consecuencia; no obstante, el director al finalizar la película deja bien patente que cada acción contiene una reacción, y finalmente las cosas caen por su propio peso, teniendo cada uno lo que se merece. Al igual que ya hizo en su primera película, en "Magical Girl" también se dan cabida diferentes géneros, hecho que la convierten en toda una rareza, con ese encanto y aroma que desprende el cine de autor; que fácilmente se puede comparar con los más grandes de nuestro país, tales como Pedro Almodovar, Alejandro Amenabar, Luis García Berlanga o José Luis Garci, por citar algunos. Buena prueba de ello son los galardones de la Concha de oro y el premio al mejor director en el Festival de San Sebastián, y la reciente pre-selección para representar a España en los prestigiosos premios Oscar.

Su factura técnica también es otro de los elementos a destacar (y es que pensándolo detenidamente) todo en esta película es digno de destacar. Su montaje preciso, que propicia que la historia se desarrolle a fuego lento; la excelsa fotografía y ese juego de los colores, como los atuendos de Bárbara; la buena utilización de la banda sonora (destacando por encima de todas las canciones "La niña de fuego" y la japonesa "Magical Girl"); los pertinentes fundidos a negro; y las localizaciones, como son las viviendas de cada uno de ellos (todas ellas distintas y que describen claramente la condición social de cada individuo), así como algunos de los lugares: el hospital, el bar del barrio, la habitación del lagarto, y hasta aquí puedo llegar. Cada uno de los elementos tiene razón de ser, para componer esta espiral de talento, esta maravillosa obra.

Eso sí, posiblemente su único pero sea que no es un filme para todos los paladares, por su complejidad y 'rara avis'; aunque eso también podría ser otro punto a favor, porque su director demuestra que no quiere contentar a todo el mundo, sino que realiza la película que quiere hacer, sin maniqueísmos y manipulaciones políticamente correctas.

En definitiva, "Magical Girl" es una grandísima película, que se desmarca del resto de propuestas de nuestro cine, arrojando un soplo de aire fresco por su originalidad, inteligencia y valentía, permitiendo que el espectador sienta todo un flujo de emociones, y por consiguiente, convirtiéndose en toda una experiencia que no te deja para nada indiferente.

Hablar de "Anacleto: Agente secreto" es hacerlo sobre una de las tiras cómicas españolas más emblemáticas de todos los tiempos. Creada en 1965 por Manuel Vázquez Gallego, las historietas de Anacleto (junto con las creadas por Francisco Ibáñez) poblaban las páginas de los cómics de la Escuela Bruguera. El director Javier Ruiz Caldera, responsable de las estupendas comedias como "Spanish Movie" (2009), "Promoción fantasma" (2012) y "3 bodas de más" (2013), se encarga de llevar a la gran pantalla este héroe de cómic patrio; aunque con algunas ligeras variaciones, que consisten en un enfoque distinto y bastante interesante, ya que se podría afirmar que funciona como una secuela del mismo, con un Anacleto en su edad madura y un hijo treintañero.

Como adaptación huelga decir que funciona a las mil maravillas, teniendo todos los requisitos que albergaba el cómic, como el clásico atuendo de Anacleto (traje negro con camisa blanca y pajarita, además de un cigarrillo en la boca); también el orondo jefe de la agencia, con la cabeza prácticamente calva, gafas y el puro; las misiones en el desierto de Gobi; y el archienemigo de la función, el malvado Vázquez; de igual modo, que la parodia al género de espías, con James Bond 007 a la cabeza y el Superagente 86.

Me han gustado también los personajes secundarios, que dan rienda suelta a los gags humorísticos, como esos pintorescos hermanos, interpretados por Alexandra Jiménez y Berto Romero (que próximamente lo veremos en "Ocho apellidos catalanes"), los secuaces de Vázquez (sobretodo Eduardo Gómez), y una descacharrante Rossy de Palma; por otra parte, también me ha gustado la química entre sus dos protagonistas, un genial antihéroe Imanol Arias y el actor de moda del cine español, Quim Gutiérrez; y con una mención especial para esos verdaderamente divertidos flashbacks de la infancia del hijo de Anacleto, que muestran la controvertida educación recibida y entrenamiento por parte de su padre.

Por contra, cabe puntualizar que para un filme de estas características le faltan más escenas de acción, y si son exageradas mucho mejor, pues las que ya tiene están algo descafeinadas, en comparación con otras propuestas del género, como "Kick Ass", o las recientes "Kingsman: Agente secreto" y "Espías", por citar algunos ejemplos.

En definitiva, "Anacleto: Agente secreto" es una película muy divertida, que adapta de maravilla el fantástico cómic de Vázquez, suponiendo un soplo de aire fresco en el cine español, ya que se han realizado muy pocos largometrajes de este tipo, y que confirma a su director Javier Ruiz Caldera como uno de los exponentes de la comedia de nuestro país, creando de paso bastante expectación para su próxima adaptación (junto con los guionistas de "Ocho apellidos vascos" Borja Cobeaga y Diego San José) de otra tira cómica emblemática, como lo es "Superlópez"; aunque ésta aún tardará algunos años en ver la luz.

El amor es imprevisible, puede aparecer en cualquier momento y lugar, cuando menos te lo esperas. No entiende de edades, clases sociales o culturales, así que cuando hace acto de presencia su certeza lo embriaga todo. La película que nos concierne, titulada "Nunca es tarde para enamorarse", se centra en este concepto para mostrarnos como dos personas, de países distintos (él estadounidense y ella británica) y en su madurez, se encuentran y salta a chispa del amor.

Harvey Shine, un neoyorquino maduro que compone música publicitaria, está pasando por un mal momento, tanto profesional como personal. De repente, surge una novedad en su vida: durante un viaje a Londres para asistir a la boda de su hija, conoce a Kate, una peculiar solterona cuya vida social es bastante anodina. Harvey se siente inmediatamente atraído por su inteligencia y su espontaneidad y pronto se establece entre ellos una relación que puede cambiar el curso de sus tristes y solitarias vidas.

En "Nunca es tarde para enamorarse" se dan cita los ingredientes básicos que habitualmente conforman las comedias románticas ligera, como son los caprichos del destino y azar, la mala fortuna y la ordinariez en la vida de cada uno de los implicados, la naturalidad que desprenden sus acciones cuando se conocen, etc; no obstante, aunque tal premisa puede echar hacia atrás, en esta ocasión hace que se desmarque (levemente eso sí) de las otras propuestas del género debido al aplomo de su pareja protagonista: Dustin Hoffman y Emma Thompson. Es un verdadero placer disfrutar de su enorme talento interpretativo y demuestran tener muy buena química. Ellos sostienen una película con una premisa sin sobresaltos y cogida con pinzas, propiciando que rezume encanto; en otras palabras, de haber tenido una pareja de actores más jóvenes posiblemente su resultado no hubiera sido el mismo.

En definitiva, "Nunca es tarde para enamorarse" es una película bonita y muy entretenida, sostenida por sus dos grandísimos interpretes, las acertadas pinceladas tanto de humor como de drama, haciendo que se vea con agrado.

El fuego es un elemento natural que necesita nuestro ecosistema para la regeneración de bosques y montes, pues aporta estrategias rebrotadoras y de germinación tras su paso; sin embargo, ha dejado de ser una perturbación natural que modela el paisaje para convertirse en una terrible amenaza. Cabe mencionar que España es el país europeo que más sufre los efectos perniciosos del fuego, siendo lo más preocupante de todo que el 96% de los casos son provocados por el ser humano, debido principalmente a la falta de prevención, junto con el abandono rural y otras dificultades estructurales, que ha generado un aumento de incendios forestales altamente peligroso, no solo para la biodiversidad, sino también para la seguridad de la población; asimismo, la mayor frecuencia e intensidad de las olas de calor y el aumento de las temperaturas contribuye a una mayor frecuencia e intensidad de incendios forestales.

El experimentado director en documentales, Manuel H. Martín, nos trae en primera persona y desde dentro la importantísima labor de los brigadistas en su lucha contra los incendios forestales, situándonos en Andalucía, una de las peores zonas del planeta para luchar contra el fuego. Las altas temperaturas y el tipo de bosque la convierten en un polvorín natural. Para combatirlos existe un operativo especial, un cuerpo de élite que se enfrentan a los incendios de una forma única en el mundo: el ataque directo. Este dispositivo recibe el nombre de BRICA. Un helicóptero los traslada a primera línea de fuego, y apenas armados con motosierras, hachas y mucho valor, luchan contra llamas de más de cincuenta metros de altura. A través de tres de sus miembros conoceremos su día a día durante los meses de Junio a Septiembre: Gustavo (el líder), Abarca (el veterano a punto de jubilarse) y Curiño (el novato que acaba de llegar al cuerpo).

Tanto el director como todo el equipo técnico han demostrado poseer una profesionalidad y buen hacer para llevar a cabo este estupendo documental, cuidando al máximo cada detalle, y relatándonos la vida de estos verdaderos (y desgraciadamente) héroes anónimos que arriesgan su vida para la preservación de la naturaleza. Cámara al hombro se han metido de lleno con los brigadistas en el centro de la acción, lo que habrá supuesto un sobreesfuerzo titánico, que visto el resultado, sin lugar a dudas ha merecido mucho la pena, ya que este documental (que próximamente llegará en modo de miniserie de tres capítulos y será emitido por Discovery Max) es totalmente necesario e imprescindible su visionado.

En síntesis, "La vida en llamas" es un documental fascinante, realizado de forma notable, que nos enseña la vida de estas personas que aman su trabajo, con su enorme disciplina, responsabilidad, valentía y sacrificio, jugándose cada día la vida por una buena causa, ya que entre las llamas y el bosque solamente se encuentran ellos, con sus herramientas básicas.

El escritor irlandés Jonathan Swift decía que "Ningún hombre sabio quiso nunca ser joven", y posiblemente no le faltara la razón. ¿Cómo sería tu vida si supieras que nunca terminaría? El director estadounidense Lee Toland Krieger, en su tercera película tras las cámaras, responde a esta cuestión poniendo en bandeja el elixir de la eterna juventud. En un argumento digno de una buena novela, el secreto de la vida y la muerte, la fantasía, el romance, y todo un ejercicio filosófico, se dan la mano de forma sutil a través de la historia de Adaline Bowman, que tras sufrir un accidente, se estanca para siempre en la edad de 29 años. Lo que en un principio podría ser el sueño de muchos, irremediablemente se convierte en el conflicto que se le plantea a nuestra protagonista, ya que por su vida pasan amores, momentos y despedidas, mientras ella permanece impasible.

"El secreto de Adaline" no es la primera película en abordar el tema de la inmortalidad (ni será la última); sin embargo, sí que se desmarca un poco de los clichés del género, ya que aquí no tenemos ningún tipo de vampiro (ni brillantes ni convencionales, vamos), ubicando su historia en la vida real.

La arrebatadoramente bella y talentosa Blake Lively está realmente encantadora, realizando un maravilloso retrato de la melancolía, la soledad y la ambigüedad de una mujer, que vive con la mente de una anciana atrapada en un cuerpo eternamente joven. Esa losa de tal magnitud marca el devenir de nuestra protagonista, y hace que durante décadas tenga que ir cambiando de identidad y residencia para no llamar la atención, impidiéndole de mala manera echar raíces y formar una familia; por otra parte, cuando conoce al personaje interpretado por Michiel Huisman (actor conocido de la excelente serie 'Juego de tronos') le hará recobrar la esperanza de reencontrarse con el amor verdadero, y se verá en el dilema de tomar ciertas decisiones que repercutirán de manera realmente interesante. Más tarde, un atrapante Harrison Ford (que interpreta al padre de su amado), le supondrá un punto de inflexión, dejando patente lo caprichoso que puede llegar a ser a veces el destino.

Destaca también una atmosférica ciudad de San Francisco, que recuerda bastante a la Manhattan retratada en infinidad de veces por Woody Allen, y la exquisita fotografía, siendo una parte fundamental del filme, y que potencia aún más el clasicismo y elegancia que rezuma el conjunto.

De ponerle algún pero, se podría afirmar que con los argumentos que tiene a su disposición, su director no acaba de ahondar demasiado en los temas que trata, dando la sensación que podría haber sido una película mejor; no obstante, su resultado global de por si ya es notable. Además, como dato curioso, cabe decir que hace unos años, un grupo de astrónomos chilenos identificaron una estrella en la que aparentemente reside el secreto de la eterna juventud. Esta noticia es totalmente relativa a la astronomía, haciendo referencia solamente a ese tipo de astros, aunque quizás fuese el punto de partida para desarrollar la historia.

En definitiva, "El secreto de Adaline" es una película fascinante y reflexiva, en la cual se puede afirmar con total seguridad que estar en una situación especial podría no ser la mejor de las ofertas, ya que hay más formas de morir sin hacer frente a la muerte física, siendo una fantasía que se siente real y palpable, que se refiere a nosotros, a nuestros sueños y al significado de la felicidad.

Se dice de la comedia romántica que es un subgénero cinematográfico en el que su premisa se centra en dos personas (chico y chica) que se conocen, bromean entre ellas, pero a pesar de la atracción obvia para la audiencia no se ven románticamente involucrados, debido a algún tipo de factor, hasta que uno de los dos se da cuenta de que ellos son perfectos el uno para el otro, y finalmente tras superar algunos obstáculos, se declaran amor eterno y viven felices para siempre.

Para su debut tras las cámaras, el director argentino Alejo Flah toma como punto de partida las claves de la comedia romántica, pero dándole un enfoque distinto, que consiste en alternar dos historias; en primer lugar la de un escritor que atraviesa una crisis y debe escribir una 'comedia romántica' por encargo, y la otra es la representación de la citada obra a medida que el escritor la va componiendo. A todo esto hay que añadirle la disección, que realiza el escritor, de los entresijos del subgénero, los cuales convierten a este filme en una propuesta muy interesante. El hecho de que ambas historias se vayan desgranando paralelamente ofrece al espectador que se compare la 'vida real cotidiana' con la vida en pareja dentro del marco de una comedia romántica, viéndose claramente las diferencias entre las dos.

Los actores están magníficos en sus distintos roles, destacando la buena química entre Marta Etura y uno de los actores de moda del cine español, Quim Gutiérrez, que interpretan respectivamente a la chica y el chico de la obra literaria del escritor, encarnado por un estupendo Ernesto Alterio. Quizás su punto flaco se encuentre en el desafortunado título del filme "Sexo fácil, películas tristes", que puede invitar a la confusión, ya que no tiene nada que ver con el argumento propiamente dicho de la película; sin embargo, se trata de una nimiedad que no entorpece para nada el resultado final de la propuesta.

En conclusión, "Sexo fácil, películas tristes" es una buena película, que le da una interesante vuelta de tuerca al subgénero de la comedia romántica, sin chistes escatológicos, humor de brocha gorda, ni escenas de destape, con un elenco actoral en estado de gracia, y tratando temas como el amor, la amistad y el humor... ingredientes básicos del cine y de la vida misma.

Desde siempre el misterio acerca de las pirámides egipcias ha dado multitud de leyendas urbanas, ya que es la única de las siete maravillas del mundo antiguo que aún sigue en pie, habiendo un proverbio árabe que resume a la perfección este concepto, que dice: "El hombre teme al tiempo, pero el tiempo teme a las pirámides". Misterios acerca de los extraterrestres, por el gran interés de los egipcios por Sirio y Orión, que según los ufólogos afirman que existen civilizaciones alienígenas procedentes de estas estrellas, y otras maldiciones varias sobre los faraones.

El siempre interesante director francés Alexandre Aja, responsable de filmes como "Alta tensión" (Huate tension, 2003) o el memorable remake de "Las colinas tienen ojos" (The hills have eyes, 2006), entre otros, cede el 'testigo' de la dirección a su habitual guionista, Grégory Levasseur, que debuta tras las cámaras con esta película, titulada "La pirámide", que toma como punto de partida el tema antes citado sobre los misterios y maldiciones acerca de las pirámides. Un equipo de arqueólogos estadounidenses descubre una antigua pirámide en medio del desierto egipcio. Se adentran en ella y al poco tiempo se encontrarán perdidos en un intrincado laberinto que parece no tener fin. Desesperados, tratan de encontrar una salida, pero pronto se dan cuenta de que algo les persigue.

A pesar de los esfuerzos por parte de Levasseur por otorgar a la película de una correcta y formal factura técnica, "La pirámide" naufraga irremediablemente por culpa de un insulso guión, repleto de situaciones rutinarias y unos personajes estereotipados a más no poder. A partir de los primeros veinte minutos se empieza a intuir los acontecimientos de una película trillada, mil veces vista y oída. Los actores (por nombrarlos de alguna forma) están horribles, a pesar de contar con el estupendo secundario Dennis O'Hare, visto en la genial serie de American Horror Story, y que en esta ocasión está totalmente desaprovechado, como si se hubiese contagiado de la estupidez general que rezuma el conjunto.

En definitiva, "La pirámide" es un filme más (con monstruo horrible incluido), que engrosa de mala manera el ya deslavazado y caduco cine de terror actual, centrado exclusivamente en el susto fácil y situaciones que rozan el ridículo, siendo sin lugar a dudas, una verdadera pérdida de tiempo su visionado.

Desde que empezó este extenso (y dilatado ya) universo cinematográfico Marvel han ido desfilando por la gran pantalla los superhéroes a lo largo de las entregas que componen la franquicia, algunos con más acierto que otros, pero todos ellos con un denominador común del que la compañía Marvel (es consciente) y sabe muy bien sacarle todo el jugo: las ganas de entretener y pasarlo bien. Así que viendo el exitazo conseguido entrega tras entrega, Marvel ha ido desempolvando (poco a poco) superhéroes poco conocidos por el gran público. Sirva como ejemplo "Guardianes de la galaxia", o ésta que nos concierne, titulada "Ant-Man", el hombre hormiga.

La premisa se centra en Scott Lang (Paul Rudd), un estafador que está armado con la asombrosa capacidad de reducir su tamaño a la dimensiones de un insecto, y que debe sacar a relucir al héroe que lleva dentro para ayudar a su mentor, el doctor Hank Pym (Michael Douglas). Convertido en un superhéroe en miniatura, Ant-Man tiene que lidiar con una nueva generación de amenazas y el secreto que se esconde tras el traje de Ant-Man, con un casco que le permite comunicarse con las hormigas. A pesar de los obstáculos aparentemente insuperables que les acechan, Pym y Lang deben planear y llevar a cabo un atraco para intentar salvar al mundo.

Lo que más me ha gustado de la propuesta es el tono desenfadado que rezuma el conjunto, propiciado por el toque que le aporta los gags humorísticos que ha escrito Paul Rudd, que dicho sea de paso, posiblemente esté más acertado como guionista que encarnando al superhéroe de la función; a pesar de que esté en líneas generales bastante solvente. Michael Douglas aporta esa jerarquía necesaria al personaje de Ant-Man, siendo el contrapunto perfecto; asimismo, Michael Peña y sus secuaces añaden ese tono cómico que siempre se agradece, y convierte el filme en un divertimento simpático e ideal para pasar un buen rato agradable.

Merece una mención especial el epílogo tras los créditos, que según he podido informarme (y sin desvelar demasiado), forma parte de la esperadísima (por muchos) de la tercera entrega de el "Capitán América: Civil War", que se encargará de abrir la Fase 3 del 'Universo', y que se postula como un punto de inflexión importante en el devenir de nuestros superhéroes favoritos.

En definitiva, "Ant-Man" es una película de superhéroes interesante y divertida, con los suficientes elementos para hacernos pasar un buen rato, que personalmente me ha recordado a aquel entrañable filme Disney titulado "Cariño, he encogido a los niños", y vagamente al clásico de ciencia-ficción "El increíble hombre menguante", salvando las distancias evidentemente.

Mucho antes de encumbrarse como uno de los genios de la comedia en la Edad dorada de Hollywood, Billy Wilder tuvo un periodo en el que realizó maravillosas obras de cine negro, destacando “Perdición” (Double Indemnity, 1944), "Días sin huella" (The Lost Weekend, 1945), o la que nos concierne "El crepúsculo de los dioses” (Sunset Bulevard, 1950).

Ficción y realidad se entremezclan de manera realmente genial; de hecho, el narrador de la historia es un hombre muerto, que nos relata (aparte de cómo ha acabado con tal aciago destino) la vida de una antigua estrella del cine mudo, que vive recluida en su anacrónica mansión, y ha sido olvidada por aquel público fiel que tiempo atrás la idolatraba, debido a la irrupción del cine sonoro. Tal premisa sirve como pretexto para que Billy Wilder y Charles Brackett (siendo esta su última colaboración y probablemente la mejor, junto con “Ninotchka” [Ernst Lubitsch, 1939]), realicen detalladamente y sin medias tintas, una exposición de la naturaleza relativa a la industria de los sueños, y también el modo en que les afecta a las estrellas la pérdida de su estatus dentro del Star System, pasando de la fama mundial al anonimato, hecho que producía, la mayoría de las veces, que se sumergieran en el alcoholismo, o cómo en este caso, en la locura.

Se puede destacar el magnífico trabajo del reparto, con un William Holden excelente, y sobretodo una inconmensurable Gloria Swanson, que encarna a un personaje que comparte varias similitudes con su pasado real (ya que fue una gran estrella del cine mudo, y Cecil B. DeMille fue su director fetiche). Swanson dota al personaje de una gestualidad inusitada, que remarca de modo brillante la locura que gradualmente se va sumiendo el personaje, y llegando a su punto álgido en la inolvidable secuencia de las escaleras, con un primer plano de la actriz mirando a cámara de forma escalofriante; posiblemente sea la mejor interpretación en toda su larga trayectoria, aunque es necesario matizar que en la vida real la actriz no perdió la cabeza.

Es necesario mencionar también que Erich V. Stroheim (que interpreta al mayordomo y antiguo director fetiche de la estrella) dirigió a Swanson en la vida real en el filme mudo “La Reina Kelly”, al cual Wilder homenajea, mostrando un fragmento en la película.

Cabe decir que los dos actores protagonistas no fueron la primera opción del director, siendo barajados diversos nombres; para el papel que finalmente interpretó William Holden se valoraron intérpretes como Marlon Brando, Fred MacMurray (que ya trabajó a las órdenes de Wilder en "Perdición") y Montgomery Clift (que rechazó el papel por ser demasiado ambiguo); en lo que respecta al papel femenino, que fue encarnado por Gloria Swanson, fueron consideradas Mae West, Pola Negri, Greta Garbo (nombrada en el filme como único vestigio de las grandes actrices del pasado), y Mary Pickford, que rechazó el papel porque se sentía demasiado identificada con él (aunque otras versiones afirman que estaba demasiado borracha cuando se lo propusieron).

La película está repleta de diálogos sublimes, tales cómo: “Yo soy grande, es el cine el que se hizo pequeño”; “No hay nada trágico en tener 50 años, a no ser que intente tener 25”; “Sr. De Mille, cuando quiera estoy lista”; además, cuenta con una fotografía sublime, y unos acertados cameos de grandes estrellas del cine mudo (destacando a Buster Keaton, H. B. Warner y Anna Q. Nilsson), que sirven a modo de homenaje.

"El Crepúsculo de los Dioses” es una obra maestra, posiblemente la mejor mostrándonos los entresijos del mundo de Hollywood, resultando ser amarga y cruel a partes iguales, y siendo elaborada por uno de los cineastas más extraordinarios que ha dado la historia del celuloide.

Pixar Animation Studios es una compañía que desde el 1995 se ha convertido en la más destacada del panorama cinematográfico de animación, ya que fue la primera en realizar una película animada por ordenador en la historia (con "Toy Story"), y a partir de ésta, se ha caracterizado por hacer largometrajes originales, con tramas muy inteligentes y geniales, estando enfocadas tanto para los niños como los adultos. Además de la citada "Toy Story" y sus dos secuelas, la compañía es responsable de maravillosas obras, tales como: "Buscando a Nemo" (Finding Nemo, 2003), "Wall-E" (Id, 2008) o "Up" (Id, 2009), entre otras; sin embargo, huelga decir que desde el 2009 (con el estreno de "Up"), que la compañía del 'flexo' no ha realizado una película totalmente original, centrándose en ampliar sus sagas y películas de corte menor, arrojando una preocupante falta de creatividad e imaginación, hasta ahora. Ya que con "Inside Out (Del Reves)", la compañía ha vuelto a dar en el clavo realizado posiblemente su mejor película hasta la fecha.

La premisa se centra en la niña Riley, en el que hacerse mayor puede ser un camino lleno de obstáculos. Tras dejar el Medio Oeste cuando su padre consigue un nuevo trabajo en San Francisco, ella se deja guiar por sus emociones: Alegría, Miedo, Ira, Asco y Tristeza; e intentará adaptarse a su nueva vida; no obstante, el caos se instala en los Cuarteles Generales de las emociones, y aunque Alegría (la emoción principal) intenta mantener una actitud positiva, las demás emociones chocan a la hora de decidir cómo actuar en una nueva ciudad, un nuevo hogar y una nueva escuela.

Sin lugar a dudas, lo más destacable de "Inside Out (Del Reves)" es la capacidad innata que tiene Pixar a la hora de abordar el tema principal de la película, haciendo que parezca sencillo algo que en realidad es muy complejo, como lo es la evolución de los sentimientos a medida que una persona se hace mayor. Ese talento propicia que la factoría del "flexo" se desmarque del resto de productoras de animación, y por supuesto, convierte a "Inside Out" en una obra maestra absoluta.

Al igual que ya hicieran en "Up", el prólogo del filme es una auténtica maravilla, concentrando en poco más de diez minutos los primeros doce años de nuestra protagonista, a base de mostrar de manera emotiva y muy inteligente los recuerdos de la niña. A partir de aquí, concretamente en su primer día de su nuevo colegio (siendo uno de los puntos álgidos del filme), la película se convierte en una fantástica aventura, con una amalgama de situaciones ingeniosas (como aquella en la que Alegría y Tristeza se introducen en el túnel de lo abstracto), y sentimientos, conmoviendo al espectador. Además, tal como nos tiene acostumbrados, la factura técnica es asombrosa, con una animación de bandera y una banda sonora que realza (aún más si cabe) los sentimientos y vivencias de nuestra protagonista; asimismo, me han gustado los guiños a algunos carteles del maestro del suspense, Alfred Hitchcock (como "Vértigo" o "Con la muerte en los talones"), y también me ha recordado vagamente a la estupenda y mítica serie de animación "Erase una vez... el cuerpo humano", al clásico de Disney "Alicia en el país de las maravillas", al soberbio musical "El mago de Oz" y al filme de los Hermanos Farrelly, "Osmosis Jones" (pero ésta última en su estética, que conste).

En definitiva, "Inside Out (Del revés)" es una película impresionante, que sorprende continuamente al espectador a medida que transcurre su metraje, siendo divertida, inteligente y melancólica... posicionándose como una de las mejores películas realizadas por Pixar, igualando (o incluso superando) la grandeza de filmes como "Wall-E", "Buscando a Nemo" o "Up"; además de erigirse como una de las películas más destacadas del año 2015.

El tándem formado por el director Paul Feig y la actriz Melissa McCarthy se juntan por tercera vez (tras "La boda de mi mejor amiga" y "Cuerpos especiales") para traernos esta comedia disparatada, titulada "Espías", y que obviamente, parodia al cine de espías; y más concretamente, a la saga del agente con licencia para matar, James Bond 007.

La premisa se centra en Susan Cooper, una modesta y sedentaria analista de la CIA y la heroína olvidada de las misiones más peligrosas de la agencia; sin embargo, cuando su compañero desaparece de la faz de la Tierra y otro agente se ve envuelto en problemas, Susan se presenta voluntaria como agente secreto para emprender una misión encubierta, en la que se tendrá que infiltrar en el mundo de un sanguinario traficante de armas para evitar un desastre mundial.

Lo más destacable de esta simpática comedia es su elenco actoral, compuesto por la citada anteriormente Melissa McCarthy, que está graciosa y entrañable a la vez, y además, demuestra tener una química muy buena con Rose Byrne, como ya atestiguaron en la exitosa "La boda de mi mejor amiga". También hay que mencionar a Jude Law, y sobretodo un descacharrante Jason Statham, que su autoparódico personaje es sin lugar a dudas lo mejor del filme, teniendo algunos de los mejores gags del filme, y hasta incluso me atrevería a decir que, en ocasiones, se erige como todo un 'robaplanos', quitándole protagonismo al personaje de McCarthy, verdadero protagonista de la película.

Por contra, su guión contiene más lagunas que un colador de cocina; no obstante, lo compensa ese tono general desenfadado, los buenos interpretes, alguna secuencia de acción más o menos bien resuelta, y ese ritmo ágil que le imprime su director, que propicia que sea muy entretenida y se vea con agrado.

En definitiva, me atrevería a asegurar que "Espías" es la mejor de las tres películas realizadas por ese divertido tándem Feig-McCarthy, ya que los caricaturescos Law y Statham le añaden ese plus para que se eleve por encima de la resta, siendo una película ideal para pasar un buen rato y evadirse de las rutinas y quehaceres diarios.

Cabe decir que el medio cinematográfico no solamente sirve para entretener y desconectar de las rutinas y problemas cotidianos; sino que es un poderoso medio por el cual se puede expresar cualquier tema, sirviendo como denuncia social o retratando algún hecho acontecido en la vida real. La película que nos concierne, titulada "Los caballos de Dios" ("Les Chevaux de Dieu" en su título original en francés), que he podido visionar dentro del marco de la 30 edición del maravilloso Festival Internacional Cinema Jove de Valencia, pertenece a ese cine llamado "invisible", y se encarga de realizar un inquietante retrato sobre los atentados de Casablanca en 2003.

La premisa se centra en Yachine, un niño de diez años que vive con su familia en Sidi Moumen, un poblado de chabolas de los alrededores de Casablanca (Marruecos). Su madre, Yemma, hace lo que puede por sacar adelante a la familia. Su padre se encuentra en un estado depresivo y de sus tres hermanos uno está en el ejército, otro es prácticamente autista y el tercero, que tiene trece años y se llama Hamid, es el cabecilla del barrio y el protector de Yachine. Cuando Hamid es encarcelado, Yachine se ocupa de varios trabajillos que le ayudan a escapar del marasmo provocado por la violencia, la miseria y la drogadicción que la rodean. Cuando Hamid sale de la cárcel se ha convertido en un islamista radical y convence a Yachine y a sus amigos para que se unan a sus 'hermanos'. El líder espiritual del grupo, el imán Abou Zoubeir, se encarga de dirigir el prolongado entrenamiento físico y mental de los muchachos, antes de anunciarles que han sido elegidos para convertirse en mártires.

Su director, el francés de origen marroquí Nabil Ayouch, divide el filme en dos partes bien diferenciadas; en primer lugar muestra la infancia de esos niños sumergidos en la pobreza más absoluta, en el que la necesidad imperiosa por sobrevivir les induce a delinquir; y en segundo lugar, se centra en esos niños en su madurez que son reclutados por la Yihad para convertirse en mártires.

Ayouch no justifica a los terroristas ni sus deplorables actos, simple y llanamente se dedica a retratar los hechos tal cual son, bajo un punto de vista nunca tratado (y siempre ignorado). Las ansias de tener una vida digna de esos jóvenes marginados es tan grande, que los líderes yihadistas se aprovechan de ello para reclutarlos con la venia de su Dios, siendo todo ello una vomitiva falacia para darle sentido al sinsentido más absoluto, la barbarie del terrorismo, creando un circulo vicioso entre esos niños y los terroristas; es decir, un círculo que consiste en: Pobreza + Necesidad + Aprendizaje + Mártir, y una vez inmolados, los Imanes buscan nuevos incautos a los que lavar el cerebro para su controvertida causa.

El director dota al filme de un ritmo ágil, sabiendo posicionar de maravilla la cámara, en la que su primera mitad sigue las andanzas de esos niños cámara al hombro, y también destacan esos impresionantes planos picados que muestran las chabolas y la inmundicia de la pobreza; para luego, en su segunda mitad, serenar más la cámara, con planos fijos y pertinentes fundidos a negro; asimismo, su desenlace (pese a que es conocido por todos) está representado de forma apasionante y realmente sobrecogedora. Me ha encantado la manera en la cual Ayouch choca las personalidades de los dos hermanos protagonistas; la rebeldía de Hamid en su niñez colisiona con las buenas maneras de Yachine; no obstante, tras sufrir un desgraciado incidente en el taller donde trabaja (siendo uno de los puntos álgidos del filme), Yachine va perdiendo esa inocencia y en cierto sentido se pasa al lado oscuro, siendo ahora Hamid el que ha abierto los ojos dándose cuenta de la gravedad de la situación.

En síntesis, "Los caballos de Dios", a pesar de que un sector de la crítica la ha tildado de ser simplista, cabe decir que no le hace falta profundizar en el tema para que se te encoja el corazón y te deje el alma hecha añicos, ya que arroja una mirada certera al mundo del terrorismo, a esa visión prácticamente desconocida (y peor aún, ignorada), la de esos ingenuos 'Caballos de Dios' que cita el título.

Cabe decir que "La Habitación Azul", se estrenó en el Festival de Cannes y fue seleccionada entre las Perlas del Festival de San Sebastián, con la venia de ser el mejor film dirigido hasta la fecha por Mathieu Amalric, actor y director francés conocido por actuar en filmes como "Quantum of Solace" (Marc Forster, 2008), "La venus de las pieles" (Roman Polanski, 2013) o "El gran hotel Budapest" (Wes Anderson, 2014), entre otras.

"La Habitación Azul" es una adaptación de la obra de George Simenon, y nos cuenta la historia de un hombre y una mujer, enamorados en secreto, solos en una habitación. Se desean, se quieren, incluso se muerden el uno al otro. Después del amor, intercambian algunas palabras anodinas, o al menos así lo cree el hombre. Pero ahora, sometido a la investigación de la policía y los tribunales, Julien no encuentra las palabras: "La vida es diferente cuando la vives que cuando la cuentas después". ¿Qué sucedió? ¿De qué se le acusa?

Este inteligente y provocativo thriller erótico contiene un planteamiento del entramado notable, hilvanado de forma no lineal a base de fragmentos, como si de un rompecabezas se tratase; asimismo, Amalric demuestra tener pleno conocimiento por el cine clásico francés, ya que este filme contiene influencias a la 'nouvelle vague', con el cine de Claude Chabrol a la cabeza; también alberga pinceladas al cine de Alfred Hitchcock, como el tratamiento del 'Falso culpable' que hizo célebre al maestro del suspense; además de esos deliciosos tintes al 'Cine Noir' clásico, con esa fantástica 'femme fatale' encarnada por Stéphanie Cléau, en el que su dulce rostro, gran belleza y sensualidad chocan con esa personalidad ambigua y a veces espeluznante, siendo un personaje realmente fascinante.

Otra de las características que también llaman la atención son los desnudos integrales de los protagonistas, tanto de Mathieu Amalric como de la citada anteriormente Stéphanie Cléau, con algunos impactantes primeros planos de los genitales, que potencian el tórrido affaire entre los personajes.

Por contra, cabe decir que su desenlace no está a la altura de lo ofrecido en el filme; no obstante, no llega a empañar a un filme más que interesante, que deja patente el talento que derrocha su director, con una puesta en escena y desarrollo de personajes brillantes.

En definitiva, "La Habitación Azul" a pesar de no ser una película completamente redonda, si contiene ciertos aspectos que la hacen cautivadora.

Se podría afirmar que dentro del cine negro, más concretamente en aquellas películas que refieren a la mafia italiana, se han filmado grandes largometrajes; incluso algunos de ellos están considerados de los mejores que se han realizado a lo largo y ancho de la historia del séptimo arte. Sirva como ejemplo la impresionante trilogía de "El Padrino" de Francis Ford Coppola o "Uno de los nuestros" de Martin Scorsese. En estos últimos tiempos no se han prodigado demasiado, debido obviamente al cambio de las tendencias en los espectadores; aunque si que se han realizado series de televisión que han abordado el tema de forma realmente brillante. Casos como el de "Roma Criminal" o "Gomorra" son buena prueba de ello.

La película que nos concierne, titulada "Calabria, Mafia del Sur", está enmarcada en el género mafioso, y de entrada, leyendo su premisa (que está basada en la novela "Anime Nere" de Giocchino Criaco, de alto impacto socio-cultural) y viendo la cantidad de premios (como los 9 David de Donatello) y alabanzas, tanto de crítica y público, hacían prever que estábamos ante una de las mejores muestras del género de estos últimos años; sin embargo, nada más lejos de la realidad.

La trama se centra en un pequeño pueblo de la región de Calabria, en el que los hermanos Carbone llevan años viviendo del lucrativo negocio familiar: el tráfico de drogas. Eran hijos de pastores, pero ahora forman parte de la familia criminal calabresa del entorno de la ‘Ndrangheta. Luciano, el mayor, alejado del resto de la familia, intenta mantenerse al margen hasta que su conflictivo hijo Leo empieza a acercarse a su carismático tío Luigi y sus turbios negocios. Cuando Leo pierde el control una noche, los tres hermanos se ven forzados a unirse de nuevo para defender el honor y las vidas de la familia.

El principal problema que ha tenido esta película, así de entrada, ha sido la promoción que se le ha hecho desde España, con ese desafortunado cambio de nombre, ya que cabe decir que su título original no es "Calabria, Mafia del Sur", sino "Anime Nere" (al igual que la novela) que traducido al castellano sería "Almas negras", y que sin lugar a dudas es mucho más apropiado, dada la naturaleza del filme. Ese cambio de título y su premisa sugiere un filme de mafiosos violento, cortado por el mismo patrón que el Padrino o los célebres filmes del género de Scorsese; pero por el contrario, "Calabria" se erige como un profundo y sombrío drama familiar, enmarcado entre dos familias de mafiosos en un pequeño pueblo calabrés, en el que la violencia prácticamente brilla por su ausencia.

Una verdadera lástima porque la cinta cuenta con una ambientación notable, en el que se respira esa tensión desasosegante entre las dos familias enfrentadas, y esos "fantasmas del pasado" que sacan a relucir viejas rencillas y rencores, que hieren profundamente; asimismo, el trabajo de su elenco actoral es también magnífico, destacando por encima del resto el carismático Marco Leonardi. Pero su lento y (porqué no decirlo) cansino ritmo ralentiza en demasía el metraje, convirtiéndolo en un filme bastante farragoso y plomizo. Lo dicho, una lástima.

En definitiva, a pesar de todas esas grandes críticas y esa compilación de premios obtenidos, "Calabria" es una película, a todos los efectos, decepcionante, debido a que no da lo que promete. Es posible que la culpa de que no me haya gustado la tenga Coppola o Scorsese, por "mal-acostumbrarnos" a esas violentas y vigorosas cintas de mafiosos, en el que mataban hasta al apuntador, y de diversas formas (incluso hasta de forma poética); pero... en fin! ¿Qué se le va a hacer?

El cine húngaro ha tenido una industria cinematográfica notable desde los inicios del siglo XX, con personalidades como William Fox (quien fundó los Estudios Fox), Alexander Korda (que lideró la industria cinematográfica británica) o Adolph Zukor (fundador de Paramount Pictures); sin embargo, la gran mayoría de filmes que se realizan en el país no llegan a las carteleras españolas, siendo algo, a decir verdad, bastante paradójico. De hecho, del director Kernél Mundruczó, a pesar de ser uno de los últimos exponentes, solamente nos ha llegado uno de sus seis largometrajes de los que ha dirigido, siendo éste que nos concierne, titulado "White God (Dios Blanco)", el cual cabe decir que fue galardonado como Mejor Película en el Festival de Cannes 2014, y también ha sido seleccionado para representar al país húngaro en la próxima edición de los Oscar.

Tras leer la sinopsis, se puede pensar erróneamente que se trata de una película con una premisa "algo chunga", ya que la línea de lo absurdo y ridículo es muy fina, y sin duda es fácil de traspasar; no obstante, nada más lejos de la realidad, ya que después de verla tengo que confesar que me ha sorprendido gratamente, siendo (bajo mi punto de vista) una de las mejores películas europeas de este año 2015.

"White God" comienza como si se tratara de un cuento de hadas perverso, con un flashforward en el que aparece nuestra protagonista Lili, una chica de 13 años, huyendo en bicicleta de una gran manada de perros, por unas calles de Budapest prácticamente desiertas; y que deja entrever el principio de lo que está por venir. Tras este potente y sorprendente inicio, Mundruczó nos muestra una Hungría en el que existe una ley que obliga a censar (e incluso hasta pagar una cuota), por todos aquellos perros que no son de raza pura. Este hecho propicia que el arisco progenitor de Lili abandone sin piedad al leal perro Hagen a su suerte. A partir de aquí, la historia se divide en dos frentes bien diferenciados: el de una Lili que busca desesperadamente a su perro, y el de un ingenuo Hagen que tiene que eludir los peligros, vejaciones y abusos por parte de los humanos.

Mundruczó cuestiona si ese manido concepto entre el hombre y el perro que dice que es "el mejor amigo" es bilateral, o se trata de una demostración más del poder dominante sobre todas las cosas del ser humano. A través de las dos subtramas, el director da rienda suelta a diversas lecturas y géneros; que van desde el mismo título del filme, un anagrama que juega con las tres letras de 'God', ya que tanto da leerlo como "White God" como "White Dog" (Dios Blanco - Perro Blanco); pasando por el drama infantil y animal, con puntos en común al filme "De vuelta a casa, un viaje increíble" (Duwayne Dunham, 1993), a "Lassie" (Serie de televisión estadounidense, 1954) o las novelas de Jack London "La llamada de lo salvaje" (1903) y "Colmillo Blanco" (1906); también el cine de denuncia social que juzga el maniqueísmo del ser humano, trazando una parábola sobre el fascismo, con esa malsana obsesión por la raza pura; y terminando en una salvaje y sanguinolenta sublevación, con tintes de terror apocalíptico, con claras reminiscencias al clásico de Alfred Hitchcock "Los Pajaros" (1963), "Cujo" (Lewis Teague, 1983), a la novela de George Orwell "Rebelión en la granja" (1945) o "El origen del planeta de los simios" (Rupert Wyatt, 2011).

El trabajo de los especialistas y adiestradores de los animales es magnífico, ya que cabe decir que en este filme no hay nada de efectos digitales CGI, ni nada por el estilo, algo que lo dota de un realismo espeluznante. Zsófia Psotta está realmente notable encarnando a Lili, esa chica que experimenta el cambio a la pubertad; aunque el que se adueña de la función es sin duda el perro protagonista Hagen, del que podemos entender perfectamente como el alter ego de César (de la anteriormente citada "El origen del planeta de los simios"), ya que ambos capitanean la rebelión animal contra el ser humano. Asimismo, su factura técnica es asombrosa, con una banda sonora vibrante y emotiva, y unos 40 minutos finales apasionantes que te mantienen pegado a la butaca, culminando en un precioso y poético final (acentuado por la "Rapsodia Húngara" de Liszt), y que da pleno sentido al pensamiento del poeta checo, Rainer Maria Rilke, escrito al inicio del filme, que dice: "Todo lo que es terrible, necesita de nuestro amor".

En definitiva, "White God" es una película impresionante, que contiene un realismo sobrecogedor, y que desentraña lo atroz que puede ser el ser humano con el reino animal.

A principios de la década de los noventa, "Jurassic Park" de Steven Spielberg marcó un antes y un después en el cine de evasión y espectáculo debido principalmente al impresionante uso de los efectos digitales, que aparte de convertir el filme en uno de los más exitosos de todos los tiempos, influenció a cineastas como Peter Jackson para que llevara a cabo la trilogía de "El Señor de los Anillos", y propició que el maestro Stanley Kubrick contratara a Spielberg para hacerse cargo de "Inteligencia Artificial".

"Parque Jurásico" fue la primera película dentro de la franquicia con el mismo nombre, seguida por "El mundo perdido" de 1997 y "Parque Jurásico III" de 2001. La película que nos concierne, "Jurassic World" ha sido la última en llegar, y su premisa nos sitúa veintidós años después de lo ocurrido en la primera. La isla Nublar ha sido transformada en un parque temático, llamado 'Jurassic Wold', con versiones 'domesticadas' de algunos de los dinosaurios más conocidos. Cuando todo parece ir a la perfección y ser el negocio del siglo, un nuevo dinosaurio de especie todavía desconocida y que es mucho más inteligente de lo que se pensaba, comienza a causar estragos entre los visitantes del Parque.

Lo primero que salta a la vista de esta nueva entrega es su alto sentido del espectáculo, con unos efectos especiales que en líneas generales son notables, habiendo ciertos momentos que quitan el hipo; aunque hay otros tantos en el que se nota demasiado, estando un poco borrosos. Otro de los grandes aciertos es esa historia aventurera que destila nostalgia por todos sus poros, con referencias constantes a la primera entrega de la saga, en el que las influencias al cine de Spielberg son patentes, e incluso me atrevería a decir que tanto el personaje de Chris Pratt como el de Bryce Dallas Howard parecen sacados de un filme de Indiana Jones, salvando las distancias.

Los actores me han gustado, Chris Pratt está atravesando su mejor momento, con una carrera en plena efervescencia, tras protagonizar la cinta de Marvel "Guardianes de la galaxia"; asimismo, Bryce Dallas Howard ya ha demostrado en multitud de ocasiones que es una actriz excelente, como por ejemplo en "Criadas y señoras" o "El bosque", a pesar de que en esta ocasión rebaje un poco sus pretensiones, algo comprensible dada la propia naturaleza del filme.

En conclusión, "Jurassic World" es una película notable, que consigue trasladar parte de la magia de la primera entrega a las nuevas generaciones, y es posible que marque el comienzo de una segunda trilogía jurásica.