Empecemos por lo único que se encuentra ligeramente inferior a Dune Parte 1: el sonido, aun siendo espectacular, no consigue igualar la perfecta simbiosis entre la narrativa y el apartado sonoro que se alcanzó en su predecesora.

En lo todo lo demás, la épica, la brutalidad y crueldad del recorrido de cada uno de los personajes -¿demasiado maniquea y Zendaya “en un anuncio de colonias” la primera? espera lo que han preparado en la secuela-, la fotografía -ese inesperado juego de colores en cierto momento del relato, en sintonía con una de las facciones del "universo conocido", que quita el hipo-… Todo está a un nivel que me es imposible pensar en una “Space Opera” que pueda superar lo que Arrakis nos ha mostrado en las salas de cine.

Y es que Denis Villeneuve se ha sacado el gusano a pasear, como se nos prometió.

“No hay nadie en esta sala que pueda enfrentarse a mí. Vuestras madres os advirtieron de mi venida. Teme el momento.”

No me voy a matar demasiado en comentar esto fuera de los spoilers si los autores de esto tampoco le han echado demasiadas ganas.

Saben que recuperando a Ewan McGregor y Hayden Christensen en sus respectivos papeles van a tener las suscripciones que deseen en un mes, pero no todo vale. Cuanto tocas a personajes con un arco ya más que cerrado, si lo vas a hacer peor, no lo toques.

Semejante guion tabernario, producto de la desidia, es de quererlo hacer mal a conciencia y no tener reparos a ponerle el mimo que se le exige a una cosa así: el primer encuentro entre Darth Vader y Obi Wan Kenobi.

Creo que el peor villano de la Galaxia no son los sith. Es Kathleen Kennedy. Debe ser fan de Star Trek. Si no, no me lo explico.

No es casualidad que The Batman fuese el título escogido por el nuevo reboot de una de las franquicias más rentables de Warner Bros. Matt Reeves, director que posee una de mis películas preferidas de los subgéneros de monstruos y de “metraje encontrado” (Cloverfield) y Peter Craig buscaron un enfoque curiosamente inexplorado hasta ahora: la vuelta a los orígenes del hombre murciélago en el sentido más estricto de su concepción, en el Batman detective que apareciese por primera vez en unas tiras cómicas en el número 27 de Detective Comics.
Porque Batman, antes del superhéroe, era y es un detective, el mejor, de acuerdo con el imaginario de DC Comics. En Batman: Luz de Gas, una reimaginación de un Bruce Wayne en la época victoriana que investiga los crímenes cometidos por un “misterioso asesino en Whitechapel”, en el primer número de The Batman que rastrea los asesinatos de un payaso que está sembrando el terror en Gotham, o Batman: Año Uno que, junto a El Largo Halloween, son dos de los comics que el cineasta ha señalado como principales influencias para esta película durante su promoción… El Detective siempre ha estado presente y a pesar de existir un gran número de interpretaciones del personaje en la pequeña y gran pantalla, es la primera vez que se ha centrado mucho más en el Batman “detective” por encima del Batman “Superheroico”. Una apuesta diferente y que a mi juicio ha salido ganadora.

El tráiler no lleva a engaños: es el “Batman” que hubiese dirigido David Fincher. Es muy deudora de Seven o Zodiac, que sirven de inspiración para mostrar a una Gotham cruel, sucia, opresiva a pesar de ser una gran urbe y con una violencia en los crímenes nunca antes vista en las anteriores adaptaciones. Han sido inteligentes en escoger como villano a Enigma, uno de los iconos más célebres del universo de Batman y que se prestaba a este juego. Paul Dano es valor seguro sea cual sea el papel que le pongan. Me sorprende que todavía este actor pase un poco desapercibido para la cultura popular siendo probablemente uno de los mejores intérpretes vivos. Su versatilidad que ha demostrado encarnando diferentes papeles, cómicos como Ruby Sparks, dramáticos como en Pozos de ambición, policíacos como Prisioners o incluso en comedia adolescente como La vecina de al lado confirma que todo lo que pongan por delante no solo lo saca, sino que te roba la pantalla. Espero que con este blockbuster su cara sea más reconocida y aparezca en más películas, porque su Enigma es brillante aterrador. Todo un acierto el otorgarle un aurea de “psícopata mesiánico” a lo Seven y cambiarle su estética habitual de los comics por el villano de El Tribunal de los búhos, comic del que también se inspiran en cierta medida para la trama.

Porque en The Batman no han dejado atrás a los últimos grandes títulos de “el hombre murciélago”. Si Zack Snyder para su interpretación del universo DC se inspiró en “Injustice”, aquí Matt Reeves y Peter Craig también han recogidos referencias de la obra de Greg Capullo o de Brian Azzarello, el que mi opinión es el mejor guionista de Batman que existe en la actualidad y que ha escrito mi comic preferido del personaje: Batman: el Caballero de la Venganza , del que he visto referencias significativas en su historia especialmente a la hora de presentar a Oz, con un trabajo loable de Collin Farrel que sirve como respiro cómico a la carga dramática de la cinta con un personaje histriónico e hilarante que, a pesar de ser villano, se erige como un “mal necesario” para que Gotham no estalle por los aires.

Pero este dúo de enemigos no es lo único que está rayando a un gran nivel interpretativo: Zoë Kravitz encarna con solvencia a una Catwoman más inspirada en la versión la versión de Año Uno de Frank Miller que a icónico papel de Selina Kyle que interpretó Michelle Pfeiffer, y sobre todo Pattinson, Robert Pattinson. Sinceramente, Robert Pattinson me ha chapado la boca. Sabía de sobra su calidad como actor, como ya lleva demostrando en películas como El faro, pero no le veía como Bruce Wayne. Su juventud e interpretar a Batman no es lo complicado del personaje, lo difícil es encarnar a Bruce Wayne. Y si bien es cierto que la sombra de Christian Bale a la hora de interpretar este papel es alargada, Robert Pattinson hace un gran Bruce Wayne triste, abatido por las circunstancias que suceden en la película y que por su juventud, tiene un largo sendero que atravesar en el camino de ser la justicia de Gotham. Por momentos, con los acordes de Nirvana de fondo y escenas como la de quitarse la máscara y seguir con el maquillaje alrededor de los ojos como si llorase lágrimas negras, parecía el Batman que hubiese deseado cualquier grunge en los 90. Ese toque gótico, de desesperación, con imágenes que recordaban a Brandon Lee en El Cuervo, me han encantado. Si les dejan margen, aquí que hay madera para una gran saga.

No os equivoquéis con este texto, The Batman no es un festival de referencias para los frikis como el que os escribe, es un sólido thriller que cualquier persona, conozca o no al personaje, o no le guste el cine de superhéroes –porque esta película no lo es- va a disfrutar viéndola. No es perfecta, en su última media hora tiene un pequeño altibajo con respecto al el resto del filme, pero es un blockbuster de muchos quilates que afianza el gran estado de forma que están viviendo las superproducciones de la industria del cine, cada uno jugando sus propias cartas –Marvel con el UCM y el fanservice y DC con sus historias independientes-. Warner Bros ha asentado su hoja de ruta que recuperó con Joker y junto a Disney/Sony nos están haciendo volver a visitar nuestros cines para disfrutarlo en grandes pantallas. Qué falta nos hacía recuperar estos buenos hábitos.

https://elbebederosemary.wordpress.com/2022/03/06/the-batman-2022-sombras-reveladas/

Llegó el día. Tras 42 años, la saga de Luke Skywalker, Han Solo, Leia Organa, Chewbacca, C3-PO, R2-D2 y Lando Calrissian finaliza cediendo el testigo a Rey, Finn, Poe Dameron y BB-8 en una trilogía donde Disney ha logrado recuperar la nostalgia y la aventura de las originales con la polémica y el debate de los episodios I, II y III, donde gran parte de sus fans se encuentran enfadados (en mi caso no es así, me gustó esta entrega) con las decisiones creativas tomadas por Rian Johnson para crear “Los últimos Jedi”.

J.J. Abrams ha tomado nota de las quejas más sonadas del Episodio VIII y ha querido hacer borrón y cuenta nueva apelando más a la nostalgia y al fan service en un intento por llevarlo hacia los derroteros de “El Despertar de la Fuerza”.

Sí, hay nuevos poderes y los jedis son cada vez más poderosos (que cada cual juzgue si esto es de su agrado o no). Sí, hay corrección política, pero a modo de ver la justa y necesaria para una película que busca agradar a todos los públicos, y sí, es un paso de lo “viejo” –Luke, Han, Leia- a lo “nuevo” –Rey, Finn, Poe-. ¿Ha merecido la pena resucitar una franquicia que a priori parecía que tras el Episodio III ya estaba todo contado? Para mí sí, Disney ha logrado recuperar en mí sensaciones que experimenté de pequeño cuando encendía el televisor, sacaba el VHS de “El Retorno del Jedi” y con una aventura tan maniquea como mágica hacía volar por los aires la imaginación de un niño que después se disponía a crear su propia “Guerra de las Galaxias” con sus juguetes de Kenner.

Que cada cual decida si los episodios VII, VIII y IX merecían la pena, para mí sí lo ha sido.

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El póker, ese juego de apuestas que de no existir habría que inventarlo, al menos para el cine. Los faroles, las jugadas imposibles y las miradas entre jugadores crean una atmósfera similar a las que se viven en los duelos de pistoleros en una cinta de western. Aaron Sorkin, un tipo listo, lo sabe de sobra, y si al magnetismo que dotan los ases y reyes a la gran pantalla tienes entre tus manos una historia real sobre una ex deportista de élite que se convierte en anfitriona de las mayores partidas clandestinas de póker en Hollywood y Nueva York, has dado con una mano ganadora.

El guionista neoyorkino, que por su trabajo en obras como ‘Moneyball’ o la oscarizada ‘La Red Social’ es considerado como uno de los escritores contemporáneos más reputados del cine estadounidense, se estrena como director en una película que recuerda en su nueva faceta al título de David Fincher. ‘Molly’s Game’ tiene el mismo estilo a la hora de dirigir que ‘La Red Social’, tanto a nivel visual como en su montaje. Aaron Sorkin tomó nota sobre cómo hacer una dirección con ritmo durante esa colaboración y así hacérselo suyo. Desde luego no escogió mal en donde inspirarse. De la calidad de su guion no sorprende, diálogos ágiles y punzantes en una trama donde el autor ya se ha movido en otras ocasiones -deporte, medios de comunicación, política, negocios- y a la misma altura.

Sobre las interpretaciones, tengo claro que Jessica Chastain será nominada a los Oscars. Logra transmitir fuerza a su personaje al nivel de lo visto en ‘Zero Dark Thirty’; sobresaliente. Y si a su actuación le unes gente como Idris Elba, Kevin Costner, o Michael Cera (¿alguna vez ha actuado mal este tío?) sabes que el trabajo de los actores es de garantías.

Salvo un momento que chirría en la película y que pondré abajo en spoiler, ‘Molly’s Game’ se convierte en un notable debut, que demuestra que Aaron Sokin es capaz de plasmar en imágenes sus grandes ideas.


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Posiblemente el Episodio VIII sea el más arriesgado de todos los creados tras finalizar la trilogía original, sin ninguna duda. Rian Johnson ha tomado nota de aquellos que criticaron negativamente al Episodio VII como un “remake encubierto” y ha roto con los cánones establecidos en la saga y con lo que se pensaban los fans que iba a suceder tras “El Despertar de la Fuerza” -ahora qué dirán aquellos que en su día tacharon a la anterior de más de lo mismo, ¿que ésta no tiene la esencia de las anteriores? Seamos coherentes-.

Considero a “Los últimos Jedi” mejor cohesionada que el Episodio VII, con una evolución positiva de los cuatro pilares básicos de esta nueva trilogía –Rey, Kylo Ren, Poe Dameron y Finn-, y probablemente sea la menos maniquea de todas las entregas realizadas hasta la fecha.

Pero por supuesto, mención aparte se debe llevar Mark Hamill. Se decía siempre que era un actor malísimo, y que tras terminar el Episodio VI no hizo nada más que aparecer en cutre-filmes de ciencia ficción que echaban a las tantas en Telecinco allá por los noventa. Un actor caído en desgracia que, en cambio, sí tuvo mejor suerte como actor de doblaje y lo que es de agradecer, siempre se le ha visto muy ligado a la “comunidad Star Wars” y a sus fans tras terminar la legendaria saga, cosa que otras estrellas del casting hicieron justo lo contrario. Si él no funcionaba en esta película, esta rotura de los moldes que quería llevar a cabo el director se hubiera quedado en nada, y ha cumplido con creces. Su registro dramático en esta entrega y cómo lo trasmite, hace justicia a su nombre. Aquí sí que hemos vivido el retorno del Jedi.

Me ha encantado, aunque reconozco que puede tener tanto fans como detractores. No dejará indiferente a nadie, eso sí, es menester detractar desde la coherencia, no vale quejarse por considerar que es más de lo mismo en una, y ahora por ser diferente en otra.

Otro año Loterías y Apuestas del Estado van a por el meme y se cascan otro anuncio/cortometraje donde lo 'naif' y lo surrealista se entremezclan para dar lugar a risas y mofas del respetable. Obviamente esto no es un accidente, ya son un buen número de años consecutivos los que nos llevan deleitando con joyas tróspidas en la parrilla televisiva.

Lo que empieza a ser un macabro accidente es la carrera de Alejandro Amenábar. No sé si al chileno un día le abdujeron los marcianos, pero desde 'Los otros' no levanta cabeza. Siempre diré que su mejor obra fue precisamente su ópera prima, 'Tesis', pero aun así el director realizó otros títulos estimables como la anteriormente mencionada cinta de terror o 'Abre los ojos'. Con 'Mar adentro' presenciamos un telefilme de Antena 3 con mejor factura e interpretaciones, pero al menos se llevó los elogios de los académicos. Desde entonces, cuesta abajo y sin frenos. A él sí que la suerte le es esquiva.

Año 2012. Cinéfilos de todo el mundo asistimos a cómo el padre de la saga Alien mata su legado.
Prometheus fue un sacrilegio imperdonable a la franquicia del xenomorfo -un filicidio es más grave que ver a un director ajeno perpetrar la aberración llamada Alien Resurrección-, que encima tuvo la osadía de tocar, a modo de guiño en los extras de su versión doméstica, a un milagro, en el más estricto sentido de la palabra –que saliera tal grandeza de semejante producción accidental es tan raro y preciado como ver a un unicornio galopar por el bosque-. Blade Runner parecía intocable pero no, se tocó, y todavía quedaba lo peor, una anunciada secuela que tras consumarse la tragedia prometeica a todos nos entró el sudor frío de lo podría salir de aquí.

Año 2017. Asisto a mi cine habitual con mejores expectativas tras saber todo el elenco que ha intervenido en su rodaje y que Ridley Scott solo está para labores de producción. No quiero extenderme demasiado, para evitar spoilers, recomiendo eso sí que vean los tres cortos subidos en Youtube, en el orden en que se subieron, para contextualizar a Blade Runner 2049.

Diferencias hay, esta secuela es aún más detectivesca y policíaca que su original –aquí es cine negro con reminiscencias de ciencia-ficción, y no al revés como en su obra original-, pero es “sabor Blade Runner”: Una poderosa estética que influyó a posteriores títulos del subgénero cyberpunk, una fotografía digna de sacar un póster de cada fotograma, unas interpretaciones memorables –diría que incluso más en la secuela-, una banda sonora que, sin llegar a las cotas de calidad de Vangelis, Hans Zimmer ha tenido oficio de sobra para salir airoso de tal difícil empresa, y una ración de metafísica del mejor de los gourmets.

Véanla. Hemos asistido a otro milagro, un milagro hecho por Obra y Gracia de su creador: Denis Villeneuve, un director que está tocado por la varita y solo le faltaba pegar un puñetazo encima de la mesa cuando todos los focos apuntaran sobre él. Christopher Nolan lo hizo con El Caballlero Oscuro y nació el “Nolanismo”. Acabamos de asistir al nacimiento de otra nueva religión: el “Villeneuvismo”.


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Breves apuntes tras ver la última obra de Christopher Nolan, la cual crítica y público la sitúan como una de películas del año -7,9 de nota media en FilmAffinity hasta ahora, poca broma-.

Técnicamente es difícil hacerlo mejor, pero quitando los últimos 20 minutos, la falta de alma en Dunkerque es tan alarmante que si no es por su sonido, que te mantiene en tensión, me podía haber quedado dormido tranquilamente en el cine.

Sobre el montaje. Mientras que en Memento aporta valor, aquí no aporta nada, solo un mero pretexto para añadirle una presunta carga de complejidad a algo que de lo que no posee. Ni artística, ni argumentalmente suma, pero tampoco resta, y así pasa con cada uno de los detalles que tengan que ver con sendos apartados.

Pocas películas del género he visto más asépticas que esta, donde apenas hay suciedad, sangre... Y en lo narrativo, quitando los 20 últimos minutos, donde sí albergan escenas con su carga dramática, con su toque de tensión, no veo nada que me llame especialmente la atención. No logras empatizar con los personajes, te da igual lo que le pase a uno o a otro... Por suerte, al final remonta el vuelo, porque si no, para mí sería un mal filme.

Hablando de vuelo: las escenas aéreas son lo más destacable de la cinta. Por esto, y por el aspecto técnico, pasa el expediente. Pero si en vez de Christopher Nolan la hubiese dirigido "Folleta el de la Pértiga", no tendría tanto bombo Dunkerque. Es lo que pienso.


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Antes que nada, unas aclaraciones pertinentes. No he leído ningún comic de Wonder Woman, no me voy a tirar el pisto hablando de si es o no una estimable adaptación del personaje. Me centraré única y exclusivamente como película, y como cartel de presentación oficial de un superhéroe en el universo cinematográfico que está realizando DC.

Bien, tras esto entremos en materia. En estos últimos tiempos, las películas de encapuchados aparte de abundar en demasía en la cartelera, estaban perdiendo el tono. Marvel Studios da la sensación que un día alcanzó la excelencia para mucha gente –no soy de ellos, a mí honestamente me entretiene incluso más “Los Vengadores 2” que su antecesora- y ha puesto el piloto automático realizando fotocopias de su modelo y que todavía les está reportando dinero… ¿Hasta que se aburra la gente? Quién sabe, quizás esto no ocurra jamás.

Por otro lado Warner Bros, con el cierre de Christopher Nolan a su trilogía de Batman, buscó cómo hacerle frente a Marvel dándole de su propia medicina: un universo cinematográfico de superhéroes, pero queriéndole dar el toque más dramático al tema, propio de sus adaptaciones cinematográficas, como pasó con“El Hombre de acero”. ¿El resultado? No hay una mayoría a favor como ocurre con MCU; algunos detestaron la película de Superman, otros “Batman v Superman”, otra gente pedía más alegría al asunto y con “El Escuadrón Suicida” pretendieron eso y se llevaron palos… No hay consenso.

Sin embargo, y aquí ya me centro en Wonder Woman, considero que la presentación oficiosa del personaje, tras su aportación secundaria en “Batman v Superman”, tiene el tono necesario para que Warner Bros cree una hoja de ruta donde al menos las críticas serán más benevolentes con ellos. Consigue aunar entretenimiento y comicidad con cierta carga de dramatismo sin llegar a los extremos sea cual sea el lado que escojamos. Recuerda en cierto modo a ese espíritu que gozaban las adaptaciones de Superman de Richard Donner o, salvando el estilo gótico y a ratos tétrico de Tim Burton, a sus dos entregas de Batman.

Sin entrar en spoilers, hay un punto de partida que recuerda a la primera película de Superman, en cómo sitúan al personaje: un mundo desconocido, un ser diferente y que se encuentra inadaptado a la cultura y creencias del ser humano… Han hecho “la de Superman”, pero en 2017. Y es de agradecer esa idea de aunar ambos toques y poner unos ingredientes adecuados para hacernos disfrutar sin complicaciones en la butaca. Buenas coreografías de acción, efectos especiales que dan el pego, un diseño artístico trabajado…

…Pero lo que sobre todo hace que una película de este tipo pase del aprobado a algo más, es el carisma. Si MCU ha hecho algo más de la media, es porque Robert Downey Jr. hizo suyo a Iron Man y ha sido un rotundo éxito. Aquí Gal Gadot hace lo mismo con Wonder Woman: su personaje irradia carisma, y eso es un valor añadido para un universo que pretende pivotar en varias películas. Han encontrado a alguien que se come la pantalla. Que tantos en sus gags, en los momentos dramáticos, como en las escenas de acción, te dejan con ganas de más. Quieres ver más y más de Gal Gadot, así que un 10 para la actriz. Y si encima los secundarios, especialmente Chris Pine, que es segundo actor que más minutos copa de la cinta, le siguen la estela… Poco más se puede pedir.

¿El guion? Pues desgraciadamente no es la octava maravilla del mundo –especialmente abrupto el contexto que dan sobre la historia de las amazonas, que puede llegar a descolocar-, pero lo peor es el uso que le dan a la música. Hay demasiados momentos de “epicidad” en la banda sonora que le acaban quitando solemnidad a lo que está sucediendo en pantalla. Hay tanta reiteración en ellos que serían capaces de meter unos acordes épicos incluso cuando Wonder Woman se va a tomar un vaso de agua. Desde luego, mal empleada.

En otras palabras, se trata de una película de superhéroes agradable de ver y que coloca a Gal Gadot como una pieza angular, y no como “alguien más”, de este Universo DC en los cines. Desde luego, viendo los poderes de los que fardan Superman, Flash, Aquaman y Wonder Woman, para la Liga de la Justicia Batman que sólo tiene dinero y aparatitos se está quedando muy corto el pobre.


https://elbebederosemary.wordpress.com/2017/06/25/wonder-woman-carisma/

De todos es sabido que la momia es un personaje de ficción que siempre ha estado ligado con el cine. Desde Filmaffinity se registra hasta un total 34 títulos relacionados con este ser de ultratumba; primero en 1918 con Los ojos de la momia de Ernst Lubitsch, pasando después al célebre Boris Karloff que engrosaría otra caracterización memorable como ya hiciera antes con el monstruo de Frankenstein.

Decenas y decenas de películas, series y cortometrajes, con la última obra de éxito en 1999. Stephen Sommers, con un carismático Rick O’Connell interpretado por Brendan Fraser, entregó una divertida cinta de aventuras que recordaba a los tiempos de Indiana Jones o La joya del Nilo y que dio para una trilogía. En esta nueva visión se busca mantener el tono de la película de Sommers, acción con toques cómicos y apoyándose en los efectos especiales por ordenador. Y las intenciones eran buenas… Pero no alcanza a la obra de 1999.

El mayor problema de esta nueva versión es que por momentos deja a un lado el espectáculo más aventurero y sin complicaciones a tomarse demasiado en serio a sí misma, sobre todo en la recta final. Por un lado está el homenaje al estilo de la película anterior, y por otro lado toca al subgénero… ¿De las películas de superhéroes y de los universos cinematográficos? ¿Aquí también?, que hacen de esto un batuburrillo raro de digerir y que en ocasiones hasta aburre -francamente no me he quedado sobado de milagro en el cine por momentos-.

Tampoco ayuda que sea un refrito de los detalles planteados en la anterior trilogía. Cambian a los puñeteros escarabajos por ratas, momias de guerreros egipcios por caballeros cruzados, Nick Morton (Tom Cruise) haciendo las veces de Rick O’Connell, efectos especiales ya vistos por cuarta vez…

Es un reboot y por momentos se entiende así, pero le falta alma, ni siquiera la propia del filme de 1999. No se puede decir que que contenga buenas dosis acción, ni tampoco una comicidad con su encanto, ni que las “nuevas” ideas introducidas sirvan como punto de partida para dar pie a un universo cinematográfico donde se recuperen a míticos monstruos de la literatura o del cine. Esta momia da para verla una tarde de domingo con la que hacer más llevadera la resaca, y arreando.


https://elbebederosemary.wordpress.com/2017/06/11/la-momia-2017-descafeinado-regreso/

Pues sí, sentía la morbosa curiosidad de lo que nos íbamos a encontrar tras “Prometheus”, la entrega en la que el Pulpo Paul, los hermanos Matamoros, el blandiblú y toda esa cuadrilla de científicos sacados de un Reality mataron a nada menos que a la saga “Alien”.

Tras la debacle prometeica llegó la congelación y posterior cancelación de una hipotética “Alien 5”, con Neil Blomkamp y el regreso de Sigourney Weaver, que en mí generaba mayor ilusión que volver a ver a Ridley Scott al frente de otro proyecto que continuase el estropicio dejado en la precuela.

Para colmo, el trailer de Alien: Covenant al más puro estilo “Sé lo que hicisteis el último verano” se erigía como otro clavo más en el ataúd del cadáver xenomórfico. Con todos esos ingredientes uno estaba relamiéndose ante el nuevo cachondeo que nos íbamos a gastar en Internet, viendo como ese cadáver parecía que iba a ser profanado. Pero la cosa es que aun con sus defectos, que los tiene, mantiene el tipo y puede que al muerto lo hayan resucitado.

“Alien: Covenant” es ampliamente superior a "Prometheus", en todos los aspectos:

-En su ritmo, cosa que en la anterior se hacía un suplicio. “Alien: Resurrección” tendría una vergüenza de historia, pero con ese espíritu de serie b, sumado al carisma de personajes como el de Ron Perlman, se dejaba ver. Ni eso tenía “Prometheus”, que aburría a las ovejas.

-Genera misticismo, y no el bochorno de los winstroles alopécicos, la tontería del abuelo Weyland, y demás parafernalia que perpetraron aquellos guionistas.

-Sus escenas truculentas son decentes, y de ese tipo las peores no llegan a esos niveles de sonrojez como por ejemplo, el parto del Pulpo Paul.

-Sale airoso de los cabos sueltos que dejaron en Prometheus, incluso maquilla algunos defectos de la precuela. Una empresa difícil en la que los responsables del guion han aprobado.

-Una media hora excelente, de pura Ciencia-Ficción.

-Coge lo único que se salvaba de la quema, y lo eleva a la enésima potencia: Michael Fassbender.
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Llegados a este punto, ¿cómo valorar a Alien: Covenant englobándola en toda la saga? Como una redención, la redención de Ridley Scott y de Alien, que pese a sus altibajos, los puntos positivos del filme suman más que los que restan. Si consiguen limar los defectos de esta película, quizás sí tengamos a nuestro xenomorfo más querido por mucho tiempo y haciendo disfrutar plenamente al respetable. Contra todo pronóstico, interesante.

Hay que hacerle justicia a una película que no sé por qué, será porque no van con leotardos, capa y por eso ya no se debe hacer -y sí, me encantan los superhéroes, sobre todo Spiderman que lo colecciono, pero lo siento es así-, porque es cine palomitero de cinco estrellas, del que en una época más dorada del cine era el western la mejor evasión posible.

Personajes carismáticos, encarnados en un reparto de caras conocidas donde ninguno desentona, especialmente entrañable el interpretado por Vincent D’Onofrio, el arquetipo de carcamal reventado y algo sonado del western que hace reír al respetable. Malos que otorgan mala leche y presencia, buenos tiroteos, a caballo entre el western clásico y las cintas de acción de su mentor John Woo, que en ocasiones recuerdan a las vistas en su anterior cinta “Asesinos de reemplazo”, buenos decorados, algo propio del cine que se ambienta en esta época, y una banda sonora que, sin llegar al nivel de su predecesora, cumple con creces –y con sorpresa incluída-.

Con estos ingredientes, ¿qué más se necesita para pasar un rato agradable con una película de acción ambientada en el Salvaje Oeste?


En serio, a todo aquel que disfrute del western más enfocado a la acción, como puede ser “Silverado”, “Tombstone”, “Le llamaban Trinidad” o las de Lee Van Cleef, la tiene que ver, no saldrá decepcionado. Se hacen películas de acción mucho más chusteras que ésta a raudales, y se les da el visto bueno fácilmente.

Dales Antoine Fuqua, dales a todo el catecismo gafapastil.


Viva Tabernas.

España tiene su propio via crucis en materia de series, sólo hay que ver la comedia involuntaria que ha supuesto la serie "Alastriste" para darse cuenta de ello. Cada vez que a las televisiones les sacan de sus realities, las productoras están más perdidas que el barco del arroz y no consiguen conectar a un espectador que exige algo más que ver circos.

El caso es que "Víctor Ros" propone un argumento y época interesantes como para atraerlos. Y a decir verdad es que dejando a un lado el episodio piloto, muy regulero y donde sólo se puede salvar de la quema a los secundarios con Tito Valverde a la cabeza, la serie mejora muy sustancialmente en el segundo episodio, gracias sobre todo a que el personaje principal consigue mostrar su personalidad. En el primer capítulo no destaca en nada, es un nombre, no transmite nada, en el siguiente ya se le vislumbra un carácter duro, de dejar a un lado los acertijos a lo Sherlock Holmes y actuar como un policía al uso -detalle que a mi parecer hace que se diferencie al personaje inglés- cuando la ocasión lo requiera. Le da más distinción, hay más enjundia a la serie, y eso se nota.

Es por ello que, a la vista del descafeinado resultado del primer episodio y de las críticas leídas aquí, rompo una lanza a favor de esta serie para el que busque un entretenimiento agradable durante los lunes en nuestra televisión, y deseando que la cosa mejore en el futuro como así ha sucedido del primer al segundo episodio.

Al igual que Salinger le enseñó a la generación de los 40 el paso de la niñez a la madurez a través de Holden Caulfield, Richard Linklater le ofrece a los jóvenes de la década de los 90 una visión nostálgica de esa época de cambios que definen nuestra forma de ser. Obra lúcida, metódica y meditada -no sólo por la idea de rodar a sus actores durante un lapso de tiempo de 12 años, sino por la selección de referencias culturales que identifican a ese marco generacional- que reflexiona sobre un tema universal, la adolescencia, pero con una nueva capa de pinta. Y además, un 2x1: una reivindicación a la cultura generada en los últimos 20 años. Porque podrá ser basura, pero es nuestra basura, y con ella hemos crecido. Muchas de las cosas que hoy día son míticas, viven en parte del recuerdo de aquellos que fueron hijos de su tiempo. Vivámoslo así. Muy recomendable “Boyhood”.

Antes de empezar a repartir loas a este trabajo, me gustaría que nos pusiéramos en antecedentes:

-J.J. Abrams, el actual chico mimado de Hollywood, produce una película inspirada en el subgénero japonés de monstruos “a lo Godzilla” llamada 'Cloverfield', conocida en España como 'Monstruoso'. El marketing dinamitó nuestras mentes con la coletilla “del creador de 'Lost'” como si nada o nadie importase más que él. La labor de dirección se la encomendó a un semi-desconocido en las pantallas grandes, Matt Reeves, y el resultado fue una más que entretenida cinta de monstruos muy por encima de las dos adaptaciones norteamericanas de 'Godzilla'.

-2011. Se estrena la osadía de una precuela sobre un clásico del cine de ciencia-ficción, con el añadido de haber sido maltratada por las consecutivas secuelas y enterrada por el remake de un Tim Burton nada lúcido en aquella ocasión. La película, contra todo pronóstico, es un justo homenaje a la obra original, 'El planeta de los simios', y una acertada dirección de Rupert Wyatt.

-Dejan cabos sueltos para una posible continuación de 'El origen del planeta de los simios', si los productores lo desean. Rupert Wyatt cede el testigo a Matt Reeves; dudas en torno a si dejar morir en paz la saga ahora que ha sido el legado bien parado o asumir el riesgo de profanar por enésima vez el cadáver y puede que para destruirlo para siempre. Matt Reeves tiene la papeleta más dura, el honrar a un título clave del siglo XX y enfrentarse a las comparaciones con esa precuela/reboot que dejó tan buen sabor de boca a todos. Resultado, y parafraseando a Todd McCarthy de ‘The Hollywood Reporter’: “En los anales de las secuelas, El amanecer del planeta de los simios es a 'El origen del planeta de los simios' lo que fue 'El imperio contraataca' a 'La guerra de las galaxias': es mucho mejor”. Para qué andarse con rodeos si un hombre lo ha descrito de forma maravillosa en tan pocas palabras.

Situado en lo que parece ser 10 años después de la amenaza bacteriológica que acabó con la mayoría de la especie humana, César(Andy Serkis) y su grupo de simios siguen conviviendo alejados de todo rastro del hombre, hasta que Malcolm (Jason Clarke) y un reducido grupo de hombres llegan a sus tierras en busca de una presa con la que abastecer de energía a lo que queda de la ciudad de San Francisco. Esta aparición genera africciones entre los humanos y los simios.

A partir de esta introducción la película nos sumerge en una reflexión sobre el respeto entre diferentes razas – en este caso, tomando como uso las dos especies para tal idea-, el uso tan poderoso como maquiavélico de la demagogia, y por supuesto las consecuencias de la guerra, en la que todos, absolutamente todos, pierden. Es en su mayoría un guion muy elocuente en la que esta fábula, representa lo peor de nosotros mismos. Aquel que busque un mensaje sugestivo en una película palomitera, está de enhorabuena. Y para colmo, la acción, por fin, resulta BELLA para el ojo humano. Es decir, esa violencia y situaciones que uno degusta cuando ve a James Cameron en su mejor estado de forma -'Aliens', 'Terminator 2'- o a Michael Mann en sus balas disparadas con estilo durante sus filmes. Estamos hartos de CGIs cutres que en 10 años darán vergüenza o que traten al espectador como a un chimpancé sin la cepa del virus. En esta, no. Ya puede Michael Bay mostrar la mayor tecnología de píxeles muertos en la próxima entrega de 'Transformers' que no logrará lo que consigue Andy Serkis y los encargados de “vestirle” con los efectos digitales: que llegue.

Véanla en la pantalla más grande, con las gafas 3D, y siéntanse a gusto porque 'El amanecer del planeta de los simios' evoca a otras épocas donde nos llegaba cine comercial de calidad. Y sobre todo, sean testigos de la proclamación de Matt Reeves como nuestro César del cine palomitero. Su hogar es este, las superproducciones. Y el futuro, a sus pies.


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El bueno de “Jim” lo ha vuelto a hacer: sacarse de la manga otra sugestiva historia de corte existencialista, enfocada en una mitología clásica que ha inspirado a lo largo de nuestra cultura popular como son los vampiros. A servidor, que no tiene reparos en reconocer que el género de los chupasangre no es que me entusiasme demasiado, ha logrado el más difícil de tomarme en consideración tanto a esos seres tan escritos y filmados como a sus inquietudes, cosa que no han conseguido otros títulos tan aclamados como Dracula, de Bram Stoker o la sueca Let me in. ¿El motivo? Agradecérselo al universo de este pirata estadounidense: el rock, el toque vintage, el amor fuera de toda cusilería, nuestra soledad en un mundo paradójicamente más conectado que nunca… Un estilo tan personal, como dogmático en toda su filmografía.

Con un gusto exquisito a la hora de escoger cada plano, cada melodía, el espectador cae en el éxtasis como si de un sorbo de sangre que Tilda Swinton se tomara, y agradece que por fin los euros que cuesta el cine hayan merecido la pena. Es Jarmusch, y a los que nos gusta el cine, le bancamos siempre.

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Continente:

De todos los filmes de la Fox, el más ambicioso de la franquicia; sólo hay que observar el casting plagado de estrellas de ayer y hoy -con la tontería, dos féminas con el Oscar a la mejor actriz principal, que se dice pronto-, y el marketing viral que puso al mundo mordiéndose las uñas a la espera de su estreno. Todo ello bajo el crédito obtenido tras la redención que supuso X-Men: Primera Generación.

Se mantenía a los personajes clave de esa entrega, más se recuperaban a sus “alter egos” del futuro -despellejados en X Men: La decisión final y la saga de Lobezno en solitario-. Y por si fuera poco, Bryan Singer, el que otrora diera caché a los mutantes con las dos primeras entregas, estaba de nuevo al mando. Todo prometía, y en lo que respecta a dirección e interpretaciones, ha cumplido de sobra. Michael Fassbender se la saca de nuevo con Magneto, Jennifer Lawrence no decepciona al tener más peso en su papel de Mística, y como siempre, Hugh Jackman hace de Lobezno uno de los personajes más carismáticos del cine de superhérores. Y el resto, cumpliendo con la papeleta -quizás James McAvoy no esté tan excelso en su papel de Charles Xavier como en “Primera generación, pero igualmente notable-. Por su parte, Brian Singer deja estampas memorables en el cine de superhéroes – la escena en la que Peter, o Quicksilver para los frikis, pasa a la acción en el Pentágono, es brutal- para que todo el que se haya gastado sus euros en el 3D, se lo agradezca.

Contenido:

Hay un dicho que dice: “quien mucho abarca, poco aprieta”; y eso es lo que ha pasado. La película no es que comience con una elipsis, es que directamente manda al carajo a prácticamente todo lo sucedido durante la saga, hasta a límites de incluso dudar si lo visto en el epílogo de “Lobezno Inmortal”, de hace escasamente un año, concuerda también o no. Se podría justificar por lo lamentables que fueron X Men 3 y los episodios de Lobezno, pero siendo la película de Mathew Vaughn la resurrección de franquicia, no. También tendría un pase para todo aquel que no le cueste demasiado enterarse de continuas elipsis o viajes de futuro a pasado, o a los que directamente le importen poco la coherencia y simplemente se deje llevar, pero si se supone que esta historia pretende mantener los aciertos de Primera Generación -guion sólido con toques de espionaje, intriga y nada de irse a la excusa fácil de liarse a mamporros y explosiones sin ton ni son-, ya empieza a perder enteros. Y el colmo de males es que media película, la que lleva hasta su desenlace, sucede gracias a una soberana cagada que hasta el más joven de la sala se daría cuenta de ello, como señalaré en el spoiler.

Se pretendía conseguir la película perfecta de X Men, la que daría un duro golpe a Marvel Studios y a esa excusa que algunos apuntan de quién mejor que ellos para hacer las adaptaciones cinematográficas de sus sagas emblemáticas, y lo que me he encontrado es con una obra totalmente fallida; fallida en lo que se erigió X Men: Primera Generación por encima de todas sus competidoras: en el guion. El “brilli brilli” de los efectos especiales y el casting de lujo se consiguen a golpe de talonario, lo que diferencia del buen cine del mero pasatiempo, un poco más. Una auténtica decepción.


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De la película poco hay decir: otra más de artes marciales de esas que encontrabas cogiendo polvo en las estanterías de los videoclubs con todos los clichés y cutrez posibles: el mafioso yanqui, el japo honorable, una rubia calientabraguetas, diálogos sonrojantes, escenas de acción aún peores y para colmo un niño repelente en plena época del cine de niños repelentes. Lo que hay que elogiar es la maravillosa labor de doblaje realizada en España para títulos de semejante valor artístico, y es que se aportaba ese toque de caspa aún mayor con el que poder descojonarse a gusto. Decisiones como el pronunciar la palabra "ninJa" así, con la jota bien cerrada, para que el propio Juan Ramón Jiménez se sienta orgulloso allá donde esté, hacen que sienta simpatía por ellos.

Larga vida a esos hombres que convirtieron a la basura en mierda aún más entrañable.

Que sí, que goza de una gran ambientación, pero las interpretaciones y sobre todo el guion, consiguen que situaciones que a priori deberían ser terroríficas, me parta el ojete con ellas*. Debo felicitar, no obstante, el buen gusto de Francis Ford Coppola con la selección de féminas: Monica Belucci y Sadie Frost están para mojar pan. Con razón el conde Drácula no para de estar más caliente que el palo de un churrero...

Regulera.