Villeneuve prosigue en Sicario su maduración como realizador con un relato áspero de cárteles mexicanos cuya excelsa factura visual enriquece su sencillo argumento. Sus seductores personajes, la inquietante banda sonora y la excelsa fotografía atrapan al espectador en este negro retrato de las pésimas condiciones de vida de Ciudad Juárez. Relato al uso, sí, pero
soberbiamente presentado, usando a la perfección la narrativa cinematográfica para ello. Una de las propuestas más impactantes del año, que mejora las anteriores obras del realizador y le apuntala como valor al alza.

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Ultraestética, fotografiada con magnificencia, aderezada de sublimes momentos musicales sustentados en una formidable elección de canciones, de ritmo pausado pero envolvente, de trama sencilla pero plagada de matices, turbadora y costumbrista y con personajes entrañables en un medioambiente sensacionalmente diseñado y puesto en escena, “A girl walks home alone at night” es una propuesta difícil pero seductora, hipster pero bella y memorable.

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Hou Hsiao Hsien plantea en La asesina un producto de difícil pero muy gratificante consumo, envolvente dentro de su incómodo ritmo y argumento y tremendamente eficaz a nivel sensorial gracias a sus logros visuales y sonoros. Su escenificación sutil y concisa de este drama secular de palacios y espadas se desarrolla en unos escenarios bellos pero intrigantes, dónde la batalla aflora en cualquier momento y las tragedias políticas traspasan generaciones y se llevan a cabo a través del verbo en suntuosas estancias. Los vacíos de espacio cobran tanta importancia como las acciones de los personajes, y lo que se deduce se torna esencial para captar en plenitud lo que se muestra. La excelencia de la forma cómo elemento de seducción, y los paisajes naturales como un personaje más sustentan una de las mejores películas del año.

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En Langosta Lanthimos sitúa a la audiencia en la incómoda piel de los sufridores pobladores de un futuro opresivo en el que sólo cabe ser un animal o vivir reprimido, seas soltero o casado. La ausencia de libertad en ambos casos implica una infelicidad interiorizada hasta el extremo por unos personajes inexpresivos, cuya carencia de emociones o empatía al expresar las absurdamente específicas frases sustentan el cuerpo de esta comedia de humor nigérrima, salpicada inevitablemente por esos frívolos apuntes puntuales de violencia sádica que son marca personal del griego. Una violencia que supone un difícil escollo para una cómoda accesibilidad a su filmografía, pero que en este caso apunta a una tendencia a la moderación que servidor aplaude. Con todo, el film triunfa al inquietar al espectador, gracias a una distopía orwelliana que plantea no pocas reflexiones sobre la ausencia de las libertades y de lo cerca que andamos del desastre ético.

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La película sigue las vicisitudes de tres grupos de hombres de negocios y analistas y sus diferentes apuestas y transacciones económicas, realizadas con la intención de sacar ventaja de ese futuro derrumbe de la burbuja inmobiliaria que nadie aparentaba con esfuerzo creer. Y para hacer estos parloteos ininteligibles más amenos no se vale tan sólo del carácter humorístico de su guión, sino de la maleabilidad del lenguaje cinematográfico en pos de esos fines. Voz en off interpolando directamente a la audiencia, intérpretes rompiendo la cuarta pared, personajes reales explicando términos financieros o montajes con imágenes de archivo conectadas subliminalmente con el contenido de la narración, el uso de cámara en mano y transfocos aparentemente accidentales para los tramos ficcionados son los elementos formales que elevan al conjunto de la cotidianidad y hacen de este un filme notable.
Más allá de su febril y poco académico montaje, unas solventes interpretaciones de su célebre reparto dotan de cuerpo a esta demoledor análisis del comportamiento de los bancos. Pues la sensación que permanece en el espectador al abandonar la sala oscura es la de la más intensa de las desolaciones. Se sigue a nuestros "héroes" fascinado y con una sonrisa, pero la conclusión final que deja esta directa mirada profundamente partidista es muy negativa, pues bien podría volver a suceder el fraude y, de nuevo, aparentemente de manera inevitable.

Excesiva y desbordante en su energía y aspecto visual (tanto que quizás epate a algunos espectadores), "La gran apuesta" es una indignada y fresca disección de los motivos de nuestra mayor tragedia contemporánea, aún sin resolver. El cine de la necesidad histórica. Excelente.
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Es este un western que revierte las maneras clásicas. Utiliza el ultrapanorámico formato 70 mm y unos espectaculares paisajes nevados para centrar su historia en ocho misteriosos truhanes encerrados en una mercería bajo la ventisca. Utiliza la forma del western para narrarnos un relato detectivesco de misterios y asesinatos, que cambia de dirección de impredecibles maneras a través de las batallas sin cuartel de esos carismáticos y matizados personajes que no son lo que se nos muestra de primeras, en una batalla que sigue un escalamiento gradual de la violencia verbal a la orgía de carnaza y charcos estilizados de sangre espesa. Aparte de un flash back puntual la trama sigue un inesperado desarrollo lineal, en el que todo se sabe a su debido tiempo y la representación visual del espacio se maneja para aumentar la intriga del espectador, cuya atención se mantiene a través de diálogos brillantes pero igualmente útil para el desarrollo de la trama, que no sería la misma sin el uso que se hace de estos en el manejo del tempo.

El genio Morricone vuelve al western para componer la BSO, algo novedosa en la filmografía tarantiniana. Pero en esta ocasión la notable música no es un agradable ruido de fondo, sino que juega un papel fundamental en la diégesis acompañando a los actores cómo uno más, resaltando la función dramática de los diálogos dependiendo del momento. Si a ello sumamos una portentosa fotografía y una notable dirección artística, sus virtudes compensan sus también visibles problemas: su estructura epistolar resulta innecesaria, así como la ostentosa presencia del cineasta en ambos créditos y físicamente en la propia obra, ejerciendo un rol en la Historia que bien pudo haber sido interpretado por otro. A pesar de concluir con 100 poderosos minutos, los 50 iniciales de planteamiento resultan pesados, y su pausado ritmo y largo metraje pueden provocar puntuales pérdidas de atención.

A pesar de ofrecernos más de lo mismo, el de Tennessee nos ofrece su mejor obra desde Kill Bill (y en esta ocasión no me equivoco al afirmarlo, cómo si hice con la sobrevalorada Django desencadenado), en la que obtiene algunos momentos de alta intensidad y goce cinematográfico (como el cierre del capítulo 3, o todo el capítulo final). Tan divertida como reprobable, pero muy recomendable.
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Saúl es un judío húngaro que trabaja en un sonderkommando (comandos de trabajo de los campos de concentración constituidos por prisioneros) en Auschwitz, dónde emprende la difícil empresa de dar a un fallecido vástago simbólico un entierro digno. A través de sus pesquisas y acciones vamos conociendo los entresijos del organigrama humano tejido en este escenario de destrucción. Un telón de fondo que cumple tan sólo la función de interactuar con nuestro protagonista, y que sólo conoceremos cuando este pase por delante de él. Con esto me refiero literalmente a "pasar por delante", pues la cámara nunca abandona a Saúl, al que sigue de frente o de espaldas en un cerrado y tambaleante plano medio que pretende ser el punto de vista subjetivo de un ser humano más; el espectador.

Si a ello le añadimos que el formato de la película es el ya denostado 4/3, la película deviene en una mirada asfixiante. Un asfixio en el que cuesta entrar pero que progresivamente va cautivando al espectador, que termina deslumbrado por la sobria narrativa de Nemes. Una narración cruda y realista, sucia y caótica como aquello fue, poblada por gentes frías y desposeídas ya de toda emoción. Y una habilidosa manera de narrar más por lo que se intuye por lo que se ve, sustentando tan limitado espacio de imagen con una minuciosa dirección artística y un prodigioso diseño de sonido.

Sin llegar a ser una obra maestra, El hijo de Saúl es una película notable, y un claro ejemplo de cómo no está todo dicho todavía en el cine de la Segunda Guerra Mundial. La ópera prima del aprendiz Tarriano emerge como necesaria reinvención.

Las virtudes del filme las aportan los integrantes de la obra: tanto su sobresaliente reparto (en el que destacan unos intensos Fassbender y Cotillard) como el compositor Ed Kurzel (hermano pequeño del realizador) y el director de fotografía Adam Arkapaw. El filme resulta notable en su aspecto técnico, pero la entrega de sus intérpretes no impide que la literalidad del texto que tanto funciona en el medio teatral no logre la misma plenitud en el medio cinematográfico. La narración es desgarradora e intensa, pero más allá del peso dramático del texto, el filme no contiene el suficiente trasfondo fílmico y no presenta elementos suficientes para resonar en la audiencia con el paso de los años.

A nivel de acciones la película resulta rígida y eminentemente teatral. Y, por lo tanto, poco realista. Lo que provoca una cierta discordancia tonal, pues en su representación de las batallas y vestimentas y comportamientos busca el realismo. Y no en vano los parlamentos de Shakespeare pueden perder fuerza dependiendo de su representación no verbal. El metraje de 120 minutos puede provocar además la sensación de que pudo haberse contado más, y de que los acontecimientos se suceden con cierta premura a partir de la primera hora. De modo que lo que es un drama teatral apasionante y arrasador se torna en un filme notable pero no excelente. Una experiencia hipnótica y sobrecogedora, pero de relativo calado.

Este nuevo Macbeth hace honor a sus antecesores fílmicos y quedará como un buen ejemplo de película shakesperiana, pero quedará también la impresión de que su potencial pudo haber dado más de sí.

Tres años después de la soberbia La gran belleza llega a las pantallas españolas la nueva obra del realizador napolitano Sorrentino, esta vez de la mano de un reparto internacional y en un ambiente más recogido e íntimo, pero con idénticas preocupaciones temáticas; el paso del tiempo, las heridas del pasado, la vejez, la juventud, la familia y la felicidad. Menos felliniano esta vez, pero igualmente preciosista en el apartado visual, La juventud es una interesante y disfrutable película soberbiamente interpretada por Michael Caine, pero no logra emular la experiencia submersiva y reflexiva de su predecesora.


Un compositor y un cineasta octogenarios se reúnen en un balneario alpino para descansar, reflexionar retrospectivamente sobre su vida y esperar con reposo a que se suceda su parte de vida restante. Son sólo dos inquilinos más de un escenario idílico que permanece aislado del tiempo y del espacio cual oasis de introspección en el que deambulan buscando respuestas todo tipo de personalidades y personajes extravagantes del mundo de la cultura y el deporte. Todos ellos hombres y mujeres en pausa que se encontrarán a sí mismos durante el transcurso del filme, y que se reconciliarán con su pasado familiar y personal a la vez que hallan una solución óptima para encarar satisfactoriamente su momento presente y sus respectivos testamentos laborales. Todo ello acompañado con hermosos paisajes suizos, humor absurdo, hermosa fotografía y montajes sonoros o musicales que combinados con su argumento principal invitan a reflexiones trascendentales diversamente acertadas.

Pero la abundancia de líneas narrativas y el desaprovechamiento del resto de intérpretes del reparto provoca que todo acabe siendo menos de lo que pretende, quedándose en la superficie y ofreciendo una experiencia gratificante para el espectador pero no deslumbrante ni especialmente memorable. Múltiples escenas se tornan rutinarias por mera repetición. Se reflexiona sobre la música pero nos quedamos con ganas de conocer más de la carrera de Fred, o de las películas de Mick. Rachel Weisz ofrece sugerentes pinceladas de una desencantada hija de la que sabremos menos de lo que desearíamos. Y, en última instancia, la banda sonora del filme y su realización se muestra solvente pero sin abandonar una poco arriesgada zona de confort, que incluso diriase desganada en esta ocasión. Ya sabíamos que Sorrentino es uno de los grandes de nuestros días; sabiendo de nuestro conocimiento, en esta ocasión ha decidido hacernos sonreír, en lugar de volver a enamorarnos.

Michael Caine, su forma y su temática hacen de esta una película ilustre y gratificante, muy recomendable de ver y analizar. Pero su hechizo nos hará quedarnos, por esta vez, con ganas de más.