Es pública y notoria mi manía obsesiva por no conocer los argumentos de las películas antes de verlas; de hecho, si por error o inevitablemente leo una sinopsis pierdo algo del interés por ella. Digo esto porque con este título me esperaba algún retrato femenino cursi y cargante, al estilo de "Gertrud" de Dreyer (película que detesto). Y para mi sorpresa me he encontrado con una absorbente trama policial que te atrapa desde el primer minuto hasta el último, literalmente.

La secuencia inicial con ese extraño Cliffton Web escribiendo en la bañera sobre asesinatos, rodeado de una decoración de lo más cursi y recargada, es como mínimo simpática, presentando al que será el mejor personaje de la película.

El ritmo de la historia es magistral, aleccionador. Hay algo en el montaje, los diálogos y las actuaciones que absorbe y aísla de todo lo que no sea aquello que te están contando. Además, la trama policiaca está muy bien llevada y te mantiene con una gran intriga acerca de la identidad del asesino. Sólo he encontrado un vacío que comento en el spoiler.

Punto curioso: un amor necrofílico.

Adaptación del claroscuro cómic de Mike Mignola, que por desgracia apenas he leído. Me esperaba una buena película, porque partiendo de ese argumento tan cojonudo (un bebé demonio, invocado por los nazis, es criado por los americanos como agente secreto) algo bueno tenía que salir. Y efectivamente es una muy buena película de palomitas. Para pasar el rato y punto, sí, pero qué rato más genial se pasa. El maquillaje, el vestuario, los efectos especiales... todo está muy muy bien hecho, las escenas de acción son espectaculares, se me ha caído la baba en las escenas de lucha cuerpo a cuerpo de Hellboy. Ron Perlman, el actor que hace de Hellboy, me ha sorprendido muy gratamente. Gracias a él, y a Abe Sapien (una rana antropomórfica), los personajes tienen suficiente carisma como para sustentar las escenas de diálogo. ¿Los defectos? Los personajes quedan simplemente apuntados, no se desarrollan sus personalidades y de algunos personajes hasta se olvidan a mitad de la película (Abe Sapien, un personaje magistral, desparece de pronto y no se le vuelve a ver). Otro defecto es que el final se pasa con los efectos especiales, no me ha gustado la última escena de acción por ser demasiado exagerada. Y el final es muy brusco.

Lo mejor: Hellboy y Abe Sapien, y las escenas de acción.

Lo peor: un guión simplemente funcional, y un final exagerado.

Kubrick quería hacer una película porno que tuviera todas las características de una película normal. Es decir, hacer una película en la que el sexo, resuelto con socorridas elipsis en el 99% de las películas, se viera hasta las últimas consecuencias.

Me alegro de que no lo hiciera, porque "Ken Park" de Larry Clark y Edward Lachman me parece un horror cinematográfico. El sexo es tan explícito como te puedas imaginar, cosa que en principio me da igual, pero es que aquí pasa como en las pornos auténticas: entre escena de sexo y escena de sexo hay relleno que no interesa a nadie. Sólo me ha parecido interesante una de las historias (esta película es coral), la del padre religioso y su hija zorrona. El resto apestan de lo manidas que están. El guión tiene vacíos descomunales, secuencias absurdas (una paja que no viene a cuento), actores más preocupados en follar bien que en actuar...

En fin, un horror de película. Para ver cine semi-pornográfico me remito a Soñadores, que rebosa sexo pero no lo parece porque está cargada de belleza.

Hay momentos en la vida del cinéfilo en que dan ganas de rasgarse las vestiduras ante lo mala que es una película. Y hay otros momentos en que simplemente te llena y te sientes completo con lo que te cuentan.

Bien, pues Smoking Room, de J. D. Wallovits y Roger Gual, me deparó hora y media de absoluto bienestar. Es una obra maestra, y una evidencia de que en España el cine bueno, y sobre todo diferente, es posible.

Smoking Room es una película que puede ser observada desde múltiples niveles, síntoma de su magistralidad. La puedes ver como un retrato de una oficina gris y deshumanizada. La puedes ver como un alegato a favor de las libertades (castradas) del trabajador. La puedes ver como una denuncia a la deshumanización de la urbe occidental.

Tengo que deshacerme en halagos ante los estupendos actores, del primero al último. Su naturalidad es sencillamente sorprendente, y te transmite una sensación de realidad asombrosa apoyada por la realización peculiar y la ausencia de música. Es una película muy Dogma 95, ésta. De hecho no pensar en Lars Von Trier es casi imposible.

Pero si hay algo que es maravilloso de esta película es el guión. Anonadado me he quedado ante los brillantísimos diálogos. Alguien comenta que cambiando un papel de sitio ha cambiado el destino de dos personas... refleja el interés por integrarse en la vida de las demás personas que pasan a su alrededor sin conocerlas. Ese mismo personaje vive obsesionado con la idea de peligro en la ciudad, de que la gente con la que se cruza son asesinos... la idea de la ciudad como jungla urbana en su máxima expresión. De nuevo ese personaje habla de "cómo ver el alien que cada uno lleva dentro"... cómo distinguir a los leones que acechan a la espera de ver rodar tu cuello, de utilizarte como carne de cañón para sus intereses.

Podría extenderme horas y horas, estoy muy impresionado por esta película. Sencillamente me fascina su mensaje y sus diálogos.

Después de la original y bien llevada ·Cómo ser John Malkovich·, de escribir (en mi opinión) el guión más original imaginable para ·Adaptation. (El ladrón de orquídeas)· y de escribir las menos completas pero igualmente interesantes ·Human Nature· y ·Confesiones de una mente peligrosa·, Kauffman nos regala una historia eyaculatoria.

¿Una historia sobre una empresa que borra recuerdos? Cualquier guionista hubiera creado una tonta historia de amor sobre dos personas que se enamoran, se pelean, se borran entre ellas de su memoria y luego se vuelven a enamorar porque están predestinados.

Oh, qué bonito. Y una mierda.

Kauffman sorprende a sus fanáticos y a los seguidores de Jim Carrey que pasaban por allí con una historia que se desarrolla en gran parte en la mente del protagonista. Al más puro estilo David Lynch, aunque formalmente no tenga nada que ver, asistimos a la reconstrucción de la historia de amor del protagonista desde la fragmentación de su progresivamente destruida mente. Lejos de una representación lineal de la relación de Jim Carrey y Kate Winslet, conocemos fragmentos, saltamos de aquí a allá y Kauffman nos guía.

Esta película considera inteligente al espectador, y sólo eso ya le vale el calificativo de "buena". Pero Kauffman no dificulta demasiado el entendimiento: un color de pelo cambiado, un desperfecto en el coche... son suficientes para ubicar al espectador, a pesar de la narración fragmentada donde flashbacks y flashforwards sólo se intuyen.

Los personajes... qué decir de ellos. Qué bonita historia de amor... qué bien tomada por Jim Carrey y Kate Winslet, que entienden perfectamente a sus personajes. Te enamoras de ella. Profundamente.

Y ahora viene lo mejor... Gondry coge todos estos ingredientes de genialidad y los mezcla cojonudamente. Ayudado por su pasado como realizador de videoclips, nos sitúa en la mente de Carrey con unos recursos acojonantes. Un libro que se queda en blanco sutilmente, una calle que no recuerda en qué sentido iba, una estación de metro con gente que desaparece...



En fin, poco más puedo decir, excepto que Kauffman es Dios. Hay muchos cineastas que me gustan, que me fascinan, pero Kauffman es otra cosa. Kauffman es Dios. Kauffman es Dios.

Impresionante película a la que le falta muy poco para ser perfecta. Los Coen, al estilo de películas como ·Adaptation·, se involucran en el proceso creativo del autor enfrentado a la página en blanco. La angustia de la creación, el dolor como motor del arte, la bilis puesta en palabras. El resultado: metacine de alta calidad.

Nos encontramos ante una historia enfermiza, desquiciante, sucia. ¿Cuántas sesiones de Lynch se pegaron los Coen antes de hacer esta película? Ante nuestros ojos se despliegan un sinfín de freaks, a cual más excéntrico e inquietante. Tenemos esos largos pasillos, que hemos visto en muchas realizaciones de Lynch. Tenemos ese hotel absolutamente vacío en el que parece vivir sólo el protagonista y su compañero (descontando esos desquiciantes sonidos que se transmiten por las tuberías). Tenemos esa simbología onírica del cuadro del mar en la pared, del papel que se despega, del pegamento derritiéndose...

Tenemos a un Turturro que encaja como un guante a su personaje. Tenemos a un Goodman terrorífico. Tenemos un guión alucinante.

El problema que le veo es su acto final. Demasiado pasado de rosca; la sutil ingeniería de metáforas visuales de la película termina por reventar con ese baile de la marina y ese pasillo en llamas: el abuso del exceso como clímax de la película.

En definitiva, una película maravillosa aunque a buen seguro no para "todos los públicos". Creo que es la que más me gusta de los Coen (Fargo también se las traía).

Funny games, de Michael Haneke, es altamente inquietante. Una familia en coche escucha música clásica; de pronto, aparecen los títulos de crédito y suena una música infernal. Ahí esbocé mi primera sonrisa. Y no sería la última.

El argumento es ¿excesivamente? simple: dos desconocidos llegan a una casa de playa y someten a un juego sádico a los habitantes de la misma. Tan simple como eso.

La película trata sobre la VIOLENCIA, así, con mayúsculas. Pero, ojo, en casi ningún caso se nos muestra esa violencia, ni se hacen sesudos estudios sobre ella. Simplemente somos partícipes de la violéncia, somos cómplices de asesinato, porque nos horroriza lo que estamos viendo pero no podemos dejar de mirar. El mensaje que yo saco de la película es: cuán morbosos somos, cuánta fascinación nos produce la violencia... El asesino habla directamente al espectador, dialoga con él, formándose un vínculo que no hay con las víctimas (más allá de la compasión). El asesino guiña el ojo al espectador, le pide permiso para continuar, todo ello coloca al ejecutor como una marioneta del espectador, como una herramienta de diversión. Sí, sentimos lástima por las víctimas, pero cuando se van por primera vez los asesinos estamos deseando que vuelvan para que continúe la diversión.

Hay bastantes lecturas posibles para esta película. Por ejemplo, al final los dos asesinos hablan sobre la realidad y la ficción. De ese diálogo se puede concluir que la familia víctima es tan real como cualquier otra, que esas personas han sufrido de verdad, en el sentido de que para nosotros tienen entidad real como personajes. Otra posible interpretación es que la vida de esa familia era tan normal, tan típica, tan aburrida, tan poco cinematográfica, que somos los propios espectadores los que pedíamos a gritos que pasara algo, que hubiera tensión; los asesinos, de esa forma, serían nuestros propios instrumentos de diversión (esto estaría apoyado por el hecho de que no se sepa nada sobre su pasado, y que ellos mismos parezcan desconocerlo).

En fin, una película que puede parecer una orgía de violencia sin sentido, pero que (aparte de estar rodada con elegancia y sin efectismos) puede tener varios mensajes para el espectador de hoy en día.

Es difícil, muy difícil, adentrarse en el mundo de otras culturas, ya sean reales o de ficción. Constantemente vemos el poco entendimiento existente entre el mundo occidental y el islámico, pero si te lees "Un mundo feliz" de Huxley entenderás igual de mal su sociedad utópica.

Lo que nos propone esta película es adentrarnos en una sociedad oriental pero distinta, a ratos bella y a ratos inquietante. Unas gentes que son capaces de asesinar por venganza ante un plato de comida robado, pero que respetan el orgullo de la familia y las costumbres por encima de todo. Desconozco si se retrata algún pueblo que realmente existió o es pura invención, no obstante.

Es en el progreso de descubrir los hábitos de este extraño pueblo donde la película encuentra su mayor atractivo, culminando en el ascenso a la montaña rodado de manera austera y casi sublime. No obstante, Imamura no es Kurosawa y se descubren momentos ñoños y algo cutres (esas cámaras lentas...), afortunadamente contrarrestrados por incisos de mala leche como los animales devorándose o directamente crueles como el enterramiento.

Resumiendo: merece la pena, especialmente por el final.

Es difícil escribir sobre esta película sin contar nada del argumento. Así que desarrollaré mi crítica en la parte de "spoiler". Para el que se esté planteando verla, decir que es una muy buena película que huele a futura referencia del cine español.

No es un blockbuster cualquiera. Es la épica llevada al extremo, es la lucha por la supervencia, es El Bien contra El Mal en su sentido más deliciosamente simple, es uno de los mayores espectáculos para los sentidos, es un sueño hecho realidad. La carga de los Rohirrim figura desde el estreno como la escena más acojonante y desmedidamente épica de la historia del cine.

Esta película se enmarca dentro de las más tronchantes del genio, junto a ·Misterioso Asesinato En Manhatan·, ·Bananas· y ·Zelig·. Los diálogos están cargados del humor más inteligente que es capaz de escribir, llenos de citas memorables. El ritmo de la película es endiablado la mayor parte del tiempo, un "no parar" cinematográfico que resulta tremendamente divertido.

El mayor problema que le veo a la película es una pérdida brutal del interés hacia el final. Cuando la película pasa a ser un drama (aunque no a consecuencia de ello), el espectador puede sentir que no le interesa lo que le están contando, que la película ya acabó y Allen no sabe cómo cerrar la historia. Así lo creo yo.

Una preciosidad de película, de eso no cabe duda. La dirección es ejemplar, mostrándonos cada detalle de la vida de unos niños pausadamente, con recursos tan sutiles y bellos como mostrar el paso del tiempo a través de la caída del esmalte de uñas. Todos los protagonistas, sin excepción, están maravillosos; especialmente el hijo mayor, que probablemente se convertirá en un gran actor.

El problema que le veo es el desmedido, extremo, bizarre... guión. En la crítica con spoilers lo explico mejor.

En resumen, una bella película con un guión excesivo pero sin embargo incompleto.

El director de Antes del amanecer y Antes del atardecer explora nuevos formas cinematográficas mediante la combinación de imagen real y animada (rotoscopio, algo así como "colorear" los fotogramas) y la ausencia casi absoluta de argumento. Evidentemente estos recursos no son nuevos, pero yo me he quedado con la sensación de no haber visto jamás una película ni remotamente parecida. Y eso que he visto cine raro en mi vida.

La película está formada por muchas facetas, y a la vez es tremendamente simple. La mayor parte de la "historia" la forman diversos monólogos aparentemente inconexos que parecen dar un repaso a los grandes temas de la filosofía: libre albedrío, la evolución del ser humano, la consciencia colectiva, el existencialismo, el mundo de los sueños, la muerte, La Vida Con Mayúsculas... La mayoría resultan tremendamente atractivos y enriquecedores, aunque algunos pecan de ser demasiado técnicos y difícilmente comprensibles por alguien no versado en la materia. Otras piezas de la película son microhistorias autoconclusivas, genialmente interpretadas, que capturan un momento dramático que tiene peso por sí mismo. Y por último, otro bloque de la película intenta autojustificarse, analizando los límites autoimpuestos de la narración clásica: "tiene que haber un argumento", "tiene que seguir una estructura narrativa de planteamiento, nudo y desenlace"...

Al hacer una película así es muy probable que caigas en el tedio, que la falta de argumento aburra al espectador. No es el caso. El guión se nota muy trabajado, los monólogos son interesantes (algunos fascintes y envueltos en una performance animada impresionante) y las actuaciones (recordemos que en el fondo casi todo lo que vemos fue filmado) son impresionantes.

¿En su contra? Algunos conceptos filosóficos demasiado técnicos, algún bajón de interés... poca cosa. En realidad es una obra de arte. En mi opinión es una película imprescindible para cualquier cinéfilo.

No sólo es una de las mejores películas españolas que he visto, sino una de las mejores comedias a nivel mundial.

Esta película no tiene nada que envidiar al neorrealismo italiano (e.g. "El ladrón de bicicletas" ) ni a la comedia "rural" de, por ejemplo, el "Amarcord" de Fellini. Repleta de gags memorables, cuenta la historia de un viejo verdugo de pueblo (sorprendentemente interpretado por José Isbert) hacia el que la gente siente rechazo y morbo. Nino Manfredi, que no se deja comer por Isbert, está tan soberbio como éste, llenando a su personaje de inseguridades.

Pero si hay algo realmente magistral, académico, en esta obra es el guión. En un tono de comedia aparentemente inofensiva, Azcona y Berlanga realizan un alegato brutal en contra de la pena de muerte, planteando el drama desde el lado del ejecutor. Y es que en la película, el verdugo lo pasa peor que el ejecutado (memorable la escena en la que el verdugo se desmaya y el condenado va por su propio pie al matadero). Y, además, a lo largo de la película se suceden los gags (muchas veces a cargo de cameos) totalmente hilarantes y atemporales; para nada recuerdan al humor rancio que imperaría en el cine español.

Pues eso, una obra maestraza del copón que nunca envejecerá, y la cual no puede disgustar a nadie.

Yo de Frank Miller sólo he leído El regreso del Señor de la Noche y Born Again, pero reconozco su estilo cuando lo veo. Además, la propia película te deja claro que está adaptando el cómic viñeta a viñeta, aunque no te lo hayas leído. El papel salta a la pantalla como nunca antes se había visto, de una forma literal, así que seguro que no faltan críticos que acusen a la película de mucho derroche técnico y poca creatividad. No les culpo, pero no comparto su opinión: solamente le quito todo el mérito a Robert Rodríguez para dárselo a Frank Miller.

Nos encontramos ante el cine del futuro, en el que la forma tendrá tanta importancia como el fondo. Otros ejemplos recientes de este tipo de cine tan visual fueron Kill Bill (aquí la importancia del fondo sería discutible, pero eso es otro tema) u Olvídate de mí. No sólo no me parece mal, sino que lo veo excelente. Una vez que todas las historias han sido contadas (matones, vendettas, mujeres en peligro... todo esto es viejo) lo importante son los personajes, los diálogos y la forma en que lo cuentas. Y en estos tres aspectos, Sin City es magistral.

Los personajes. Una vez más, mérito de Frank Miller. Junta un excelente reparto, muy adecuado para sus papeles, y añádele el carisma de los personajes creados para el cómic. Consigues personas reales viviendo en una ciudad real, a los cuales terminas conociendo cuando acaba la película y que conviven entre el pecado mientras sus vidas se entrecuzan de una manera que sólo el espectador comprende.

Los diálogos. Jamás la voz en off estuvo mejor empleada. Normalmente me suele molestar porque indica falta de recursos para resolver la trama con imágenes. Pero en este caso forma parte de la misma película; no es un comodín sino una carta más de la baraja (y una vez más, imitando el estilo del cómic con esas cajas flotantes).

La forma. En este caso, las filigranas visuales no sólo están para asombrar al espectador, sino para transmitir por un lado una sensación de decadencia y mugre y por otro lado rememorar el cine negro clásico. En este caso, el look de blanco y negro sobre papel viejo de la película no intenta ser sólo una adaptación literal, sino que se descubre como la mejor manera de contar la película.