Y lo escribo suavemente ante el temor de no poder ser publicada en Filmaffinity.

Una animación tan lamentable que dista muchísimo del nivel mostrado en Dragon Ball Z, serie que recordemos, es de los años 80. Ya habría que caérsele a uno la cara de vergüenza con esto, de que su predecesora, habiendo pasado 30 años mal contados, le dé de sopas con honda en este aspecto. Pero no contentos con eso, nos presentan a un bicho sacado del Pokémon como el villano más cutre que yo recuerde en la saga -ni el que se tiraba pedos en el torneo de artes marciales llegaba a ese nivel-, y una transformación tan inútil como la fusión en la que se quedaba Gogeta en gorday.

En serio, 85 minutos de naderías que se los podrían ahorrar cualquier mortal. ¿Creían que Dragon Ball GT era infame? Todavía no han visto esta. Hasta a Vegeta lo dejan por los suelos.

Así que la mayor pretensión de la película es que tuviera humor en detrimento de la acción. ¿Y esto es humor? Cualquier gag con Satan era mil veces más efectivo que toda esta chorradita junta. Si alguno se ríe, es por pena. Yo, en cambio, he llorado.

Se trata de una auténtica basura que cualquier fan de Goku y sus amigos debe alejarme lo más lejos posible de ella. Lo único salvable de la misma, los créditos finales, donde se pueden apreciarmvarios pasajes de los tomos de Akira Toriyama. Punto. Para esto, que dejen en paz a Dragon Ball y no mancillen más su nombre, desgraciados.

No somos pocos los que pensamos que el “super mega invento de James Cameron” -y lo pongo todo entre comillas porque ya en los 80 se utilizó una versión más rudimentaria-, de proyectar las películas en formato 3D como un mero sacacuartos donde la experiencia es poco satisfactoria. Imágenes borrosas, tonalidades más oscuras de lo habitual, dolores de cabeza al salir de la sala que da la sensación que se ha estado en una montaña rusa que viendo una película... Todo por el módico precio de 10 euritos. Casi ná.

De repente, la crítica estadounidense pone por la nubes la ultima creación de Alfonso Cuarón (Hijos de los hombres, Harry Potter y el prisionero de Azkaban) y no sólo eso, sino que el mismísimo “padre de tocomocho”, James Cameron, se sube al tren para decir que es “la película que había estado esperando ver desde hacía muchísimos años” -pues ya podías haber hecho algo parecido a esto y no“Pocahontas intergaláctica” aka Avatar, añado yo-. En resumen, que olía a que Hollywood lo ha vuelto a hacer; a vender la moto, lógicamente. Lo curioso es que al cruzar el charco nuestra crítica patria, más dura con las creaciones foráneas, ¡se suben también! ¿Estaremos asistiendo a una auténtica genialidad o es que las Majors han soltado un buen fajo de billetes?

Pues bien, entrando precavidamente, me dispuse a ponerme las dichosas gafitas 3D, y comenzó la película. El comienzo tan abrupto, con un leñazo sonoro para justo en un instante adentrarse al espacio, es la mejor descripción de lo que se avecina: “LEÑAZO”, un auténtico golpe de todos los dueños y promotores del 3D a los agoreros que como un servidor, nos tenemos que rendir ante la evidencia que si se quiere, el 3D es una experiencia única. Y el director mejicano quiere, vaya que si quiere; no se contenta con hacer mero cine de cartón-piedra esperando a que sólo los efectos especiales hagan todo el trabajo. Quiere gustarse con sus planos, con sus encuadres, con la fotografía... Da una auténtica exhibición de mimo y buen gusto por elegir qué plano es el más bello posible para cada instante. Desde luego si algo tiene Gravity, es que se podrían sacar posters, wallpapers, avatares y todo lo uno desee en prácticamente cualquier escena. Un 10 para el atrevimiento de Alfonso Cuarón por no dormirse en los laureles y dejar que todo el 3D haga el trabajo; algo que parece tan simple, el esfuerzo, y parece ser que para los efectos especiales, eso ya no existe.

Por suerte, también lo que se cuenta tiene sustancia, no es un mero Transformers. Dicho esto, una aclaración: ante todo, es del género de catástrofes, al cual pertenecen títulos como Un pueblo llamado Dante's Peak, Pánico en el túnel, o la reciente Lo imposible, todo ello bajo el atractivo manto de la Ciencia-Ficción. Aviso esto porque todo aquel que deteste el género no creo que disfrute más allá de apreciar lo que se sentiría al estar vagando por el espacio. No es un filme que se adentre demasiado en la condición humana, del destino de nosotros, de cuándo llegará nuestra muerte... Lo toca, sí, pero siempre desde un tono secundario, e incluso en alguna que otra situación de forma ineficaz. Donde pretende sentir pena, no lo consigue; o la música, que no llega a ser sobresaliente por el tramo final demasiado a Lo imposible; tanto querer recargar los momentos tristes a base de melodías para intentar sentir pena, tanta epicidad en la partitura durante los instantes finales para que pensemos que todo super épico... Un truco muy viejo, la verdad. No obstante, en su conjunto, una historia bien narrada y con el añadido de la soberbia interpretación de Sandra Bullock, que desde Sigourney Weaver en la saga Alien, no recordaba a una mujer con tanta fuerza y de tenerlos colocados para salir airosa de esa situación que ella.

Señores, busquen la pantalla más grande posible, con los altavoces capaces de reventar tímpanos. Servidor, que la ha visto en 3D, no concibe verla en otro formato que no sea ese; de otra manera se pierde gran parte de lo que mejor que ofrece Gravity, una experiencia audiovisual al nivel de que lo que en su día ofreció Jurassic Park. Hay ocasiones que los efectos especiales dignifican al cine, esta es una de ellas.


http://www.mandapelotas.es/index.php/99-tiempo-muerto/890-la-pelicula-de-la-semana-gravity

El de Gabriel Byrne, Thandie Newton, Jamie Foxx y Stuart Townsend. Los cuatro se salen en sus respectivos papeles. Y podríamos añadir como Joker a Sylvester Stallone, que da el pego como jugador de cartas frío y calculador.

El poker da una dosis intriga a los filmes que como poco, entretiene. Y sabedor de ello, Damian Nieman propone un thriller con sus dosis de robos y trampas al más puro estilo Ocean's Eleven. Puede que para algunos los continuos giros de guion sean demasiados, pero como en el poker, el juego cambia y la suerte va de un lado para otro.

Aseada fotografía, ritmo ágil... Si acaso algún detallito negativo en el montaje que quizás no ayuda a enterarse del todo lo que ocurre en algunas de las jugadas, pero poco más, el elenco actoral está tan acertado que levanta la trama por encima de todo sus fallos.

Un título desconocido que para cualquier amante del poker le satisfará. Recomendable.

“Mutantes por el mundo”. Hoy, Japón.


Desde que Christopher Nolan reventara las salas de cine con “El caballero oscuro”, las adaptaciones de superhéroes se han convertido en el caballo de batalla de las productoras estadounidenses de cara a recaudar pasta gansa. Mientras el espectador, ante la saturación de ver a hombres fornidos en trajes ajustados sin ser una porno gay, pide algo más que unos meros efectos especiales y escenas de acción sin ton ni son. Exige que haya una trama más elaborada que el simple “tipo con superpoderes lucha contra malo maloso mientras que explotan miles de cosas”. Gran culpa de ello la tiene, de nuevo, Nolan con su trilogía del hombre murciélago. No obstante, Brian Singer ya empezó a sentar las bases de lo que sería la actual gallina de los huevos de oro con su estimable adaptación de los X-Men, filme que ya contenía un guion con cierto peso y que sirvió para lanzar al estrellato al australiano Hugh Jackman.

Tal fue su éxito que no tardó demasiado en aparecer las esperadas secuelas, precuelas, y Spin offs de esta visión de la franquicia de Marvel. Hugh Jackman encarnando a Lobezno es tan carismático como valor seguro de cara a triunfar de nuevo en taquilla; el problema es a la hora de construir una historia que no sea tan ridícula como la de X Men orígenes –ese Masacre...- para así salvarse de esa etiqueta del “una más de superhéores” que tanto se dice últimamente.

Parece que los productores han tomado nota de que el guion requería de más enjundia para las nuevas aventuras de Logan, y eso es de agradecer. Lo malo es que con las intenciones no basta, y la película tras el tramo inicial se acaba construyendo en un drama “pseudo filosófico- oriental” de bazar del “Todo a 100” con erótico resultado. Hacer un guion para un filme de superhéroes no es sólo poner filosofía barata mientras que los villanos, la pareja con la que dar mamaporros a los malos y el motivo de todo lo ocurre en la pantalla se asemeje más a la infame “Daredevil” que a las entregas de Brian Singer. Lo que al principio parecía una película oriental de artes marciales al más puro estilo Bruce Lee, se va para abajo a partir de la llegada de Lobezno a la casita de Nagasaki y no da vuelta a atrás. Diálogos que poco o nada dicen nuevo de lo que ya se había señalado en la primera hora, villano de hojalata digno de los Power Rangers, giro más predecible que una barra libre en una fiesta erasmus y romance genérico para rellenar metraje. De hecho, lo único que saca del hartazgo fue la escena que aparece durante los créditos, la cual invita a pensar en que quizás para la próxima película de los X Men veremos algo parecido a lo visto en “Primera Generación”. O quién sabe, a lo mejor será otra castaña como “X Men 3: La decisión final”.

Mucho Japón, mucho honor, mucha angustia, pero esta peliculita no va a gozar de lo que pregona su título: la inmortalidad. Altamente olvidable.

http://mandapelotas.es/index.php/99-tiempo-muerto/656-lobezno-inmortal

Baz Luhrmann lo ha vuelto a hacer: adaptar una obra emblemática de la literatura universal y presentarla bajo su licencia estilística. Imágenes videoclipqueras, música actual a pesar de situarse en siglos anteriores a la historia y romances imposibles entre bellos protagonistas. Al principio ese toque transgresor lo puso en práctica en “Romeo y Julieta”, lo continuó con “Moulin Rogue”, su obra más redonda, y vuelve a estar sobre la mesa tras el –decepcionante- guion en su particular estilo al intentar resucitar las aventuras clásicas con “Australia”.

Ver una película dirigida por el australiano es saber a lo que atenerse. Debe saber que habrá ocasiones en los que un precioso videoclip que bien podría salir en la MTV copará muchos minutos en la pantalla. Aquel espectador que en su día sufriera arcadas con ese extravagante montaje de “Moulin Rogue”, que ni se acerque a su cartel, se encontrará más de lo mismo. A un servidor, tal gamberrada Pop le encanta, por lo que esta manera de contar la historia me ha servido para al menos, entretenerme, no así como sucedía con el tostón protagonizado por Robert Redford del 74, el cual Francis Ford Coppola debió haberse puesto hasta arriba de café para poder escribir su guion sin haberse quedado dormido en el intento.

Nos situamos en la Nueva York de los años 20, previo al crack del 29, donde la alta sociedad neoyorquina vive al límite de lo superficial a través del lujo, las fiestas, las mujeres y el alcohol. Nick Carraway (Tobey Maguire) un joven trabajador de Wall Street, se muda a West Egg en donde su vecino, un misterioso hombre que se hace llamar Gatsby (Leonardo DiCaprio), organiza fiestas nocturnas en su mansión en donde la crème de la crème de la ciudad se divierte hasta altas horas de la madrugada.

Con este punto de partida, la historia pretende satirizar a la burguesía de la época en la que sólo lo material, lo superificial y lo clasista rigen sus vidas. Pobres de espíritu, como dijo el mejor mago después de Tamariz llamado Jesucristo. El problema viene en que tanto en ésta, como en la obra de Jack Clayton, esta crítica pasa de puntillas. Es un mero pretexto para el romance existente entre Jay Gatsby y Daisy Buchanan (Carey Mulligan), cuando esto debería ser al revés: el romance el instrumento para mostrar tal crítica (crítica que, dicho sea de paso, ya quisierámos sufrir algunos, viendo cómo está la crisis).

En esta ocasión los personajes se tornan más caricaturescos, más excesivos que la película del 74. Cosa que se agradece, puesto que la sobriedad de la anterior, por tan nimio lo que se enseña, acababa siendo un muermazo. Por tanto, todos los actores de ésta superan a los anteriores: Carey Mulligan a Mia Farrow, Tobey MaGuire a Sam Waterston, y Leonardo DiCaprio a Robert Redford. Francamente, pocas veces ha salido en pantalla tan guapo el actor angelino. En el momento en el que es presentado, uno no sabe si está viendo una película o uno de esos anuncios que aparecen en las temporadas navideñas donde actores y actrices lucen esplendorosamente en pantalla. En presencia, Leonardo DiCaprio se come con creces la sala. Tal impacto es mayor que el de Robert Redford, y ya es decir.

Pero el tal Gatsby, tan listo que parece ser, tan astuto que se nos muestra, al final resulta ser un auténtico patán. Es un personaje poco creíble, estúpido en la parte final del metraje. Y esto no sería un problema si, como digo, los personajes son caricaturescos; pero al haber dejado poco rastro de esa mala uva acerca de los círculos cerrados de la alta sociedad, sólo queda como enjundia las andanzas de Gatsby, un tolay pagafantas tan tonto como todos los personajes de la obra.

Con lo cual, la que queda es esto: un bonito espectáculo audiovisual –ojo a la banda sonora, digna de ser adquirida para fiestas-, y una historia muy mejorable –a años luz del precioso romance que mostró en “Moulin Rogue”- que hará las delicias de las pijas remilgadas que necesiten urgentemente salir a que les dé el aire. Otra ocasión más para hacer la adaptación definitiva de este clásico de Scott Fitzgerald tirada por la borda. Al menos esta se deja ver, algo es algo.

Por cierto. El 3D, aunque resultón, es a todas luces prescindible.

No lo entiendo. De verdad que no entiendo cómo la adaptación de "Rurouni Kenshin" sale bien parada en el aspecto estético, donde Keshi Ohtomo se enfrentó al handicap más difícil al tener que pasar el dibujo a la carne y hueso sin que llegue a resultar una aberración; y en cambio en su guion, que de haberse centrado en sólo una parte de la saga de Tokio, exprimiendo su arco argumental ya escrito, habrían obrado el milagro de hacer un buen filme, la hayan cagado de esta manera.

De acuerdo, es la carta de presentación de Kenshin fuera del mundo de la animación. Es lógico por tanto, centrarse en su etapa introductoria para que todos los espectadores, conozcan o no la historia de "Battousai el carnicero", vayan a verla. Ya habrán otras entregas en las que centrarse en la saga de Kioto, el plato fuerte por excelencia. Pero me parece absurdo que se haya metido a golpe y porrazo prácticamente toda la saga de Tokio -bastantes capítulos-, dejando una historia confusa para el espectador que nunca haya visto o leído Rurouni Kenshin, y para los que sí, la sensación de haber querido meter con calzador tanta trama en tan pocos minutos. Va a trompicones, y lo que es peor: con bajadas de ritmo fallidas.

Básicamente han fusionado las historias de Jinei Udoh -un villano menor que sirvió como telón de fondo para presentar a la pandilla del dojo- y de Aoshi, uno de los villanos más interesantes de todo el manga. La gracia es que este último, el líder de la banda Oni y verdadero némesis de la trama en la que se nos presenta a Megumi, ni tan siquiera aparece. Meten al traficante de opio que a nadie le importa lo más mínimo y ni cómo se llama, y no meten a los otros. Incomprensible. Los que molan son Aoshi y su banda, de la que sólo aparece un amago de Han'Nya en la caracterización más mala del filme. ¿Todo para qué? Para meter a Jinei Udoh y así unir ambas historias a base de unas costuras sacadas de la propia cosecha de los guionistas que hacen más mal que bien en el ritmo del metraje.

Evidentemente todo esto cabrea al fan o al que haya visto el Anime o Manga que a los que no; pero como digo, tal experimento no ha beneficiado en absoluto al resultado como película en sí, sin entrar en su valor como adaptación. Le falta ritmo, los hechos suceden de forma abrupta... Son muchas taras para que verdaderamente pase de ser una película pasable para el espectador que se adentre por primera vez en las aventuras de Kenshin. Habrá momentos que le parecerá confuso lo que sucede. Si con tan sólo haberse centrado en el arco argumental de Aoshi tal cual y añadiendo algún detalle sacado de la cosecha como la presentación que han hecho de Sanosuke, suficiente. Entiendo que quieran meter a Saito por el tema comercial, aunque no fuera al caso por la etapa en la que se centra, pero bueno.

Una llegada de Kenshin al dojo para conocer a Kouru que sea simple y efectiva, algún flashback de su etapa como Battousai en la que se le vean sus dotes con la katana, la presentación sacada de la manga de Sanosuke... Todo bajo el arco argumental de Aoshi. ¡Punto!


No obstante, como digo, el aspecto estético me ha sorprendido para bien. El actor que hace de Kenshin es lo mejor de la película. Es un calco, tanto en su forma de expresarse como en el estilo de lucha. Realmente ahí no hay nada que objetar. El resto de secundarios -a excepción del carnavalesco Han'Nya- bien. Si acaso no me termina de convencer del todo Saito, le falta lago más dureza e ironía al personaje. Las localizaciones son... Si yo pensase en cómo sería el Tokio de Rurouni Kenshin en la vida real, no llegaría a pensarlo tan fiel. ¡Si hasta el restaurante es idéntico!

Le casco un 6, porque al menos se nota que le han puesto empeño y ganas de querer hacer algo bien, y no una estafa al nivel de Dragon Ball: Evolution. Espero que para la segunda parte sean algo más fieles en la trama y mantengan ese buen hacer que han tenido para la caracterización del universo de Kenshin.

Es como mi crítica. No creo que el resultado sea del todo bueno, pero le he puesto corazón.

Hay algo de lo que tenemos que agradecer a las cadenas "La Sexta 3" y "Paramount Channel": que para los cinéfilos que no disponemos de televisión de pago y nos apetece poner lo primero que aparezca tan sólo pulsando el mando a distancia no sólo tenemos peliculones sino también caspa. Y de la dura, de la que son necesarios jabones recetados por dermatólogos para ser quitada.

Y este es el caso que nos ocupa. "Viernes 13, Parte 2", la entrega en la que se estrena nuestro amigo Jason Voorhees en su enternecedor hobby consistente en asesinar a jóvenes con las hormonas disparatadas, es otro Slasher más del cutrerío del terror adolescente. Muertes predecibles, diálogos sonrojantes, alguna que otra tetilla al aire y un poco gore de Serie B son sus únicas bazas.

Lo grandioso es el horario al que suele estar programada la pelicula en Paamount Channel. Cada dos semanas, tranquilamente, es programada a altas horas de la madrugada, donde uno acaba con las neuronas deterioradas, bajo los efectos del alcohol o de Dios sabe qué. Si uno no está durmiendo o haciendo otros menesteres también placenteros en el catre y se encuentra dando vueltas al mando esperando a que no haya el tarot o los juegos de la sopa de letras, pruebe a ponerla, seguro que la echan y al menos se partirá el ojete. Y si no echan esa, será alguna parte de "El guerrero americano", que para el caso es lo mismo.

Un original telón de fondo, como ser puede la mafia que envuelve a la venta de productos químicos para crianza de las reses y una tragedia personal, no justifica las idioteces que ocurren en la segunda mitad de la película. Jacky Vanmarsenille, que en un principio resulta ser un personaje intimidatorio e interesante, acaba desdibujándose hasta convertirse en un patán de mucho músculo pero poco cerebro. Sus acciones, estúpidas, el cómo abarca el desentramado final, todavía peor.

Una película entorno a un gilipollas haciendo gilipolleces se convierte en una gilipollez. Bien filmada, eso sí.

El esfuerzo, el cariño de Peter Jackson por el mundo que ideó Tolkien y el saber de los beneficios que traería la nueva adaptación cinematográfica se impusieron a infortunios como la quiebra de MGM o la marcha de Guillermo del Toro al frente del proyecto. Los fans de la saga han respondido satisfactoriamente llenando las salas de los cines, e incluso la mayoría de sus críticas han sido positivas. Pero, ¿qué poso me podría dejar un filme procedente de una trilogía que bajo mi criterio alberga pocas luces –“La comunidad del Anillo”, Gollum y la representación de la batalla del Abismo de Helm- y muchas sombras –el resto-? Rizando el rizo, ¿cómo puede llegar a gustarme su 3D, formato que detesto, y encima teniendo la osadía de desterrar los sagrados 24 fotogramas por su segundo por unos 48?

Todo parece indicar que ir al cine a gastarme 12 eurazos para esto iba a ser como tirarlos a la basura, pero…

Con los ojos de un niño. Así terminé tras contemplar los 169 minutos que dura la que no sólo es la mejor entrega de la saga, sino la mejor película de aventuras de los últimos tiempos. Una epopeya de gran reserva que lima los defectos que poseía “El Señor de los Anillos” y que a su vez potencia todas sus virtudes.

Ahora sí, Peter Jackson vuelve a narrar una aventura de las buenas, de mundos fantásticos rodeados de personajes con alma propia, algo que aparecía en “La Comunidad del Anillo” y que acabó diluyéndose como un azucarillo en la taza de café que he de tomarme para poder aguantar “El retorno del Rey”.

Por fin los personajes tienen una personalidad definida y no son meros bultos con patas que aparecen de forma testimonial con tal de contentar a los seguidores del libro –sí, los 13 Enanos son intercambiables pero los considero como un personaje único -. No existen figuras nulas, cosa que sí ocurría especialmente con los humanos secundarios en “Las dos torres” y en “El retorno del Rey”. Gandalf vuelve a ser interpretado de forma magistral por Ian McKellen, Andy Serkis aparece con esa joya de personaje llamado Gollum, y Martin Freeman, el encargado de ponerse en la piel del joven Bilbo Bolson, compite con Sean Astin en el trono del mejor actor en interpretar a un personaje hobbit.

Con respecto a los efectos especiales y a la fotografía, hay que aclarar que baso mi crítica en la versión 3D a 48 fotogramas por segundo. La anterior trilogía acabó basando sus credenciales en protagonistas y secundarios que van pasando por allí a modo de videojuego y en largas batallas que, vista una –el espectacular asedio al Abismo de Helm-, vistas todas. Poco bagaje para que acabe manteniendo su aprecio para los “no fans” al cabo de unos años. Pues bien, los efectos especiales de “El Hobbit” son de lo mejorcito que existe, y lo que es más importante: gran parte de ellos seguirán gozando de buena salud. En este caso se mantiene el excelente nivel de anteriores entregas con el añadido del mejor 3D que he visto. Algunas escenas son plasmadas de tal manera –los gigantes de piedra o la caverna de los trasgos- que uno no acaba de asimilar la bestialidad que acaba de ver. Una auténtica maravilla.

¿Y los 48 fotogramas por segundo? No se ha inventado la pólvora, aunque me ha gustado. Es cierto que al principio choca demasiado y la sensación inicial es que la película va al ritmo de un sketch de “Benny Hill”, pero cuando el ojo se acaba acostumbrando la sensación se pierde y el resultado es satisfactorio.

Otro de los aspectos relevantes fue su banda sonora, guiada bajo la batuta de Howard Shore. El compositor canadiense vuelve con un popurrí de sus temas más famosos añadiendo a su producción el “Misty Mountains” cuyos acordes son destinados a ser el buque insignia de esta nueva trilogía.

Pero vayamos a lo que diferencia una gran película de una superproducción de cartón-piedra: la historia. Antes mencioné la presencia de sus personajes, pero otro detalle a agradecer es su comicidad y la alternancia de diálogos grandilocuentes con otros más desenfadados. Ya no es una saturación de frases lapidarias que acaban interpretándose como un canto a la pretenciosidad. Algunos señalan de forma despectiva que su humor es de un tono infantil. La fantasía de Tolkien no es del tono que pueda tener David Lynch o Lars Von Trier. Es una historia para todos los públicos, llena de pasajes descriptivos donde se mezclan elementos alegres con otros oscuros y donde los personajes hasta recitan cantares que duran varias páginas. Puede que guste o no la historia, pero no entiendo que critiquen como algo negativo su tono ni mucho menos que se diga que en las anteriores entregas todo era más serio. ¿Es que serio quiere decir que salen más orcos feos, que hay más tierras arrasadas y en las batallas mueren muchos? Pero si es igual…

Lo que sí es cierto es que envidio a aquellos niños de 10 años que vayan a ver esta película. Encontrarán en ella la mejor carta de amor a la fantasía y al cine, la que de pequeño hallé dentro de la oscuridad del cine al visionar “Hook” del ahora malogrado Steven Spielberg.

Cine de muchos quilates el que me acabo de encontrar, del que a servidor le entran ganas de escribir sobre ella nada más salir del cine. Desde luego, este ha sido del todo un viaje inesperado.

http://elvolumendelaarmonia.wordpress.com/2012/12/22/el-hobbit-un-viaje-inesperado/

Difícil resulta quedarse con un único veredicto. Si MGM ha arriesgado mucho a la hora de sacar la producción adelante, no menos aquellos que han creado el filme. Si Casino Royale cambió el concepto que tenemos de una película de James Bond, en Skyfall la transformación es radical. Sam Mendes declaró en diversas entrevistas que de pequeño a él le encantaban las antiguas películas de 007, pero que al verlas a una edad adulta les parecía malísimas. Para él la última de Bond dirigida por Martin Campbell fue un aire fresco para la franquicia, no así Quantum of Solace, que debido a un guion deficiente a causa de la huelga de guionistas en Hollywood, borró la bases que sentó la primera película de Daniel Craig. Su objetivo, por tanto, es devolver aquel cambio a la saga.

¿El resultado? Como thriller, se deja ver; como filme de 007, una auténtica decepción. Esta película no es James Bond, en el peor sentido posible. Si Quantum of Solace fue una obra fallida por el exceso de acción bajo el manto de un guion hueco, Skyfall lo es por su exagerada sobriedad. Demasiada para un universo que no pide eso, ni para un guion que no es suficiente para tales pretensiones. Parece como si el cineasta inglés hubiese dirigido una película con algún guiño a la franquicia, no aquel proyecto que buscaba rencontrarse el prototipo del agente protagonizado de por Daniel Craig.

De su actor principal, el sexto en interpretar al agente, me reafirmo en la impresión que me ha dado siempre: no encarna a un buen James Bond desde el punto de vista cinematográfico. Puede que sea el más fiel a la novela de Ian Fleming, pero de todos es sabido que el universo de 007 se sale de la literatura, y que probablemente el poso que ha dejado sus novelas es inferior a la de sus películas en nuestros días. Curiosamente es el actor que ha recibido las críticas más favorables de los tres Bond que más se han acercado al de la novela. Timothy Dalton, y especialmente George Lazenby, tuvieron más detractores que él. ¿Por qué buscaron a un actor totalmente radical, para que no le comiese la tostada Jason Bourne? Quién sabe. No obstante, es un actor que me gusta y hace lo que puede en un papel que no le pega.

Javier Bardem interpreta a un villano interesante, punto. Es mejor que el de la anterior entrega y tiene el carisma suficiente como para agradar al respetable, pero poco más. La cantidad de halagos que ha recibido Silva me parecen exagerados, amen que es imposible no compararle con la forma que tenía el Joker de Christopher Nolan de causar sus fechorías. ¿Es lo mejor de la película? Sí, pero no por eso le hace ser brillante –y para colmo, sólo aparece en “un tris”, y mira si es larga Skyfall…-.

Y en cuanto a la “chica Bond”… Esperen, ¿es que no hay “chica Bond”? Efectivamente, no la hay. Sí tenemos a M en su aportación más relevante de todas las películas de la saga. Se me hizo pesada, ya que sus chascarrillos dan para unos minutos, no para que cope gran parte del metraje. ¿Recuerdan la primera conversación con Bond en Casino Royale? Pues imagínense eso durante tres cuartos de hora. Lo poco agrada, lo mucho cansa. Ralph Fiennes cumpliendo, como siempre.

Sobre los guiños, una de cal y una de arena. Los créditos inciales y el tema central de Adele, sublimes, de sobresaliente. Este opening y la fotografía –probablemente la mejor de las 23 películas-, sí son dignas del 50 aniversario. El resto de las –escasas- referencias a Bond, bien ejecutadas a excepción de una, de suma importancia para la saga, que ha resultado ser una absoluta aberración y del mucho me temo nos lo tendremos que comer con patatas durante las próximas entregas (en spoiler).

Concluyendo, entretendrá más a aquel que no le guste las entregas de Sean Connery, Roger Moore o Pierce Brosnan que a los fans del espía más famoso del cine. Valorándola como película en sí, puede ser una opción interesante si les sobra el dinero –cosa que a día de hoy, con lo caras que son las entradas, es algo a tener en cuenta-; como fan acérrimo de 007, ahórrense la entrada. Feliz cumpleaños Bond, aunque no ha sido de tus mejores fiestas.

Planteamiento interesante -aunque un tanto tramposo- sobre que supone estar delante de la opinión pública y del uso de los medios de comunicación, donde lo morboso y lo banal es mayormente seguido a pesar de lo hipócritas que somos de no reconocer que lo seguimos. Sin más. No es algo que sea el súmmum de la ironía ni algo que lleve a la sorpresa. Que nosotros somos quienes elegimos lo que queremos ver y luego son los medios los que los ofrecen es una obviedad, por mucho que alguien se piense que ciertos programas agrupan grandes audiencias porque "es lo único que te ofrecen en televisión y no hay otra cosa".

Sorprende que alguna cadena de televisión eche este capítulo si ofrece algún contenido sensacionalista. ¿Es que pretende concienciar a la gente para que no se vean obligados a programar tales contenidos en su parrilla o peca de la misma hipocresía?

Por mucha ironía que tenga o deje de tener -culto al cuerpo, personas controlables a través del consumismo y del poco enriquecimiento cultural, deshumanización por los medios de comunicación- se me ha hecho más larga que un día sin pan. Que todo el capítulo gire en torno a un Factor X me ha resultado un auténtico coñazo. Ya sé que ese formato es cancerígeno Brooker, no hacía falta que me macharas con eso.

Típica película hecha para viejos verdes que se realiza tanto aquí en España como en nuestro querido país vecino. Una joven universitaria tiene que compaginar sus estudios con ejercer la prostitución para salir de sus apuros económicos. Cuánta nota la que saca nuestra guapa protagonista para tan poco cerebro, al juzgar por las estúpidas reacciones de la susodicha que ponen en tela de juicio el nivel académico de su Universidad. Si ella saca notable alto, un chimpancé lograría la matrícula de honor*.

Las escenas eróticas tienen de todo menos de esto último: Bercot se puso en una solitaria madrugada a ver qué echaban en la programación para adultos y tomó nota para lo que iba a escribir en su futuro ensayo. Cutres, predecibles,... Limitémonos a no poner planos explícitos et voilà, el erotismo ya está conseguido (¿?).

No pierdan el tiempo con ella, ni para hacerse pajas sirve.

Una tarde de aburrimiento me dispuse a ver qué tenían en la sección gratuita del videoclub de Ono -lo más probable es que te toque la loteria antes de que encuentres algo medianamente decente allí- y me encontré con esta miniserie que tanto revuelo causó a padres y madres por el ejemplo que estaba dando a sus hijos. Por curiosidad me dispuse a verla, y como bien dice el refrán "la curiosidad mató al gato", más vale uno guardarse las ganas antes de ver semejante zurullo, no ya por el mal ejemplo que pueda dar -que los niños son bobos y pueden coger hasta malas influencias de "Mary Poppins" es una verdad como un templo- sino por la salud mental del espectador, esté ya "madurito" o no.

Le pongo un 2 porque hay que reconocer que las actrices están cachondas. En eso tienen buen ojo las productoras nacionales a la hora de hacer producciones charcuteras de este calibre.

¿Era previsible y repetitiva a más no poder? Sí. ¿Era en 2 de cada 3 episodios el perro más inteligente que todos los seres humanos de la serie? También. ¿Es verdad que ves un capítulo, te entretienes, y al rato se te olvida todo lo que ha sucedido? Por supuesto. Pero no menos cierto es que a los niños que más tarde no formarían parte de la Generación Ni-Ni, hastiados de ver durante un fin de semana a los "Vigilantes de la playa" u otras obras de peor bagaje, les vino como agua de mayo los casos del Inspector Moser y su fiel amigo Rex. Y es que al menos los casos tenían "chicha", y servían para jugar a ser detectives intentando descifrar quién cometió el asesinato de turno.


Desde luego, prefiero que la ficción española haga series así, con todos los defectos que poseía, que lindezas como "Ana y los 7".

Habrá series y programas que reponer en nuestra Televisión Pública como para tener los santos bemoles de repetir el mondongo este perpetrado por nuestra bióloga Anita Obregón. Ya hay que tenerlos cuadrados. Los niños de teta, el Chechu, el mayordomo tartaja, Anita demostrando su dotes de interpretación aprendidas tras sus numerosos posados veraniegos... Una absoluta aberración.

Con medidas así, nos merecemos el rescate.

Drama entretenido con toques pseudofilosóficos sobre la redención y las segundas oportunidades en la vida. El único toque de ciencia-ficción lo da el descubrimiento de un planeta cuyos primeros indicios apuntan a que podría ser exactamente igual que el nuestro. ¿Hay seres humanos? ¿Son todos ellos iguales que nosotros? ¿Existe un "otro yo" que sea idéntico a mí tanto en apariencia como en la forma de pensar, de actuar, o de incluso en las circunstancias que le hayan sucedido?

Todas esas cuestiones son planteadas muy levemente, situándolas no en el limbo, sino en las estrellas donde se halla el nuevo planeta, para hacer hincapié en devenir de ese perdón por la tragedia que cambió la vida de Rhoda y John Burroughs. Sin entrar en detalles en este apartado, las situaciones que ocurrirán tras esa desgracia son previsibles a poco que uno haya visto otras películas de argumento similar o simplmente usando la lógica, pero la gracia está en valorar si las acciones y reacciones de los dos protagonistas son éticas o no*. Y es aquí donde, sorprendentemente, entra de nuevo en escena el asunto de la Tierra 2 para cerrar la historia de una forma que no contenta a todo el mundo**.

En cuanto a las interpretaciones, Brit Marling y William Mapother cumplen de sobra en sus respectivos papeles, a pesar de ser poco originales. El resto de personajes apenas tienen transcendencia, más allá de un par de pinceladas de uno o dos personajes que sirven para

En resumen, una película que entretiene, que no aporta nada nuevo al género, pero realizado con solvencia. Viene a ser el caso de aquel que le gusta las películas de Steven Seagal, que sabe que dentro del cine de acción de originales tienen poco, pero pasa un rato agradable viéndolas.

"Acto de valor" es la polla con cebolla. Tiros, moros, mejicanos, y yanquis demostrando ser los machos alfa.

Es un jodido panfleto fascistoide en donde alcanzan sus cotas más altas de bochorno en los minutos finales -con la frase final "En el valor está la esperanza" un poco más y lloro-.


Pero qué coño. Uno acaba hasta los cojones de tanta película antibecilista y desea que haya alguna que otra que se exprese en el lado opuesto. Aquí los marines son los buenos y hay que preservar la seguridad de la nación. Con desconectar el cerebro, tomárselo a broma y presenciar las maniobras de nuestros héroes -bien filmadas y con detellos interesantes como los planos generales en cámara digital al más puro estilo corresponsal de guerra o de acciones en 1ª persona a lo shoot em up- suficiente.


Reagan, Heston y Wayne estarán sonriendo desde el más allá.

Existen obras magnas como “Ciudadano Kane”, donde crítica y público se dan la mano para atribuirles la tan cacareada etiqueta de “la mejor película de la historia”; otras en cambio gozan del beneplácito del público y del salvaje despellejamiento de la crítica - “El club de la lucha” puede ser un ejemplo representativo-, pero si existe LA PELÍCULA, esa por bemoles tiene que ser “COBRA, EL BRAZO FUERTE DE LA LEY”.

No sólo es el filme que mejor representa los valores de la generación de los 80 y de la Administración Reagan -ya se sabe, la “generación del 90 es una generación perdida, sobre todo los que han nacido después en el 92, año de la creación símbolos de nuestra amada España como Curro en la Expo de Sevilla Cobi en los JJOO de Barcelona,"-, sino que el sólo ver a ese genio con rasgos equinos llamado Sylvester Stallone, matando a malos malísimos con sus gafitas y su chupa sin que se le caiga en ningún momento la cerilla de su boca, llegamos a la conclusión que Cobra es la viva representaación del übermensch nietzscheranio.

Pocas son las líneas que se dan de espacio para poder hablar de las innumerables bondades de este filme. El mejor arranque de la historia del cine, con esa voz en off que se te quedará grabada para siempre :<<En América... Se comete un robo cada 11 segundos. Un robo a mano armada cada 65 segundos. Un crimen violento cada 25 segundos. Un asesinato cada 24 minutos... Y 250 violaciones de mujeres cada día>>. Y con esa secta de moteros psicópatas, alzando sus hachas y percutiéndolas entre ellas cuales castañuelas se trataran; sus minutos musicales al más puro estilo ochentero con la única justificación de que “molan y punto”; sus citas que perdurarán en la historia del Séptimo Arte: <<El crimen es una plaga y yo soy el remedio>> o <<Aquí es donde termina la ley... ¡ Y comienzo yo!>>, ponen de manifiesto que el genio de los diálagos no es Woody Allen, sino ÉL, el bueno de Sly.

Maravillosa, singular, irrepetible. Toda una obra de HARTE.

No me voy a andar con rodeos, al "spoiladero":