Wilde es una interesante aproximación a una figura tan compleja de la literatura Inglesa como fué Oscar Wilde. Escritor de agudos diálogos y afilados juicios morales, ha pasado a la historia por sus textos teatrales, poéticos y de prosa como El abanico de Lady Witermmere, El fantasma de Canterville, Retrato de Dorian Grey, Un marido Ideal, De profundis, La importancia de llamarse Ernesto o Una mujer sin impostancia; en su tiempo escandalizó a la enclaustrada sociedad victoriana, pese a que sus sutiles críticas a la misma provenían de la comedia, algo sorprendente si se tiene en cuanta su trágica biografía, que se plasama en esta película más que su labor artística, siempre lastrada por tener que sobrellevar su homosexualidad y por su búsqueda de la belleza (anotando que él, desde luego, no lo era).
La película tiene sus mejores bazas en una espléndida dirección artística y en la milimetrada caracterización que hace Fry de Wilde, se convierte en el no sólo en el aspecto, sino también en la manera de andar, hablar, caminar, y en esa mirada entre curiosidad y sentido del humor que él tenía. Por otro lado, Law resuelve uno de sus primeros papeles paseando por el filme un magnetismo impresionante, en un rol arriesgado que el actor defiende al hacer de su personaje un ser complejo, que puede resultar odioso o increiblemente atractivo en una misma secuencia.
Hay que decir de todas formas que la cinta adolece de un guión algo desdibujado en cuanto a sus personajes secundarios, ya que estos carecen de peso y nos son bien desarrollados, así como que obvia las partes más desagradables de la vida de Wilde, ignorándolas o tal vez pasando sólo por encima de ellas. Pero tal vez sea únicamente porque al tratarse de una película independiente no hubo presupuesto para hacer de esta recomendable obra un gran proyecto.

Scoop es lo que su guionista, director y protagonista entiende por una comedia ligera. También puede entenderse como una suerte de adaptación de textos de Oscar Wilde a nuestro tiempo. Por sus ingeniosos diálogos y por el tratamiento que la mente de la historia (o sea, lo que el propio Allen escribe y la elegante puesta en escena) da a sus personajes, ingenuos perdidos en un mar de cínicos y amorales, de extravagantes seres de oscuras o al menos secretas intenciones. Todo esto queda plasmado en un guión que funciona excelentemente como mero entretenimiento, dado a la carcajada inteligente, tanto por su en ocasiones surrealista historia como por su fluidas conversaciones (por ejemplo la que hace referencia a los hijos no tiene desperdicio...).
A ello hay que añadir una elección del reparto completamente adecuado, en el que incluso Allen controla sus histrionismos para dar vida a un personaje francamente divertido; Jackman vuelve a demostrar su versatilidad con un personaje hecho para su lucimiento; y Johansson sorprende con un papel arriesgado completamente diferente a lo que había hecho hasta ahora, una chica ingenua, sin ningún punto de sofisticación y con un magnetismo inocente encantador interpretado con encanto y matices por la actriz.
Por último hay que alabar tanto a Allen como a Johansson al volver a rodar a Londres tras su exitosa experiencia en Match Point un filme completamente distinto tanto en intenciones como en resultados, lo cual es algo arriesgado y que definitivamente supieron aprovechar.

Conociendo a Julia es una de las muestras más certeras (y escasas) que nos ha dado el mundo del cine del mundo del teatro. La cinta posee una gran credibilidad a lo largo de todo su metraje, sea por un sofisticado guión, que juega con las sutilezas creando un emocionante juego de espejos entre la realidad y la ficción, apoyándose también en una ironía hilvanada de manera excepcional por sus espléndidos intérpretes, desde los secundarios que aprovechan cada momento en escena (como Jeremy Irons - ¿porqué no recupera más papeles como este? -, El espléndido secundario Bruce Greenwood, Juliet Stevenson o el joven Shaun Evans).
Si es cierto que la dirección es algo plana y teatral, pero posee el encanto del viejo cine de intérpretes, en el que las pocas veces que se rueda en exteriores se aprovecha de una fotografía panorámica excepcional, hasta llegar al clímax de la cinta, excelentemente interpretado y conocido muy acertadamente como "el final de su vida", en el que el argumento y los personajes llevan a un estallido de emocion gracias desde luego a lo mejor de la cinta, la impresionante, compleja e inolvidable interpretación de Annette Bening, sensible cuando tiene que serlo, dura, malvada, tierna, compleja, sencilla, feliz, vengativa, en fín, humana, pero sobrehumana.
Todo aquél que un día desee saber que es el mundo del teatro (y en parte, por tanto, del cine), así como todo aquel que desee saber que es una interpretación sencillamente perfecta, debería ver esta cinta.

Una obra maestra. Para comenzar a vivirla, lo que hay que hacer es ver su impresionante tráiler. Después, sumergirse en la película. Intensa, dura, difícil, pero imprescindible. La realización es impecable; la forma de Field de expresarse en sus películas es la de cuestionarse, no decir lo que es correcto o no, poner en el filo de la navaja a sus torturados personajes para preguntarse que haría un ser humano cualquiera en una situación límite. Su realización nos muestra de manera costumbrista la vida de unos humanos cualquiera, fusionando ese realismo con una fuerza poética visual que no deja apartar la vista de la pantalla (como escena de la piscina, la lectura, los encuentros sexuales, la cena o el clímax final...), gracias al uso del sonido y la iluminación. El guión se trata de una obra de ingeniería emocional abrumadora. Los diálogos fluidos se mezclan con las mil lecturas argumentales y metafóricas que se le pueden dar, a la par que el narrador omnisciente ejerce de protagonista imparcial de la historia sin juzgar en ningún momento a sus atormentados personajes, sólo dando a conocer sus recovecos emocionales.
El reparto perfecto, equilibrado. Cada personaje ejerce un papel esencial tanto en la parte técnica como en la emocional de la historia. Si Winslett ya ha demostrado en innumerables ocasiones lo excelente actriz que es (tantas como películas), en esta alcanza la cúspide de todos los papeles hasta ahora. Su interpretación sincera, sensible, consigue transmitir todos los sentimientos del renacimiento que vive su personaje a través de su mirada, su cuerpo, sus palabras. La sorpresa la da Wilson, en un papel poco explorado en el cine: marido casero, padre y madre de sus hijos, encerrado en una jaula de muebles de oro, en una vida perfecta y en unos sueños inalcanzables. Connelly aprovecha las pocas líneas de diálogo con una cámara a la que hipnotiza con su mirada, sus ojos, más bellos que nunca, expresan la tormenta emocional que vive su poco acomodaticio personaje. El hasta ahora desconocido Earle Haley es uno de los personajes más angustiantes que hemos visto en una pantalla, lastrado por el dolor y la culpa, la maldad y la inocencia, protagonizando una de las escenas de terror más aterradoras del cine (la casa, con los relojes...), en una interpretación desgarradora y tensa, digna de todos los elogios que se le puedan hacer. Ellos deambulan por el mundo del film, expuesto, de jardines y emociones milimetradas, en el cual es pecado el soñar, jugar, o amar como un niño, a pesar de que tal vez sea la forma más sincera que tenemos los adultos de comportarnos. Lo peor: el título español, previsible y plano, alejado del lirismo y el significado del inglés. Todo aquel que se ha sentido solo, que se ha sentido acompañado, que ha tenido sueños, que ha protegido a sus seres queridos por encima de todas las cosas y que ha amado por un segundo su estancia en la tierra, se emocionará con Little Children.

Todos los hombres del rey es a todas luces un film fallido. Pero también es una interesante película sobre como el poder puede corromper los ideales y la buena voluntad de una persona.
Una vez vista uno entiende como una cinta de estas características ha fracasado allí donde se ha estrenado. Para empezar ya parecía sospechoso que sus propios responsables no dejasen de retrasar su estreno una y otra vez, lo cual puede significar que no confiaban mucho en ella. Habría que preguntarse entonces si por mucho talento que tenga Steven Zallian como guionista lo tiene también como director, ya que su cinta adolece de falta de personalidad y de ritmo, además de acabar de manera precipitada.
Por otra parte nos encontramos con un desigual reparto tanto en el desarrollo de sus personajes (culpa del guion) como en la interpretacion de los mismos. Si bien todos en general están algo sobreactuados (no se muy bien porqué) Penn aparece excesivo y reiterativo como queriendo dejar huella con un personaje que podría haber dado mucho más de lo que finalmente ha conseguido. El coprotagonista Law resuelve su personaje sin demasiados esfuerzos pero correctamente. Winslett consigue destacar entre sus compañeros de rearto ya que solo ella parece saber el tono que necesitaba el film en cuanto a los personajes (si, un tanto sobreactuados, pero también que sean algo cercanos). Patricia Clarkson, James Gandolfini, Anthony Hopkins y Mark Ruffalo tienen unas aparciciones tan fugaces que no nos da tiempo ni a valorar la interpretacion o su peso en la historia. Por último quienes si aprovechan sus breves minutos en la pantalla son los siempre secundarios Kathy Baker, Jackie Earle Haley.
Por último reconocer que todos los aspectos técnicos de la cinta (excepto una pesada música de James Horner) son espléndidos, en especial la fotografía, dandole a la cinta la autenticidad visual que no alcanza el guión.

300 es el nuevo cine. Para quienes les guste o no es así. Lo único que podríamos pedir es que se cuiden un poquito más los guiones. Porque si de algo adolece esta visionaria obra es de unos diálogos tan planos como las pantallas verdes y azules de sus rodajes. Por lo demas el que diga que no salió del cine impresionado tras su visión es que miente. Porque todos los planos, incluidos los más intimistas, como las escenas de amor entre los reyes o las que tienen lugar en esparta son visualmente hipnóticos y arrebatadores. Evidentemente si algo destaca de este filme es desde luego su poder visual, no tanto de unos efectos visuales o piruetas escénicas sino del esílo de los fotogramas, todos en tonos ocres difuminados y repletos de retoques digitales, que, por curioso que parezca, gustan porque se nota.
Por lo demás, la historia no debería ser leida de un modo político o realista porque en todo momento hay que tener en cuenta que está basada en un comic, y por ello todo realismo queda fuera, ya que cuando se estrenó, por ejemplo, superman, nadie la criticó porque su superhéroe volara o su villano fuera calvo y amanerado...
Los actores cumplen con sobresaliente en sus trillados personajes. Los guerreros espartanos lucen con los retoques digitales como si no fuesen humanos sino dioses, y entre todos ellos destaca, como no, Gerard Butler, que consigue hacer creible su valeroso personaje, así como el de su esposa, interpretado por la excelente actriz Lena Headey, con años de trabajo a sus espaldas y aquí en un jugoso papel de mujer entregada e idealista. O Dominic West, secundario de lujo al que parecen haberle adjudicado los papeles de cínico y traidor. Y destacar también el rey de los persas Rodrigo Santoro supermodelo y actor (3º temporada de perdidos), camaleónico y caricaturesco pero muy muy divertido.
Es el nuevo cine y como todos los tipos de vanguardias hay que verlo, únicamente, para disfrutarlo, y después, para analizarlo.
Como apunte final destacar que no se ha comentado mucho, pero si bien el planteamiento de 300 es innovador, también lo fué hace tres años el de Sky Captain y el mundo del mañana, pero como esta fracasó en la taquilla, nadie parece haberlo recordado, pese a que adolecía de las mismas virtudes y defectos que 300.

Teresa, el cuerpo de Cristo es una interesante aproximación a la vida del famoso personaje, presentado en el film de manera acertada no únicamente como monja y santa, sino también como humano y mujer. Resulta curioso que sea por una de las mayores virtudes del mismo por lo que haya sido más atacado por la conferencia episcopal.
En cuanto a sus valores cinematográficos, Teresa destaca ante todo por una impresionante dirección artística, ya que todo lo relacionado con vestuario, iluminación, fotografía, decorados, etc..es francamente impresionante, creando un contraste entre lo realista y lo onírico de una forma espectacular. Por otra parte las interpretaciones de su reparto, casi enteramente femenino son excepcionales, desde una entregadisima Paz Vega, creible como mujer enamorada y como mástir atormentada, a una excepcional Leonor Watling, la mejor de todo el repato, en una actuación sutil y emocionante, e incluso Geraldine Chaplin en un papel poco desarrollado. Por que es aquí donde se encuentra el principal problema de la cinta, en que en ocasiones no se desarrollan ni los personajes ni los aconteciumientos de la manera adecuada, tal vez por dedicarle más tiempo a la mencionada dirección artística que al guión, por ello, tanto algunos personajes no se encuantran bien desarrollados nio insertados, ni algunos acontecimientos encuentran su razón de ser en el argumento al no estar bien resueltos, como el juicio a teresa o el final, acabado abruptamente, lo que lleva a presentar excesivos altibajos de ritmo.

The squid and the whale (me resisto a llamarla pos su estúpido título español) se trata de la quinta esencia de lo que hoy en día es el llamado cine independiente: una historia intimista, resuelta con grandes actores que se prestan a un ingenioso y trabajado guión, escasos medios y muchas ideas. En este caso la historia se centra en la disolución de un matrimonio de escritores de clase media, que viven en el Nueva York de mediados de los 80, y de como esta afecta a las relaciones entre sus hijos y con sus hijos. Una historia tan sencilla como esta sirve al director para analizar las humanas psicologías de sus personajes, todos ellos de carne y hueso, sin ningún añadido cinematográfico e interpretados por sus excelentes actores con una sencillez sorprendente.
En los escasos ochenta y pico minutos de metraje asistimos a la escasa evolución de estos personajes. Escasa porque la mayor patte del mismo parece que se nos estén presentando sus situaciones y sus motivaciones, y cuando el conflicto queda planteado, de pronto el film acaba, sin haber desarrollado personajes interesantes como el de Anna Paquin. Por ello, las evidentes virtudes del film (las ya comentadas y la elección del título original: el calamar y la ballena, una metáfora que envuelve a los protagonistas) quedan en parte en dique seco por la frialdad del conjunto.

Novia por contrato es una de tantas comedias tontas que se estrenan en EEUU e inexplicablemente triunfan por encima de películas mucho más interesantes. La que aquí nos ocupa se alarga como un día sin pan al repetir una y otra vez las supuestas gracias de sus supuestamente encantadores protagonistas: McConaughey, repitiendo el mismo papel de siempre, de veinteañero-despreocupado-guapete-quelegustaeldeporte, una pena porque al principio de su carrera parecía que el chico prometía; Sarah Jessica Parker reacia a explorar nuevos retos interpretaticos, que tras dejar Sexo en Nueva York atrás acertó con la elección de un buen guión en una interesante película (La joya de la familia), para fracasar estrepitosamente interpretando aqui un papel que ni ella misma se cree.
Previsible, tonta y aburrida hasta la extenuación.

Vanilla Sky es una obra compleja que hay que analizar fríamente no solo como un remake de una de las cintas españolas más famosas de los últimos años, que también, sino como algo más.
Podríamos decir que no tiene sentido hacer un remake de una cinta de la que aun no se habían cumplido ni cinco años y además si esta estaba considerada ya como una gran obra. Pero habría que conocer las motivaciones que llevaron a Cameron Crowe a sacar adelante el proyecto para hacer juicios sobre el film con fundamento. Porque su interés no era el de hacer una película de misterio. Él mismo declaró que de lo que trataba su versión era de cómo la cultura pop llega a influir a un individuo en sus decisiones personales y de cómo el amor puede llegar a redimir a alguien. Desde luego su punto de partida es interesante... y arriesgado (como su título), pero el problema se encuentra en que mantuvo la historia de Amenábar y Mateo Gil de pe a pa tratando de cambiar sólo el tono de contarla, y es allí donde puede ser más criticado, ya que esta es un thriller en estado puro que basa su interés en el misterio. Al tratar la versión americana de despojarse conscientemente de la intriga, esta se queda algo huérfana y podríamos decir sosa, pero en ningún momento deberíamos atacarla como una mera copia.
Desde luego que ha decisiones artísticas en el film que son criticables, sobre todo las relacionadas con la Banda Sonora (ver la escena en la que el protagonista hace el amor con sofía/julie, o cuando es trasladado a las oficinas de criogenización), inadecuada en este caso y un mero capricho del director, el cual si cuidara tanto los guiones como sus bandas sonoras, otro gallo le cantaría (como el Elizabethtown, en incluso en algunas partes de Casi Famosos), pero tanto la labor de la mayoría del reparto como del mismo director es más que correcta (ver la intrigante secuencia de apertura, la bellísima del parque o el impresionante clímax final).
Cierto que es una película hecha para el lucimiento personal de Tom Cruise, pero para eso él se la produce, y quien no quiera verla, pues que no la vea, pero no que le critique destructivamente como se ha venido haciendo a lo largo de su carrera pese a que él ha demostrado que además de un extravagante actor es un excelente y variado intérprete. La decisión de Penélope Cruz de interpretar su papel no sorprende básicamente porque se limita a repetir el de Abre los ojos, sólo que con un poco más de química con su compañero. Y la sorpresa la da Cameron Díaz, deliciosamente desquiciada y sexy que interpreta su papel de una forma diferente y divertida.

Solaris es una película compleja que cuenta la historia de un psicólogo que debe acudir a rescatar a los tripulantes de una nave que orbita alrededor del nuevo planeta "Solaris" una esfera gaseosa y aún inexplorada. Los tripulantes parecen atrapados por una fuerza no física que les impide abandonar el entorno de Solaris. Cuando él acude allí también quedará atrapado por esa extraña fuerza que le hará plantearse los limites de lo racional, del amor y de su propia fé.
Teniendo en cuenta este argumento no se comprende como en el momento de su estreno muchos espectadores salieron defraudados por no encontrar una película de acción - ciencia ficción. Está claro que la propuesta de Soderberg está totalmente alejada de esas opciones al presentar su historia de un modo sosegado y sutil, parejo al tratamiento de sus personajes y al uso de una excelente Banda sonora.
Los criticos también la atacaron, lo cual desde luego no se merecía, teniendo en cuenta que no se trata de un remake de la cinta homónima de Andrei Tarkovsky, sino de una nueva adaptación de la novela de Stanislaw Lem, por lo que las comparaciones no son ni necesarias ni útiles, ya que si aquella se centraba más en temas metafísicos y relacionados con el destino y la religión, la lectura de Soderberg se convierte en un original e interesantísimo análisis del poder del amor, de las locuras que podemos llegar a cometer por este sentimiento y de como su fueza puede superar a la razón, a la propia fé e incluso a la muerte. En este sentido la cinta se convierte en un poderoso drama de sentimientos siempre acompañado por el misterio de ¿qué es solaris?, una de las muchas preguntas que plantea el film y que muy inteligentemente no llega a responder.
Hay que alabar la labor de Soderberg tras las cámaras, tanto como director como fotógrafo, ya que tanto el diseño de producción como los encuadres se encuentran entre lo mejor de su filmografía, de un modo elegante y realista, así como el inteligente uso de los flashbacks y los cambios de color.Así como hay que alabar la labor de Clooney y McElhone frente a las cámaras, el primero en uno de los papeles más difíciles de su carrera (eclipsado en los medios por los intrascendentes planos de su trasero...esa es toda la atención que se prestó al film, en fin...), resuelto con emoción y sentimiento; y de ella, una gran actriz desaprovechada, de belleza particular y magnetismo completo en esta película.

Dawson Crece supuso un hito de audiencias y fenómeno Fan en Estados unidos ante todo, debido a la certeza con la que presentaba a una serie de personajes que se enfentan al dificil proceso de madurar, de convertirse en adultos y salir de una pequeña localidad ficticia de la costa este de EEUU. Pero los problemas a los que se enfrentaban los protagonistas de esta espléndida serie eran, son, y serán universales y ahí radica el secreto de su éxito. Presentada como una sere juvenil fue mucho más que eso, al adentrarse durante 6 años en la compleja psicología de sus personajes, los cuales fueron evolucionando conforme pasó el tiempo hasta llegar a uno de los finales más emotivos que haya dado la televisión.
La serie comienza con Dawson, un joven soñador y amante del cine que vive en una pequeña localidad costera y comparte su tiempo con su mejor amigo Pacey, menos simple de lo que parece, y su mejor amiga Joey, obligada a madurar por sus problemas familiares, prácticamente huérfana y con una familia que mantener. Su tranquilidad se rompe con la llegada de Jen, una joven de Nueva York enviada a modo de castigo a pueblo por su pronta relación con el sexo y las drogas, consecuencia de una tambaleante estabilidad emocional. Al pasar los años se incorporán nuevos personajes, como un joven que vive su sexualidad de manera confusa o una joven que lucha por salir de la depresión, y ya al llegar a la universidad (una apuesta arriesgada de la serie, ya que Campeside, el pueblo, se había convertido en un personaje más), las parejas y nuevos amigos de los protagonistas. Así mismo también se mostró la relacion de los protagonistas con sus padres.
Si algo se recordará de esta serie es la madurez e inteligencia con la que estaban presentados sus personajes y las relaciones entre ellos. Emocionantes fueron los caminos que siguieron Dawson con sus padres, con sus mejores amigos, todos ellos con sus ambiciones, que a menudo chocaban con la realidad. La relación de Joey con su hermana o con los dos amigos que le dividió el corazón y sobre todo el personaje sorpresa y estrella involuntaria de la serie: Jen, su relación con su abuela, atormentada por la vida y encarnada de manera maestra por Williams, al igual que todos los demás actores en los mejores papeles de sus carreras, encarnados con maestría y sensibilidad por todos ellos.
Recordamos también su preciosa fotografía y su gran Banda Sonora, tanto el score como los temas pop que presentaron a muchos artistas como Norah Jones o Damien Rice.
Para todo aquel que haya querido amar, crecer, y simplemente, vivir

Ally Mc Beal se convirtió a finales de los noventa en una de las teleseries más populares de la televisión por mérito propio. Consiguió aunar en un momento en que la televisión no era demasiado innovadora la comedia surrealista con el drama romántico, apoyándose en un género de éxito de los 90: el judicial. De esta serie destacaba en primer lugar la elegancia de su puesta en escena y su atrezzo, algo por lo que no se había apostado por entonces en la teleseries, unos decorados lujosos y las mejores firmas de ropa acompañaban a los protagonistas de esta serie que giraba en torno a una excentrica abogada, neurótica, maniática y tierna con mala suerte en el amor que esperaba encontrar al hombre de su vida. En torno a ella fueron creciendo y apagando personajes, sus compañeros de trabajo: un abogado sentimental, el jefe, profundamente machista, dos letradas frías como el hielo y temidas por los demás hombres, su novio de toda la vida y su esposa, por desgracia para ella, la mujer 10, su mejor amiga, una fiscal de descomunales pechos...
Si algo destacaba de esta serie eran para empezar sus personajes, seres de carne y hueso que evolucionaron y cambiaron, las relaciones que había entre estos seres entrañables y con los de su entorno, interpretados por excelentes actores de comedia. Pero ante todo destacó Flockhart, en uno de los mejores papeles femeninos que ha visto la TV; las colaboraciones de personajes populares, cantantes y actores (Mariah Carey, Elthon John, Anne Heche, Cristina Ricci, Sting, Bruce Willis...); la apuesta musical de muchos episodios; los guiones, originales, arriesgados, divertidos y emotivos, con tramas excéntricas y otras realistas; la banda sonora, repleta de temas clásicos versionados...
Si es cierto que la serie vio un profundo deterioro conforme las temporadas fueron avanzando, repitiendo argumentos y llevando muchos al extremo, con personajes que se incorporaron sin ser bien definidos y desarrollados, como los de James LeGross, Bobby Cannavale, Regina Hall, Josh Hopkins o James Mardsen; pero hacia el final de la 5º temporada recuperó la fuerza del comienzo y nos despedimos del maravilloso mundo de Ally a lo grande.
Romántica, divertida, emocionante, inteligente....así es Ally

No se lo que ha llevado a críticos de medio mundo a ensalzar esta película, pero desde luegop no seré yo quién lo haga. Reconozco que las escenas de ataque de la criatura están rodadas de un modo impresionante y original, pero ya está.
Si la película es un drama familiar, social, una comedia o lo que sea, eso yo no lo he entendido. Lo único que se es que sus apoximadamente dos horas de duración se me hicieron eternas, que los personajes no iban a ninguna parte, que la comedia no me hacía gracia y que el drama no lo veía por ninguna parte, sólo una sucesión de escenas absurdas recitadas por unos pésimos actores.

Interesante película de denuncia social que pese a sus evidentes defectos también conserva muchos elementos de interés. La historia es trillada y mil veces vista, su puesta en escena, por mucha panorámica que la directora inserte de esos parajes, la mina, etc... no pasa de tener cierto aspecto de telefim de lujo; de nuevo los traductores españoles han puesto un titulo que podría llevarse el premio a la obviedad. Pero al márgen de todo esto nos encontramos con una historia que merece ser contada: la de una mujer torturada por la vida que entra a trabajar en una mina por consejo de una amiga, y allí sufrirá, al igual que sus compañeras, la humillación de sus compañeros hombres. Por esto, se convierte en una pionera de la historia judicial al hacer una demanda conjunta contra la mina por acoso sexual, aún a pesar de no contar ni con el apoyo de sus compañeras ni de su familia.
Si algo también destaca son sus interpretaciones. Si bien algunos intérpretes no disponen de muchas escenas para desarrollar sus personajes, la profesionalidad de estos consigue hacerlos humanos y creibles. En este grupo estarían Sissy Spacek, que en sus escenas cotidianas y con su hija consigue transmitir la situación de encierro de su personaje y el profundo amor y respeto que le profesa a su hija, tal vez por tener el valos que ella nunca tuvo de enfrentarse al mundo. Woody Harrelson se aleja de los excesos de muchos de sus papeles para interpretar a un abogado resentido y probablemente homosexual de una forma sutil y creible. El casi debutante Richard Jenkins, el personaje con más evolución del film refleja con acierto la situación de encrucijada de su personaje al no saber si apoyar su vida de siempre o el progreso, el cual va parejo con su hija. Y por último Sean Bean vuelve a demostrar lo bien que sabe aprovechar los roles secundarios al interpretar al bondadoso marido de una minera, pieza de engranaje de muchos personajes del film como el de la protagonista con sus hijos (las escenas que comparten son certeras y emocionantes, como cuando consigue darles regalos de navidad, la comida en una cafetería o la de después del partido de Hockey, por la cual Charlize Theron se merece todos los premios a los que estuvo nominada). Frances Macdormand construye un personaje emotivo que empatiza con el espectador tomando como referencia otros de su propia carrera, y por último Theron demuestra una vez más lo excelete actriz dramática que es a sus detractores, y a pesar de que parece que su belleza juega en su contra a la hora de ser valorada, consigue, con un personaje muy distinto al de su celebrada Monster, llenarlo de fuerza, fiereza, ternura y sinceridad. Con esta caracterización ya entra en el selecto grupo de actrices que con personajes de similares historias y vidas de lucha (como la Sally Field de Norma Rae, la Meryl Streep de Silkwood, o la Julia Roberts de Erin Brocovitch), llegaron hasta los oscars.

Diario de un escándalo podría ser definida como una versión en clave femenina de Atracción Fatal si esta hubiera sido escrita por la pluma sofisticada y realista de Patrick Marber, tomando com inspiración la lolita de Navocov.
Pero al margen de comparaciones podemos decir que Diario de un escándalo es mucho más que eso. Es una acertada aproximación a dos caracteres y dos formas de ver la vida desde el punto de vista emocional, pero también desde el punto de vista social. Por que los juicios que emite el personaje de Judi Dench sobre las diferencias sociales, raciales y económicas de la actual gran bretaña saon de los más tajantes que se han oido últimamente. Diario de un escándalo es también una interesatísima reflexión sobre la soledad, la soledad real y la soledad sentida, ambas igual de dolorosas. Es una película de terror urbano, axfisiante, realista. Es un duelo de máxima altura entre dos de las mejores actrices de la actualidad. Dench, intensa, emocional, dura, fría, a la que hay que reconocer la gran capacidad camaleónica que consigue con cada personaje a pesar de su edad. Blanchet pura, cálida pero ambigua, triste, sóla aun con su compañía, en la cumbre de este espléndido año 2007 que ha sido para su carrera. Ambas demuestran a través de sus ojos sus emocionales interpretaciones, pasando con asombrosa facilidad del cariño al miedo y de este al odio. Pero podemos decir que sus interpretaciones también transpasan lo emocional y se convierten en física, por la fragilidad de Blanchett y la dureza de Dench, la gracilidad de una y la tosquedad de otra.
Es un film elegante en su dirección, con un guión meridiano de Marber en el que no hay buenos ni malos, solo gente que se equivoca en sus acciones y en sus incontrolables sentimientos, amorales todos ellos, pero nunca inmorales.
Es por último una película intensa y recomendable un melodrama de terror social de memorables interpretaciones.

Hannibal, el origen del mal es una obra arriesgada de hacer debido a todo el imaginativo colectivo que existe alrededor de tan popular personaje, muy limitado ya en cuanto a historias que se puedan contar de él, así como muy limitado en cuanto a la caracterización del propio protagonista, ya que a nadie parece que en principio otro que no se Anthony Hopkins le convenzca en el papel del canibal. Y curiosamente en estos dos difíciles retos, la cinta que aquí nos ocupa da en la diana, ya que tanto Peter Webber, director, como Gaspar Ulliel, actor, consiguen convencernos en sus labores. El primero crea un estilo visual propio , sin imitar a las anteriores entregas, que le da una personalidad a su película (algo por lo que se atacó a la impersonal pero interesante El Dragón rojo)Y en cuanto al actor que carga con todo el peso de la película y del recuerdo de los tres anteriores, y sale airoso al presentar a su personaje de un modo cruel y sanginario pero también con un punto sensible.
Pero la película falla en varios puntos fundamentales como en un guión totalmente surreaista en el cual los acontecimientos se muestran de una manera confusa, desordenada y cansina, en el que no cuadran ni los constantes Flashbacks ni los diálogos en ocasiones risibles, ni las actuaciones de un reparto de secundarios totalmente desdibujados.
Y lo más que se ha criticado, y con razón del film es su intento de justificar las acciones y los crímenes de lecter, cuando es cierto que lo que más atraía y provocaba magnetismo de él era su injustificación ante sus actos...

Se ha acusado mucho a este interesante filme de ser únicamente un ejercico de estilo, y bajo mi punto de vista era uno de los objetivos del director, pero no obstante no el único. Lo que queda claro es que sabe de cine, tiene un excelente departamento de documentación y también un excelente gusto. Al ver la película en mcuhos momentos si que llegamos a trasladarnos a un viejo cine del viejo cine de hollywood, gracias ante todo a su cámara, que encuentra sus mejores momentos en los homenajes a grandes clásicos, pero también a su truculento guión, confuso, lleno de giros, como eran los de la época. En este sentido El buen Alemán es a las viejas historias de amor épicas y negras como La dalia negra fue a las películas detectivescas del viejo hollywood. Pero si hay algo que destaca entre toda la película es Cate Blanchet, que va creciendo como actriz película tras película no sólo por su calidad sino por su magia y su elegancia, por lo que evidentemente este papel le venía como anillo al dedo, por la tortuosidad y glamour que transmite. Por otra parte George clooney parece demasiado estático y tenso, como tratando de demostrar que es el actor más adecuado para el papel; y por lo que respecta a Tobey Maguire, sólo decir que tanto su papel como su interpretación se podría definir como desconcertante.
La pelícla en sí es recomendable para todo aquel a quién le gusta ser sorprendido en la sala de cine, así como para todo aquél que desee volver a ese cine clásico, por lo que no tendría en teoría que tener dificultades para satisfacer al gran público.

Emotiva película independiente que deja una sensación de melancolía ante una historia tan bella como la de una madre que inventa un padre para su hijo con problemas de comunicación (padece de sordera) el cual viaja en un barco alrededor del mundo. La historia está contada de manera tan bella como suena el argumento, sin excesivos dramatismos y con sutiles escenas costumbristas entre sus entrañables personajes, encarnadas por unos actores excelentes que sacan todo el ángel que llevan dentro. Mucha suerte a Gerard Butler y Emily Mortimer.

Muy bella