Pep disfruta de sus vacaciones en un pueblo catalán durante un verano ochentero. Una tarde Sara Amat, una niña vecina por la que bebe los vientos, desaparece sin dejar rastro. Cuando vuelva a su casa, Pep descubrirá que la esquiva y reservada Sara no ha ido muy lejos. Durante los próximos días, se desarrollará entre ellos una conexión muy especial. Una película costumbrista sobre el primer amor y la entrada a la madurez. Narración que capta a la perfección el mundo privado, inocente y lírico de los niños. Una película con espíritu de fábula que fluye con extrema viveza y desde los primeros minutos nos implica en una historia sencilla en un mundo extremadamente familiar. Mención especial merece la hermosa fotografía, con una deliciosa selección cromática de tonos pasteles y rojizos. El reparto está excelente, lo cual es particularmente meritorio considerando que se trata de niños. El diálogo se siente vivo y realista, y la sensación de estar asistiendo a un episodio de la vida real es constante. Lo cual no debe nublar el estupendo trabajo de guión, que brilla con luz propia en las jugosas conversaciones entre Sara y Pep. Una película humanista y esperanzadora, con puntuales instantes de tensión y acierto para captar el espíritu de su momento temporal sin cargar las tintas en la nostalgia.

La película, no nos engañemos, son 70 minutos en un par de localizaciones rurales con un puñado de actores infantiles, con muchos implicados que probablemente sean inexpertos o amateur en el mundo de la interpretación. Aún si no lo pretende, por mucho que la premisa resulte sorprendente su desarrollo argumental es fácil de prever. Pese a lo catártico de su emoción, el final bien puede resultar simple para lo estimulante del desarrollo que le precedía. El largometraje que hoy recomiendo necesita de una sensibilidad especial por parte del espectador. Si a nivel personal no hay conexión con los conflictos de unos muchachos con la efervescencia de ese fuerte e inexplicable primer deseo, la cinta no funcionará, y quedará como lo que ha sido para muchos: una pequeña y simpática película.

Asceta, mágica en su espíritu y cuidadosa, La vida sense la Sara Amat será escasa para muchos, pero atrapa al espectador en su universo como pocas películas este año.

Francia, 1894. Alfred Dreyfus, reputado militar, es acusado de alta traición por espionaje a servicio alemán, y por consiguiente condenado al destierro en la Isla del Diablo. Durante los siguientes años, el coronel Picquart, al frente del equipo de contrainteligencia, comienza a discernir que se ha castigado al culpable equivocado. Para poder probar y conseguir la libertad de un inocente Dreyfus, deberá desentrañar y salir indemne de un denso entramado de corrupción y crímenes encubiertos. Intriga de espionaje bien engrasada y estructurada, que implica al espectador con facilidad. Un ejercicio de cine clásico desempeñado con el imponente saber hacer del artesano curtido en décadas de ejercer su oficio, con un guión que aporta el extenso caudal de información necesario para la más plena comprensión del relato sin sacrificar la descripción de personajes ni la construcción de su universo cinematográfico. Largometraje impecablemente producido y ambientado, protagonizada por un Jean Dujardin en plenitud de facultades. Revelaciones y ascenso gradual de la tensión en una película sombría tanto textual como formalmente. Es inevitable la seducción de su fotografía de claroscuros, que casa perfectamente con un tono narrativo pausado pero malsano, enrarecido, de silenciosa calma que capota e intenta desviar la vista de la rabiosa tempestad. Un título de profesionalidad irreprochable que hará las delicias del público maduro y servirá de ejemplo de la habilidad cinematográfica que Polanski aún exhibe.

Allí donde el envoltorio técnico de la película es irreprochable, su manera de planificarla a nivel audiovisual y entramarla estéticamente resulta académica, convencional, poco inspirada. Su ensamblaje digital de planos visualmente semejantes como transición entre escenas resulta una solución formal desacertada, y afortunadamente se detienen concluido el primer acto. El recorrido pormenorizado de Picquart se produce en detrimento de un Dreyfus cuyo arco narrativo es abandonado durante la mayor parte del filme, restando impacto dramático al tercer acto. Pero si bien la trama nos inquieta, el filme resulta excesivamente gélido, un tanto acartonado. Una película que agrada y hace pensar, pero que no desafía al espectador ni evoluciona el medio en ningún aspecto posible. Largometraje dotado de las características necesarios para ser mentado y aplaudido en el presente inmediato de su estreno y para pasar con dificultad al acervo del cine memorable a medio plazo.

Severa, competente y noble en su búsqueda de verdad, El oficial y el espía es una propuesta rígida y distante cuya sólida ejecución hará las delicias del público.

La niña Akane es una muchacha con bajos niveles de autoconfianza. Al ir a recoger una cosa en la tienda de antigüedades y elementos de decoración de una amiga se verá reclutada por el alquimista Hipócrates y su diminuto ayudante Pippo para que vaya a salvar de su sequía al mundo de la maravilla del otro lado, dónde se la espera como Diosa de la Tierra Verde. Un ejemplo más del clásico viaje del héroe de Campbell. Espada y brujería con mensaje ecologista y historia de superación juvenil. La entrada a la madurez de una adolescente llena de incertidumbres personales tan común en el género. Una película que presenta animación de primer nivel, sencilla y estilizada y de trazos y movimientos claros. El diseño de los escenarios, personajes y utensilios es fascinante. En pocos minutos se nos introduce un nuevo universo con sus propias normas lleno de criaturas, etnias y ciudades diferentes, todas ellas ricas y sugerentes. Un mundo de ganaderos y paisajes naturales sencillo pero indómito y fascinante, un paisaje en el que desearíamos descubrir más relatos. El filme se mueve a un ritmo raudo, implicándonos desde el pistoletazo de salida en una primera parte muy efectiva de un argumento que presenta muchos sucesos en menos de dos horas de metraje. Personajes variados y bien descritos con los que simpatizamos con facilidad, tanto con la protagonista sencilla como con un antagonista de diseño poderoso y menor maniqueísmo del que aparenta a primera vista. Una historia de tintes clásicos armada con tino que sin duda funcionará para los más pequeños, y una ocasión estupenda para reunir a la familia en el cine.

En tanto los personajes y el escenario son frescos y vitales, el argumento es mucho más rutinario, desarrollándose de manera endeble y perdiendo paulatinamente al espectador conforme se supera el ecuador del filme. El clímax se apoya en una conexión emocional entre dos personajes a la que no se le dedica tiempo alguno para desarrollarse, perjudicando seriamente a la eficacia dramática del mismo. La película abusa de la exposición narrativa, con un exceso de verborrea del que es fácil desconectar. Y sus puntuales apuntes humorísticos, dirigidos a los más pequeños de la casa, se quedan en la mayoría de los casos en pegotes tontorrones. Una película de animación competente, pero diluida en el competitivo campo de anime cinematográfico, que nos tiene mal acostumbrados a grandes ejemplos.

Iniciática, serena y creativa, The wonderland nos presenta aventuras mil veces vividas pero cumple expediente para los más fanáticos del anime.

Súbitamente la película se toma muy en serio su propia historia, y se desmarca hacia un drama afectado y depresivo, sentimentaloide en la manera de afrontar el nuevo bache psicológico sin retorno en el que se encuentra el protagonista. Su epílogo y tercer acto es narrativamente predecible y se acomoda en los estereotipos del drama sentimental juvenil de los últimos años. El romance nunca estuvo, apenas como agradable aderezo durante sus tramos de comedia, pero acaba aflorando como elemento nuclear al concluir de la manera más blanda. Una película apreciable en tanto primer paso de un realizador de futuro, pero bastante poco que sustraer ni recordar.

El reconocido, exitoso y ya anciano escritor de novelas de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) aparece asesinado en una de las estancias de su mansión tras una noche de reunión con su numerosa familia. Muchos son los sospechosos, desde sus hijos o nietos hasta su asistente personal Marta Cabrera (Ana de Armas). El detective Benoit Blanc (Daniel Craig) aparece en escena para desentrañar un misterio que está lejos de ser lo que parece. Una investigación detectivesca estilo Agatha Christie que rompe algunas convenciones y secuencia con intriga y acierto sus giros, revelaciones y falsas pistas. Un rompecabezas en el que los roles que cada personaje juega se llevan a cabo con una vuelta de tuerca, con una implicación mayor. Una película vibrante con un encomiable sentido del ritmo que funciona principalmente por su gran trabajo de guión. El reparto está inspirado, brillando con luz propia un hilarante y estrafalario Craig. Fluida y dinámica edición, que realza y vigoriza unos planos encuadrados con criterio y elegancia. Un producto entendible tanto desde un prisma de cine de subgénero clásico como desde uno de ejercicio posmoderno de cine comercial de autor, de homenaje y experimento con unas normas y arquetipos con flexibilidad y lucidez. En tiempos de escasez de Poirot o Holmes, en los que la nostalgia sigue siendo un valor al alza en el mercado, el mundo ha recibido con los brazos abiertos una película honesta que da lo que promete y que, en tiempos de franquicias y narrativas sin final, se limita a evadir al espectador durante dos horas con una historia de intriga y resolución del crimen.

La apuesta humorística del filme como herramienta de crítica hacia el racismo conservador americano es clara y atractiva en planteamiento, pero un tanto caricaturesca en su ejecución, con diálogos y comportamientos de los personajes secundarios considerablemente burdos. Craig, de Armas y Evans son los personajes principales y el resto ocupan un rol mucho más secundario, por lo que no deja de frustrar que aquellas películas capaces de conseguir a tantos actores de primera línea les desperdicien en roles menores. El edificio se construye alrededor de la sorpresa, y una vez recompuesto el puzzle nos queda un rascacielos que se sostiene pero gracias a puntuales suspensiones de incredulidad. Comedia negra que sí, es buena película, pero cuya ligereza provoca que el impacto en nuestra memoria sea cada vez menor conforme avanzan los días.

Jovial, sorpresiva y estilosa, Puñales por la espalda nos trae por navidades un Cluedo deconstruido con el que regocijarse y dejarse absorber por la pantalla.

En la Río de Janeiro de los 50, las hermanas Eurídice y Guida comparten una extrema complicidad y afecto en el ambiente de una familia tradicional un tanto cerrada. El amor juvenil hacia un marinero hará huir a Guida y las separará, y Eurídice esperará paciente a un reencuentro que, por malentendidos y silencios, se retrasará mucho más de lo previsto. Una tragedia familiar de folletín sobre la incomprensión, el conservadurismo familiar y el yugo de la identidad femenina en una sociedad masculina y tradicional. Una elegante y romántica narración de una frustrante separación. Un ejercicio de sobrio manierismo con una imponente profundidad psicológica en el retrato de ambas hermanas. Una presentación de seductora fuerza visual para un relato que no carga las tintas pero no da descanso a sus personajes, atrapados en un callejón sin salida. Enormes las interpretaciones de las dos carismáticas hermanas, y notorias son las puntuaciones de una cargada y densa banda sonora. La delicadeza de la armonía nos ofrece un puñado de secuencias para el recuerdo, tales como una en un restaurante u otra con un fuego, y pese al extenso metraje el espectador jamás pierde el interés en un argumento que te implica desde el inicio.

La historia es eminente femenina, con la opresión masculina como tema nuclear. Que, por consiguiente los personajes femeninos estén mejor definidos que unos masculinos presentados como despreciables antagonistas es extremadamente consecuente e incluso gratificante. Pero resulta una lástima que una película tan fina presente a varones tan burdos y caricaturescos. Y el epílogo, aunque reconfortante en tanto hálito de esperanza tras tanto dolor, se siente como un recurso de guión levemente manido que subraya un conflicto cristalinamente expuesto. Ante las sensibilidades e intereses de los tiempos en los que vivimos, un drama tan melodramático y clásico en sus temas como este puede encontrarse ante una generalizada falta de conexión. Instamos a nuestros lectores a que no caigan ante este prejuicio, y luchen por intentar sumergirse en una de las películas emocionalmente más poderosas de este 2019 que agota sus últimos cartuchos.

Clásica, apasionada y acre, La vida invisible de Eurídice Gusmão estimula con su seductor estilo personal y enternece con su amarga historia.

El joven y huérfano Naoufel, que soñaba con ser pianista y astronauta, vive sus días en una gris y depresiva soledad, durmiendo con un tío ajeno y entregando pizzas con evidente torpeza. La aparición de una muchacha misteriosa se erigirá como un haz de luz en la penumbra. Mientras tanto, una mano cortada abandona la morgue y vaga sin rumbo por una ciudad agresiva. Una fresca e intensa travesía de enganche amoroso y desolación personal que bebe y hace uso de elementos lingüísticos del cine fantástico. Un relato de dos tramas, dos deambules, dos personajes zarandeados por un escenario hostil que funcionan como imagen especular el uno del otro, la mano agredida como metáfora de la desazón de un joven en dos líneas narrativas llamadas a converger. La huella emocional que el filme deja concluida la proyección es indeleble. Un filme en el que la calidad de la animación acaba siendo lo de menos, pese a presentar esta un acabado intachable y un estilo personal y sencillo, realista y grisáceo, acorde al amargo tono de la desoladora narración. Su imbricada estructura dramática resulta lúcida y acertada, implicándonos mucho más en el conflicto interno de un Naoufel con el que acabamos empatizando plenamente pese a su hieratismo. Su elegíaca y melancólica banda sonora electrónica es exquisita, tal vez el mayor responsable de que el largometraje vuele tan alto.

El filme presenta un tono y atmósfera dura y hostil, que sin duda muchos espectadores rechazaran como regodeo morboso. Las situaciones de la mano crispan a partir de una violencia explícita en sus encuentros desagradables con hirientes obstáculos. La manera en la que está trazado el punto de conversión de ambas tramas resulta evidente, y el impacto emocional se diluye al poder el espectador anticiparlo muy pronto. Como es habitual en tantos argumentos, el distanciamiento que se produce en el ecuador del filme se siente perezoso en comparación con la fascinante energía de lo que le precede y prosigue. Y si bien es acorde a la historia que presenta, el filme abusa en su segunda mitad del melodrama acercándose a su clímax. Mucho es, como habréis notado, lo que le exijo a la película de animación del 2019.

Anómala, conmovedora e impactante, ¿Dónde está mi cuerpo? se abraza a la angustia corporal y al extravío para ofrecernos uno de los retratos psicológicos más impactantes de los últimos tiempos.