Para la cinematografía como actividad creativa hoy y siempre, las temáticas pueden ser infinitas y ubicarlas en cualquier género. Con inteligencia y audacia, hay directores capaces de ubicar sus grandes historias en uno o dos géneros a la vez, con resultados satisfactorios. En está película la lente capta el descontento y desaliento de un grupo de gendarmes del metro en Budapest, en donde el espectador debe suponer en todo momento los motivos del protagonista para permanecer en los andenes de dicho sistema de transporte. Con una dinámica irregular y constante, su historia va decayendo a lo largo de una hora con cuarenta minutos, personajes carentes de vida, motivos y aspiraciones, simplemente se encuentran.

Con una justificación gratuita y el cuidado de la imagen del metro húngaro, el filme comienza con un fuera de control, ya que la historia se puede ubicar en el metro francés, estadounidense e incluso el mexicano, porque las problemáticas expuestas (aun siendo personajes ficticios) no son locales. Antagonistas presentes y de poca relevancia, escenas sin sentido, cabos sueltos, vivencias triviales, situaciones de ocio es lo que podemos ver en Control.

Una película entretenida a pesar de sus escenas bajas, que pudo haber aportado mucho más.

Mediocre el último trabajo de Alfonso Arau por la ausencia de un guión autentico y apegado a las vivencias y logros de un personaje importante de la revolución mexicana. Con gran polémica, mucha ignorancia y poca justificaciones en cuanto al guión, Arau llevó a la pantalla grande al Héroe revolucionario, con diez años de planeación Zapata no solo contó con su pésima historia, sino con un irremediable reparto, encabezado por Alejandro Fernández, Lucero y Jaime Camil los cuales no se caracterizan por su calidad en el arte histriónico y reafirman la mediocridad de la misma.

El poco profesionalismo de este trabajo y la impaciencia reflejan un descuido en la dirección, ambientación, continuidad y edición, un ejemplo claro es un Emiliano Zapata cantante y con poderes ocultos, locaciones inadaptadas a la época, una mujer europea enamorada del protagonista que por supuesto no existió, y así como estas inconsistencias muchas más.

Desafortunadamente para un director importante y que busca el renombre, se le escapa una oportunidad valiosa para retratar una figura importante de la historia de México, y es acreedor a comentarios implacables por parte de los críticos de cine y del seudo periodismo de espectáculos mexicano, el cual se encargó de desbaratar el producto después de la presentación. Dos o tres películas no serán suficientes para un reconocimiento, es una cuestión de entregar en cada película mayor calidad, de ser más exigentes con todos aquellos que tengan intervención en el trabajo y a mi manera de ver, de ser cuidadoso en la elección de actores, ya que esta es una prueba inminente de que nadie es garantía para la taquilla, una película va más allá del plástico y cuestiones de mercadotecnia.

El predominio de la cultura estadounidense en el mundo se da en muchos ambitos, el cine no ha sido la excepción y un ejemplo claro es está cinta fallida de principio a fin. Con una historia líneal, llena de flash backs, sin aportaciones, aburrida, incoherente, predecible, sin nada nuevo y alguno que otro efecto, a la que puedo definir como menos que básica.

Logré librarme de películas tan vanas como Blade, la tercera secuela de Matrix y otras más del monton del cine américano, pero mis espectativas positivas de una cinta rusa, hicieron que dedicara tiempo a una película mal lograda y con adjetivos ya escritos en muchos de los comentarios anteriores.

Esperemos ver cine Europeo y en específico de Rusia en el genero de acción y terror con mayores virtudes y originalidad, ya que las fórmulas norteamericanas han sido más que vistas y explotadas por una industria, que cada vez se aleja más de entregar calidad a su publico.

Digno de admiración y análisis por la audacia del director para entregar una película que lleva al espectador a sentir compasión o rencor por los integrantes de una familia de clase baja. Los roles establecidos y trillados, son expuestos de forma poco usual en un cine rosa, aquí la madre abnegada y comprensiva se muestra egoísta, manipuladora, hostil y con actitud alevosa para con sus hijos. Los cuatro hermanos Botero tienen un futuro designado por su madre pero cada uno buscará una salida la atmósfera asfixiante de su entorno.

Personajes etiquetados por la sociedad, que los hace desdichados y se burla de ellos: el delincuente, la fea, el gañan, la niña consentida, el estudioso, la señora respetable, todos expuestos a la cámara tal como son, sin prejuicios ni ataduras. El perfil psicosomático de los personajes es resuelto de manera extraordinaria, con actores debutantes en cine y otros con una experiencia desbordante. Se enfatiza el trabajo de Ernesto Laguardia (Gabriel Botero) actor de televisión, en su papel del hijo consentido de los Botero; el trabajo garantizado de la Sra. Julieta Egurrola interpretando a la madre egoísta pero a la vez sufrida; la actuación de Bruno Bichir como el hijo sumiso y dispuesto a sacrificar su felicidad por la familia.

Está película llena de tristeza, frustración e ilusiones rotas, es otro punto de vista para retratar a la familia, en donde las situaciones color de rosa están ausentes y que nos acerca a una realidad cruda y poco alentadora de una sociedad banal y superficial.

“Machuca” es sin duda uno de los mejores filmes del cine hispano actual, por el enfoque manejado por su director Andres Wood al abordar la situación tan delicada de este país en momentos previos al golpe de estado. A través de la mirada de dos niños en diferente situación socioeconómica, busca mostrar los privilegios de una clase acomodada y las grandes carencias de la clase marginada que aprovecha cualquier situación para buscar el ingreso económico.

Dentro de un colegio para varones que va en busca de minimizar las diferencias sociales, se permite que dentro del alumnado haya nuevos chicos de distinto estrato con el fin de que forjen su educación, de esta manera, Pedro Machuca —uno de los protagonistas—, se convertirá en el centro de atención de su nuevo grupo en comparsa de Gonzalo Infante, quién vive el lado opuesto de la realidad.

Con toda clase de prejuicios, inculcados y aprendidos de los adultos, dará inicio una amistad cuestionada y tolerada falsamente por los padres, que cortados por su condición social son incrédulos de las relaciones de amistad entre los chicos. Con una inmersión del ámbito político, ambas familias se dan a la tarea de apoyar la corriente que más les favorezca y pierden de vista los valores q den pauta a una convivencia sana y sin prejuicios.

Andrés Wood lo hace magistralmente, reúne circunstancias políticas y sociales para ser captadas desde ambas perspectivas, que hacen una película memorable, sencilla y eficaz que envuelve al espectador en el contexto de Chile en 1973.

Con un final previsible y poco alentador para los protagonistas, la coproducción hispano-chilena demuestra que con un guión cuidado y una dirección meticulosa no es necesario recurrir al tremendismo de las escenas crudas y destaca las posibilidades de nuestro cine en festivales y muestras de talla internacional.

"Corazones Rotos" retrata la vida de personajes en seis apartamentos de un multifamiliar en la Ciudad de México. Nos acerca a su forma de vida, a sus virtudes y defectos, a sus búsquedas y encuentros, a sus necesidades como integrantes de una sociedad mercantilista. Los problemas expuestos por Montero son muchos, enfatizados por la necesidad económica y los diferentes puntos de vista de los personajes ante las situaciones cotidianas y el dinero. Como en la vida diaria, la película tiene un abanico de desenlaces para cada caso, en muchos de ellos la apatía y el conformismo hacen acto de presencia, pero también la tragedia, el cinismo, el desencanto y la resignación, encuentran cabida dentro del guión.

El trabajo histriónico a cargo de Rafael Sánchez Navarro, Verónica Merchant, Lorena Rojas, Francisco de la O, Cristina Michaus y Norma Herrera, sin duda respaldan el filme, pero cabe destacar la intervención de la primera actriz Carmen Montejo. Ella se encarga de dar un toque más de desesperanza y angustia al entorno que la rodea (apartamento Azul), representando a la gente de la tercera edad sin poder adquisitivo. Otra actuación memorable es la de Ana Martin, representando a una prostituta con un hijo (apartamento Rojo) y todas las adversidades consecuentes por la falta de una imagen paterna y mayor atención de ella para con él.

Otra característica muy particular de la cinta es el color de las ambientaciones en cada apartamento, en el cual las denotaciones y connotaciones se utilizaron de manera frecuente. Por ejemplo el apartamento de la prostituta con su hijo es ambientado con rojo, muy ligado a cuestiones relacionadas con el sexo; en cambio el apartamento en color verde es habitado por una pareja que sobrevalora el dinero y la forma de obtenerlo es lo de menos; el amarillo relacionado con lo banal y lo superfluo, una familia con hijos que guardan las apariencias a pesar de su situación; el apartamento con ambientación azul connota tristeza y angustia, reafirmado por los personajes que rentan dos habitaciones y sufren la intransigencia de la propietaria; en cambio en el apartamento blanco con cierto tono calido ocupado por una pareja con dos hijas es victima del desempleo y las deudas, pero que aun con todo y los problemas la madre fomenta cariño y respeto por la figura paterna. Caso contrario en el apartamento en blanco con tonos y luces frías, en donde el amor y la comprensión de esta pareja no existe y la relación se torna hostil.

Está cinta es una alternativa al gran escaparate de filmes con temática similar, y ofrece otra visión de lo filmado en México en los últimos años, que desgraciadamente ha sido encasillado en delincuencia, lenguaje prosaico, marginación, corrupción, entre otros.