Y así, alguien que nunca fue estudioso de Cine, que nunca, como se manifestó después, tuvo mayor interés en la cinematografía o puesta en escena (no confundir ambas), filmó una de las mejores escenas de la historia del cine.

No sé trataba de miedo, ni esos recursos de ¨Te conozco, mascarita¨, ese giallo desubicado. No, fue, la otra escena. Esa que abre una nueva forma de filmar para los cineastas que quieran seguir.

Que fuera por suerte, que fuera por esa suerte virginal de la inexperiencia, da igual....

No es, ni mucho menos, una generalidad. Es una pepita de oro entre una propuesta de Cine de trincheras, de perentoriedad en todo, con su encanto asociado, ciertamente.

Una escena para estudiar....En fin.

La verdad es que te ries un par de veces buenas en este film adaptación.

Como digo, después de ver Magniolia, y sobre todo Tropic Thunder, Tom Cruise tiene una de las mejores aptitudes para la comedia. Una pena que no se dedique más a este género.

En fin, que te ries bastante en este musical homenaje al Glam, el hair rock y todo esto.

No voy a hablar de la película en sí. Ese final, que destroza otra vez los postcredits de Marvels y DC otra vez, creación en dos pinceladas, mediante cuatro notas de la banda sonora de Newton Howard, a mi me bastó sólo eso.

Tampoco hablaré de esas referencias miles, de ¨Vestida para matar¨ de De Palma.

Hay cosas muy mejorables, un titubeo apreciable. Connotaciones finales que muchos no reflexionan porque, ahí es reprochable, falta de ritmo y énfasis. También Shyamalan es una de esas excepciones de autor de cine, de un arte temporal, como la música, donde el Ritmo es casi lo más importante del sello o autoría. En cualquier caso da igual.

Se trata de la liberación de un artista, de la taquilla. Una producción propia y del bueno de Jason Bloom. Ya saben, van a pachas ahora. Los números salen, a saber:

1- 200 millones de recaudación en taquilla.
2- 25% para la productora. Eso son 50 millones.
3- 50 millones de entrada de dinero, menos los 9 millones invertidos. esto son 41 millones.
4- Ahora, tenemos que contar la carrera en videoclubs, venta de DVD y derechos de televisión, ect. Eso está estipulado más o menos, entre 200% y el 300% de la cantidad en cine. A veces, en cosas como Star Wars, con mucho merchandising, ya se disparata el asunto. Vamos a poner lo menor. 200%. Eso nos queda 82 millones.
5-Menos, también los pagos por P&A (paints and advertising, la publicidad...se entiende, que corre a cuenta de la productora...La distribución, esos piratas sólo comparable con las aseguradoras). unos 10 millones.
6- Nos queda un beneficio de 72 millones. Yendo a medias con BloomHouse. El bueno de Shyamalan se hace con 36 millones de dolares.

Y eso con libertad creativa, sin aguantar a Will Smith y sus hijos, sin directivos persiguiéndole por Hollywood, amenanzándole con que está muerto, con que le echarán de Hollywood. Todas esas cosillas molestas.

A ver quien se atreve a poner nota por esta película a Shyamalan.....
---------------------
La agarrada de mano
agarra todo lo que puede
todo para ellos mismos
despues de todo

Este es un mundo competitivo
todo cuenta en grandes cantidades
--------------------------
Everything counts, Depeche Mode.

¿En serio esto son personajes?

Quiero decir, en esa misma línea, con 4 tomas de super 8 en el arranque, durante los títulos, en ¨500 días¨, me saben construir dos personajes, mucho más que en este film. Que esto es un musical, también, lo es, a su modo ¨500 días¨.

Que Chazelle lo hace en su Whyplash. Cierto, era un ejercicio, se vanagloriaba de eso. Y es estupendo, que un film te quede a medio camino de la ficción, de un documental, o una sesión musical de jazz filmado, donde la dramatización, se produce mediante la cinematografía y puesta en escena, así como el montaje. Bien, lo compro.

Por todo lo demás. Este intento de meterse en una narrativa, donde supuestamente hay almas, no hay quien se lo crea. Y repito que admito que el musical tampoco es género para ahondar, ciertamente. Pero es que es demasiado poco, demasiado maniquíes vacíos, absolutamente vacíos, demasiado poner todos los recursos sobre una pieza musical, que está simpática, un montaje, sin grandes hazañas...Me viene a la cabeza el final magnífico de ¨La útlima noche¨ de Spike Lee, por ejemplo, como referencia obligada.

Que no...Chazelle no tiene nada que contar, y si me apuran, tampoco mucha maña para saber contar historias ajenas. La estética no es fundamental, es epidérmica.

Siempre podría grabar conciertos de jazz....parafraseándose así mismo.

Jonathan Demme, que apela al lenguaje propio de Fritz Lang, como maestro de la puesta en escena sublime por la rama estática, a la estética pura, contextualizada a su época ciertamente, en cualquier caso, sin concesiones al espectáculo y a lo sórdido, a la vez...Esa rara proeza anhelada por muchos y conseguida, por tan pocos....En cualquier caso, la trilogía de Hannibal Lecter, pega un bajón en el fotógrafo Ridley Scott, y sube, curiosamente, con esta tercera parte. Queda la calidad de la serie, pues, fuertemente pendiente del guión, y el escritor Thomas Harris.

En concreto, en este producto mainstream, lo nuclear, son las muchas e interesantes lecturas con las que Harris escribe y construye esta historia. Ese es el valor narrativo, de película, que no es buena película, que no es ni tan siquiera un gran guión, ni una brillante historia, sino que invita, en sus píes de página a visitar obras recomendable.

Finalmente, el hermetismo, cada vez más acentuado, llevó a una serie sobresaliente, sólo para el disfrute de un espectador muy comprometido, y capaz. Por supuesto, fue cancelada.

Lo realmente sorprendente, es cuando los que aseveran...aseveran...así, con mucho arrojo, que ¨El tercer hombre¨, es realmente de Orson Welles, pero eso, sin saber qué diablos es ¨Larga es la noche¨, ni nada...Qué sí, hombre, qué sí...Que Carol Reed soplaba botellas...Bueno, esos mismos, después, hablan de las atractivas propuestas de un Charles Laughton en ¨La noche del cazador¨, de esos horizontes y siluetas a contraluz, sin reparar en las referencias estéticas de esta otra obra maestra más de Lean.

Con ese trasfondo, también de la producción tormentosa de ¨El déspota¨, por el medio.

Son todo conjeturas, sospechas paranoides. Al menos yo admito la subjetividad de mis apreciaciones...Referencias absurdas, simpáticas a veces. Otros defiende sus teorías wellesianas con agresividad...Le van las lentejas en ello.

Y es que imponerte que te tiene que gustar, sí o sí, ¨La noche del cazador¨, es una marcianada si se paran a pensar. Yo invitaría primero a ver este film, y luego con la perspectiva, empezar a hablar de ¨La noche del cazador¨.

Y es que Verhoeven no se mueve como Haneke por el mundo franchute y de Isabelle Huppert (un subgénero en sí misma) y sus claves ya cansinas.

Tampoco se deleita en una puesta en escena francamente decepcionante, que no va más allá de producciones tipo, yo que sé....¨8 apellidos vascos¨.

Jungiana en la superficie, con claves ya muy vistas, en fin. Todo muy cines Renoir, con todo lo insulso y fatigoso que ello conlleva.

Una última toma cenital antes de llegar a Japón. ¿Última mirada de Díos al hombre, o último recurso de Scorsese como demiurgo de un Narrador?

No voy a hacer spoiler de la trama, en ningún caso. Pero sí de spoiler de la elaboración.

1- No hay casi ninguna toma del tramo de Japón (casi toda la película). con ningún enfásis. Es una dirección plana en el 99% de planos...y hablamos de Scorsese que es la filigrana constante.

2- No hay ninguna música...ni muchísimo menos sonido extradigética. Queda prohibido. Solamente en un instante del ¨Silencio¨. Sabe Scorsese que cualquier musiquilla influye en su juicio sobre un conflicto en él no quiere decir nada. Pero el no posicionamiento, ya es posicionarse con los japoneses.

3- La composición del plano no responden al standar europeo.

Estas tres cualidades de la película, más su duración, pueden hacer dificil el visionado. Cine crudo.

Scorsese se posiciona en el combate por las almas en juego. Y lo hace por medio de la anexión a un cine más parecido a Ozu o Mizoguchi que al de Hitchcock (aunque es verdad que en ese ejercicio metacinematográfico de el Cine en su negación de Cine, puede caer más en el Rosselianismo europeo, en lugar del exotismo de Mizoguchi, es precisamente el problema de los japoneses con el cristianismo). Hay otras maneras. Y son tan buenas como las tuyas.

Las razones del inquisidor son poderosas. El humor negrísimo del Judas, nos hace comprender lo que trata de explicar Ferreira sin mucho atino. La caridad, el perdón, la base del cristianismo puesto a prueba, y sobre todo la certeza de que el cristianismo católico y romano, se entiende realmente sólo por éstos....Por los romanos.

Parece olvidarse, eso sí, de los jesuítas, no como creyentes o misioneros, sino como lo que son: militares de Jesús. Por ese motivo se comprende más la obstinación, son soldados en su insistencial. La ecumenización, pero sin perder en el disolvente privilegio, fe y poder es una batalla, no un acto de evangelización puro y dado. Pudo haber sido muy diferente si hablamos de franciscanos o capuccinos. Por tanto, Se ha de puntualizar mucho en este contexto histórico. La Historia no se puede cambiar, pero sí es bueno señalar, o al menos exponer ciertos detalles. Todo lo demás puede ser considerado de mala fe.


Hay dos luchas: por el alma de los japoneses, y la creencia personal.

Un 9...Por poner una nota....que pudiera ser cualquier cosa. Aún así...Deja mucho poso...En eso ha de consistir la nota.

Para mí, lo realmente sorprendente, de verdad, más que la película en sí, es compararlo con el discurso de Reygadas en sus master class y entrevistas.

Vaya!, que me sorprende lo seguro que está de todo lo que dice, haciendo el cine que hace.

Esto es malo. Porque él no es todavía artista de nada. Todavía no está ¨articulado¨ nada. Todavía, yo que sé...George Miller es muchísimo más Miller que él Reygadas. En el cine, esto se ve en tu tempo. En tu aliento.

Y sobre todo en tu camino caminado solo...A ver quién tiene las santas narices de decir algo a Almódovar de ¨Hable con ella¨. ¿Qué vamos a decir de la película?...

Aún así, me parece loable, está en camino. Pero hombre, yo que sé...

Duro, durísimo.

Bergman. Una educación rígidisima...´La educación religiosa, no católica, no romana, extranjera, extraña, tiene un exotismo especial, que nos atrae por ello mismo.

En el cine de Bergman, en su moral, los personajes pueden ser malos, crueles hasta el sádico. En el mundo de Bergman no se permite a los personajes ser débiles...

Sorrentino se ha convertido en lo que ha querido: un extraño híbrido de Kubrick y Fellini. Por supuesto, por el camino se ha dejado ser él mismo.

Ese deseo pudiera ser obligado por las críticas de terceros, lógicamente para hacer pie en algo comprensible para todos.

Sorrentino da cancha también a Jude Law para que se luzca, en ese divismo tan apreciado por el actor, hipertrofía que aprecia el ego pues es lo más reconocible por todos: la fama y también, porque no decirlo, el prestigio.

Nada que objetar porque las intenciones se ven cumplidas con creces. No hay argumento, tampoco conflicto, pues tenemos que taparnos los ojos y los oídos ante lo principal. Todo es demasiado herramienta. Las puertas por donde tiene que pasar la historia son demasiado obvias. Impactantes aún así.

El guionista parece no mojarse mucho en los temas más escabrosos, también se forma un chocho tratando de explicar unos porcentajes: el 81,3% de un 41%. ¿Comorr?. Bueno, es igual, pues esa conversación que sería el detonante de confrontación de esta primera temporada tampoco parece ser muy importante. El tema va de otra cosa.

Muy disfrutable si se sabe a lo que se va. Para los que pidan coherencia, no estética sino narrativa (¨ Coño, una buena historia, como Juego de Tronos¨), absténganse.

En un relato de Borges se incide en cómo es posible que los musulmanes no admitan la ficción como lo hacen los europeos.

Puede que esa costumbre venga de antes de Mahoma. Hay en toda mi cultura, que a medida que pasa el tiempo y que sé más de ella, o que el propio tiempo me hace conocerla con más profundidad, una demostración en todos los ámbitos, de pertenencia claramente grecorromana. Roma no se volvió cristiana, el cristianismo tuvo que romanizarse para tomar Roma. La forma de estructurarse el derecho, como orden de la sociedad. Se empieza por el derecho a tener, a la propiedad, sobre cosas o hombres (esclavos), catalogar todos los elementos, asociarlos a lo posesivo, pues es esa relación entre dueño y posesión la que puede ser violada por un tercero, y por tanto castigada. Fuese ese principio, no sé si infalible, una manera lógica para trasladar al mundo materialista ideales como justicia. También la familia latina, como algo que a pesar de ser socavado por la mezcolanza con otras formas de ver como la germánica, aún hoy, creo que se fomenta, más como un ideal, cierto, pero aún así como un faro de moral y de buenos sentimientos.

La ficción viene dada por el teatro griego, como fragmentos de una realidad que pudieran ser. Que puede que el autor no haya sido nunca testigo de esos avatares ni circunstancias, pero que es probable que pasasen alguna vez, o puedan pasar. Así, la tragedia y la comedia, nos llama a escuchar, y de alguna manera también el autor tiene que poner luces y escenografía, de alguna manera haciendo llamativo algo que no es real, que no tiene la gravedad de la historia real, o testimonio, ni relato de viajes. Es llamativo como parte de la farsa; atrayente, quizás por ello, aunque el llamamiento en el fondo,en su mente profunda, quiera apelar a que cada individuo pueda sacar algo de provecho en esa historia, ya sea también simplemente en reafirmarse en sus ideas establecidas ya sean ciertas o falsas, en cualquier lugar y bajo cualquier circunstancia. Lo mismo da.

Esa ausencia de ficción en el oriente próximo, me la confirmó en persona un chaval cercano a los treinta, musulmán, y que no había visto ninguna película de Star Wars. Decía que no le llamaba la ciencia ficción, que el prefería las películas de aventuras y sobretodo las basadas en hechos reales. Yo le recomendé ¨Viven!¨. Pues tiene todos esos elementos que él anda buscando. En ningún caso le advertí, sobre la inexactitud del narrador en su narración, los enormes problemas que eso conlleva.

Al igual que Borges, en mi cinefilia, en ese acto para mí vital de observar ficción, me maravillo de como otra cultura tan rica como la mía, se priva o no presta atención a la ficción, cuando yo le daría más validez que la realidad contada por alguien ( y me temo que esta actitud mía no se suscribe por modas postmodernas, Schrödinger, ni cuántica....no, no, yo ya venía así de antes).

(Sigue en Spoilers, sin desvelar la trama del film)

Deja que respire la película. No hagas todas las elipsis tan perfecta. No dejes tan evidente la infrahistoria.

Hasta el más controlador de los directores siempre deja ser a los actores. Incluso hasta Bresson sabe que hay partes de un actor que ha de ser terreno de ellos. Todos los personajes son importantes. Hasta las muñecas son dueñas de su mirada.

Dale importancia a la fotografía. Hace más un brazo que se enreda en otro brazo que cualquier cosa. No seas obvio, pero prepara toda la puesta en escena para que este paso sea natural....Para que el lenguaje tenga que pasar por ese sustantivo. Lo bello no se puede juzgar. Toma, también, determinación en la elección de lentes....Lo siento, pero ha de ser así. Y ese es problema de Borau.

Todo nos era estética.

El chocolate se nos presentó como sólo chocolate, y por ello era tan convincente. La praxis de los elementos desaparecería. La praxis sólo está detrás de la tramoyas.

https://www.youtube.com/watch?v=8eM-1smFGuw

La técnica excelsa sólo es para los que no sólo somos espectadores. Para el que quiere llegar más conocimiento, quien quiera elaborar. Las referencias, imposiciones de los mecenas, para que sólo el que haya leído a Esquilo, aprecie algo más....Pero el artista nunca relegó a lo bello, pues eso es lo único que se salva del olvido, y la corriente de la Historia y así quedar inmune a las críticas del mundo de los Hombres y sus sociedades.

Sólo la belleza como ruptura.

¿Hay contradicción pues en la técnica como parte de ese problema? Sí, por supuesto. Películas para cineastas, qué problemón!. Admito pues el problema. Y esa contradicción. Pero parece más llevadera dentro de la factura técnica del Cine en sí.

Después de que el autor aprendiera en cada film las partes técnicas del proceso cinematográfico, Sonido (la conversación), mezcla edición, no montaje (Apocalipsis now), iluminación (corazonada), de repente, Coppola, para.

Se fija en una estética, en una época vivida por él, en una sensibilidad de adolescente, que lo que vive en la calle, es leído en una habitación, en un libro. Ralentizando las vivencias, unas vivencias de lugares demasiado comunes, atadas al gregarismo de una pandilla de amigos y los roles como huecos, que hay que ocupar....inevitablemente.

Y va a lo sencillo. Con todos los recursos cinematográficos aprendidos. Limpiando el ejercicio creativo hacia la sencillez absoluta. Antes de experimentar en cada plano, de caricaturizar todo en ¨Rumble Fish¨.

Es todo sencillo, podría ser un Lumet, Coppola, un superdotado en el lenguaje cinematográfico, no quiere destacar aquí.

El guión funciona desde el contraste, con un rango dinámico que varía según la sensibilidad del espectador. No extraña un Orson Welles cómplice del guión, como escritor, detrás de las bambalinas.

Así, aparece un Chaplin, actor, que sólo le falta hablar a la cuarta pared, haciéndonos participes. El espectador no hace pie en ninguna simpatía, en ningún valor.

Luego hay un amanecer a través de una ventana, un momento de los antiguos maestros. De Lang, Murnau, el propio Chaplin. Una reliquia, en una época que ya iba a terminar de desaparecer, una película de tono ajeno, por lo ya expresado, extraña, cínica, muy simpática.

¿Hanekiana? Desde la estética nuclear, sí. Desde la estética de complementos, es donde se puede diverger ya ahí, de la manera que se quiera.

No me he molestado en leer mi crítica anterior.

Cojan a un buen ilustrador. Diganle¨: ¨ Dibuja, haz.. No escuches, huye¨. Los avances se crean así, haciendo. No oigas a tipos que no tienen ni idea, como Guerín. Al igual que da repulsión escuchar 4 años de un grado en Bellas Artes, donde se tontea. Todo el mundo habla, pero nadie hace. Sé técnico. No fardes de tu Humanidad, que hablen tus películas por tí. Considera las humanidades o creencias algo íntimo, y un Arte, el lenguaje perfecto para expresarlas. No hables de eso. A menos que consideres esa opinión tuya, una creación en sí. Toma decisiones, tómalas, la vida es casi solamente eso....Tomad decisiones.

No cobres por eso. No zancadillees, no entres en el juego de carguitos y puestos laborales. Acuérdate del muchacho de ¨Il posto¨. Con esa mirada final de Olmi...¨Yo me voy de aquí¨....¨¿ Qué quieres convertir esto también en otro infierno formando parte de él?¨.

Esta película es un proceso creativo nuevo. Por supuesto, no diré cual. No daré clases de ¨anatomía¨. Teneis ahí los cadáveres, abrid y ved las entrañas por vosotros mismos. Ved lo que os gusta y lo que no. Coged el destornillador, mirad lo que hay dentro.

Kubrick dijo que la mejor escuela de cine fueron sus primeras películas. No se trata sólo de aprender a hacer los distintos campos del Cine, también y sobre todo, conocer que es lo que se puede hacer y que no. Que órgano de cada película es bueno, y cual no. Que técnicos son buenos y cuales no. Y sobre todo definir ya, en ese punto, cual es la labor de un director, de un creador, en los casos en que las dos figuras coinciden.

Sin trampas, sin refugios cómodos ni retóricas vácuas.

Amando de verdad el Cine.

¿Ustedes se imaginan sacarle el jugo a ¨Ciudadano Kane¨ sólo en un visionado. y en el cine, además?

Imposible.

La carga de decisiones técnicas de esta película, vista toma a toma, es inabarcable. Desde lo más sencillo: la decisión de poner el objeto en el centro del plano siempre, debido al refresco de la atención debido a su montaje romperrecords, hasta la decisión de trabajar en hiperfocal, durante todo el metraje.

El sonido, es sencillamente perfecto.

El montaje es de una coherencia e imaginativa propias de las entregas de la primera trilogía. Innovación.

El digital está más que justificado. La elección de combinar la Arri Alexa con canon 5d (cámaras reflex ultrapotentes, pero cámaras reflex de fotos al fin y al cabo), es una ¨maldad¨de un ingenio excepcional.

Justifico incluso el poco perrfilamiento de un mundo nuevo ( a pesar de ser Miller, es un reboot, es otra cosa que la primera saga), de unos personajes. Se dice que Miller quiere hacer una trilogía. Es como la trilogía de Nolan. Donde un primer film, a penas unifica y da tono a un universo.

Si un septagenario entra en el ritmo de los jóvenes en la época del dubstep, no tenemos excusa los espectadores para no hacerlo.

Eso sí, sabiendo que, como la mayoría de las películas ¨¨elaboradas¨, un primer visionado en cine, no nos da para valorarla justamente más allá, de...¨Me ha gustao¨o ¨no¨.

Películas para Blue Ray...

Si una persona entra en un hipodromo, capto tres pistas independientes. Los pasos de esa persona sobre el piso, el bullicio de gentes con sus tickets alzados, y el galope de los caballos. Cada elemento es independiente. Porque son elementos esenciales. Los caballos en el momento en que Martin Lasalle consuma un delito, pasan cerca. La edición está servida. El aislamiento de cada sonido, es un compromiso del autor con sus elementos esenciales.

Si una chica cae rodando desde un montículo. Sigan esa imagen. Necesitan saber aquí algo de fotografía. Es un teleobjetivo. Se respeta aquí el elemento de un cuerpo que cae, pero la perspectiva es cerrada. Dos motivos: Hay que planchar la imagen, para que los elementos esenciales cobren importancia sobre cualquier subjetividad del espectador, cualquier gran angular que deforme, no la realidad, sino el elemento, es la voluntad del autor la que purifica el elemento, Rosellini no estaría en nada de acuerdo con esto, pues la manipulación, también existe; otro motivo es el cierre de la perspectiva, respetando el tamaño del objeto, pero despreciando y degradando el entorno.

Como consecuencia, ¿Bresson detrime la atmósfera?. Sí, ¿qué le vamos a hacer?

Atmósfera como stage, como decorado. La atmósfera, ese vació que algunos como Polansky tratan de domar y constreñirlo. La atmósfera como ese terreno donde la imaginación, en una ficción, es permitida. La atmósfera es donde el espectador se zambulle, donde se hace preguntas sobre un contexto, sus gentes, sus modos y circunstanciales. Esos prejuicios, esas expectativas, afectan también a los sentidos. Apesta ¨La matanza de Texas¨, tenemos calor en ¨La caza¨, un personaje que se alza el cuello del abrigo...Eso nos transporta.

Por eso, cuando Bresson se pone cada vez más duro, a mi me gusta menos. Ya desde Pickpocket, empieza a cargarse la ¨atmósfera¨como escenario. ¿Se acuerdan si Paris era otoño, verano, o invierno?. Cierto es que blanco y negro quita posibilidades de reflejar, en las pieles de los personajes, el mundo donde se desarrolla.

Hay, aún, en ¨Diario de un cura rural¨. cierta alegría de la campiña. El viento aparece en esa escena de la moto...Es una renuncia de Bresson, que nos regala un momento íntimo de fragilidad y amor a la vida.

En fin....Vivan Cine!

Si no te acuerdas de las reglas de encuadre de la fotografía, si no sabes lo que es plano medio, plano americano...Si no sabes como hacer un travelling siguiendo a un personaje.

Tan sólo piensa una cosa: El peso está en la cabeza.

¿Eso significa que tiene que estar centrada la imagen en la cabeza? No.

¿Tiene que estar siempre la cabeza en el mismo lugar de la pantalla? la regla de los tercios, ect?. No.

Significa que el peso está en la cabeza. Simplemente cuando mires la imagen, tenlo presente. No sólo es una cuestión de dirección...Dirige a tus actores...Diles que desgarroten sus cuellos...

Si tienes claro que el peso no está en la cabeza en una toma, eso no vale. Si dudas, puede valer. Si el peso está en la cabeza, busca otra solución donde el peso esté en la cabeza que sea mejor.