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Críticas de Tylercito
Críticas ordenadas por:
Lo que esconde Silver Lake
Lo que esconde Silver Lake (2018)
  • 6,3
    2.903
  • Estados Unidos David Robert Mitchell
  • Andrew Garfield, Riley Keough, Callie Hernandez, Topher Grace, ...
8
Beware The God Killer (Breves apuntes sobre lo que esconde Lo que esconde Silver Lake)
Escribo estas líneas de manera más o menos precipitada, a tan solo un día de haber visto esta estimable película de David Robert Mitchell en la sesión despertador de Sitges. La inmediatez de este análisis quizá conlleve cierta falta de profundidad, pero he preferido ser rápido antes de que se me esfumen las ideas que me ha despertado su visionado. Como muchos ya habrán hablado sobre el director (a mí It Follows ni fu ni fa), los actores, aspectos técnicos, etcétera, me centraré únicamente en una posible interpretación de la película (así que me voy directo a la zona spoiler).

Pero un consejo, no os la perdáis.
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68 de 83 usuarios han encontrado esta crítica útil
Emoji: La película
Emoji: La película (2017)
  • 3,5
    2.604
  • Estados Unidos Anthony Leondis
  • Animation
6
Esclavos con cadenas nuevas
No me molestaría en escribir estas líneas si Emoji: la película (Emoji de aquí en adelante) fuese tan solo el film nefasto que todos quieren ver. Pero es que Emoji tiene subtexto. Y es un subtexto aterrador.

Sí; formalmente, estamos ante una película nefasta. Sin tensión, sin imaginación, sin belleza, sin nada. ¿Qué podía hacer Anthony Leondis, segundón responsable de subproductos de la talla de Lilo & Stitch 2, ante el desafío de hacer interesante una película sobre emoticonos de una app para el móvil? Poca cosa. Técnicamente hablando, eso es lo que hace: poca cosa.

Vayamos al subtexto. Con subtexto no me estoy refiriendo a lo abominable del hecho de que esta película pueda verse como una “obra hiperactiva de propaganda interactiva en la que Spotify salva al mundo” (David Ehrlich dixit), en la que Sony, una de sus productoras (la otra es LStar Capital, firma de capital privado encargada de cofinanciar las películas del gigante japonés bajo la que se esconde el fondo estadounidense Lone Star Funds –un fondo que, a través de su empresa Neinor Homes, está reactivando la burbuja inmobiliaria en España (100% Evil Corp, vamos)–); perdón, me voy por las ramas. Lo abominable (o, al menos, lo más abominable) no es que Sony se dedique a vendernos lo cool que supone poseer un móvil de última generación (“Como a todo chico de 15 años, [a Gene] le gusta más el móvil que… que… jaja, ¡nah! Sólo le gusta el móvil. Tiene instaladas todas las aplicaciones menos una, que se llama hacerle caso al profe”.). Lo verdaderamente aberrante son los mensajes que esconde la historia.

(Desmenuzo los detalles de la trama en la zona spoiler:)
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sólo el fin del mundo
Sólo el fin del mundo (2016)
  • 6,2
    3.676
  • Canadá Xavier Dolan
  • Gaspard Ulliel, Nathalie Baye, Vincent Cassel, Léa Seydoux, ...
2
Gente gritando
Hacía siglos que no escribía una crítica, pero Juste la fin du monde me ha exasperado tanto que no he podido evitar recaer en mi antiguo vicio.
A mí el Dolan de Mommy me gusta bastante, pero que con solo 28 años el chico ande firmando una película por año desde J'ai tué ma mère dice muy poco de su contención creadora y, lo que es peor, de su capacidad de criba. Ni Woody Allen es capaz de evitar algún pestiño aplicando ese método de filmación estajanovista.
El film que nos ocupa es la peor película hasta la fecha del francés. Gente sobreactuada nivel Jack Nicholson modo mal (salvo la Cotillard poniendo la misma cara de boba de siempre) frente a un Gaspar Ulliel con cara de enfermo y ojitos de cordero degollado. Mucha reacción inexplicable, gente de los nervios sin motivo, momentos videocliperos con Dragostei Din Tei de fondo y todo al final para nada. Porque eso es esta peli, una nada absoluta sin dirección que pretende hacerse pasar como una catástrofe personal y-barra-o catarsis griega. Y bueno, algo de catástrofe tiene, pero de catástrofe artística.
¿Lo mejor? Que dura poco (y menos mal, porque aún así se me hizo larga).
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Amor
Amor (2012)
  • 7,6
    30.104
  • Austria Michael Haneke
  • Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, ...
6
El amor a la tragedia por la tragedia
Se recuerda más Edipo Rey que El asno de oro, aunque siempre haya un Decamerón por cada Dante cartografiando su Infierno, o un tartazo de Linder junto al desierto de Stroheim.

Aunque el hilo de Ariadna esté hecho con fibras trágicas, alguno de sus trenzados no dejan de tener cierta gracia (maldita la gracia). La vida nunca se me antojó como pura tragedia, más bien, amarga broma. Sin embargo, hay muchos aplauden con ímpetu las representaciones artísticas de la vida entendida como tal. La gente parece preferir el victimismo. Claro, mejor verse como la víctima inocente antes de como la víctima de algún tipo de inocentada.

Alguien dijo una vez que por suerte sólo hay un Haneke y no puedo estar más de acuerdo. Me basta con uno. Haneke no es nada complaciente con el espectador, casi se le podría considerar un sádico. Pero contra más "víctima" te sientas, más te gustarán sus películas; irónicamente, su falta de complacencia complacerá a tu sentimiento trágico.
Me asombró la extrema gelided y su representación visual de la muerte en El vídeo de Benny, acepté con reservas el juego planteado en Funny Games, levanté una ceja en Caché, me aburrí en La cinta blanca y terminé cabreado con Amor. Haneke me recuerda a Cioran; en pequeñas dosis enriquece, pero un exceso de cualquiera de los dos nos desvela con claridad su pose impostada e hipócrita, su tremendismo maquillado y, en el caso de Haneke, ese amor de la tragedia y la frialdad por la tragedia y la frialdad en sí mismas, que tantos parecen aplaudir.

Tenemos bastante reciente otra aproximación a la dependencia diametralmente opuesta en forma y fondo: Intocable. Pues bien, Amor me parece tan poco honesta como su reverso galo. Una es un cuadro de El bosco; la otra, representa la tetraplejía en tonos naíf. Es la baza buenrollista vs. el pesimismo más tremebundo. Querer reventar taquillas vs. buscar el aplauso de la crítica de siempre. Esa crítica que antepone ante todo lo trágico y-barra-o apocalíptico, la que confunde el cripticismo con la hondura intelectual e interpreta cualquier maraña como una muestra de complejidad. Esa crítica que acepta sin reservas a cualquier Lynch o se masturba durante las proyecciones de Béla Tarr. Expertos en algo que nunca se han molestado en hacer y que en el fondo parecen despreciar.

La vida podrá ser trágica, absurda y descorazonadora, pero no lo es todo el tiempo. No hay mal que cien años dure ni cabrón que los aguante. Así que, entre dos mentiras, me alegra ver cómo la taquilla se decanta por Intocable. Le dejaremos a Amor el aplauso de esa crítica sadomaso que se pone erecta cada vez que lo pasa mal en un cine. Sí, es imposible obviar que, en términos puramente cinematográficos, Amor es superior a Intocable. Pero ambas son igual de deshonestas. Omitir el accidente o cualquier momento de tragedia pura (amén de otros sonrojantes mensajes que Intocable emite y que aquí omitiré) es una vergüenza, no lo niego, pero hacer lo mismo pero en sentido contrario aún me parece más execrable. La falta de honestidad de Intocable busca la sonrisa a la salida del cine a toda costa; Haneke recurre a ella para que te sientas hecho una puta mierda.

La principal baza del director austriaco es que sabe que la vida nos deparará "momentos Haneke". Eso es algo tan inevitable como la muerte ("momento Haneke" supremo). Pero la vida también es (de hecho, lo es casi todo el tiempo) eso que sucede entre los "momentos Haneke". Eso de lo que Haneke nunca habla. Justo lo que consigue hacernos creer que merece la pena ser vivida.

Intocable y Amor, a su manera, son tan reduccionistas como una porno. El sexo no es (por suerte) lo que Nacho Vidal nos cuenta. Y se olvidan siempre del amor. Así como Amor se olvida de las cosas buenas, e Intocable de las malas. La vida no es champán y mujeres, pero tampoco es la mierda que algunos quieren vendernos. Al menos no todo el tiempo. Sí, estoy muy harto de hanekes.
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13 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
Maladolescencia
Maladolescencia (1977)
  • 5,6
    174
  • Italia Pier Giuseppe Murgia
  • Lara Wendel, Eva Ionesco, Martin Loeb
10
Cuando se te rompen todos los esquemas
- Cuando creía que La pequeña de Louis Malle era una obra de ficción, descubrí la existencia e historia de Eva Ionesco.

- Cuando pensaba que no volvería a filmarse un asesinato tan innecesario como el de la tortuga de Holocausto Caníbal, me encontré ante una paloma blanca.

- Cuando escribía, tan escandalizado como con ganas de escandalizar, sobre Historia de Eva en Filmaffinity, jamás pensé que existiera una película que pudiese superarla en todos los aspectos; pero vi Maladolescenza.

Maladolescenza no bordea los límites: los traspasa.
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5 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tengo ganas de ti
Tengo ganas de ti (2012)
  • 4,9
    12.458
  • España Fernando González Molina
  • Mario Casas, Clara Lago, María Valverde, Marina Salas, ...
3
Mi nuevo Condemor
Hace un tiempo, mientras esperaba en la cola de una librería para pagar Hablemos de langostas, cogí un libro al azar de la estantería de bestsellers y tuve mi primer y único contacto con la prosa de Federico Moccia:
"Noche. Noche encantada. Noche dolorosa. Noche insensata, mágica y loca. Y luego más noche [...]. Éstas son mis amigas, qué demonios... Fuertes. Son fuertes. Fuertes como Olas. Que no se detienen [...]. Olly camina con un contoneo exagerado por la calle. Volumen al máximo y gafas de sol oscuras muy fashion [en cursiva]. Parece Paris Hilton..."
No pude pasar de ahí; pagué lo más rápido posible mi libro y salí pitando de aquel lugar.

Si bien, tal y como acabo de contarles, no he leído a Moccia en demasía (media página y pa' casa), sí me he acercado a sus adaptaciones cinematográficas. Excepto A tres metros sobre el cielo, todas me resultaron insulsos cagarros a la altura de los guiones en los que se basaban, pero... la versión española de A tres metros sobre el cielo me resultó tan aberrante que me hizo sentir algo más que indiferencia.
Bien es cierto que acudí con una pose bastante cínica al cine, pero el cúmulo de despropósitos rompieron mi coraza y empecé a sentir algo por ella; concretamente, odio... la surrealista exhibición de machote ibérico más pasada de vueltas que en Jamón, jamón, el elogio del maltrato y los comportamientos irracionales en general, Mario Cansas en particular (con el insoportable monologuito que siempre regala a sus sufridos espectadores incluido), el momento Coca Cola entre Hache y el padre de Babi... la película era tan zafia, que no pude evitar verla una vez más.

Con el tiempo, empecé a recomendarla entre amigos con gustos afines, y nos la poníamos tomando unas cervezas para echar unas risas... hasta que me di cuenta de que la había visto más veces que otras películas que realmente sí me gustaban. Me había pasado como con Condemor y la filmografía de Sáenz de Heredia: le había cogido cariño. Y además, qué coño, estaba mejor filmada y se podía escuchar a Dorian o a The Unfinished Sympathy.

Así pues, acudí al estreno de Tengo ganas de ti con ciertas ganas de Hache, Babi y sus pretenciosas, sentimentaloides, vergonzosas y-barra-o aberrantes aventuras... por desgracia, la cosa se había descafeinado. La peli estaba bien filmada, los personajes, más reflexivos (dentro de lo que se le puede pedir a personajes de una pieza) y, en definitiva, la cosa era más razonable. Lo cual la convierte en un insulso cagarro que nunca volveré a ver. Una pena que se perdiera ese no dejo indiferente de A tres metros sobre el cielo que, sería una mierda, pero una mierda que ofendía. Y eso es mucho más difícil que hacer una mierda a secas.
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52 de 63 usuarios han encontrado esta crítica útil
Midori
Midori (1992)
  • 6,5
    597
  • Japón Hiroshi Harada
  • Animation
6
La Justine nipona
Midori es una interesante pero pobre adaptación del cómic Midori, la niña de las camelias, del enfant terrible del manga Suheiro Maruo. Interesante pues el manga lo es, pobre porque la calidad intrínsica del mediometraje lo es.

La niña de las camelias narra la historia de Midori, una pequeña sin rumbo y desgraciada que es adoptada por un circo de atracciones bastante macabro, donde sufrirá todo tipo de vejaciones, al más puro estilo Sade. Y su final será igual de feliz que el de Justine. No obstante, habrá un pequeño intervalo en el que la niña podrá creerse salvada (vanas esperanzas); éste se produce tras la llegada de Masamitsu, un enano ilusionista de personalidad un tanto ambigua que traerá buenas dosis de surrealismo a la historia, y algo de amor para la pequeña. Imagínense la trayectoria que tiene la pobre Midori para que la llegada de un enano pederasta (él es un adulto, y Midori no llega a los doce) nos parezca un hecho bastante afortunado para la pequeña.

La historia tiene tiempo para violaciones, aplastamientos de cachorritos, hermafroditas y seres deformes que harían palidecer a los mismísimos Freaks de La parada de los monstruos de Browning, con los que Midori, la niña de las camelias (flor que representa habitualmente la pureza, también conocida como la rosa del Japón), tendrá que verse las caras. En el 92 ya se había vivido el boom Akira y la exportación del estilo manga al resto del mundo también trajo cosas como Urotsukidoji y otros hentais aún más fuertes, pero eso no impidió para que Midori supusiera un shock para los espectadores occidentales dada su crudeza.
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4 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Contraté a un asesino a sueldo
Contraté a un asesino a sueldo (1990)
  • 7,2
    3.536
  • Finlandia Aki Kaurismäki
  • Jean-Pierre Léaud, Margi Clarke, Charlesa Cork, Serge Reggiani, ...
9
Antoine Doinel decide acabar con todo
Kaurismäki ("Kauris" para los amigos) es mi marciano finlandés favorito. Uno puede llevarse impresiones equivocadas al ver las caratulas de sus películas, o enterarse de que nació en Finlandia y que no suele hacer hablar a sus personajes. Y cuando ves su rostro en alguna foto, un cruce entre Houellebecq y Lars von Trier con un cigarrillo eterno en la comisura de los labios bufff... la cosa pinta coñazo.

Pero no. Dadle una oportunidad, de verdad. Es cierto que sus personajes tienden al cine mudo (de hecho, Juha, una de sus pelis, es muda), que los rostros impasibles e inexpresivos imperan, que el aspecto visual es frío... pero joder, siempre se lo monta para que te eches unas risas, no sé cómo lo hace (igual es que soy muy raro en esto del humor, quién sabe, pero que tenga películas con títulos como Hamlet se va de negocios -gran peli, por cierto: la primera que vi de él- refuerza mi teoría)... y son super absurdas y entretenidas. Hay que saber entrar en su mundo, eso sí.

En fin, un tipo al que darle una oportunidad (parece que este año ha gustado en Cannes con Le Havre...). Esta va de que Léaud contrata a un asesino a sueldo para que le mate a él mismo, ya que es incapaz de suicidarse, y cuando digo incapaz, es que es un jodido inútil (no se pierdan los intentos del suicidio del comienzo). En fin, no desvelaré más porque esto es sólo la premisa. De las mejores de "Kauris".
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sólo para sus ojos
Sólo para sus ojos (1981)
  • 5,9
    5.020
  • Reino Unido John Glen
  • Roger Moore, Carole Bouquet, Topol, Lynn-Holly Johnson, ...
6
James Bond, a punto de ser sodomizado
Las películas de James Bond son un maravilloso entretenimiento, pero el personaje me cae de culo. Soy más de Jason Bourne, qué quieren que les diga.

James Bond es un jodido asesino, dirigido por las altas esferas: el tipo de persona que debería odiarse: machista hasta la misoginia, frío y calculador, cínico, borracho, violento e interesado. Pero claro, es que es muy elegante y rico, y siempre tiene la mejor frase posible en la boca, y nunca se despeina, y conduce Aston Martins y mata a "los malos" y folla mucho y es un crack, piensan algunos, y lo adoran. Y menudo cuerpo, vaya elegancia, qué voz y qué sonrisa, la verdad es que yo igual también caída en sus redes... y ahora con Craig está hasta mazado, piensan algunas, y lo adoran. Y en esas estamos.

Pero a mí no me van los hombres y tampoco me agradan los asesinos. Me repugna un poco la jet set y detesto los héroes a los que todo les sale bien, pues no son honestos con el mundo real y pueden llevarte a crear unas expectativas vitales inabordables que te terminen convirtiendo en un fracasado al que, como en un círculo vicioso, sólo le quede el consuelo de ir al cine a ver lo que le hubiera gustado ser: James Bond. Este tipo de odio me viene desde pequeño. Siempre veía la serie de dibujos del Inspector Gadget con la esperanza de que en algún capítulo Sophie y su puto ordenador mágico fueran destrozados de la forma más horrible imaginable (Gadget no me caía mal, porque era idiota). Por supuesto, esto nunca sucedió. Pero bueno, que me voy por las ramas.

Sé que Bond tampoco morirá más allá de The Simpsons... pero aún así he querido recordar Sólo para sus ojos, porque fue la película donde más cerca estuvo de... ¿morir? No, morir no. Pero pudo haber sido sodomizado. Jajajaja. Me explico.

En una famosa foto promocional de esta película aparece Bond junto a un grupo de mujeres espectaculares. Entre ellas, destaca Caroline Tula Cossey, una mujer guapísima (lo de guapísima es indudable, lo de mujer veremos que no tanto). Esta diosa (que llego a aparecer también en la revista Playboy ese mismo año) aparece cuando James Bond va a Madrid (el típico Madrid de Hollywood, donde sólo falta gente cantando rancheras -aunque no alcanza los extremos todavía hoy no superados de la esperpéntica y nefasta Tarragona: Paraíso en llamas-) a seguir la pista de los malos de turno; sale de la piscina, fíjense bien. Por desgracia a Bond se la lían y no le da tiempo de intimar con ninguna de las chicas... ¡ojalá hubiese podido!

Después del rodaje se descubrió que la actriz Caroline Tula Cossey nació llamándose Barry Kenneth Cossey. Por supuesto se armó la de dios, no volvió a trabajar en el cine y la pobre hasta pensó en suicidarse (según la wikipedia inglesa), pero al final tuvo una buena vida, don't worry.

El asunto es que mi mente ya no ha dejado de fabular con un final alternativo a lo "Con faldas y a lo loco" porque, qué quieren que les diga, me encantaría que algún día le dieran a James Bond por el culo.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mi enemigo íntimo
Mi enemigo íntimo (1999)
  • 7,3
    2.146
  • Alemania Werner Herzog
  • Documentary, Klaus Kinski, Claudia Cardinale, Werner Herzog, ...
8
El enigma Kinski
Para mí, Herzog es un genio. Por encima de compatriotas suyos más laureados como Fassbinder o Wenders, y un digno sucesor de grandes directores clásicos del cine alemán como Lang o Murnau. Aunque por excentricidad, más bien podríamos hablar de Wiene y su gabinete. Pero tampoco. Si hay expresionismo en la obra de Herzog, es un expresionismo latente en las imágenes, interior... si hay surrealismo, no es forzado (ignorando sus primeras obras, claro está). El cine de Herzog es extraño y marciano pero se presenta al espectador a través de imágenes diáfanas. Es un virtuoso captando la belleza pero su cámara parece moverse como sin querer, improvisando. Y el único exceso está en sus personajes e historias, en muchas ocasiones, no obstante, reales.

Me interesa el Herzog exigente (para el espectador) de los comienzos, me apasiona el gran narrador de epopeyas excéntricas, el admirador de una naturaleza presentada como obscena, de paisajes lunares, de un ser humano que parece ser el animal más extraño sobre la faz de la tierra... me enamora el documentalista minucioso e imprevisible, me divierte el bromista que coloca a dos lagartos en primer plano (y en el fondo Nicolas Cage) que convierten los excesos mesiánicos de Abel Ferrara en un absurdo chiste nihilista.
Me resulta muy difícil hablar del cine de Herzog, pues me fascina.

Por tanto, Mi enemigo íntimo me parece un film imprescindible para cualquier aficionado al cine en general y a Herzog en particular que se precie. Se podría considerar un último adiós-homenaje-ajuste de cuentas del director a su amigo-enemigo Klaus Kinski, con quién participó en alguna de sus obras maestras más reconocidas, como Fitzcarraldo o Aguirre, la cólera de Dios.

Este documental narra una historia fascinante en la que por primera vez Herzog adopta junto a Kinski el papel de excéntrico que en el resto de ocasiones delegó en otros (como recientemente sucedió con Timothy Treadwell, sobre quien construyó su última gran joya en 2005: Grizzly Man); y además, saca tiempo para recordarnos su fascinación aterrorizada por la naturaleza y el hombre y aprovechar cualquier imagen, por sencilla que parezca, para generar poesía en imágenes (sólo he de remitirme a la última escena de Kinski con la mariposa), acompañada de una voz en off que suele tocar cuerdas muy profundas...

Tras escuchar un rato con ojos y oídos al director alemán, la visión de las cosas que te rodean logra cambiar un poco. ¿Qué más se puede pedir al cine? La obra de Herzog conecta muy bien con mi sensibilidad, al igual que (a otros niveles) la de Michel Gondry, o la prosa de David Foster Wallace o Albert Camus, o la música de La Costa Brava... quizás haya otros mejor que ellos (en el caso de Wallace, permitanme dudarlo), pero no son los míos.
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mahoma, el mensajero de Dios
Mahoma, el mensajero de Dios (1977)
  • 6,3
    584
  • Libia Moustapha Akkad
  • Anthony Quinn, Irene Papas, Habib Ageli, Michael Ansara, ...
6
El mensaje, no el mensajero
La historia de Moustapha Akkad es muy interesante. Fue un productor y director Sirio que, además de producir películas como las de la saga Halloween, se esforzó por difundir en Occidente una visión del Islam más o menos cuerda, alejada de los fundamentalismos.

Con esta película intentó narrar el mensaje de Mahoma... casi nada. El mensaje, ya que la película se titula "The Message", título muy alejado de "Mahoma, el mensajero de Dios"... nosotros, los occidentales, adoradores de figuras, no pudimos evitar referirnos al profeta en el título. Pero claro, por mucho que se hable del mensaje, el profeta tenía que salir algún momento. ¡Gran problema! La religión islámica prohíbe la representación total y parcial de su Dios, de Mahoma, etc. Las cosillas del aniconismo. Y cuando digo parcial, estoy diciendo: ni voz, ni espalda, ni manos, ni nada. Ni un pelillo de su barba.

Quiero recordar que Hitchcock intentó hacer una película en primera persona, y que desistió ante la dificultad de tal empresa... Gaspar Noé lo hace durante un buen rato en Enter the Void, pero al final mata al prota y pone a su alma a volar... y ahora, los del terror se han inventado el hábil truco de usar cámaras estilo Rec, Cloverfield o Bruja de Blair, pero no, no, no, ¡no es lo mismo!

Sin embargo, el señor Akkad tuvo los bemoles de hacerlo con Mahoma, y aquí tienen el resultado.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Werepig (C)
The Werepig (C) (2008)
  • 5,5
    157
  • España Samuel Ortí Martí
  • Animation
6
Una extraña experiencia
Vi este cortometraje de animación en la I Muestra de Cine Fantástico y de Terror de Zaragoza. Los organizadores habían colocado una pantalla en el parque de al lado y el ambiente estaba repleto de papás con niños y familias; por detrás ardía una hoguera encendida por San Juan.

Al principio empezó la cosa y no sabía muy bien qué cojones pintaba aquello en una Muestra de este tipo... pero de repente los personajes empezaron a gritar "Motherfuckers!" y no di crédito a la traducción: "¡Rufianes!". Nadie pareció darse cuenta pero aquello prometía.

Tras un vómito muy "Team America: World Police", y el signo del Anticristo en una cabaña, llegaron las decapitaciones, cagadas en primer plano, escenas de antropofagia y cuchilladas varias: ¡no me lo podía creer! Era como si Wallace y Gromit tuviesen una pesadilla gore.

Las caras de los niños eran curiosas, pero las de los padres resultaban un verdadero poema. No hubo ni un aplauso y el aforo disminuyó considerablemente tras la proyección, de un modo progresivo y silencioso. Oí a un niño murmurar confundido: "¿Pero mamá, han matado a ese cerdo?"

En definitiva, una extraña y divertida experiencia. Y un aplauso a este tipo de propuestas, antítesis radicales del "espíritu Ice Age". A Tex Avery le hubiera gustado.
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6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Entrevistas breves con hombres repulsivos
Entrevistas breves con hombres repulsivos (2009)
  • 4,8
    188
  • Estados Unidos John Krasinski
  • Julianne Nicholson, Bobby Cannavale, Josh Charles, Dominic Cooper, ...
6
Algo supuestamente aproximativo [a la figura de David Foster Wallace] que nunca volveré a ver.
No he leído todo lo que ha escrito David Foster Wallace. Pero sí he leído (y releído, y subrayado, y resumido, y conectado, y esquematizado) todo lo esté traducido al castellano (1). Incluso acabé leyendo a su traductor, Javier Calvo. He rastreado todas sus entrevistas colgadas en Youtube(2), recurrido al Google Traductor para leer artículos inéditos colgados por la red, traducido minuciosamente el artículo publicado en el New Yorker tras su suicidio (3), recordado su figura en varios de mis blogs, asimilado su estilo repleto de notas al pie cuando soy yo quien escribe (4)...
Tengo un tatuaje en mi brazo que reza "DFW". Y mataré al próximo vuelva a describirlo como un simple superdotado cínico (5).

Wallace es mi escritor favorito junto a Camus, Henry Miller, Swift, Wilde, Homero o James Joyce. Incluso por encima de. No intento hacerme autobombo ni resultar prepotente, pero necesito dejar claro que sé de lo que hablo.

Y ahora, sólo ahora, les diré qué le parece esta película de John Krasinski a este profundo admirador (que no fanático) de David Foster Wallace: una MIERDA (6).

Como relato cinematográfico es una nulidad (plano, contraplano ad nauseam), pero como adaptación es mucho peor. Es malo terminar con la sensación de que Krasinski no tenía ni puta idea de quién era Wallace (7) ni de lo que pretendía decir con su obra, por encima de su estilo barroco y su inclasificable estilo del humor. Pero resulta aún peor comprobar que ni siquiera ha captado la superficie; esto es, el barroquismo y el humor. Y que, a pesar de intentar ser fiel al texto de la forma más chapucera posible, se atreva a incluir después añadidos imperdonables que traicionan todo (como la presentación de la obra como estudio sociológico de los estragos del feminismo en los hombres) o recortar fragmentos hilarantes (como el final de la anécdota del fan de Embrujada -sic-) e incluso líneas de diálogo maravillosas cual censor franquista (o del código Hays, me es lo mismo). Y encima le sale un film de una hora y veinte que se hace largo. Justo al contrario que Wallace, cuyos hilarantes, profundos, sensibles, humanistas, irónicos, refrescantes, inteligentes, barrocos, juguetones, estimulantes y kilométricos textos se hacían muy muy cortos.

Entonces, ¿a qué viene mi nota? Bueno, la adaptación es una mierda. Pero tampoco he dicho que fuese fácil adaptar a Wallace. Así que agradezco el intento.
Para alguien como yo, sentir palabras sueltas de Foster Wallace esparcidas por el celuloide merece la pena aunque estén en una grisácea película, que, pese a todo, no deja de resultar Interesante por pionera (lo cual equivale a un 6 en Filmaffinity). Pero no exagero ni me sobrevaloro si confieso que yo mismo podría haber hecho algo mucho mejor.
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17 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Historia de Eva
Historia de Eva (1978)
  • 5,3
    51
  • Italia Mimmo Cattarinich
  • Pierre Clémenti, Katya Berger, Ugo Bologna, Bárbara Rey, ...
10
Mamá, mamá, creo que soy pedófilo... ¡Pues hazte artista, hijo mío! ¡Hazte artista!
Domenico Cattarinich fue (es) un famoso fotógrafo que ha trabajado con directores de la talla de Visconti, Fellini, Pasolini, Bertolucci o Almodóvar. Su única incursión en la dirección dio como resultado esta película, fruto de un guión suyo.
Ok. Imaginemos ahora que somos alguien creativo, y que nos van a dar la oportunidad de hacer una sola película en nuestra vida (por la cual seremos recordados). Imaginemos que podemos forjarla a partir de un guión de nuestro puño y letra, el que queramos. E imaginemos por un momento que, puestas las cartas sobre la mesa, decidiéramos llevar a la pantalla la historia de un artista impotente que se pasa la hora y media de película babeando por una niña de doce años a la que le encantaría penetrar.

Finalmente, imaginemos qué tipo de persona seríamos.

...

En mi blog La bobina de Pandora recojo los kilómetros y kilómetros de celuloide esparcido por el mundo que rozan cualquier extremo: miradas voyeur, gore, pornografía, terrorismo, mierda, bestialismo, la imagen vampírica, lo políticamente incorrecto, la serie Z, las obras maestras del cine, etcétera... ¡ah!, y los artistas (en plural, pues hay muchos) que juegan con niños.
Por tanto, actúo desde el conocimiento al aplaudir la honestidad* de Mimmo a la hora de plantear su perversión fílmica (de ahí mi nota).

Creo que películas como estas serían impensables en la época actual. Una época donde el terrorismo y, en menor medida, la pederastia, son los dos grandes tabúes. Y se han erigido como tales, creo, por su resistencia a ser absorbidos por una sociedad acostumbrada a tragárselo todo. Se puede absorber a un hombre que come mierda y se hace fotos con ella, convirtiéndolo en algún tipo de icono underground con su propia galería de vitrinas repletas de materia fecal: ya se ha hecho antes. Pero jamás podrá absorberse a alguien que toca a los niños o se pone un cinturón de explosivos con idea de detonarlo dentro de un centro comercial.

Aunque bueno... los primeros siempre tienen la opción de atarse las manos y refugiarse en algún tipo de arte con fines masturbatorios.
Y en esas estamos.

PD: no puedo comprender por qué La pequeña (y similares) son tan conocidas en ciertos círculos mientras que Historia de Eva pasa totalmente desapercibida. Personalmente, la película de Mimmo me ha parecido lo más cercano a lo intolerable que he visto jamás (de ahí mi nota).
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Olvídate de mí!
¡Olvídate de mí! (2004)
  • 7,6
    100.398
  • Estados Unidos Michel Gondry
  • Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, ...
10
Mi película
¡Olvídate de mí! es una película sobre el amor (1) y el recuerdo (2).

(2) Olvidar no es la solución, sino el gran problema (pues olvidar u obviar el pasado no enseña: anula), y ¡Olvídate de mí! analiza el dolor que conlleva el olvido por tres caminos alternativos pero confluyentes. A través de la mente de Joel durante el proceso de borrado, vivimos en primer lugar el dolor que trae ser consciente de olvidar. En segundo lugar, experimentamos la rabia y el dolor del olvidado (olvidar el pasado corta los lazos entre las personas y hace imposible la convivencia. Olvidar te anula tanto como ser olvidado). Y finalmente, sentiremos la desesperación que conlleva ser consciente de tu falta de recuerdos a través de Mary.

Olvidar los tropiezos nos lleva a caer ante las mismas piedras, en un demoníaco bucle que nunca termina. Pues el olvidadizo estará interminablemente expuesto a sus antiguas equivocaciones. Nuestros desmemoriados protagonistas viven una especie de eterno retorno del que sólo pueden sacar algo en claro a través de la memoria. Estamos atados a nuestras pasiones, sí, pero también tenemos una memoria que nos puede ayudar a no caer en los mismos errores o, al menos, a estar preparados para la caída.

(1) Pero ¡Olvídate de mí! también es una película sobre el amor. «La comedia romántica más tenebrosa jamás filmada» (Sergi Sánchez dixit). Y es que el amor de ¡Olvídate de mí! no es el amor puerilmente mitificado de cualquier comedia romántica estándar. Aquí el amor es un amor real, con sus fisuras y su poso amargo; y por real, duele.

Podrá torcerse todo, podrás, incluso, augurar que todo ha de torcerse, que esa es la ley: todos perdemos al final. Pero eso no importa, o al menos no importa ahora, ahora que estás enamorado.
Al final vencerá el olvido. Y es por ello por lo que deberíamos aprovechar con intensidad, creo, este hoy vital; este hoy resplandeciente donde reina el amor y el recuerdo. Que Joel, Clementine y todos nosotros aceptemos el fracaso vaticinado por un choros en forma de cassette no tiene por qué llevar a renunciar al juego. Porque eso es la vida y eso es el amor: jugar y apostar por algo aunque las cartas estén marcadas y la partida perdida de antemano.

Por tanto, repito y matizo: ¡Olvídate de mí! es una MARAVILLOSA película sobre el amor y el recuerdo.
Y sin lugar a dudas, el más bello, sincero y realista canto a la vida que he visto en el cine contemporáneo.
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7 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Two Lovers
Two Lovers (2008)
  • 6,6
    13.340
  • Estados Unidos James Gray
  • Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, ...
8
De vuelta al origen
Se comenta que para hacer esta película Gray se inspiró en Noches Blancas (1957), de Luchino Visconti. A su vez, Visconti se había inspirado en Noches Blancas, de Dostoievski.
El film del italiano me decepcionó muchísimo al verlo; la novela del ruso es un canto el amor (no consumado, pero amor y al fin de al cabo -como decía un gemelo Cage al final de Adaptation, uno ama y ese amor es algo bello y suyo, independientemente de que éste sea correspondido-) desde la boca de un perdedor, y Mastroianni podía parecer muchas cosas, pero no un perdedor. La película de Gray se aleja del film de Visconti; los diálogos no reproducen literalmente la novela del ruso, la historia no es la misma, etc. Sin embargo, este alejamiento parece recorrer un camino circular, pues el film de Gray me parece bastante más cercano al espíritu de la novela del ruso que el de Visconti.

Joaquin Phoenix sí es un perdedor, un ingenuo perdedor. Y está enamorado de una mujer que espera a otro hombre. Y este pobre desequilibrado deberá elegir (y aquí radica la principal diferencia con la novela) entre un fantasma fugitivo o la mediocridad cálida del hogar, entre la pasión y el cariño, entre dos mujeres que jamás serán complementarias... entre una muerte romántica y una vida gris.

Una grata sorpresa y un gran film de James Gray, director que empezaré a tener en cuenta a partir de Two Lovers.
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
7 vidas (Serie de TV)
7 vidas (Serie de TV) (1999)
  • 7,1
    69.389
  • España Nacho G. Velilla (Creator), Ricardo A. Solla, ...
  • Amparo Baró, Blanca Portillo, Gonzalo de Castro, Anabel Alonso, ...
1
Resumen de las quince temporadas:
Sole, Paco, David, Carlota, Laura u otro personaje dice o hace algo a Gonzalo, Ríchard, Diana, Aída, Sergio, Vero, el Frutero, etc (o viceversa). Pero el segundo interpreta lo del primero de forma equívoca, generándose así un enredo más o menos cómico que será aclarado antes de finalizar el episodio. Para que no sea tan soso, dicha trama se verá enriquecida por otra subtrama de idénticas características pero diferente confusión y personajes implicados.

Importante añadir tres o cuatro comentarios que reflejen la actualidad más puntera: que si Zaplana, que si Aznar, que si la guerra de Irak, etcétera (al PSOE no tocarlo demasiado).

Y así sobreviven esa panda de haraganes y recicladores de basura que en España nos empeñamos en llamar guionistas. Tipos que a veces, incluso, se ponen a hacer películas (siempre que la subvención sea jugosa, por supuesto).

Spain is different.
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16 de 31 usuarios han encontrado esta crítica útil
In the Loop
In the Loop (2009)
  • 6,5
    9.108
  • Reino Unido Armando Iannucci
  • Chris Addison, Tom Hollander, Peter Capaldi, Anna Chlumsky, ...
8
Breve diálogo extraído del film que resume In the loop:
- ¿Debería dimitir? Insinué que podía hacerlo, pero no, así que colaría si lo hiciera. Osea, ¿creéis que es más valiente dimitir y decir "no", no a la guerra, o es más valiente decir "discrepo", apretar los dientes y consentir? ¿Lo valiente en realidad es hacer algo en lo que no crees?

- Oye, pues... a lo mejor. Porque, ¿qué hay... qué hay de valiente en hacer lo correcto? Nada. [...] Hacer lo que está mal es más valiente en cierto modo, ¿no? Y las guerras a veces salen bien... está... la Guerra de la Independencia, esa salió bien... para los americanos, y... y... la Segunda Guerra Mundial... eh... ya lo sé, no fue, no es buena idea, murieron millones...

- No, te entiendo. La Guerra de Crimea: de allí sacamos enfermeras.

- Sí, y eso es bueno.

- Sí, exacto. Es verdad, claro, es cierto.



- Osea... que no dimites.
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18 de 27 usuarios han encontrado esta crítica útil
La aventura
La aventura (1960)
  • 7,7
    3.972
  • Italia Michelangelo Antonioni
  • Gabriele Ferzetti, Monica Vitti, Lea Massari, Dominique Blanchar, ...
6
Aventúrense a verla sin bostezar.
"La vida es bastante aburrida", dicen. Antonioni comentaba a propósito del cine (y de su cine) que estaba cansado de las típicas estructuras cinematográficas trepidantes, y que por eso él intentaba crear otros ritmos más sosegados, nuevas cadencias que se adaptasen a la realidad cotidiana.

"La vida es bastante aburrida", dicen. Y sólo estoy de acuerdo si se refieren a la vida vista desde afuera. Si alguien cogiese una cámara y filmase una semana al azar de mi existencia, no seria capaz de visualizar todo lo grabado sin que sus mandíbulas se desencajasen a causa de los bostezos. Desde fuera, el pulular del hombre corriente parece un auténtico coñazo insoportable y absurdo, sí, pero qué quieren que les diga: yo nunca me aburro. Puedo estar leyendo, viendo una película, haciendo resúmenes o haciendo nada porque quiero, pensando tumbado sobre la cama, masturbándome, nadando ... ¿Aburrido? Aburrido podrá ser para el mirón que decida observarme día y noche, mas nunca para este yo mío y ocupado que contiene multitudes.

Joyce usa 907 páginas para contar un día en la vida de un hombre cualquiera. Y la lectura resulta apasionante. Porque no sólo cuenta un día en la vida de un hombre, ya que la literatura es capaz de reflejar el yo, o al menos, de intentarlo de una forma amena. Así el Ulises se convierte en un río que fluye de dentro a fuera, de lo particular a lo general, y navegar por él cuesta pero te lleva a un Nuevo Mundo.
No obstante, nada es perfecto. Al menos nada creado por el hombre, pues él no lo es. Por mucho que lo intente, por poner un ejemplo, una obra literaria jamás podrá explicar la sonrisa de la Gioconda.

Y por mucho que lo intente, una película jamás podra adentrarse en el yo de un hombre. Por tanto, cuando vemos La aventura no vemos hombres con yoes susurrantes en sus quehaceres cotidianos, sino fardos con patas que pululan de aquí para allá; nada más que el tedio absoluto de la vida vista desde afuera, despojada del yo que a todo da sentido (aunque sea el sentir del sinsentido).

Eso no es la realidad. Al menos, no la enteramente humana. Se asemeja más a poner una cámara en una Avenida cualquiera y filmar a la gente en su caminar. Pienso que cada arte debería conocer sus propios límites, pero no obstante, se le agradece a Antonioni intentar forzarlos y trazar nuevas vías, aunque sean fallidas. Porque yo me pongo a ver La aventura y no siento el fluir de la vida interior, que es la vida que a mí me importa. Sólo veo un tránsito estéril que exige a mi yo atención impidiéndole nadar, pensar, masturbarse o leer. Y mi yo se aburre, porque ya que le obligan a mirar, preferiría sentirse emocionado, sorprendido, confuso, divertido, retado, triste o cabreado... cualquier cosa menos aburrido. Que para eso se sale al balcón a mirar las máscaras de la gente en su caminar, mientras toma el sol.

Si he de sacar a relucir a mi yo voyeur, que al menos le pongan delante algo interesante, y no el anodino caminar de muñecos inertes.
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11 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
Avatar
Avatar (2009)
  • 7,2
    164.334
  • Estados Unidos James Cameron
  • Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, ...
7
Gritos en el desierto
Escribir una crítica sobre Avatar en Filmaffinitty es como berrear en el desierto. Gritas y gritas y nadie te escucha, porque todo el mundo está afanado en su propio chillido. Pero como buen Sísifo dichoso, empujaré un rato mi piedra.

Yo tenía muchas ganas de Avatar. Muchas. Y de verdad sigo creyendo que el 3-D tiene grandes posibilidades, que podría cambiar la manera de ver el cine. Pero Avatar me ha decepcionado.

Cuando llegó el sonoro, ¿qué nos regaló el celuloide? Una mierda como una catedral titulada "El cantante de jazz". Y sin embargo, dicho film aparece en cualquier libro sobre la historia del cine. Algo semejante ocurrirá con Avatar, por pionera. Aunque el 3-D ya haya sido usado en films anteriores, e incluso mejor que aquí (sinceramente, San Valentín sangriento 3-D hace un uso más inteligente del 3-D que esta película), aunque ya tuvimos a Gollum, Avatar parece ser la primera que junta todo y "a lo grande". Pero... si quitamos el maravilloso celofán, todo ese envoltorio trepidante que justifica mi siete, ¿qué nos queda?

En su momento escribí en esta página una crítica sobre Titanic que empezaba así: "Creo que habrá un día en que los efectos especiales evolucionarán tanto que dejarán ver, tras toda su parafernalia visual, el telefilm barato, el grandísimo bodrio de sobremesa que es Titanic". Cambiad "Titanic" por "Avatar" y tendréis mi nueva crítica (detalles del argumento en spoiler).

No obstante, id a verla. Por pionera. Y coged palomitas tamaño familiar porque dura dos horas y media. James Cameron debe estar contento. Taquillazo y ciento y pico críticas en webs como esta por todo el mundo. Aquí tienes la mía James.
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5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil