Ver a Robert De Niro, Willis y compañía criticando suavemente a todo lo que les ha permitido llegar hasta ahí y hacer esta película, es como mínimo insultante (aunque en esta sociedad ya deberíamos estar acostumbrados a que hasta la crítica sea absorbida por el establishment).

Aunque fuese por dignidad, creo que nadie debería verla (al menos, pagando).

Que sí, que la película de Godard es un estudio único de la prostitución desde un punto de vista sociológico, psicológico y también sartriano, que a su vez es sólo una excusa para tratar temas existenciales como la palabra y la realidad, la existencia y la esencia. Que sí, que sus doce tableaux forman un conjunto coherente, bellísimo e irrepetible (por mucho que Lars von Trier pretenda repetirlo). Que sí, que tiene escenas antológicas, como esa de Anna Karina viendo La pasión de Juana de Arco de Dreyer en un cine...

Sí, en todo eso estoy de acuerdo. Pero lo que de verdad me ha gustado de esta película, como buen admirador del vampirismo iconográfico que soy (vean Arrebato, La bella mentirosa, Peeping Tom, Relámpago sobre agua o El retrato de Dorian Gray y se adherirán a mi causa), repito, lo que más me ha gustado, ha sido una nueva ración de carne fresca devorada por el celuloide (explicación en spoiler).

Maravillosa película.

Brácula: Condemor II, digna y artesanal revisión del cine de terror más clásico, se sitúa en mitad de un recorrido que comienza en Aquí llega Condemor, el pecador de la pradera y termina con Papá Piquillo, dos obras de arte en la filmografía de Chiquito y Sáenz de Heredia; esto hace que, inevitablemente, Brácula se desvirtúe un poco.

Con Aquí llega Condemor... Sáenz de Heredia nos regaló una desmitificadora revisión del western más crepuscular, con un Chiquito de la Calzada que mantendría el tipo ante el mismísimo William Munny... o el Topo. Para siempre quedará en nuestro recuerdo el "Nos vamos a hacer pupita" del Condemor ante el acantilado. ¿Y qué decir de Papá Piquillo? Cinta donde Chiquito exorciza sus demonios de antaño cual Truffaut en su "saga Antoine Doinel". Ante un film tan fresco y honesto, con guiños constantes al neorrealismo italiano más puro, un aficionado al cine como yo no pudo evitar desear que Papá Piquillo fuese Los cuatrocientos golpes de Heredia, film fundacional de una larga y seguramente fructífera saga futura... pero, inexplicablemente, Sáenz de Heredia decidió no recorrer el nuevo camino abierto.

En mitad de esto, vuelvo a repetir, se sitúa Brácula. Brácula: Condemor II continúa las andanzas del Condemor tras su periplo en el Oeste. Como Ulises, Condemor monta en un barco en busca de una anhelada Ítaca... y una Penélope augurada. El film nos muestra a un Chiquito más cínico (parece como si su anterior aventura hubiese hecho mella en su carácter), que se muestra impasible ante la muerte de un indio, pero pronto nos daremos cuenta de que estamos ante el mismo Condemor de los comienzos, protegiéndose de sus miedos por medio de una coraza de falsa indiferencia. Estamos ante un comienzo inmejorable (ver spoiler).

Será al llegar al castillo, con un Condemor obligado a fingir ser el mismísimo rey de los vampiros, cuando el film se resienta un poco. Las situaciones se comienzan a repetir respecto a la anterior película, y eso hace que el film huela a producto alimenticio entre dos obras maestras. Donde quedaban bien cosas en el anterior film, aquí no lo hacen. ¿Un ejemplo? Los números musicales. Suerte que el buen hacer de Sáenz de Heredia hace la experiencia más soportable, pues estamos ante una mera repetición de esquemas, sí, pero es una repetición forjada por un artesano.

La tensión dramática va in crescendo, imparable, el Conde Drácula verdadero resulta terrorífico, y la bellísima Carla Hidalgo, musa entre las musas, sería capaz de seducir al mismísimo Drácula de Bram Stoker. ¿Y qué me dicen del clímax final? ¡Esplendido!

Pero todo eso ya lo habíamos visto antes.
Regular.

Pienso que sólo se puede analizar el remake de Psicosis de Gus Van Sant a través de dos caminos (alternativos pero confluyentes):

1. El inmediato.
Termina la proyección y te sientes estafado. Lo peor no es que el film sea (CASI) una fotocopia de la obra maestra original; además, como fotocopia resulta pésima. Conclusión: un remake MUY MALO.

2. La «vía Cahiers».
"Gus Van Sant es un genio que sólo un paladar exigente puede disfrutar"; "su refilmación hace explícita la imposibilidad de volver al pasado (pues como bien nos enseñó el borgiano Menard, ni tan siquiera la más fiel reproducción puede provocar los mismos resultados -y Van Sant tampoco quiere otro Quijote, sino «el» Quijote-)"; "la repetición (CASI) plano a plano usurpa y degrada el original (lo sagrado), cuestionándose así viejos conceptos como el genio y la originalidad en esta época posmoderna repleta de contradicciones"; "y bla"; "y bla"; "y bla".

Mediante la «vía Cahiers» no sé si podría llegar a considerar una obra maestra al Psycho de Van Sant, pero al menos sí me resultaría un experimento interesante. Esto sucedería si lo dicho en el anterior párrafo fuese cierto.

Pero no lo es. (CASI) lo es. La culpa es de los (CASI), de la (CASI) copia. En este Psycho se repiten los encuadres, el montaje, la música... pero cambian las interpretaciones (¡Marion llega a resultar inmoral y antipática!) y algunos diálogos, la fotografía (ahora en color -¡de inspiración pop!-), la ambientación y aún peor: ¡se insertan varios planos nuevos en las secuencias de los dos asesinatos! Y muchísimo peor: ¡¿Lila caracterizada como una lesbiana?! ¡¡¿Norman Bates masturbándose mientras espía a Marion?!!

Como dice Asier Aranzubia Cob: «Van Sant quiso ser Menard pero después no supo serlo hasta las últimas consecuencias». Y es por ello que todas estas lecturas no inmediatas de la segunda vía se desvirtúan y acabamos llegando a la misma conclusión que en el primer camino: un remake MUY MALO.

"(...) lo absurdo no está en el hombre (...), ni en el mundo, sino en su presencia en común.

(...) No sé si este mundo tiene un sentido que lo supera. Pero sé que no conozco ese sentido y que de momento me es imposible conocerlo".

Albert Camus - El mito de Sísifo

Para Camus, cualquier tipo de posición conciliadora más allá del absurdo es un simple salto; un acto de fe. Y según él, Kierkegaard es uno de los tantos filósofos que anhela el salto, convirtiendo las antimonias y las paradojas en criterios de lo religioso, pidiendo a gritos el sacrificio del Intelecto y divinizando su única certeza: lo irracional.

Muchos son los que dicen que Kierkegaard jamás logró dar el salto que tanto pedía, ese salto ante el que se postraba. A mi parecer, esta incapacidad dice más de él que sus propias palabras. Pues sólo a un loco (leáse Johannes) o a un niño (léase la hija de Inger) se le debería permitir algo así. Las palabras del filósofo pueden creer en el sonido que resucita a los muertos, pero el filósofo sólo ve cadáveres y no se atreve a saltar ante tal panorama.

Lo natural no es la fe. Lo racional no es la fe. Y sin embargo, la fe sería es el camino más bello que podría jamás tener un hombre. Pero el hombre es racional y vive en medio de la naturaleza desde el principio de los tiempos. Lo normal es la duda; el agnosticismo; el vacío; el absurdo. Lo normal es ver a hombres buenos que a pesar de todo no creen (léase Mikkel), a viejos que se entretienen confrontándose por pequeños detalles (léase Morten Borgen y el sastre) pues temen tratar lo más grande.

Sólo existe una posibilidad para que la fe se convierta en algo racional y natural, para que su camino se aleje de las tinieblas: EL MILAGRO.

La misma historia de siempre: ponen ante ti una guinda que promete mujeres, sexo, diversión y perversiones y te acabas comiendo el típico pastel infumable repleto de agujeros y moralina insoportable (y yo, el imbécil, empachado, descontento y esperando el próximo hurto).

Le pongo un tres porque se enseña algún pezón.

PD: de los peores finales que he visto en la vida (decepciona in crescendo, hasta el fin).

Así es mi crítica: 0% objetiva.

Desde que descubrí la existencia de Traci Lords, la adoro con fervor. Traci fue una niña que a mitad de los 80 actuó en infinidad de títulos pornográficos. En poco tiempo, pasó de secundaria a estrella por su belleza, sus atributos y su excitante naturalidad (la chica se implicaba mucho, algo que siempre se agradece).

¿Pero qué la diferenciaba realmente del resto de actrices porno de aquella época? Pues que Traci Lords filmó prácticamente la totalidad de estos films siendo... ¡una menor de edad! El dato fue revelado en 1986, cuando Traci cumplía 18 primaveras tras dos años de frenética actividad en el mundo del porno. Por supuesto, esto generó uno de los mayores escándalos de la historia del cine pornográfico. Su último film, mayor de edad ya, se tituló "Traci I love you".

Como podrán imaginar, todo el material pre-18 rodado se intentó retirar a toda costa, así que si la quieren conocer les recomiendo que la descubran en el cine convencional. Al menos yo he intentado seguir toda su trayectoria posterior: la vi como espectacular vampiresa en el explosivo comienzo de Blade y en El lágrima de Waters, en fugaces apariciones en seriales tipo Las chicas Gilmore o Melrose Place y en algún film televisivo que otro que ni Filmaffinity incluye en sus listas (por ejemplo, Asalto a la intimidad). Y espero ansioso encontrar Intent to Kill, y acudir al estreno de Zack and Miri Make a Porno, ¡ah! También he seguido sus pinitos como cantante de pop-techno... Soy muy fan. Pero me centraré en Not of this Earth.

Éste fue su primer film convencional, y narra una invasión extraterrestre del planeta Davanna, cuyos habitantes en proceso de extinción buscan regenerar su sangre con la de los humanos. Pero Traci, que ejerce de enfermera sexy, tratará de impedirlo. La película estuvo producida por Roger Corman, y es que en realidad estamos ante el remake de una película de este famoso (el porqué, no lo sé) director: Emisario de otro mundo. La original era horrible, y Vampiros del espacio también lo es, así que podemos considerarla una fiel adaptación. Y sale Traci Lords. Y enseña su pezón izquierdo de refilón... ¿qué más quieren?

A mí me vale.

Casino Royale ----------> Borrón y cuenta nueva.

Quantum of solace -----> Borrón.

¡Porno mudo! ¿Qué más quieren?
Los amigos del gemido tendrán que conformarse con el sonido de un elegante piano que da a todas las escenas un toque añadido de glamour inmejorable, y aunque los zooms y demás efectos de cámara son "más limitados" que los de hoy día, por lo demás no se notan los años. Pornografía pura y dura.

A quien le moleste el hecho de que la pornografía sea cine, que se j---. Sin ella no sólo no tendríamos Garganta Profunda. Sin ella y su apertura, sin su falta de recato y su libertinaje, no tendríamos Romance X, Intimidad o 9 songs... películas que hacen difícil trazar una frontera razonable que separe erotismo, cine de autor, dogma y pornografía. La pornografía fue, además, el final de un camino trazado por Bergman y su verano con Mónica, o por Eisenstein en La línea general, con ese tubo de aspecto fálico que echa leche sobre la extasiada cara de la protagonista. La pornografía es fruto de la libertad del siglo XX, y de ese tren penetrando un oscuro túnel tras el beso final en Con la muerte en los talones, de Hitchcock. Hitchcock, Eisenstein, Bergman... Buñuel, por ejemplo, también quiso hacer porno, pero no se atrevió. Con todos sus fallos y su doble moral, con todos sus excesos, la pornografía cinematográfia FUE (no sé si ES, con toda la saturación y mediocridad que ha provocado Internet) necesaria. O igual me lo parece a mí, que soy un vicioso y aborrezco casi cualquier tipo de censura.

Eso sí, no olvidemos qué es el porno: antielipsis e irrealidad absoluta; como dice Roman Gubern a modo de metáfora en su excelente libro "La imagen pornográfica y otras perversiones ópticas" el porno del western, por ejemplo (si en el western estuviese prohibido mostrar imágenes de cabalgadas), serían sólo cabalgadas, una detrás de otra. Por tanto, si Michel Reilhac me presenta una sucesión de polvos mudos a ritmo de piano que además suponen un hallazgo histórico, ¿qué más le puedo pedir? It's only rock n' roll.

Aunque sólo sea por la novedad que supone ver algo así, situo a Golfos y picardías de antaño entre lo mejorcito que he visto -pornográficamente hablando-. ¡Es que te sientes como Alfonso XII! Otro film de temática similar -pero inferior-: Forbidden Movies from the Brothels of Paris. Y una lista de clásicos: Tras la puerta verde, Mona, the virgin Nymph, Garganta profunda, La orina y el relámpago, Inside Marilyn, Camaleones del amor, Tequila boom boom, El diablo y la señorita Jones, La noche de los zombies calientes... hay tantas...

Avisados estáis: Golfos y picardías... es algo muy grande (aunque menos que los orificios de Belladonna o la garganta de Linda Lovelace, "la Garbo del porno duro":-)

Eduardo manostijeras no está mal, prefiero Ed Wood (la obra cumbre de Burton) o Mars Attacks! (un fascinante delirio pulp), pero qué le vamos a hacer.

¡Ah!, ya que estamos diré que el resto de films de este sobrevaloradísimo tipejo no valen nada de nada (quizás sólo las de Batman se salvarían de la quema, y con las de Nolan al lado mal lo tienen...). Hablo, por supuesto, de las películas que yo he podido ver; tengo pendientes La novia cadáver, Beetlejuice y La gran aventura de Pee-Wee.

Volviendo al freak de Eduardo, aunque me gusta tienen que admitir que es un film que envejece muy, muy, muy mal, y que eso de catalogarlo como obra maestra... por Dios, ¡qué locura!

Así que les recomiendo encarecidamente su parodia pornográfica, mucho menos pretenciosa y más divertida. ¿Su título? Edward Penishands (Eduardo Manospenes). Disfrútenla.

Si a lo que Alejandro Jodorowsky se dedica es a reírse de mí y del mundo, que lo siga haciendo por muchos años.

La psicomagia me la suda, pero sus películas me entretienen muchísimo.

Sin duda, el mejor spaghetti Eastern que he visto y veré en la vida (...ya no han vuelto a hacer más...)

Ratatouille es una película muy buena, casi excelente, que mantiene vivas las expectativas que Pixar me creó -y me sació- con Buscando a Nemo o, en menor media, Monstruos S.A. y Toy Story, pero de ahí a decir que es la jodida obra maestra de Pixar hay un abismo (más me gusta la ya comentado Buscando a Nemo, y muchísimo más la maravillosa Wall·E).

A mí con Los increíbles los de Pixar me convencieron, pero me convencieron a secas, y es que después del film de Nemo era difícil subir el listón de nuevo. Y Cars… con Cars mejor pasamos página… así que reconozco que poder volver a disfrutar de verdad con estos genios de la animación me dejó un muy buen sabor de boca.

Es cierto que si el film se lee desde la perspectiva "la cocina como símbolo de cualquier arte" la película gana, pero yo siempre he sido de los que les gusta que no le mareen la perdiz con asociaciones de ideas peregrinas que sólo ciertos críticos atisban (ya saben, lo de "estoy deseando terminar mi cuadro para que la crítica me diga qué significa")... también es verdad que en Ratatouille el mensaje del que hablo no es tan sutil como el de, no sé, El sol del membrillo de Erice, pero dudo aun así que pueda captarlo un niño de 10 años, que es a quien en última instancia debería estar dirigida la película.

Por eso me parece genial que la película esconda capas y capas de doble y triple significado, si se quiere, pero llamarla obra maestra por eso en vez de por el conjunto… es un poco lo que pasó en Entre copas: les tocas un poco la fibra a los críticos y todos dejan su supuesta objetividad en el perchero echando leches.

No obstante, aclarar que en mi ranking mental de películas "para críos" este film va a los primeros puestos de cabeza, para que nadie se quede con la idea de que el film no me ha gustado, ¡en absoluto! Sin duda, éste es el tipo de película a la que por sus valores, su calidad cinematográfica y su entretenimiento llevaré a ver a mis hijos cuando los tenga, y no a la basura que regurgita Dreamworks -o Paramount, o quien sea-, puta entre las putas. No quiero que el mundo se extinga haciendo un chiste de todo; y además un chiste malo (léase: Srhek).

Shrek Tercero es el perfecto ejemplo de lo que -para mí- no debería ser JAMÁS el cine, una película "cómica" que más que la risa provoca el llanto, llanto amargo producido al descubrir en qué se está conviertiendo lo que antes fue un arte (recordemos que la taquilla manda, y Shrek Tercero fue un puto e incomprensible taquillazo mientras obras maestras contemporáneas como Zodiac recuperaron lo que habían costado de milagro).

Seré sincero: yo entré ya al cine odiando a Shrek -ese engendro verde fruto de una imitación de Homer Simpson muy poco afortunada-… pero es que salí abominándolo. Cuando espero que algo no me guste y voy a verlo, intento sacarle todos los fallos posibles para que mi prejuicio salga victorioso -sí, como crítico imparcial no tengo precio-, pero con este film no me hizo falta empezar a buscar defectos porque ellos solitos empezaron a agolparse en mis retinas uno tras otro nada más comenzar el metraje. Me había prometido no ir al cine a ver Shrek Tercero ni borracho, pero quedé con mi novia y unos amigos y me atreví a dar el paso (diré a mi favor que en un puto multicine de ocho salas proyectaban: Ocean’s Thirteen en una (ya vista -otra mierda-), Hostel II en otra (no meto a mi chica en un film así ni drogándola)… y Shrek Tercero en las SEIS salas restantes).

Shrek me pareció una película mala (soy un acérrimo Pixar-fan), pero con la novedad… y Shrek 2, UNA BAZOFIA. Sin embargo, esta segunda parte se vuelve increíblemente buena al compararla con la tercera película (¿película?), porque más que película Shrek Tercero resulta ser una pesada sucesión de gilipolleces supuestamente graciosas intercaladas entre canciones pop en inglés con Shrek y compañía haciendo más gracias pero esta vez en plan videoclip (por la música y eso).

Qué robo.

Jamás eliminaremos el hálito siniestro que, nos guste o no, siempre ha acompañado a los bufones. Un payaso es un hombre detrás de una máscara, y por tanto, falsedad y engaño. El clown representa, además, la subversión más pura, la chanza a cualquier precio. Su ética de la broma desbarajusta las convenciones y trae la carcajada, que no es más que un espasmo involuntario en la cara, la pérdida de la racionalidad que caracteriza al hombre. El bufón desmitifica desde sus comienzos la tragedia, se ríe del destino y la muerte y de la solemnidad de los hombres. Él inventó el nihilismo mucho antes de que se creara esa palabra.

Con la Comedia del arte aparece Arlequín y Pierrot, que conformarán el payaso moderno, ese Miliki grotesco que ignora y oculta el oscuro pasado de sus antecesores. Pero su esencia caótica, su perfil anárquico, ha sobrevivido hasta nuestros días. Por algo existe la coulrofobia.

El Joker de Nolan, de Ledger y de Alan Moore es un payaso que recupera el legado de esos antepasados y lo magnifica. No soy un gran conocedor del cómic y no puedo decir si la visión de Tim Burton estaba más cercana al original que la de Christopher Nolan, aunque pienso que ese díptico -tan sobrevalorado como la interpretación que Nicholson hace del payaso- está más cercano a César Romero y a la grotescamente famosa serie televisiva que al verdadero Joker. Si me equivoco, no me importa. Sólo quiero rendir homenaje a ese siniestro bufón interpretado por Heath Ledger, que dignifica, recupera y a la vez trasciende la plétora de significados que engloba la “filosofía” payasa.

Ledger encarna a un Joker que es un brillante y sádico psicópata con un extraño sentido del humor de intenciones claramente patafísicas, patriarca de la anarquía, dadaísta del crimen que esconde profundos problemas psicológicos no resueltos tras su tenebrosa y bufonesca sonrisa. Él representa el caos y la locura en contraposición al orden, la seguridad y la justicia que intenta encarnar Batman. Es el paradigma del hombre absurdo de Camus cuesta abajo y sin frenos, un existencialista hastiado de la indeterminación y de las tesis reconciliadoras. El Joker es un bohemio de la locura, un revolucionario decadente sin ningún plan tras la masacre y la anarquía anhelada. Es, en definitiva, un Dios destructor. Un Demonio que recupera el significado del payaso (o loco) según el tarot: “Un joven que combina sabiduría e insensatez, que hace las cosas al tuntún pero bien", "perdido y sin rumbo". "No vive en la realidad; vaga de un lado a otro sin saber que busca, ni adónde quiere llegar". "Es el símbolo de la anarquía". "Cree en el azar como único factor que sobresale y es respetado". "Representa un principio de movimiento instintivo, opuesto a todo sedentarismo de la conciencia, a toda acomodación del ego". "El Loco es una figura que empuja hacia la vida de modo espontáneo, saltándose las protecciones conscientes y conservadoras".

¿Cuánto de la mirada de George Lucas y Steven Spielberg perdura en "nuestro" Indiana Jones? ¿No será nuestro recuerdo más fuerte que la saga en sí, no será que se impone la visión que tenemos de ella desde un prisma infantil? Porque éramos niños (o al menos yo lo era) cuando vimos años atrás a un joven Harrison Ford con látigo entre serpientes.

Cuando vi este film, entre mis escépticas carcajadas y las miradas de incredulidad que compartí con los amigos, se filtró una risa a mi izquierda y me giré. Me encontré frente a un niño. Seguramente yo con esa edad me habría reído igual, pero el tiempo pasa.

Así que en un principio me dije: voy a eliminar de mi cabeza todas las expectativas y recuerdos infantiles de la saga y voy a analizar objetivamente lo que he visto, separada de las otras tres. ¿No es eso lo que quieren los propios responsables? George Lucas dijo que era una película más, que no estábamos ante la segunda resurrección de Cristo; bla, bla, bla. MENTIRA. Si no querían que las comparaciones fueran odiosas, que no hubiesen vivido del pasado. Porque homenajes al resto de la saga, en esta entrega hay tantos que saturan. Y sin embargo, una vez metidos en la senda de la nostalgia, una vez que descubres que han decidido ser devotos del espíritu de aventura clásica que imperaba en el resto de películas de esta franquicia, van y no son absolutamente nada fieles, yéndoseles la puta olla pero bien.

Tendemos a infravalorar subproductos como las búsquedas de Cage o la saga de La Momia por el sólo hecho de haber copiado descaradamente el espíritu de Indiana pero una vez puestas todas estas ofertas encima de la mesa, sin "perspectiva histórica", ¿en qué se diferencian unas de otras? Tras tanta calcomanía, llega una nueva versión del original y descubrimos que las distancias con sus duplicados son más pequeñas de lo que pensábamos.

Por las manos del odioso "gurú" Lucas pasaron mil y un guiones durante unos 13 putos años hasta que dio con el que quería. Él, y sólo él, era quien exigía que el MacGuffin de la película fuese el que es*1. Y yo me pregunto, ¿si éste era el mejor guión cómo serían los otros? Miedo me da imaginarlo.

Como en La jungla de cristal, hay una cierta tendencia al más difícil todavía que resulta abrumante. En la primera, un edificio; en la segunda, un aeropuerto; en la tercera, la ciudad de Nueva York; en la cuarta, el mundo. La jungla de cristal sólo va un paso por detrás de Indiana Jones, porque lo más probable es que en la siguiente entrega veamos una trama intergaláctica, "John McClane y la calavera de cristal", o algo peor.

Resumiré en una frase: a los cinco segundos ya te sientes estafado*2.

La peor entrega de una saga sobrevalorada por una inocencia infantil ya perdida.
Inevitablemente, siempre que se mira atrás es con nuevos ojos. Decepcionante entretenimiento, sí señor.

La niebla es una película que, mejor pulida, podría haber sido una auténtica obra maestra, pero hay pequeños detalles lastran al film. ¿Que qué detalles?

1. En algunas ocasiones se rompe todo el clima de tensión con unos diálogos demasiado hinchados y pretenciosos que la mayor parte de las veces son incluso innecesarios. Hay un ansia por subrayar su desencantada tesis que no le va nada bien a la película.

2. El personaje de la fanática religiosa puede resultar creíble en un primer momento, pero su poder de convicción va a más y a más y a más conforme pasa el tiempo, y al final ya no te crees lo que estás viendo (igual es que tengo más fe que el director en el escepticismo y la inteligencia del ser humano). Problema de falta de credibilidad que se vuelve a repetir en otras ocasiones, pero es que es muy difícil intentar analizar de forma 100% realista los recovecos del ser humano en sólo dos horas de película (creo que se puede perdonar que los protagonistas a veces sean más personajes que personas).

3. Quizás los efectos cutres de serie B que tiene La niebla hubiesen quedado maravillosamente bien en la versión en blanco y negro que no dejaron hacer finalmente a Frank, pero así a color... NO. Para mí éste es el mayor lastre de la película: te saca de ella constantemente. Y ya que Darabont homenajea descaradamente a Carpenter al comienzo, bien podría usar los trucos del maestro y en vez de mostrar a la bestia tan claramente desde un principio jugar más con el misterio, "sugerir"*.

Pero el resto de la película es realmente maravilloso.

"Cualquier día puede no salir el sol".
"Al final del camino, se descubre en todo su esplendor la absurdidad del recorrido vital y las bregas de todo ser humano (sí: el hombre es una pasión inútil)".
"Por muy Sísifos dichosos que seamos, la supervivencia acaba sirviendo para nada".
"Toda decisión humana -y más las efectuadas en situaciones extremas y en momentos de desesperación- puede ser tanto acertada como errónea: el azar siempre impera (No sabemos, sólo podemos conjeturar)".
"La muerte es la libertad (pero la libertad sin opciones es un regalo del diablo)".

Todas estas ideas son disparadas a bocajarro durante los últimos e inolvidables quince minutos, injustamente criticados por algunos. Un final glorioso, arriesgadamente brutal y desesperanzador, al estilo Shyamalan pero con más huevos y cinismo; final atípico e irónico que sin duda tardaré en olvidar.

Como un renegado de la raza humana, Darabont nos da un puñetazo en pleno estómago de forma realista y aterradora... ¿quién tenía razón? ¿Quién supo enfocar bien la situación? ¿Podría ser que todo el mundo estuviese equivocado? ¿Podría ser que toda lucha o decisión, sean, finalmente, inútiles?

¿Por qué? Porque su elegante unión del histórico dualismo realismo/idealismo se quiebra frente a la mirada de la inocencia más pura, ante la enorme Jeliza-Rose (grandísima Jodelle Ferland).

Jeliza-Rose es Jeliza-Rose, y su mundo es ella: un universo totalmente "jeliza-roseado". Basta. ¿Y qué ocurre entonces con la circunstancia? Deja de existir. La mirada de esta niña hace tan suya a su circunstancia que desaparece, diluida en su mirar.

Ella es puro ensueño, puro idealismo. Y conseguir reflejar de una manera tan fiel esa visión merece, como poco, un aplauso. Oí una vez decir a un crítico que se habían hecho muchas películas sobre niños, sobre miradas inocentes, pero que Tideland parecía la primera dirigida por uno de ellos. Estoy 100% de acuerdo.

Jeliza-Rose no está con las cosas: pasea entre ellas sin rozarlas, su inocencia la protege. La espacialidad o el tiempo no son un problema, ni una barrera: tan sólo algo que está ahí, algo a lo que no hace falta prestar atención. Su padre siempre seguirá de vacaciones; su "príncipe-besador" nunca dejará de ser el mejor capitán de submarino del mundo.

Si el cine es la fábrica de sueños, en Tideland hubo huelga a la japonesa.

(y al lado de Jeliza-Rose -¡qué nombre más bonito, nunca me canso de escribirlo!-, la Ofelia de El laberinto del fauno parece una blandengue mimada:-).

Excelente metáfora sobre el paso de un individuo "común" de la Gemeinschat "comunitaria" de Tönnies, aparente paraíso ídilico que en realidad es una burbuja artifical y opresiva, a la Gesellschaft que le dará riesgo y libertad (o al menos eso imaginamos, pues el director no lo muestra -¿no será la Gesellschaft "de afuera" también una fantasía?-).

Bellísimo canto por la libertad y la rebeldía, y fuerte crítica a las vidas prefabricadas y planificadas al milímetro que, nos guste o no, todos llevamos, puede que sin saberlo (pese a que incluso el rebelde -decía Pavese- no deja de ser clásico, pues toda vida vivida según un molde coherente, compresivo y vital lo es).

El problema es que cada vez somos más circunstancia... y menos yo.
Circunstancia que se aleja más y más del Hombre.

Al princio cuesta 'meterse' un poco en este film (por la trama, el tono, etc), pero una vez dentro no quieres salir.

Uno de sus puntos fuertes es sus constantes referencias a miles de películas con las de hemos crecido: el póster de Buscando a Eva -¿casualidad? ¿no se acercan los protagonistas al cine como Brendan Fraser al amor?- que preside el videoclub, la loca que necesita ver Paseando a Miss Daisy, y por supuesto, todas las películas que los protagonistas recrean (Jack Black se magnetiza y borra todas las cintas del videoclub de su amigo, hecho que los lleva a volver a filmarlas cámara en mano, de un modo totalmente amateur pero rebosante de originalidad y gracia): Los cazafantasmas, Robocop, El rey león, Regreso al futuro, Hora punta II, 2001: una odisea en el espacio... Es aquí donde todo el talento y la imaginería visual de Gondry alcanza su pleno rendimiento, y donde más disfruté -como un auténtico niño, al igual que el que hace años se deleitaba con los viajes lunares de Méliès-.

Creo que con Be Kind Rewind Gondry no busca mofarse de las películas comerciales (y quizás por eso el film acabe siendo más comercial de lo que el director nos tiene acostumbrados), a todos esos deliciosos films de los 80 y compañía (él mismo es un acérrimo fan de Regreso al futuro), sino a las comercialización impersonal de esas películas (que por otra parte, es lo único que las financia y permite que existan). Parece que diga: las películas como Robocop me encantan, me gustan tanto que quiero homenajerlas, lo que no me gusta es el marketing que las rodea, el mercado que corta el vuelo de todos esos artistas (piensen en el personaje de Sigourney Weaver). Come de la mano que le alimenta, al igual que El club de la lucha. Reivindica el cine como un arte libre desde una multinacional, porque es el único medio que le permite hacerlo a gran escala. Las mismas contradicciones de siempre, la misma vieja dicotomía arte/industria del cine (que a mí me encanta).

Fats Waller era un artista del jazz que hizo de su arte su vida, a pesar de todos los inconvenientes. Michel Gondry es Fats Waller (ese pianista con manos de oro ignorado por la crítica), y Mos Def es Michel Gondry, un Michel Gondry que, apoyándose sobre todo lo que le alimentó en sus inicios, acaba emergiendo como el dios/creador de un mundo imaginario maravilloso, tan maravilloso como ese documental sobre un Fats Waller imaginario que vivió en Passaic, Nueva Jersey.

Y sí: también es una excelente comedia.

El film es decente, pero se merece un 1 por la incredulidad que producen determinados momentos (ver spoilers).