Tras coronarse el pasado año 2015 en los premios Oscar, obteniendo 4 estatuillas doradas incluyendo las de mejor película y director, con "Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)", el cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu confirma su buen momento con su última película, titulada "El renacido", que está siendo uno de los grandes éxitos de taquilla del momento, y que parte con 12 nominaciones a los premios más importantes del mundo del celuloide, los Oscar.

"El renacido" se centra en la figura de Hugh Glass, un explorador y trampero que llegó a ser legendario, formando parte de la cultura estadounidense por su particular experiencia que tuvo en 1823, cuando fue atacado por un oso en río Grand, en el condado de Perkins (actual Dakota del Norte), que le causó heridas mortales, propiciando que sus compañeros le dieran por muerto; sin embargo, se recuperó milagrosamente, e inició un largo camino de regreso con los suyos recorriendo más de 300 kilómetros.

La odisea de este pionero por sobrevivir en un territorio hostil inspiró al cineasta Richard C. Sarafian, para conformar el argumento de "El hombre de una tierra salvaje" (Man in the Wilderness, 1971), protagonizada por Richard Harris, y con la particularidad de estar rodada en España, concretamente en la Sierra Central de Ávila. La misma epopeya de Glass también inspiró al escritor estadounidense Michael Punke para su novela "The Revenant: A Novel of Revenge" (2002), la cual ha sido el punto de partida para el director mexicano, y Mark L. Smith, a la hora de escribir el guión. Así que, llegados a este punto y con lo reseñado anteriormente, podríamos afirmar sin miedo a equivocarnos que "El Renacido" es la película más impersonal de Iñárritu, un dato significativo que no necesariamente tenga que ser despectivo, ya que esta nueva revisión de la proeza de Glass está abordada a lo grande, siendo totalmente espectacular, ya que posee una factura técnica asombrosa, la cual destaca la impresionante fotografía de Emmanuel Lubezki, en el que cada fotograma es un fascinante poema visual; no en vano ha sido comparada con los filmes de Terrence Malick "El árbol de la vida" y "To the wonder", las cuales huelga decir que el mismo Lubezki era responsable de la fotografía de ambas cintas; asimismo, también destaca la mano firme de su director a la hora de encuadrar, y con esos planos largos ya habituales en su filmografía, que dotan de un realismo abrumador a las secuencias donde los americanos y los indios nativos se enfrentan en el campo de batalla.

Aunque lo más destacable del largometraje es sin lugar a dudas la genial interpretación de Leonardo Di Caprio, que lleva al límite la aventura de supervivencia del personaje. Él es el "alma mater" del filme, en el que vives en su piel su visceral sufrimiento vital, su resistencia a morir, al igual que su determinación y el odio que profesa al hombre que lo ha dejado en la encrucijada. Su odisea es verdaderamente verosímil y palpable (solamente basta con ver el imponente y sobrecogedor ataque del oso Grizzli); no obstante, aparte de realizar una terrible lucha física por sobrevivir en un entorno hostil, también tiene que efectuar un viaje interior y espiritual, pues se trata de un hombre sentimentalmente destrozado, que ha perdido la fe en el ser humano, en la vida y en la religión. Las ansias de encontrar al hombre que le arrebató lo único importante en su vida, además de abandonarlo a su suerte en territorio enemigo y herido de muerte, será ese clavo ardiendo en el que nuestro protagonista se aferrará con todas sus fuerzas. Por otro lado, Tom Hardy da vida a John Fitzgerald, el traicionero miembro de su equipo que se erige como el contrapunto perfecto para el personaje de Di Caprio. A pesar de estar un punto por debajo de su compañero de reparto, Hardy también está excepcional con un personaje inmenso y violento, recordando vagamente al que Klaus Kinski interpretaba en el clásico del Werner Herzog "Aguirre. La cólera de Dios" (Aguirre der Zorn Gottes, 1972).

En contraste con lo anterior, lo que menos me ha gustado son esas visiones oníricas de nuestro protagonista, que son redundantes, superfluas y desvían de mala gana la esencia de la premisa del filme. Entiendo a Iñárritu en su afán de rendirle homenaje al gran maestro cinematográfico Andrei Tarkovski, considerado un auténtico poeta del cine, replicando simbólicamente algunas escenas de clásicos como "Stalker" (1979) o "Sacrificio" (Offret, 1986); pero como decía, la aventura del protagonista se diluye en la visión un tanto ampulosa del cineasta mexicano. Quizás, de haberse centrado exclusivamente en la aventura y posterior venganza de Glass estaríamos hablando de una obra maestra absoluta.

Resumiendo, con sus más y sus menos, "El Renacido" es una película notable y muy recomendable, que nos brida una portentosa interpretación de un Leonardo Di Caprio, que va camino de llevarse al fin la preciada estatuilla dorada que tanto se le resiste; además de un auténtico recital visual que exalta todos nuestros sentidos, y que confirma a su máximo responsable, Alejandro González Iñárritu, como uno de los grandes cineastas del cine contemporáneo.

El tema de plasmar, en la gran pantalla, la relación sentimental entre dos mujeres no ha sido muy recurrente que digamos, ya que desde siempre se ha considerado un tema prohibido; hasta incluso en la actualidad, sirviendo como ejemplo el caso de "La vida de Adèle" de Abdellatif Kechiche, una película que recibió elogios (alzándose con Palma de Oro a la Mejor película en el Festival de Cannes), así como polémica y controversia a partes iguales. La última película en llevar a la gran pantalla la historia de amor entre dos mujeres es la que nos concierne, titulada "Carol", y que se basa en una novela de la prestigiosa escritora estadounidense Patricia Highsmith, conocida por sus obras de intriga, como la afamada Serie "Ripley", y su primera novela denominada "Extraños en un tren", que fue adaptada al cine por el maestro del suspense Alfred Hitchcock. En un primer momento, la obra fue rechazada por sus editores a causa de su temática lésbica, apareciendo en 1951 con el título de "El precio de la sal" y firmada bajo el pseudónimo de Claire Morgan. Posteriormente, en 1989, la reimprimió con el título de "Carol", firmándola con su verdadero nombre, la cual añadió un prólogo donde explicaba las razones que por aquel entonces la obligaron a ocultarse; y también, su satisfacción que tuvo al concebirla, ya que le permitió ayudar a otras lesbianas. Cabe señalar que fue una obra insólita para su tiempo, porque no condenaba moralmente el lesbianismo, mal visto en aquella época; de hecho, la homosexualidad ha sido considerada, durante muchos años, como una enfermedad mental en la cultura occidental.

El director Todd Haynes, que ya tocó el tema de la homosexualidad en sus primeros filmes, siendo una de las promesas del 'New queer cinema', y más tarde considerado como un cineasta rebelde; se hace cargo de adaptar la conocida novela a la gran pantalla. "Carol" es una historia de amor entre mujeres, ambientada en la ciudad de Nueva York en la década de los 50. Therese Belivet es una joven dependienta de una tienda de juguetes, situada en Manhattan, que sueña con tener una vida mejor. Un día, una elegante mujer rubia envuelta en visones, llamada Carol Aird, entra a comprar una muñeca, dando un nombre y una dirección para que se la envíen. Entre ellas, surge una atracción inmediata que podríamos afirmar, sin miedo a equivocarnos, que ha sido un auténtico flechazo, esa clase de certeza que se presenta una vez en la vida; y que por consiguiente, cambiará sus vidas para siempre.

Las dos mujeres que protagonizan este romance son completamente diferentes entre si. Por un lado tenemos a la joven Therese (interpretada de forma impresionante por Rooney Mara), que realmente no sabe que dirección tomará su vida. Tiene aspiraciones (por supuesto), pero aún se siente indecisa. Tras el 'flechazo', empieza a descubrir sus verdaderos sentimientos amorosos, ya que es una mujer que nunca ha estado enamorada, además de iniciarse en la homosexualidad; porque bajo su punto de vista, cuando te enamoras realmente de alguien, da lo mismo si es hombre o mujer, solamente importa el sentimiento del amor y el de la felicidad que conforma estar con esa persona. Por lo que se refiere a la otra 'media naranja', Carol es una mujer elegante y sofisticada (interpretada por una también impresionante Cate Blachett), que en el fondo se siente desamparada, porque se encuentra atrapada en un matrimonio infeliz. Realmente vive por inercia, con el piloto automático puesto, y la irrupción de Therese en su vida arrojará irremediablemente ese halo de luz que necesitaba, siendo el asidero perfecto en su tambaleante vida.

Una vez Carol y Therese han coincidido en ese espacio de amor infinito, emprenden un viaje juntas en coche, el cual confieso que me ha recordado vagamente al del clásico de Ridley Scott "Thelma y Louise", que se podría entender como una especie de metáfora comparado con la relación de nuestra pareja protagonista, ya que a medida que van avanzando por la carretera, y hospedándose en diferentes moteles, su relación también viaja, avanza 'in crescendo', cada vez se torna más intensa y profunda, hasta que entre las dos se desata la pasión más absoluta.

Con reminiscencias a los melodramas clásicos que se hacían en la década de los cincuenta, encabezados por los fascinantes largometrajes de Douglas Sirk, Haynes ejecuta un filme ciertamente precioso, con una puesta en escena brillante, y manteniendo de maravilla el suspense hasta el final, porque debido a la época en la que transcurre su romance, tienen que ocultarse de una sociedad cerrada e intolerable, aunque con algunos atisbos de cambio tras el término de la Segunda Guerra Mundial. A medida que avanza el metraje, el director de "Lejos del cielo" nos mantiene expectantes, queriendo saber como se desarrollará y terminará su romance. Mención especial merece esa maravillosa banda sonora de Carter Burwell (habitual de los Hermanos Coen), que a modo de 'leifmotiv' enriquece cada encuentro y desencuentro de nuestra pareja de enamoradas.

En definitiva, "Carol" es una película apasionante, la cual sientes el amor que derrochan las dos mujeres a flor de piel, realizada de forma impecable por Haynes, y con dos portentosas interpretaciones de Rooney Mara y Cate Blanchett, ambas nominadas merecidamente en la presente edición de los premios Oscar; de los cuales, como apunte final, cabría puntualizar que es bastante injusto que un filme de este calibre, que roza la perfección, se haya quedado fuera de las categorías más importantes de los galardones dorados... Una verdadera lástima, ya que sin lugar a dudas, es una de las mejores películas del año.

"Mecanoscrito del segundo origen" es una de las novelas que más me han marcado en mi vida. Escrita y publicada en 1974 por Manuel de Pedrolo, es uno de los libros más vendidos y posiblemente el más leído de la literatura catalana. Para quien desconozca la obra de Pedrolo, es necesario indicar que bebe directamente de algunos de los grandes clásicos de la literatura fantástica y de ciencia ficción, como el Richard Matheson de "Soy Leyenda", así como "La guerra de los mundos" de H.G. Wells; en el que se podría decir que comparte diversos puntos en común con su premisa, pero ambientada en tierras españolas.

Acorde con lo dicho anteriomente, efectuar una adaptación cinematográfica de una obra de tal envergadura es una ardua tarea. En 2007, la productora Antàrtida Produccions de Carles Porta adquirió los derechos del libro, y el gran director español Bigas Luna (responsable de clásicos como "Jamón, jamón" y "Huevos de oro", entre otros) mostró interés en dirigirla, ya que llevaba alrededor de 25 años intentando llevarla a la gran pantalla. Cuando todo parecía ir rodado, le detectaron leucemia a Bigas Luna, falleciendo posteriormente en 2013, hecho que propició parar en seco el proyecto. Así que, Carles Porta, dueño de la productora y amigo personal del director, decidió sacar adelante el proyecto y así rendirle homenaje. Con un largometraje de animación y un documental a sus espaldas, Carles se hizo cargo también de la dirección.

Llegados a este punto, y tras lo reseñado precedentemente, incido en la complejidad de llevar a cabo la adaptación de una historia de tal calibre, en el que los efectos especiales iban a jugar un papel importante en el filme, ya que su premisa nos trae a dos adolescentes: Alba, una chica blanca de 14 años, y Dídac, un niño negro de 9. Ellos son los únicos supervivientes de un holocausto de origen extraterrestre que ha asolado todo el planeta. Mientras se recuperan de la catástrofe, además de tener que adaptarse a un mundo devastado y plagado de cadáveres, se proponen como objetivo la misión de preservar la cultura humana.

Entrando ya en la valoración de la cinta propiamente dicha, diría que Porta no ha arriesgado demasiado con respecto al referente literario, que es verdaderamente demoledor, en el que sientes realmente esa soledad en un mundo en ruinas (un sentir parecido al protagonista de "Soy Leyenda"); y además, el miedo a lo desconocido, a esos seres venidos de otro planeta dispuesto a terminar con la existencia humana. Por otro lado, su factura técnica es bastante correcta, más sabiendo del escaso presupuesto con el que han contado. La recreación de una Barcelona reducida a escombros es realmente impactante, repleta de edificios ruinosos en llamas, coches malparados en las calles y cadáveres calcinados esparcidos por doquier.

Obviando a los extraterrestres como responsables de la hecatombe, los cuales no hacen acto de presencia en el transcurso del metraje, aunque se intuyen por algunos guiños y referencias, sirviendo como ejemplo el poster colgado en la pared de la serie "Expediente X" o las famosas palabras 'klaatu barada nikto' pertenecientes al clásico "Ultimatum a la Tierra" de Robert Wise; es conveniente decir que la premisa se centra en nuestra pareja adolescente, que serían una especie de Adan y Eva en el Siglo XXI, con el principal propósito de perpetuar la especie humana. Toda la acción se centra absolutamente en ellos dos, a través de una historia intimista, la cual muestra como sobreviven durante años en un ambiente alineado, además del proceso de maduración que una traumática experiencia conlleva, y el descubrimiento de la sexualidad. En contraste con lo anterior, es destacable el último tercio del filme, en el que un estupendo Sergi López hace acto de aparición, y pone en peligro la estabilidad (entre comillas) de nuestros jóvenes personajes. Es pertinente indicar que los actores son posiblemente lo más flojo del filme (exceptuando del veterano Sergi López), ya que tanto Rachel Hurd-Wood como los debutantes Andrés Batista y Ibrahim Mané, no transmiten muy bien toda la desesperación y rabia que deberían de sentir, tras encontrarse inmersos en un mundo totalmente destrozado y carente de esperanza.

En síntesis, aunque su resultado general es bastante digno, o incluso podría a aventurarme a decir que es interesante, este "Segundo origen" se queda a medio camino, ya que la fuente original mostraba una historia desgarradora y sin concesiones, calando hondo en el lector. Siempre nos quedará la 'espinita' clavada de saber que es lo que hubiera hecho Bigas Luna, si el maldito cáncer no hubiera hecho acto de presencia.

Se podría afirmar que Rocky es el boxeador más famoso de la historia de celuloide; con permiso del Jake la Motta encarnado por Robert de Niro en "Toro Salvaje" (Raging Bull, 1980) de Scorsese; y el Rocky Graziano del mítico Paul Newman en "Marcado por el odio" (Somebody Up There Likes Me, 1956) de Robert Wise. A pesar de contar con una historia más bien sencilla, la primera entrega de la saga pugilística era un drama sobre la lucha por encontrar satisfacción en un mundo indiferente, repleta de buen corazón, y valores como el honor, el coraje y cumplir los sueños en la vida; asimismo, introdujo muchas de las claves sobre el mundo del boxeo que se han utilizado, hasta la saciedad, en largometrajes posteriores. Cuarenta años después de la primera entrega, y tras cinco secuelas con más o menos éxito, llega este séptimo (y probablemente) último título de la saga que catapultó al estrellato a Sylvester Stallone.

La película que nos concierne, titulada simplemente "Creed" (el subtítulo de "La leyenda de Rocky" es por si aún hay algún "despistadillo") se centra en Adonis Johnson, del que cabe destacar el potente inicio del filme que presenta al personaje de maravilla. Adonis no llegó a conocer a su padre, el campeón del mundo de los pesos pesados Apollo Creed, que falleció antes de que él naciera; no obstante, nadie puede negar que lleva el boxeo en la sangre, por lo que pone rumbo a Filadelfia, mismo lugar en el que se celebró el legendario combate entre su padre y Rocky Balboa. Una vez allí, busca a Rocky y le pide que sea su entrenador. A pesar de que este insiste en que ya ha dejado ese mundo para siempre, Rocky ve en Adonis la fuerza y determinación que tenía Apollo, y que terminó por convertirse en su mejor amigo, accediendo a entrenarle finalmente.

Me ha gustado mucho la manera con la que su director ha abordado esta nueva secuela, ya que mantiene los valores y esencia predominante en toda la saga que anteriormente he citado; sin embargo, ha tenido la capacidad de actualizarla a los cánones que rigen en la actualidad, con unos combates muy bien filmados y bastante realistas (de hecho han contado con boxeadores reales, y eso a decir verdad se nota), los cuales nos sitúa dentro del cuadrilátero, en el que sentimos cada puñetazo dado, y la sangre y sudor a flor de piel. A esto hay que sumarle las notables interpretaciones del trío protagonista. Michael B. Jordan (que ya protagonizó en 2013 la interesante opera prima de Coogler, titulada "Fruitvale Station") encarna a Adonis, mostrando convincentemente las motivaciones que requiere su personaje, que son el canalizar toda esa rabia contenida durante años, para convertirse en el gran boxeador que fue su malogrado padre, cumpliendo sus sueños y buscando el reconocimiento de su familia. También destaca Tessa Thompson, que sirve como contrapunto perfecto para nuestro Adonis; pero sobretodo, es Sylvester Stallone quien se lleva el gato al agua, con la que posiblemente sea la mejor interpretación de su larga trayectoria (junto con la propia en la muy recomendable cinta de James Mangold, "Copland"). En esta ocasión Rocky Balboa ejerce como mentor del joven pupilo dándole grandes lecciones, no solo en referencia al boxeo, sino sobre cómo afrontar los retos que diariamente te plantea la vida. Al igual que en la tercera entrega, se crea un fuerte vínculo de amistad entre Creed y Rocky; además, ese interesante giro argumental en el último tercio del filme, eleva la calidad del mismo y propicia que esté a la misma altura que la primera parte, que no es poco.

En conclusión, "Creed. La leyenda de Rocky" es una muy buena película, que funciona como un más que digno broche final a la mítica saga; algo bastante parejo con "El despertar de la fuerza" y "Jurassic World" sobre sus respectivas sagas de Star Wars y Jurassic Park, que empleaban magníficamente el factor nostalgia en yuxtaposición con su propia personalidad como largometrajes; es decir, que poseen los suficientes argumentos para no caer en la mera copia barata y deslavazada carente de alma y calado, tal como le pasó a la infumable y charlotera "Terminator Génesis" (Alan Taylor, 2015).

Durante varios siglos, la homosexualidad y transexualidad han sido consideradas unas enfermedades mentales en la cultura occidental. En 1973, la Asociación Americana de Psiquiatría (APA), con la publicación de la 3ª edición de su manual de diagnóstico de enfermedades mentales DSM-III pasó a llamarse "perturbaciones de la orientación sexual" (todo un eufemismo), que finalmente sería eliminado en 1984 en la revisión de la misma. El motivo que había para justificar la homosexualidad como enfermedad mental era el hecho de que los homosexuales presentaban debido a su orientación sexual un "malestar subjetivo y deterioro en el funcionamiento social". Curiosamente este malestar dependía del rechazo de los otros hacia el homosexual y no de la homosexualidad en si misma, es decir, la sociedad le hacia enfermo mental al no aceptarlos. La película que nos concierne, "La chica danesa", es un drama basado en la verdadera historia Einar Wegener, un artista danés de considerable éxito que fue la primera persona conocida en ser la destinataria de una cirugía de cambio de sexo.

La cinta se centra en el matrimonio formado por Einar y Gerda Wegener, que vivieron en Dinamarca a finales del siglo XIX, el cual dio un giro cuando Einar sustituyó a la modelo femenina que su mujer, Gerda, tenía que pintar. Cuando los retratos resultan ser un éxito, ella anima a su marido a adoptar una apariencia femenina. Lo que comenzó como un juego llevó a Einar a una metamorfosis, convirtiéndose en una mujer llamada Lili Elbe, hecho que cambió su vida para siempre y puso en riesgo el amor de su esposa.

Para llevar a la gran pantalla esta asombrosa historia, han contado con el director británico Tom Hooper, un excelente realizador que en estos últimos años ha demostrado todo el talento que atesora, con películas tan geniales como la oscarizada "El discurso del rey" (The King's Speech, 2010) que trataba el problema de tartamudez del rey de Inglaterra Jorge VI , o "Los miserables" (Les Misérables, 2012) que adaptaba el famoso musical basado en la novela de Victor Hugo. En la película que nos concierne, "La chica danesa", el director británico otorga una factura técnica impecable, en el que Hooper da una lección magistral de buen cine, con una puesta en escena y dirección de actores impresionante, destacando unos planos estáticos prácticamente simétricos que quitan el hipo, y unos estupendos travellings que le aportan dinamismo al filme. Merece una mención especial el gran trabajo desempeñado por el español Paco Delgado en el maquillaje y peluquería del filme, que potencia las magníficas interpretaciones (aún más si cabe).

Podría afirmar que no tengo suficientes calificativos para describir tanto talento abrumador; y es que Eddie Redmayne y Alicia Vikander están verdaderamente impresionantes, y cabe decir que no sorprenden para nada sus sendas nominaciones a los Oscar. Tanto Redmayne como Vikander ya nos demostraron de que pasta están hechos con sus largometrajes anteriores, él llevándose la preciada estatuilla dorada por la encarnación del afamado astrofísico Stephen Hawking en "La teoría del todo" (James Marsh, 2014), y ella deslumbrando como el androide bello e inquietante (a partes iguales) en la maravillosa opera prima de Alex Garland "Ex Machina" (Id., 2015).

Los finos rasgos fisionómicos de Redmayne, junto con su talento interpretativo, ayudan muchísimo a que el actor británico construya un personaje verosímil, hasta el punto que dejamos de ver un actor y solamente quede dicho personaje, es impresionante la credibilidad con la que dota a ese hombre, en el que sin previo aviso y control, despierta en su interior el sentimiento de 'sentirse' mujer; y acentuado más aún si cabe por la época en la que vive, en el que los prejuicios hacia los homosexuales y transexuales eran muy elevados (basta con ver la escena de la paliza, sirviendo como un claro ejemplo de ello); asimismo, es necesario indicar la valentía que tiene el personaje de no renunciar a sus sentimientos y luchar por ellos. Por otro lado, Vikander es posiblemente la mejor del reparto (imposible de creer tras ver la increíble transformación de Redmayne); sin embargo, a ella no le hace falta ningún tipo de maquillaje o vestuario para construir su personaje. Transmite tanto a través de sus ojos que sientes su dolor, esa procesión que se mueve por dentro. Como todos sabéis la interpretación se basa en fingir las emociones, en transformarse en otra persona que no eres tu; así que partiendo de esta base, cuando el personaje siente alegría, sorpresa o pena, es el actor quien finge todo eso. Llegados a este punto, que un actor (en esta caso actriz) pueda llegar a fingir tal dolor a través de sus ojos (en el que hay que recordar que son el espejo del alma), solamente por eso, ya merece todos los elogios, ya que es brutal lo bien que lo hace, y por ese motivo pienso que Vikander realiza la mejor interpretación del filme (y posiblemente de su carrera), siendo una firme candidata a obtener el premio Oscar este año 2016. Su Gerda Wegener tiene que lidiar con el sentir del hombre que ama, y el hecho de que renuncie a su felicidad personal para ayudarlo en tal propósito demuestra su amor incondicional que sentía por él; y es que se podría considerar este filme como una historia de amor verdadero, además de superación personal.

En síntesis, "La chica danesa" me ha parecido una película notable y muy recomendable, con una historia fascinante que está abordada de manera impecable, con dos portentosas interpretaciones que confirman tanto a Eddie Redmayne como a Alicia Vikander como dos de los mejores actores del panorama cinematográfico actual; así como a su director, Tom Hooper, como uno de los más destacados del cine británico, el cual muchos cineastas jóvenes actuales deberían de tomar buena nota de como encuadrar, así dejarían de "marearnos" con esos torpes movimientos de cámara que tan de moda está últimamente.

"Match Point" supuso un punto de inflexión en la filmografía del director estadounidense Woody Allen, debido a que fue su primera película rodada íntegramente fuera de Nueva York, su ciudad predilecta.

El director de obras maestras, tales como "Annie Hall" (1976) (que está considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine), "Manhattan" (1979), "La rosa púrpura del Cairo" (1985), o "Hannah y sus hermanas" (1986), entre otras, no contaba con el favor de la crítica, afirmando que realizaba comedias ligeras cortadas siempre por el mismo patrón; resumiendo, que de algún modo se había estancado, perdiendo ese toque genial que le caracterizó durante las décadas de los setenta y ochenta; también puede que se debiera a la tormentosa ruptura matrimonial con Mia Farrow a principios de la década de los noventa, la musa con la que estuvo casado durante doce años.

En 2005, se fue al Reino Unido y rodó la película que nos ocupa, sorprendiendo a propios y extraños, ya que aparte de ser su primer largometraje realizado en tierras británicas, supuso un cambio radical en su estilo cinematográfico. En este filme dejó de lado a su típico personaje hipocondríaco y tartamudo de siempre, del mismo modo que su estilo cómico, y se embarcó en un drama con pinceladas de intriga, que realizaba a su vez una interesante reflexión sobre el azar y el destino.

Destaca el gran trabajo de todo el elenco, sobretodo el de una exuberante Scarlett Johansson, en uno de los primeros roles importantes de su carrera, que la convirtieron en musa de Allen en años posteriores, participando también en filmes sugerentes como "Scoop" (2006), y "Vicky Cristina Barcelona" (2008); ésta última fue rodada íntegramente en España, en las ciudades de Barcelona, Oviedo, Avilés y La Felguera, y en el cual participaron reconocidos intérpretes españoles como Javier Bardem y Penélope Cruz (interpretación que le valió el premio Oscar a la mejor actriz secundaria).

La película hace un retrato de la sociedad clase alta londinense, centrándose en la historia de un joven tenista retirado de la competición internacional, que se establece en la ciudad como profesor de tenis; motivado por la ambición hace todo lo que está en su mano para conseguirlo: mintiendo y engañando llegado el caso. Contrae matrimonio con la hija de un rico empresario, aunque sienta una pasión obsesiva por una joven veinteañera estadounidense, que es excéntrica, neurótica, fascinante, frustrada por el fracaso de sus deseos de triunfar como actriz, y con una pasión obsesiva por el sexo.

Huelga decir que en el último tercio del film hay un genial giro narrativo, con un estilo deudor del mejor Alfred Hitchcock, que convierte a "Match Point" en una obra maestra incontestable, con un Jonathan Rhys Meyers impresionante; además, es digno de mención la genial escena del beso bajo la lluvia en los campos de centeno entre Scarlett Johannson y Johnatan Rhys Meyers, siendo una de las escenas más subidas de tono filmadas por el maestro neoyorkino; asimismo, el filme posee una brillante puesta en escena, y una banda sonora totalmente operística, que la ensalza de forma realmente sublime (aun más si cabe); en definitiva, una maravilla.

Como apreciación personal, me ha recordado vagamente a la también reivindicable "Delitos y Faltas" (1988), en la cual Allen compartía protagonismo con Martin Landau, Mia Farrow y Angelica Huston.

Posteriormente Allen ha realizado multitud de películas en el viejo continente europeo, algunas de ellas destacables como "Medianoche en París" (2011), hasta el regreso a su ciudad natal en 2013 con "Blue Jasmine"; sin embargo ninguna de ellas es tan fascinante y rematadamente buena como esta joya cinematográfica.

Partiendo de la base que la vida de una de las cantantes más talentosas y polémicas (a partes iguales) que ha dado el Siglo XXI es más que evidente que puede dar mucho jugo, cinematográficamente hablando; sin embargo, cabe destacar que para realizar un retrato de esta controvertida artista musical hacía falta un director que supiera dar un enfoque digamos distinto. Así que la elección del realizador británico de ascendencia india Asif Kapadia se podría considerar todo un acierto. Avalado por el notable documental galardonado con 2 premios BAFTA (al mejor documental y mejor montaje), "Senna", sobre la vida del legendario piloto brasileño Ayrton Senna; Asif confecciona un sentido retrato a partir de grabaciones inéditas y privadas del entorno de la cantante, en el que la música (y sobretodo las letras de las canciones) son el hilo conductor del documental.

Cabe decir que Amy Winehouse, famosa cantante británica ganadora de 6 Premios Grammys, se vio desde muy joven afectada por el divorcio de sus padres; además, tenía un talento natural para el jazz y el soul y una voz prodigiosa que pronto la convirtió una estrella mundial a pesar de lanzar sólo dos discos. No obstante, la fama, la prensa sensacionalista, los intereses de la industria (y de su entorno), y su turbulento amor con el que fue su pareja Blake Fielder la condujeron finalmente a su trágico destino en su piso de Camden, Londres, falleciendo a los 27 años de edad, y pasando a formar parte del fatídico "Club de los 27".

A modo de voz en off, diversas personalidades que formaron parte de la vida de Winehouse aportan su testimonio, en el que podemos encontrar a familiares y amigos, como Mark Ronson, Mos Def, Mitch y Janis Winehouse, Tony Bennet, entre otros muchos, hasta incluso el ex marido de Amy, Blake Fielder, máximo responsable de que la cantante se introdujera en el destructivo mundo de las drogas. Aunque el mayor logro de Asif ha sido que ahonda profundamente en la personalidad de la artista, sin maniqueísmos ni manipulaciones (al contrario de lo que afirma el padre Mitch Winehouse), realizando una introspección de la persona que se esconde debajo del mito, sin emitir ningún tipo de juicio de valor, sino dando voz a la propia cantante, y mostrando su vida tal cual; de igual modo, es impresionante ver como se gestaron en los estudios de grabación canciones como "Rehab" o "Back to black", que formaron parte de uno de los álbumes de pop más importantes e influyentes de la primera década del 2000; también ver grabaciones del backstage de las principales galas de premios como los Grammy; además de grabaciones personales realizadas por sus amigos en tiempos vacaciones, en el que vemos a Amy en la intimidad de su casa.

Para el que escribe estas letras, ha sido todo un descubrimiento este notable documental, del que podría afirmar como imprescindible si eres amante de la música, ya que ha cambiado totalmente la percepción sobre el mito, una frágil mujer atrapada y víctima de sus propias obsesiones, las malas influencias y sobretodo de la "maquinaria" musical, esa industria que es capaz de dártelo todo como de exprimirte hasta el último aliento, como a tantos otros ea lo largo de la historia.

Por lo que se refiere a "Star Wars" se puede afirmar que supuso toda una revolución en la historia del cine moderno, pues prestándose de unos deslumbrantes efectos especiales y una historia que le daba un nuevo enfoque a las aventuras caballerescas y de princesas, instauró la era 'blockbuster', cambiando para siempre la forma de contar y confeccionar las películas con respecto a la edad dorada. Hay que mencionar, además, que desató una auténtica fiebre fan sobre el gentío, pasando irremediablemente a formar parte de la cultura popular, la cual se hicieron toda clase de juguetes, artículos de 'merchandising', series de animación, convenciones y muchas cosas más... que la han convertido en la saga más popular y exitosa de la historia del celuloide.

Tras una primera trilogía a principios de los años ochenta, conformada por "La guerra de las galaxias" (George Lucas, 1977), "El imperio contraataca" (Irvin Keshner, 1980) y "El retorno del Jedi" (Richard Marquand, 1983); su creador George Lucas, al borde de la era 2000, realizó una nueva trilogía centrada en relatarnos el pasado de los personajes más icónicos de la franquicia; y a pesar de tener unos deslumbrantes efectos especiales, no consiguieron paliar las expectativas de los incondicionales fans de la saga e "hiriendo casi de muerte" el fenómeno galáctico.

Llegados a este punto, cuando se dijo de realizar una nueva trilogía, que continuara los hechos relatados en la trilogía clásica, las expectativas estaban directamente por los suelos, y más aún, tras la adquisición del estudio responsable Lucasfilm por parte de la factoría Disney, que hacíade la citada presagiar una infantilización de la franquicia; sin embargo, nada más lejos que la realidad. La compañía del simpático ratón animado fichó al director estadounidense JJ Abrams, del que cabe puntualizar que el mismo Steven Spielberg dijo de él que era su predilecto; es decir, un realizador que ha heredado ese toque naíf y aventurero que el rey midas de Hollywood desarrolló en los años ochenta y noventa; asimismo, Abrams ha sido el responsable de revitalizar la franquicia de Star Trek, y también de realizar interesantes series de ciencia ficción (como "Lost" o "Fringe"), así que se podría afirmar que era el más idóneo para abordar un proyecto de esta envergadura. Si a esto sumamos el rescate de sus personajes clásicos Han Solo, Chewacca, la princesa Leia, Luke Skywalker y los androides C3PO y R2D2; y también de Lawrece Kasdan en las labores de escritura del guión; el éxito de esta nueva y esperadísima entrega estaba asegurado; y así ha sido, pero con matices.

A diferencia de la citada anteriormente segunda trilogía, Abrams y su equipo recupera el espíritu perdido, ese sabor que desprendía la trilogía clásica, conformando un híbrido entre las maquetas, decorados, maquillaje y demás, con los efectos digitales de última generación, dándole un aspecto espectacular, a la par que real y palpable, siendo sin duda uno de sus grandes aciertos. De igual modo que su reparto actoral, en el que confluyen algunos de los intérpretes míticos (como el carismático Harrison Ford, Carrie Fisher y Mark Hamill) con algunos jóvenes talentos, como por ejemplo Daisy Ridley, que encarna a la protagonista Rey, una chatarrera ingenua y sagaz, que se convierte por méritos propios en el corazón de la historia, ya que es ese personaje en el que despierta la fuerza interior; por otro lado, también podríamos destacar a John Boyega, que da vida a un soldado imperial que deserta y finalmente acaba uniéndose a nuestra protagonista, teniendo una química entre los dos muy buena; al igual que el simpático y adorable nuevo androide bola BB-8; y Adam Driver, que encarna al villano de la función, que a pesar de no poseer ni un atisbo del carisma y grandeza del mítico Darth Vader (hecho que podríamos decir que es casi imposible de igualar), contiene una interesante lucha interior bastante pareja a aquella que tuvo Anakin Skywalker de los denostados episodios 1, 2 y 3, una vulnerabilidad que le hace caminar sobre el fino alambre que separa el reverso tenebroso con el de la luz.

Si bien, en contraste con lo dicho anteriormente, deseo subrayar que a pesar de haber rescatado a un guionista del calibre y talento de Lawrence Kasdan, responsable de escribir "El imperio contraataca" y "El retorno del Jedi", el guión de esta nueva entrega naufraga irremediablemente, teniendo prácticamente la misma estructura argumental que el "Episodio IV: Una nueva esperanza", dejando una sensación de 'deja vu' constante; algo así como pasó con "Jurassic World" (Colin Trevorrow, 2015), que funcionaba como una especie de remake encubierto de "Jurassic Park" (Steven Spielberg, 1993). De manera semejante que con algunos de los actores, como Oscar Isaac [nominado al Oscar por "A propósito de Llewyn Davis" (Joel y Ethan Coen, 2013) y visto últimamente en "Ex Machina" (Alex Garland, 2015)], en el que su personaje desaparece inexplicablemente durante gran parte de la trama; y sobretodo un desaprovechadísimo Max von Sydow [nominado dos veces a los Oscar con "Pelle el conquistador" (Bille August, 1988) y "Tan fuerte, tan cerca" (Stephen Daldry, 2011)], que tiene una presencia testimonial.

De todas maneras, pese a su previsibilidad argumental, podemos considerar este nuevo episodio VII "El despertar de la fuerza" como una película impresionante, primando más la forma sobre el fondo, por recuperar ese sentido de la maravilla que perdió con las deslavazadas secuelas de George Lucas, por resucitar una saga galáctica prácticamente agotada (al igual que hizo con la de Star Trek) y por descontado, por volver a ilusionarnos con las aventuras de unos pintorescos personajes vagando por esa galaxia tan tan lejana, que tantas alegrías y buenos recuerdos nos han aportado en nuestras vidas.

El ecléctico director estadounidense Richard Linklater, tras su triunfo de crítica y público en todo el mundo con la película que filmó en 39 días repartidos a lo largo de doce años, "Boyhood: Momentos de una vida", encuentra finalmente distribución para la película que nos concierne, realizada en 2011 y titulada "Bernie". Inspirada en la increíble historia real de Bernie Tiede, que formó parte de la crónica negra de la comunidad de Texas. Linklater (con la ayuda del periodista Skip Hollandsworth) nos muestra a un treintañero regordete, risueño, encantador y con bigote, que se instaló en el idílico pueblo tejano de Carthage, demostrando ser un trabajador excepcional en la funeraria de la localidad, siendo muy atento con los familiares de los muertos y en el que incluso cantaba en los entierros. Sin duda era el ciudadano ejemplar. Su carácter bueno y solidario propició que se hiciera amigo de Marjorie Nugent, una viuda adinerada, huraña, criticada por los vecinos por sus malas formas y sin relación con sus nietos tras disputas por la fortuna familiar. Ellos formaron una curiosa e inverosímil amistad, cimentada por la soledad de la anciana en contraposición con la personalidad complaciente del joven, que hizo que ésta se aprovechara de ella obligándole a ser su asistente personal. Tras soportar las imposiciones y gritos de la señora Nugent durante mucho tiempo, Bernie la mató disparándole con una escopeta de caza y guardando su cadáver en un congelador. Este caso conmocionó a la sociedad estadounidense, ya que a pesar de lo atroz del siniestro, Bernie era un hombre muy querido en su comunidad.

Se puede afirmar que "Bernie" es una comedia negra, una oda a lo absurdo, un estudio completísimo de todo un personaje, una radiografía del surrealista microcosmos de un pequeño pueblecito de Texas... pasada por el tamiz del falso documental (para no caer en el melodrama puro y duro de sobremesa), en el que Linklater entremezcla de forma muy inteligente los testimonios reales de los habitantes del pueblo, con la ficción dramatizada de los hechos, y es capaz de no traspasar la fina línea del ridículo, porque hay que recordar que se basa en una historia real, y la realidad siempre supera a la ficción (o eso es lo que se dice). Jack Black es el 'alma mater' del filme, y en el que posiblemente sea ésta la mejor interpretación de su carrera. Black borda a ese enterrador de modales exquisitos, homosexualidad reprimida, con puntito psicópata, y en el que además, demuestra sus grandes dotes para el canto, como ya hiciera en la interesante "Escuela de rock" (también de Linklater); asimismo, en el reparto podemos encontrar a la legendaria Shirley MacLaine, que interpreta a la perfección a esa vieja bruja malvada, una mujer realmente odiosa capaz de sacarte de quicio con solo masticar la comida; y también tenemos a Matthew McConaughey, del cual cabe reseñar que aquí empezó su proceso de reciclaje para convertirse en uno de los intérpretes más cotizados de la actualidad.

En definitiva, "Bernie" es una película muy interesante, que cuenta una historia curiosa y real, en el que se puede intuir reminiscencias a la genial serie televisiva "A dos metros bajo tierra" y al cine de los Hermanos Coen, y que nos hace reflexionar sobre la condición del ser humano, en el que cualquier persona sometida a mucha presión, por muy buena y paciente que sea, puede ser capaz de cometer el acto más atroz del mundo.

De todos es bien sabido la costumbre de Hollywood de realizar "remakes" de exitosas películas no estadounidenses. A pesar de que ha sido algo habitual desde los inicios del cine; por ejemplo, podría citar el caso de "Ben-Hur", uno de los filmes más laureados en los Oscar, no es más que un "remake" homónimo de una de las cumbres del cine mundo, llevado a cabo por su propio director Cecil B. DeMille. Esta práctica se ha incrementado en estos últimos años, habiendo una "invasión" de refritos que inundan las carteleras de cine, las estanterías de los vídeoclubs y las fichas de las plataformas digitales. Personalmente, nunca me ha gustado demasiado porque evidencia falta de ideas; sin embargo, hay algunos casos, como el anteriormente citado, que si el filme en cuestión se aborda desde el respeto, puede resultar una experiencia gratificante.

En esta ocasión, el veterano cineasta Michael Radford, responsable, entre otras, de la genial adaptación cinematográfica de "1984", la clásica distopía de George Orwell, y de "El cartero (y Pablo Neruda)", por la que fue nominado a los premios Oscar, es el encargado de volver a llevar a la gran pantalla esta historia, de la cual no ha cambiado apenas ni un ápice.

La premisa se centra en Fred, un hombre octogenario convencional, serio y responsable, que tras quedar viudo, se siente desconcertado y angustiado por la ausencia de su mujer. Ante este hecho, su hija lo anima a mudarse a un apartamento más pequeño. Es entonces cuando conoce a Elsa, una mujer llena de vitalidad y con una imaginación desbordante. A partir de ese momento, ella irrumpe en su vida como un torbellino dispuesta a demostrarle que el tiempo que le queda es precioso y debe disfrutarlo como le plazca.

Como decía anteriormente, su director no ha cambiado apenas ni un ápice de esta sencilla historia, incluido el sentido homenaje al gran clásico de Federico Fellini, "La Dolce Vita", una de las películas más impresionantes de la historia del celuloide. A pesar de repetir prácticamente toda su premisa, cuenta con un dúo protagonista de alto octanaje, dos grandiosos intérpretes que, sin lugar a dudas, elevan la calidad de la película, como son Shirley MacLaine y Christopher Plummer. Es necesario recordar que MacLaine debutó en la gran pantalla en un filme de Alfred Hitchcock ("Pero... ¿quién mató a Harry?"), y a lo largo de su larga trayectoria ha trabajado con los directores más grandes: Billy Wilder, William Wyler, Robert Wise, Vincente Minnelli, Vittorio De Sica, Mike Nichols o Don Siegel, entre otros muchos; asimismo, ha sido cinco veces nominada a los Oscar, siendo galardonada en una ocasión (en 1983 por "La fuerza del cariño"). Por otro lado, Plummer es conocido especialmente por protagonizar (junto con Julie Andrews) el clásico musical "Sonrisas y lágrimas", y huelga decir también que ha trabajado con los más grandes: Sidney Lumet, Anthony Mann, Robert Mulligan, Blake Edwards o John Huston; además, recientemente ha sido galardonado con un premio Oscar (por "Beginners"). Ambos forman una pareja maravillosa, deliciosa y entrañable, que justifica con creces el visionado de este remake, realizado desde el respeto, del que se puede afirmar, simple y llanamente, que funciona como un homenaje al original, protagonizado por los también grandes Manuel Alexandre y China Zorrilla.

Destaca además, su mensaje optimista, mostrando que la certeza del amor, el hacer realidad los sueños, y las ganas de vivir la vida plenamente disfrutando de las pequeñas cosas, no entiende de edades... ya lo expresa claramente el refrán: "nunca es tarde, si la dicha es buena"; asimismo, al igual que en el original, el precioso homenaje al clásico de Fellini "La dolce vita" es fantástico, con una Maclaine recordando y referenciándose a si misma como una de las grandes actrices de la historia del séptimo arte; de igual modo que el inteligente buen uso de la fotografía para engrandecer, aún más si cabe, el momento.

En definitiva, esta nueva versión de "Elsa y Fred" respeta la esencia del original, gracias al sustento de su impresionante pareja protagonista, con una premisa maravillosa por su sencillez y honestidad, siendo una propuesta verdaderamente reconfortante, y por supuesto, recomendable.

Mi profesora de literatura que tuve en el instituto solía repetir muchas veces aquello de "Las prisas no son buenas consejeras", una frase que resume a la perfección el resultado global del filme que nos abarca, la secuela de "Ocho apellidos vascos", la película que pulverizó sorprendentemente todos los registros de la taquilla española el pasado año 2014. En esta ocasión, los artífices del filme trasladan la acción del País Vasco a un pequeño pueblo de Cataluña, en el que Koldo, tras enterarse de que su hija Amaia ha roto con Rafa y se ha enamorado de un catalán, decide entonces poner rumbo a Sevilla para convencer a Rafa de que lo acompañe a tierras catalanas para rescatar a Amaia de los brazos del joven y de su ambiente.

Teniendo en cuenta la evidente falta de frescura que rezuma de entrada el producto, esta apresurada secuela de "Ocho apellidos..." vuelve a repetir la misma fórmula de la primera entrega, cambiando los clichés vascos por los catalanes; sin embargo, un servidor esperaba algo más de mordiente, y que los guionistas hubieran incidido en las puyas sobre el enrarecido y candente tema político sobre la independencia. El hecho de que se haya realizado con prisas, con la premisa de explotar cuanto antes la "gallina de los huevos de oro", se ha notado muchísimo, plasmándose de sobremanera en el resultado global del filme... una comedia repetitiva, sosa, trillada a más no poder y sin apenas gracia. Quizás su momento más inspirado sea aquel en el que Karra Elejalde palmea descompasado en el 'tablao'; también una Rosa María Sarda en su salsa encarnando correctamente a una catalana de pura cepa y ese Berto Romero que parodia a un petulante 'hipster' (con barba postiza) bastante pasado de vueltas; además del ingenioso guiño a "Good Bye, Lenin!" y las reminiscencias patentes a la exitosa cinta noventera de Julia Roberts "La boda de mi mejor amigo" y al universo cinematográfico de Woody Allen, aquel que nos muestra a unos pintorescos personajes de clase media con sus enredos, pero evidentemente sin la maestría que atesora el maestro neoyorkino.

Convertida ya en el mejor estreno del cine español en lo que llevamos de año 2015, "Ocho apellidos catalanes" es más bien una 'comedieta' que solamente se puede disfrutar despojándose de cualquier tipo de expectativa, que entretiene sin más, un vodevil deslavazado en el que la premura por terminarla la ha lastrado considerablemente.

Brian Wilson es uno de los personajes más importantes que ha conocido el pop-rock en su historia. Un indiscutible alquimista de la composición y producción pop, mago de la melodía y las armonías, profundo en la expresión emocional y meticuloso orfebre en la experimentación en estudio; además, huelga decir que fue el fundador de uno de los mejores grupos de la historia musical: The Beach Boys.

Bill Pohlad, reputado productor estadounidense responsable de exitosas películas como "Brokeback Mountain" (Ang Lee, 2005), "El árbol de la vida" (Terrence Malick, 2011) o "12 años de esclavitud" (Steve McQueen, 2013), entre otras... y con solamente un filme dirigido en los años noventa "Old Explorers" (Id, 1990); es el encargado de llevar a la gran pantalla la convulsa vida del músico británico.

En este atípico biopic hay dos líneas argumentales bien definidas y diferenciadas: una ambientada en la década de los sesenta y la otra en los ochenta. Por lo que se refiere a la subtrama de los sesenta, nos muestra a un Wilson, que tras retirarse de las actuaciones en vivo, se enmarca en la gestación de sus álbumes más laureados: "Today!" (1965), "Pet Sounds" (1966) y el inconcluso e inédito "SMiLE", que un año más tarde sería reciclado en el disco "Smiley Smile" (1967). Es fascinante como Pohlad exhibe las creaciones de estos discos, considerados como verdaderas obras maestras de la música popular; sus procedimientos en el estudio de grabación (como su meticulosidad en los arreglos o sus excentricidades, sirva de ejemplo el incendio controlado en una de las grabaciones); y también, como sus problemas mentales derivados de su infancia difícil (perpetrada por un padre de Wilson frustrado y tiránico que le maltrató, dejándole sordo de un oído), la obsesión con la música de los Beatles (sobretodo tras el lanzamiento del disco "Rubber Soul", que le cautivó y lo consideraba el mejor álbum de todos los tiempos); además del consumo de drogas (como la cocaína y el LSD).

En relación con la subtrama centrada en los ochenta, vemos un Wilson bajo la tutela del polémico doctor Eugene E. Landy, que le trataba las adicciones y problemas psicológicos, siendo también la misma época en la cual conoció a la que sería su segunda esposa, Melinda. Pohlad nos muestra de forma precisa como Landy, con sus métodos viscerales y poco ortodoxos, tenía el dominio total de la vida del músico británico, controlando todos sus movimientos, visitas, salidas, comidas, etc..., y asimismo, le recetaba fármacos psicotrópicos que agravaban aún más sus problemas mentales.

Es necesario recalcar las portentosas interpretaciones de Paul Dano y John Cusack, que dan vida al músico en las dos etapas mostradas en el filme, los sesenta y ochenta respectivamente. En menor grado, también destacan las de un pasado de vueltas Paul Giamatti, que encarna al doctor Landy, y una deliciosa Elizabeth Banks, que da vida a Melinda; asimismo, su ritmo pausado e introspectivo que le imprime su director, al igual que el desarrollo simultaneo de sus subtramas, hacen de este biopic un retrato muy interesante; aunque se podría objetar que hay algunos detalles de la vida de Wilson que se han quedado en el tintero; sin embargo, no empañan para nada este magnífico largometraje.

Llegados a este punto, cabe resumir que "Love & Mercy" (título prestado de la primera canción de su primer y homónimo álbum en solitario) y que además describe a la perfección la esencia del filme... "amor y misericordia"; es una película notable, con unas interpretaciones verdaderamente espléndidas, repleto de las formidables canciones de los Beach Boys (sobretodo "God only knows" y "Good vibrations"), y con una cautivadora representación del genio y la figura de uno de los músicos más grandes e influyentes de todos los tiempos.

El director bilbaino Alex de la Iglesia siempre ha tenido la cualidad innata para rescatar de alguna manera artistas o actores caídos prácticamente en el olvido; algo bastante parejo a lo que hizo Quentin Tarantino con John Travolta (en Pulp Fiction) o David Carradine (en Kill Bill Vol. 2). Podríamos destacar de De la Iglesia el de Carmen Maura en "La Comunidad", Sancho Gracia en "800 Balas" o Raphael en la película que nos concierne, titulada "Mi gran noche".

Un nuevo filme, que al igual que su anterior largometraje "Las brujas de Zugarramurdi", nos vuelve a presentar una comedia descacharrante y alocada. En esta ocasión, deja de lado el fantástico mundo de las brujas para trasladarnos al mundo de la televisión, situado en un pabellón industrial de las afueras de Madrid, el cual cientos de figurantes llevan semana y media encerrados y desesperados mientras fingen celebrar con alegría la falsa venida del Año Nuevo. Alphonso, la estrella musical, es capaz de todo para asegurarse que su actuación tendrá la máxima audiencia. Adanne, su antagonista, joven cantante latino, es acosado por las fans que quieren chantajearle. Los presentadores del programa se odian y compiten entre sí para ganarse la confianza del productor. Pero lo que nadie sabe es que la vida de Alphonso corre peligro.

Con "Mi gran noche", Alex de la Iglesia nos realiza una mordaz crítica a la mentira e hipocresía que se esconde detrás de los programas televisivos, en el que como en el "amor" y en la "guerra" todo vale; asimismo, también trata de soslayo el tema de los famosos ERE, en el que es inevitable que no recuerde al propio vivido en el desaparecido Canal 9 valenciano. Para llevarla cabo, De la Iglesia se ha arropado en un impresionante reparto coral, compuesto por una multitud de rostros de sobra conocidos, como los televisivos (valga la redundancia) Mario Casas, Pepón Nieto, Carlos Areces, Carmen Machi, Santiago Segura, Enrique Villén, Hugo Silva, Blanca Suárez y Carolina Bang; además de la gran Terele Pávez. Aunque de todos ellos, el que sobresale por encima de todos es el célebre cantante Raphael, que vuelve a la interpretación casi 40 años después de su última película. Ya en "Balada triste de trompeta" el director de "El día de la bestia" realizaba un sentido homenaje al mítico cantante, pero con ésta el reivindicativo es total, erigiéndose como lo más destacado de una película ácida, desenfrenada y divertidísima a partes iguales. No sería de extrañar si el cantante se llevara algún Goya por esta interpretación, porque verdaderamente está genial, siendo el alma en la que rota el filme. Sus escenas con Carlos Areces (uno de los mejores cómicos de nuestro país, salido de ese magnífico programa televisivo "Muchachada Nui") son maravillosas... un puro deleite festivo; algo semejante ocurre con Blanca Suárez, de moda gracias a sus últimas exitosas películas, que interpreta a una risueña gafe muy divertida; y sin olvidarnos de esos caricaturescos presentadores de televisión, interpretados por Carolina Bang y Hugo Silva, tan odiosos como patéticos, los cuales serían capaces de "vender" a su abuela por tener la exclusiva o presentar cualquier programa líder de audiencia. También me ha encantado la parodia que De la Iglesia realiza a esos cantantes latinos "prefabricados", con Adanne, que entremezcla un David Bisbal con las canciones de Chayanne... sin alma y con la personalidad de un mosquito.

En definitiva, "Mi gran noche" es una comedia notable y totalmente desternillante, con un Raphael impresionante que vuelve a la gran pantalla de forma espectacular, y en el que además, contiene esa aguda crítica al universo de la televisión, donde todo es maravillosamente falso.

Se puede afirmar que James Bond rejuveneció al final de "Skyfall", tras la renovación del MI6 con toda una nueva generación de personas: un nuevo M, una nueva Moneypenny y un nuevo Q. También en "Skyfall", la tendencia de Bond fue la de limitarse únicamente a reaccionar ante las circunstancias. Con esta nueva entrega, "Spectre", título que hace referencia a la agencia terrorista independiente creada por Ian Fleming y Kevin McClory para la novela "Operación Trueno" (1961), hay un empoderamiento del personaje, siendo mucho más dinámico y controlando su propio destino. Desde el principio tiene una misión precisa y nada ni nadie se interpondrá en su camino.

La premisa nos lleva al agente secreto a una misión clandestina en México D.F., tras recibir un críptico mensaje del pasado, y que finalmente le llevará a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra, la bellísima aunque prohibida viuda de un perverso criminal, que le hará infiltrarse en una reunión secreta y descubrir la existencia de una siniestra organización conocida como SPECTRE, que lo controla prácticamente todo.

"Spectre" empieza con un espectacular plano secuencia, el cual es inevitable que no te recuerde al famosísimo inicio de "Sed de mal" (Touch of Evil, 1958), el clásico del cine negro de Orson Welles. Nuestro agente secreto con licencia para matar se inmiscuye, enmascarado para la ocasión y acompañado por una despampanante mujer, en la procesión del "Día de los muertos" celebrada en México DF. Este fantástico plano secuencia deja paso a una de las mejores escenas de acción de todo el filme, que tiene lugar dentro de la cabina de un helicóptero, mientras sobrevuela a las masas devotas de los muertos, y que verdaderamente te deja sin aliento.

Tras este potente inicio, Mendes va desarrollando la premisa sin prisa pero sin pausa, dosificando de manera muy inteligente las escenas de acción (protagonizadas mayoritariamente por un estupendo y rudo Batista) con las de suspense, notándose en gran medida el talento que atesora su director, y teniendo la capacidad de hilvanar de maravilla la historia con las anteriores entregas de la saga, protagonizadas por Daniel Craig; aunque, ese gran inicio hace que el resto del filme esté levemente por debajo, perdiendo un poco de fuelle pasada la primera hora del filme.

Tratándose de un largometraje de James Bond, es inevitable no hablar de las típicas 'chicas Bond', y en esta ocasión son dos: la exuberante actriz italiana Monica Bellucci y la francesa Léa Seydoux. Partiendo de la base, que la sombra de la 'chica Bond' llevada a cabo por Eva Green en "Casino Royale" es prácticamente insuperable (por la evidente profundidad del personaje), cabe decir que la interpretada por Seydoux me ha gustado bastante, desenvolviéndose eficazmente tanto en las escenas más seductoras (con su increíble mirada), como en las pocas escenas de acción, empuñando un revolver o en las luchas cuerpo a cuerpo con los enemigos. En cambio, el rol de Monica Bellucci es casi inexistente, sirviendo más bien como un recurso narrativo para que la trama de nuestro agente 'doble cero' avance, y la cual huelga decir que está totalmente desaprovechada, siendo uno de sus puntos en contra.

Por otro lado, de sobra es sabido que Christoph Waltz es un actor excelente, y que ha demostrado con creces su talento innato para encarnar al villano de la función; como por ejemplo, el fascinante coronel Hans Landa del notable filme de Quentin Tarantino, "Malditos Bastardos" (Inglorious Bastards, 2009), que con solo ingerir un vaso de leche resultaba inquietante. Sin embargo, en esta ocasión está verdaderamente desaprovechado, con muy poco bagaje, sin apenas transcendencia en la trama, y sin duda, es el gran punto en contra del filme. Asimismo, cabe puntualizar que el tema musical de los títulos de crédito del principio, sin desmerecer el gran talento musical del excelente cantante británico Sam Smith, pienso que no es ni la canción ni el artista más apropiado para un tema de estas características, estando bastante lejos del nivel ofrecido por Adele en "Skyfall".

En síntesis, "Spectre" es una película notable, que a pesar de estar un punto por debajo de las excelentes "Skyfall" y "Casino Royale", me parece una secuela más que digna, muy entretenida pese a su larga duración, con un argumento que referencia a las clásicas distopías Orwellianas, y un Daniel Craig que se postula como uno de los mejores Bond en la historia de la saga, rompiendo un poco con los clichés preestablecidos por sus homólogos precedentes, en el que podemos indicar que le resta un poco de ese estilo y elegancia inglesa tan característica, y que le otorga más visceralidad al personaje, dejando su impronta personal que le hace rayar a muy buen nivel, y que de no continuar al frente de la franquicia, posiblemente le echaremos de menos

Una nueva "Fiesta del cine" inunda los cines españoles, y como buen cinéfilo que se precie, es el momento idóneo para empaparse de cine en pantalla grande. La película elegida por un servidor para la ocasión es la última protagonizada por Vin Diesel, titulada "El último cazador de brujas". El realizador encargado de llevar a cabo este desaguisado es Breck Eisner, curtido en el género de terror, con series como "Terror en estado puro" o largometrajes como el decente remake del filme de George A. Romero, "The Crazies". Tildo a esta cinta como un desaguisado debido a que es un verdadero disparate en su concepción, principal problema (de los muchos) que presenta esta propuesta.

Empecemos... Que eligiera este título se debe a que, tras visionar el trailer anteriormente, esperaba un filme que, sin ser una maravilla del séptimo arte ni nada por el estilo, se asemejara a cintas como "Blade" (una criatura medio hombre medio vampiro dando estopa a los 'colmillo-largos'), y por definición también a "Underworld", otra mamporrera caza vampiros y licántropos; sin embargo, nos encontramos un cazador de brujas bastante descafeinado, en el que se parece más a un policía forense al más puro estilo "Mentes Criminales" que al héroe de acción que nos tiene acostumbrados, con una trama enrevesada (y bastante trillada, todo hay que decirlo) que en cierto sentido se podría entender como una secuela 'bastarda' del filme de Alejandro Amenabar "Regresión", pero obviamente sin la puesta en escena y talento que atesora el gran realizador chileno-español. Su guión es tan confuso que no sabes por donde cogerlo, resultando en muchas fases del filme farragoso y plomizo. Cuando tienes a una estrella del cine de acción como es Vin Diesel uno espera acción a raudales, y por desgracia, hay muy poca, llegando a la conclusión de que pinta el musculoso actor en este 'berenjenal'. Incluso me atrevería a afirmar que también falla como película de suspense.

Los actores, pese al esfuerzo, no consiguen levantar el filme; con un Vin Diesel contenido; un Elijah Wood perdido; y una Rose Leslie verdaderamente ridícula, lejos de aquella Ygritte que nos fascinó en la gran serie "Juego de Tronos". Ni siquiera la presencia de un enorme actor del talante de Michael Caine consigue levantar este filme fallido, el cual huelga decir que está muy desaprovechado.

Quizás lo único salvable es su magnífico prólogo, el cual su director nos presenta de forma correcta el personaje de Vin Diesel, marcando las directrices a seguir y sus motivaciones; y además, cabe mencionar que Eisner realiza un buen uso de los efectos digitales; aunque todo se desvanece tras sus primeros diez minutos. Puro espejismo, ya que cuando se traslada la acción a la moderna urbe de Nueva York se pierde prácticamente el interés.

En definitiva, "El último cazador de brujas" se erige como una de las peores películas del año, fallando a todos los niveles, con un argumento sin sobresaltos, y que a duras penas entretiene, algo que por lo menos si hacía el filme "Drácula, la leyenda jamás contada" (Gary Shore, 2014), que podríamos comentar que ambos están cortados por el mismo patrón. Todo un desaguisado (como he citado antes) desprovisto de acción, suspense, y además sin gracia, resultando bastante insípido... y por supuesto, decepcionante.

El instinto de supervivencia del ser humano siempre ha existido condicionando la existencia del hombre, llevándolo al límite para cumplir sus necesidades y requerimientos, que tiende a ser el miedo o temor del hombre hacia la muerte. El director sueco Ruben Östlund toma como punto de partida este concepto para su cuarto largometraje tras las cámaras, titulado de forma muy inteligente "Fuerza Mayor" (que bien podría tener una doble lectura), que nos trae a una familia de clase media que pasan una semana de vacaciones en los hermosos e idílicos Alpes franceses.

El filme empieza de forma muy potente, el cual mientras la familia está desayunando en un buen restaurante de apariencia 'kitsch', con unas impresionantes vistas de las montañas nevadas, de repente una avalancha que en un principio parecía estar controlada se precipitará sobre ellos, haciendo que el padre de familia salga corriendo abandonando a su esposa e hijos, solos ante ese peligro aparente. Finalmente no ocurre nada y salen ilesos del incidente. El hecho de que el instinto de supervivencia del padre le haya jugado una mala pasada y la estupidez posterior de no afirmar delante de los suyos tal acción, abrirá una herida importante en su matrimonio qué tambaleará los cimientos de una familia que en apariencia estaba unida y feliz.

Con unas buenas interpretaciones de prácticamente todo su elenco actoral, y el buen hacer de su director (que se podría afirmar que en cierto modo vuelve a sus raíces), la película nos hace reflexionar sobre la condición del ser humano y los valores familiares, con unos diálogos punzantes y una tensión 'in crescendo' que se puede cortar con un cuchillo. La utilización en momentos puntuales del tema "Russian Bayan" de Catherine Michael es todo un acierto, remarcando aún más si cabe la tragedia de esta familia en medio del más absoluto blanco de la nieve. Se puede destacar también una factura técnica verdaderamente brillante, con una preciosa fotografía que ensalza la belleza de las montañas nevadas; asimismo, me gustado mucho la forma en la cual Östlund ha filmado la película, estructurándola por días de la semana, con una primera parte en el que los planos son prácticamente estáticos, y una segunda parte en la cual los entrelaza con planos mas movidos, debido a la cámara al hombro, mostrando de maravilla la frustración por la que atraviesa nuestro protagonista, consciente de su grave error, habiendo algunas escenas que muestran lo patéticos que puede llegar a ser los seres humanos, tiñendo algunas secuencias de un humor negro bastante gamberro que te arranca alguna que otra carcajada; como por ejemplo aquella en el que Tomas llora desconsoladamente delante de su mujer en el patio del hotel, mientras un boquiabierto conserje (cigarrillo en boca) es testigo de tal patetismo desmesurado.

Por contra, podría decir que la película se va desinflando a medida que va transcurriendo los minutos, dejando patente que pese a partir de una idea muy original, ésta no daba para tanto metraje; también el hecho de tener un ritmo bastante pausado posiblemente pueda echar a más de uno hacia atrás; y es necesario indicar que quizás peque de cierta pretenciosidad con ese doble final heroico, en el que nuestro protagonista se redime, recuperando en cierto sentido la hombría perdida; sin embargo, a pesar de ese desarrollo un tanto irregular y demás, en líneas generales es una película muy interesante, valiendo la pena otorgarle al menos un visionado, ya que no te deja para nada indiferente.

Cabe decir que en 1984, el Sindicato nacional de mineros del Reino Unido (NUM) organizó una huelga a nivel nacional con el consiguiente cierre de las minas. El gobierno de Margaret Thatcher respondió con dureza, en muchos casos incluso con brutalidad. Entre los numerosos grupos que apoyaban a los huelguistas había unos activistas gays que, después de la manifestación del Orgullo Gay de aquel año, decidieron recaudar fondos para las familias de los mineros porque consideraban que sus enemigos eran los mismos: el gobierno de la Dama de Hierro, la policía y la prensa amarilla. Éstos adoptaron el nombre de "Lesbianas y gays apoyan a los mineros". Al descubrir que el Sindicato de mineros no aceptaba sus donaciones, escogieron un pueblecito al que se dirigieron directamente. Durante los casi doce meses que duró la huelga, LGSM fue uno de los grupos que más fondos recaudó en todo el Reino Unido. Así empieza esta curiosa historia de dos comunidades totalmente diferentes que se unen por una causa común.

Destaca el maravilloso trabajo de su elenco actoral, empezando con un contenido Bill Nighy, un sorprendentemente divertido Dominic West, además de George MacKay, Imelda Staunton, Ben Schnetzer y Paddy Considine que construyen unos personajes verdaderamente entrañables, que bien recuerdan a los propios de otras comedias de corte similar, como "Full Monty" (Peter Cattaneo, 1997), "Billy Elliot" (Stephen Daldry, 2000), "Las chicas del calendario" (Nigel Cole, 2003) o "Radio Encubierta" (Richard Linklater, 2009). También es destacable la labor desempeñada por su director Matthew Warchus, que impregna el filme de buen humor británico para relatarnos, de manera deliciosa, una increíble historia real de derechos civiles, que promueve la improbable unión solidaria entre mineros asediados y gays militantes, centrada en una huelga desgraciadamente separatista en la Gran Bretaña de Margaret Thatcher, a mediados de los años ochenta. Con una premisa sobre dos mundos que chocan y acaban por unirse, de la alianza de dos grupos totalmente dispares capaces de tirar por tierra todos los prejuicios y convertirse en amigos. Habla de lo que puede pasar cuando dos comunidades se dan la mano para enfrentarse a un enemigo común.

En resumidas cuentas, "Pride (Orgullo)" es divertida y conmovedora a partes iguales, pero también es real, en el que sin proponérselo, el grupo LGSM fue capaz de romper muchas barreras, permitiendo que los derechos gays pasaran a formar parte íntegra de la comunidad LGBT.

Ridley Scott siempre ha sido un director que le ha dado mucha importancia a la factura técnica visual y sonora en sus películas, creando toda una experiencia sensorial para el espectador; asimismo, también cabe decir que su trayectoria ha sido un tanto irregular, condicionada por sus tres primeros filmes, siendo estos "Los duelistas" (1977), "Alien, el octavo pasajero" (1979) y "Blade Runner" (1982), los cuales rayó la excelencia, y desde entonces, casi nunca la ha podido alcanzar, con la excepción de "Thelma y Louise" (1991) y "Gladiator" (2000); es más, en estos últimos años, ha estado bastante cuestionado debido a la baja calidad de sus filmes, como "El consejero" (2013), "Exodus: Dioses y reyes" (2014) y sobretodo la muy decepcionante "Prometheus" (2012), que evidenciaban una falta alarmante de creatividad y la pérdida de esa esencia que siempre le ha caracterizado, siendo filmes bastante descuidados y totalmente prescindibles. Con esta premisa tan desalentadora fui a visionar la última película de Scott, titulada "Marte (The Martian)"; aunque confieso, que tras ver el trailer, si que tenía conmigo algún resquicio de esperanza, que ésta podría ser la película que marcara el ansiado punto de inflexión en su reciente trayectoria, y recuperar algo de la entidad y talento que en teoría parecían perdidos.

El argumento, basado en novela de Andy Weir y con un guion escrito por Drew Goddard (responsable de dirigir la estimable película de culto "La cabaña del bosque"), gira en torno al astronauta Mark Watney, que durante una misión tripulada a Marte es dado por muerto tras una terrible tormenta, y posteriormente abandonado por la tripulación, que pone rumbo de vuelta a la Tierra; sin embargo, Watney ha sobrevivido y se encuentra atrapado y completamente solo en el desolado planeta rojo. Con suministros escasos, deberá recurrir a su ingenio y a su instinto de supervivencia para encontrar la manera de comunicar a la Tierra que sigue vivo.

En primer lugar, destaca de sobremanera un elenco actoral repleto de grandes estrellas, encabezado por un Matt Damon descomunal, que se erige como protagonista absoluto, realizando una de las mejores interpretaciones de su larga trayectoria, en el que cabría señalar que carga con la película a la espalda en gran parte del metraje, y demuestra que es uno de los mejores actores del panorama cinematográfico actual. Nuestro náufrago se las debe de ingeniar usando su pericia y conocimientos científicos para poder sobrevivir en un ambiente hostil y solitario a millones de kilómetros de su hogar en la Tierra, sin quedarse de brazos cruzados, demostrando tener una valentía, y un afán de supervivencia, que no le hacen perder nunca la esperanza, a pesar de su grave situación; mientras que en la Tierra los responsables de la NASA, agentes del gobierno, científicos y demás, están de alguna manera maniatados y deben de ceñirse a las leyes preestablecidas y protocolos de seguridad, que en ocasiones son verdaderamente absurdos, y que la mayoría de las veces hacen peligrar la misión de rescate. En menor de medida, también podemos reivindicar a una cada vez más solicitada Jessica Chastain (en la que debo agregar que lleva estrenadas tres películas en un pequeño margen de tiempo); además del buen hacer de Chiwetel Ejiofor, Kristen Wiig, Jeff Daniels y Sean Bean (genial el guiño al 'Concilio de Elrond'), que le otorgan, aún más si cabe, categoría al filme.

La asombrosa factura técnica es otro de sus puntos a destacar, la cual Scott es capaz de mostrarnos un planeta rojo como nunca antes lo habíamos visto, siendo realmente impresionante e impactante, dado el increíble nivel de realismo; además, el diseño de las naves está muy logrado, y que a título personal me han recordado vagamente a las propias que realizó el maestro Stanley Kubrick para una de sus grandes obras: "2001 Odisea en el espacio". Su sentido del espectáculo y épica es verdaderamente brutal, siendo de todas todas... puro cine de evasión, en el que nuestro protagonista es equiparable al Tom Hanks de la genial película de Robert Zemeckis, "Naufrago"; no obstante, su tono jocoso, debido al optimismo que irradia el personaje de Damon, y que las dos líneas argumentales entre la Tierra y Marte se hayan repartido prácticamente a partes iguales, le restan ese desasosiego y soledad absoluta que sí mostraba la obra de Zemeckis, y que en un planeta extraterrestre podría haber dado mucho juego. Quizás sea este su único punto flaco y que le resta los puntos suficientes para que no alcance el nivel de obra maestra; pero con todo, huelga decir que es una película notable.

En consecuencia, "Marte (The Martian)" es el mejor largometraje de Ridley Scott en mucho mucho tiempo, que pese a sus dos horas y media de duración resulta muy entretenido, con una factura técnica y unas interpretaciones brillantes, que de forma irremediable la convierten en una de las mejores películas del año. Eso sí, espero que no constituya el canto del cisne de su director y recupere el talento innato que atesora, el mismo que propició que en las postrimerías de la década de los setenta y principios de los ochenta nos regalara auténticos clásicos del cine moderno.

A mediados de la década del 2000, tras el éxito cosechado por la Trilogía Millennium, del autor Stieg Larsson, y sus correspondientes adaptaciones al cine, propiciaron un mayor interés del público por la literatura escandinava, en la que reside un gran talento para la novela negra. Cabe decir que sus seis meses de nocturnidad originan un ambiente idóneo para este tipo de historias de intriga y misterio; de igual modo que los bosques frondosos, las llanuras heladas deshabitadas y los pequeños pueblecitos aislados por la nieve..., constituyen lugares perfectos para desarrollar la escena de un crimen.

Con frecuencia, este tipo de novelas han desembocado en la gran pantalla, como ya ocurrió con el cine negro estadounidense de los años cuarenta y cincuenta, o también con el "Cine Noir" francés de los sesenta; asimismo, la industria cinematográfica escandinava ya había fijado la atención en su potencial y había adaptado al cine algunos de sus libros más representativos, conociéndose a esta corriente de adaptaciones cinematográficas como la "Generación Millenium". Largometrajes como "Déjame entrar" del director sueco Tomas Alfredson; "Headhunters" del también sueco Jens Lapidus; o "Dinero Fácil" del realizador noruego Morten Tyldum; por citar algunos, son un claro ejemplo de ello.

La película que nos concierne, "Profanación", del cineasta danés Mikkel Nørgaard, también puede considerarse como una de ellas, ya que tanto ésta como su notable primera entrega,titulada aquí en España como "Misericordia", forman parte de la serie denominada "Los Casos del Departamento Q", basados a su vez en las célebres novelas de Jussi Adler-Olsen. En sendos filmes se nos presenta a un departamento de investigación de la policía de Copenhague especializado en casos especiales, formado por el detective Carl Mørck y su socio Assad. Tras resolver con éxito el caso de Marete Lyngaard, la joven promesa de la política danesa que desapareció mientras realizaba un viaje en ferry, deciden investigar el brutal asesinato de dos jóvenes gemelas en una casa de verano. La película relata la apertura del caso, que fue cerrado con la confesión de un personaje marginal del pueblo, a pesar de que la policía sospechaba de un grupo de estudiantes de clase alta.

Destaca la sobriedad con la que dirige Mikkel Nørgaard, con una ambientación oscura, sórdida y asfixiante, la cual por momentos está cercana a la conseguida en "Seven" de David Fincher o la estupenda serie de Nic Pizzolatto y Cary Fukunaga "True Detective"; aunque sin llegar a sus altas cotas; asimismo, las interpretaciones de sus dos protagonistas, Fares Fares y sobretodo un atormentado Nikolaj Lie Kaas, son realmente notables. La tensión in-crescendo y el suspense que destila la premisa favorece que el espectador mantenga el interés hasta su estupendo final. Cabe mencionar también que los adinerados estudiantes aficionados a la ultraviolencia, que protagonizan los certeros flashbacks que van relatando el caso, me han recordado bastante a los 'drugos' de "La naranja mecánica"; y se debe agregar también que el director danés realiza un voraz retrato de la corrupción de las altas esferas, mostrando el trasfondo putrefacto tras esa falsa apariencia idílica, en el que gente con mucho dinero y poder manipula, extorsiona y soborna a todos en su propio beneficio, sin medias tintas ni escrúpulos.

En conclusión, "Profanación" es una buena y recomendable película, digna sucesora de la notable "Misericordia", con unos grandes interpretes y una historia interesante, sugerente, y a la par, desasosegante.

La adolescencia es posiblemente la etapa más compleja por la que tiene que atravesar el ser humano, debido a los múltiples cambios que sufre el individuo, tanto físicos como psicológicos. Es aquel periodo en el que se define que personalidad se va a tener en la edad adulta. El cine independiente estadounidense, desde hace unos cuantos años, ha ido realizando algunos retratos sobre la adolescencia en esta nueva era de la información y aparatos electrónicos (y no, no nos referimos a las protagonizadas por vampiros brillantes, ni nada semejante); sino a filmes más bien como "Las ventajas de ser un marginado" (Stephen Chbosky, 2012), "Ahora y siempre" (Ol Parker, 2012) y "Bajo la misma estrella" (Josh Boone, 2014), todas ellas con semejanzas a la película que nos concierne, titulada de forma insípida aquí en España como "Yo, él y Raquel".

La película nos cuenta una historia centrada en Greg, un adolescente inseguro y apático que vaga por el instituto como un espectro para no involucrarse demasiado con nadie y pasar así desapercibido. Todo su universo cambia para siempre cuando sus padres, de alguna manera le obligan (o mejor dicho, le condenan) a hacerse amigo de Raquel, una chica de su mismo instituto que padece leucemia, formando así (y parafraseando al propio protagonista del filme y también valga la redundancia) una "condenada" amistad con la chica moribunda.

Alfonso Gómez-Rejón, conocido especialmente por haber dirigido muchos episodios de la serie "American Horror Story", nos presenta una historia, que a modo episódico, nos habla sobre la verdadera amistad, la búsqueda de la identidad y la pasión sobre el séptimo arte; sí, ésto último debido a la gran afición del protagonista y su compañero de fatigas, llamado Earl, por el celuloide y su afán de realizar casposos remakes caseros de grandes clásicos, desde Werner Herzog, pasando por Alfred Hitchcock, Ingmar Bergman, François Truffaut, hasta Stanley Kubrick, entre otros muchos. Toda esta amalgama de temas que trata (y muy bien además) convierten a esta película en una experiencia estimulante, por sus valores y la forma tan notable con la que Gómez-Rejón los plasma en pantalla; y más aún con ese impresionante giro final que deja huella, y de paso... propicia que se desmarque claramente de las citadas anteriormente, erigiéndose como uno de los mejores largometrajes en su especie.

En definitiva, "Yo, él y Raquel" es un filme notable y muy recomendable, que retrata de forma coherente y desgarradora una atrayente historia sobre la amistad, el amor y la enfermedad de unos personajes interesantes y muy bien construidos (interpretados a la perfección por Thomas Mann y Olivia Cooke), rebosante de valores que calan hondo, y explorando cuán exquisita, inesperada y trágica puede ser la aventura de saberse vivo.