Drama de producción independiente que se llevó la estatuilla de Oscar a Mejor Película y que narra las tres etapas en la vida de un joven (interpretado Alex R. Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes) y mediante de los nombres Little, Charon y Black desde su infancia, adolescencia y edad adulta. El acoso escolar, una madre (Naomie Harris) hundida en las drogas y el hecho de ocultar su homosexualidad son su talón de Aquiles, aunque intenta tirar adelante para sobrevivir. Su infancia toma un giro a su favor cuando conoce a Juan (Mahershala Ali, visto en la tercera temporada de “True Detective” y en la también oscarizada “Green Book” (2018)) con quien establece una relación paterno-filial. Ese será el empuje para que el chico decida su camino a seguir.

Los barrios más marginales de la soleada Florida (lugar en que también se ambientó otro sobresaliente drama como “The Florida Project” (2017) de Sean Baker) son el caldo de cultivo dónde el protagonista contiene sus frustraciones e intenta disimular su homosexualidad, objeto ya no de tabú sinó de un desprecio constante por parte de un entorno social que lno por reprimirlo tampoco le es muy favorable.

Lord Lew Grade produjo ésta mezcla de thriller, aventuras con ecos de cine denuncia, enfocado hacia las tramas de tráfico de minerales preciosos, en éste caso esmeraldas, como tesoro natural tan apreciado y enterrado en las selvas frondosas de América Central.

Parte de la película, un entretenimiento sin ton ni son que empieza con un diseño de créditos propio de las cintas de James Bond de la época, está ambientada en México y Bolivia. Destinos donde el principal y sufrido protagonista, un ingeniero electrónico fracasado y en busca de fortuna protagonizado por Ryan O´Neal, se ve involucrado en los turbios negocios de un malvado contrabandista (Omar Shariff) y su hermosa y algo esquiva mujer (Anne Archer). Evidentemente el protagonista la pretenderá con la excusa de las piedras y aquí es lo que la película vira en un fórmula muy sui generis; héroe-chica-villano. Pero como entretenimiento es un disfrute del que no se le puede pedir más a pesar de sus carencias.

Quinta temporada de la série ideada por Ryan Murphy y Brad Falchuck en que prácticamente contaron con el mismo elenco y ofreciendo más protagonismo a algunos de los actores habituales que se pasean en esa galeria de horror y sangre (Sarah Paulson, Kathy Bates, Angela Bassett, Wes Bentley y Denis O’ Hare son los que brillan más, eso sí, sin Jessica Lange) y una especial mención a la cantante Lady Gagá que luce su particular y estilizado glamour de vampiresa con ganas de sexo, recluida en una elegante suite del Hotel Cortez, un edificio céntrico de Los Ángeles y maldito por su historia repleta de fantasmas y asesinatos. Punto de encuentro entre psicópatas desde el más allá, espectros emparedados, drogadictos, prostitutas y niños desaparecidos.

“American Horror Story: Hotel” es la más peculiar de todas las temporadas hechas. Sin desmarcarse de su temática fantástica y sin alejarse del terror puro, presume de referencias a películas del género como “El Resplandor” (The Shining, 1980), de Stanley Kubrick, O “El Ansia” (The Hunger, 1983), cinta de culto vampírica en que se dió a conocer Tony Scott. Pero lo mejor en ésta interesante orgía sangrienta que une lo policíaco con lo sobrenatural, son los decorados interiores del hotel donde se ambienta parte de la trama de la serie. Un universo de ultratumba y claustrofóbico, digno de cualquier festín oscuro y grotesco.

Cuidada adaptación de la novela de Matthew Gregory Lewis (1775-1818) y que ya fue adaptada al cine en 1972 con Franco Nero de protagonista, en un guion escrito, entre otros, por Luis Buñuel.

Dominik Moll (Harry, un ami qui vous veut du bien) consigue llevarnos a unos escenarios lúgubres y a la vez desoladores de la España del siglo XVI, donde las paredes de un monasterio no son refugio para pecadores impuros pero sí para penitentes y gentes dignas a los ojos de Dios, en una época en que la religión cristiana gozaba de un poder solo superado por su propia losa dogmática y basada en los estigmas de la Fe.

La tortuosa aunque consentida vida del hermano Ambrosio (Vincent Cassel) se sucede al sucumbir a los designios del pecado tras la llegada de un extraño novicio que recluirse en el monasterio. La inquebrantable fe de Ambrosio y sus portentosos sermones que lo han hecho popular entre el gentío no pondrán en duda ante la presencia del Diablo que puede caer en la tentación en el momento menos esperado.

Buena ambientación frente a una producción rodada con pretendida ambición pero sin llegar a las cotas esperadas de una película que se podría haber extraído más jugo a pesar de la carga psicológica que comporta en la función de los principales personajes que forman parte de ella.

Ted Kotcheff (que se encargó de dirigir a Sylvester Stallone en la primera cinta de John Rambo, “Acorralado” (First Blood, 1982)) dirigió ésta popular comedia de desmadre acerca de dos jóvenes ejecutivos, Richard y Larry (Jonathan Silverman y Andrew McCarthy) que tras descuibrir unas cuentas manipuladas y creerse ganar la confianza de su millonario jefe Bernie Lomax (Terry Kiser), se ven envueltos en un enredo con el cadáver de su superior en su lujoso apartameto en la playa donde rebosan las fiestas, la musica y la diversión a pesar de que les toca cargar con el muerto.

La previsibilidad de ésta comedia no evitó su precipitado éxito y una consecuente secuela estrenada con menos fortuna. La década de los ochenta no se despidió sin hacer ruido con ésta simpática y recordada cinta de Kotcheff que invita con su título en castellano a disfrutarla. Entretenida sin más.

Premiada y reconocida comedia romántica con trasfondo social en que se dio a conocer al marsellés Robert Guédiguian y su esposa y protagonista en casi todas sus películas, Ariane Ascaride, en que toman la ciudad mediterránea de la Costa Azul, y concretamente uno de su barrios más populares, l, Estaque, para llevar a cabo una sencilla película romántica no exenta de crítica social y un humor muy sutil próximo a la ironía del marco de realidad en que viven sus protagonistas; una Marsella olvidada, desindustrializada con los problemas personales y cotidianas que conllevan sus habitantes.

Entre ese baño de realismo surge un encuentro accidental entre Jeannette (Ariane Ascaride), con dos hijos de distintos matrimonios y que trabaja incansablemente como cajera en un hipermercado y Marius (Gérard Meylan) empleado de vigilante en una fábrica de cemento, propicia una relación basada en el afecto a pesar de las miserias con las que conviven.

Sin caer en la simplonería Guédiguian hace un retrato fiel de la sociedad cogiendo ese retazo romántico entre dos personas que brilla por ser una historia más de las que pueden sucederse en una gran ciudad y en que las interpretaciones juegan un papel fundamental para desarrollar un cuento romántico que va fluyendo en su estado de gracia y apoyado por las interpretaciones secundarias caracterizados por los pintorescos vecinos que amenizan sin edulcorar un film que toca los pies en el suelo pero sin retumbar en el patacazo del drama. Así de simple y así de alegre.

Un gran clásico de 1946 que dirigió Lewis Milestone (director maldito que destacó en su etapa muda con “Hermanos de armas” (Two Arabian Knights, 1927) y que fue objeto de humillación por parte de Marlon Brando en el rodaje de “Rebelión a bordo” (Mutiny on the bounty, 1962) a partir de un guión escrito por otro gran director, Robert Rossen, que dirigirá a Paul Newman en la sobrsaliente “El Buscavidas” (The Hustler, 1961).

“The Strange Love of Martha Ivers” consolidó el perfil de Barbara Stanwyck como “femme fatale” después de su soberbia interpretación de esposa manipuladora en “Perdición” (Double Indemnity, 1944) de Billy Wilder, aunque mostrando un personaje con un carácter más arrogante y frío teniendo en cuenta la carga que tiene que llevar tras un pasado oscuro. Le acompaña en su haber un marido alcohólico que es fiscal del distrito (interpretado por un treintañero Kirk Douglas dispuesto a dar el salto en Hollywood y que también destacaría en otro Billy Wilder imprescindible como “El Gran Carnaval” (Ace in the Hole, 1951). A ambos sus ansias de poder se tambalean cuando hace acto de presencia en el pueblo de Iverstown, un tercero en discordia en ese oscuro secreto, el desenfadado Sam (Van Heflin, actor recordado por sus interpretaciones en westerns como “Raíces Profundas” (Shane, 1953) y “El Tren de las 3:10” (3:10 to Yuma, 1957)). Las rencillas no tardaran en aparecer entre ellos.

Todo se desarrolla en un marco bastante nocturno de la imaginaria ciudad de Iverstown y en el que nadie sale indemne en un cruce de apariencias, acusaciones y pasiones algo tardías. Como anécdota Blake Edwards interviene como joven soldado de la marina en la secuencia del accidente de coche cuando el personaje de Van Heflin pretende llegar a su antiguo lugar del pasado.

Una película muy recomendable que forma parte de los viejos clásicos que unen melodrama y cine negro pero que el paso del tiempo tampoco la ha puesto en el lugar que merecidamente le correspondía.

Resulta todavía hoy en día revisar una rareza tan llena de simbolismo y metáforas como ésta cinta del italiano Marco Ferreri en que plantea el mito del hombre moderno como algo desfasado en pos de unos tiempos modernos y en el que se reflejan cambios a la vista.

Como si la película estuviera ambientada en un momento indeterminado, inmemorial, en la ciudad de Nueva York (algo de cartón piedra para evidenciar más una sensación de desolación que no llega a lo apocalíptico pero sí a lo más ambiguo de los ambientes enrarecidos, seguimos las andanzas del joven electricista Lafayette (Gérard Depardieu) que trabaja como técnico para una pequeña compañía teatral formada por mujeres, entre ellas su novia (Mimsy Farmer). El grupo se mofa e humilla constantemente a Lafayette como si a él no le importara nada ser objeto de sus improvisados performances.

La historia pretendía dar un giro con el descubrimiento de una cría de chimpancé por parte de Lafayette y su mejor amigo, Luigi (Marcelo Mastroianni), un inmigrante anarquista venido a menos. Pero Ferreri no quiere rodar una comedia al uso sino que prefiere agudizar una más de sus profundas reflexiones sobre la condición humana, en éste caso el mito del hombre masculino, aquí reprimido y sujeto a su propio orgullo y egoísmo. Lafayette se convierte en una especia de padre de la criatura, hecho y forjado a sí mismo aunque sin saber reconocer su nueva situación.

La última colaboración entre Clint Eastwood como actor y Don Siegel de director fue ésta magnífica recreación del plan de huida y ejecución de ésta que se produjo en la prisión de la isla de Alcatraz, en medio de las frías y profundas aguas de la bahía de San Francisco y que acabaría perpetrando el cierre de dicha institución penitenciaria pocos meses después. Como thriller carcelario, la película mantiene su pulso de suspense en las secuencias en las que el personaje de Frank Morris, interpretado por Eastwood, va maquinando de modo lento y paciente su huida hacía la libertad.

Una película narrada con buen pulso y en que no fallan tampoco las interpretaciones secundarias de grandes actores como Roberts Blossom, en el rol de un presidiario aficionado a pintar retratos y Patrick McGoohan en el papel de alcaide de la prisión. Ni que decir que el film se rodó prácticamente en los interiores de la vieja prisión aprovechando que el lugar ya abandonado se había convertido en una atracción turística.

oy en día es inevitable rememorar que “The Third Man”, la novela más conocida del escritor británico Graham Greene fue llevada a la gran pantalla por Carol Reed con el aire clásico de los dramas y thrillers de su época y sin recaer en los parámetros explícitos de las cintas de espionaje que se harían tremendamente populares con el inicio de la Guerra Fría. Nos situamos en una Viena de posguerra y repartida por las potencias vencedoras que no impiden el tráfico constante de mercado negro en sus oscuras y musgosas calles. Digno escenario de una búsqueda con muchas preguntas y pocas respuestas, amén del sinsentido que puede repercutir una amistad traicionera, peligrosa y agazapada en el subsuelo de lo imperdonable.

Carol Reed rodó una obra maestra que probablemente le debe parte de mérito a un entregado pero breve y a la vez intenso Orson Welles que, a merced de las hipótesis y conjeturas de muchos cinéfilos de pro, no solo estuvo delante de las cámaras sino que llegó a supervisar e inmortalizar secuencias como la de la persecución en el alcantarillado. Todo con un sentido de la artesanía que roza la maestría acentuada con la magistral música de Anton Karas, por entonces un músico callejero que había dejado iluminado al equipo de pre-producción en la localización de exteriores. Una película así no podía pasar desapercibida en los circuitos europeos.

Hablemos de Welles. Consciente de que su carrera en Hollywood le precipitaba a una curva descendente al fracaso tras la mala acogida de (The magnificent Ambersons, 1942) y “La Dama de Shangai” (The Lady from Shangai, 1947) un encubierto exilio europeo del joven actor y realizador no le impidió a afrentar los obstáculos en la producción de Alexander Korda que quería llevar a cabo Carol Reed (con quien mantuvo diferencias) a pesar de la condición de “pariah” que se había ganado el director de “Ciudadano Kane” en un Hollywood que empezaba sufrir los primeros acosos del Maccarthismo.

Correcta intriga policíaca dirigida por Kathryn Bigelow, por aquel entonces esposa de James Cameron y que fruto de una breve convivencia y colaboración saldrían futuras películas de culto como “Días Extraños” (Strange Days, 1995), aunque ella por su cuenta ya había llamado la atención con el thriller de vampiros “Los Viajeros de la Noche” (Neared Darkess, 1987) empezando una carrera muy característica que dejaría huella con títulos tan emblemáticos como “Le llaman Bodhi” (Point Break, 1991), “En tierra hostil” (The Hurt Locker, 2008), “La noche más oscura” (Zero Dark City, 2012) o “Detroit” (2017).

El filme también comportó un regreso por la puerta grande de una treintañera Jamie Lee Curtis, alejada de su papel de Laurie Strode en “La Noche de Halloween” (Halloween, 1978) de John Carpenter, la secuela de Rick Rosenthal “Halloween II: ¡Sanguinario! (1981) o infames slashers como “Prom Night” (1980) o “El tren del terror” (Terror Train, 1980), títulos que pretendieron catapultarla como reina del grito y que afortunadamente su renacida aparición en la comedia “un pez llamado Wanda” (A fish called Wanda, 1988) deshizo cualquier sospecha de que acabaría como actriz encasillado en el género del suspense y el terror.

En “Acero Azul” Curtis se mete de lleno en el papel Megan Turner, una chica de la que la hija de Janet Leigh y Tony Curtis podría retomar esos viejos papeles de chillona veinteañera que interpretó. Sin embargo Bigelow le da un vuelco a ésta historia de una mujer policía acosada constantemente por un “broker” psicópata. Algo así como un Patrick Bateman caracterizado por Ron Silver, (papelazo de malo que le hace sombra a un inadecuado Clancy Brown en el rol de inspector de policía bueno y colega de la protagonista).

La directora de “El peso del agua” (The Weight of Water, 2000), convierte a la víctima en una auténtica heroína de armas tomar y al agresor, en el reflejo y patrón de sus miedos sin llegar con su thriller a alcanzar las cotas de una película de terror. Policíaca se queda la película y ambos, víctima y agresor, se dejan llevar en un duelo con algún que otro tiro y mucha tensión psicológica.

En condiciones insalubres comparten la celda de una herrumbrosa prisión Valentin Arregui (Raúl Julia) y Luis Molina (William Hurt). El primero es un periodista preso por sus ideas y el segundo un homosexual acusado de seducir a un menor. Una película alemana de los años 30 protagonizada por una bella cabaretera (Sonia Braga) será el nexo que vinculará a ambos en una distendida pero interesante relación de la que s verán comprometidos personalmente. Encerrados en una celda donde el clima de opresión exterior se ve acrecentado por el intere´s que tienen las autoridades gubernamentales para acceder a la información que Valentin pueda darles acerca de los movimientos activistas con los que se mueve y que pretenden derrocar al gobierno.

La novela del escritor argentino Manuel Puig (también adaptada al teatro) fue llevada al cine por el director brasileño Héctor Babenco (su salto a Hollywood lo haría desafortunadamente con films tan olvidados como interesantes como esa adaptación de la novela de William Kennedy, “Tallo de Hierro” (Ironweed, 1987) y “Jugando en los campos del Señor” (At play in the fields of the Lord, 1991)).

El gran atractivo del film, y que parece diferir bastante de la novela de Puig, es el duelo de interpretaciones entre William Hurt (sublime en “Fuego en el Cuerpo” (Body Heat, 1981) y “Reencuentro” (The Big Chill, 1983), ambas de Lawrence Kasdan, luego relegado a papeles secundarios pero intensos) y Raúl Julia es magistral, aunque el mérito en parte se lo lleva un convincente William Hurt, en uno de sus pocos y mejores papeles que ha llevado a la gran pantalla. Desgraciadamente la carrera de Raúl Júlia se vería lastrada con su súbita muerte en 1994 y solo haciéndose popular por millones de espectadores gracias a su papel de Gómez en las películas de “La Familia Addams” (The Addams Family, 1991) y “La Familia Addams: la tradición continúa” (Addams Family Values, 1993).

La película también llevó a la fama internacional a la bellísima actriz brasileña Sonia Braga, entonces archiconocida por interpretar diferentes culebrones en su país natal. Otra destacada de sus intervenciones es en la comedia “Tieta do Agreste” (1996) de Carlos Diegues.

Inolvidable película de aventuras con ecos de western paisajístico y naturalista ambientado en los años posteriores de la guerra de Estados Unidos con México, como añadido cronológico ya que la acción se desarrolla en los fríos y frondosos parajes de las montañas rocosas en Colorado. Lugar donde hace acto de presencia un explorador, trampero y aventurero, Jeremiah (Robert Redford) dispuesto a valerse por sí mismo y entrar en comunión con una naturaleza salvaje y hostil que no le pondrá las cosas fáciles, su enfrentamiento con los lobos, los osos, el invierno y la atenta presencia invisible de los indios Crowd.

Cuando parte de américa era todavía territorio inexplorado y empezó a ser pasto y asentamiento de los primeros colonos expuestos a los ataques de las tribus indias, el hombre estaba dispuesto a entregarse a todo con tal de aprender del o que le deparaba la naturaleza salvaje. Los primeros mapas cartográficos de los EEUU se forjaron no solo con solo con nombres de Jeremiah Johnson sino también como Jedediah Smith o Jim Bridger.

Una película que deriva más al cine de aventuras que al western, la fotografía en exteriores desempeña un papel importantísimo como elemento clave del film y que comportó la mejor de las colaboraciones de Sydney Pollack con Robert Redford, incluso por encima de otras películas posteriores y más ambiciosas como “Los Tres Días del Cóndor” (Three Days of the Condor, 1975) y “Memorias de África” (Out of Africa, 1985).

Documental que repasa la trayectoria profesional de Menahem Golan y Yoram Globus, productores y directores nacidos en Israel pero que gran parte de su exitosa carrera la retomaron en Estados Unidos, en uno de los momentos más dulces de un cine que demandaba cada vez más público, lo que implicaba generar decenas y decenas de producciones de manufactura propia, independiente pero algo pobre aunque sin rizar el rizo de lo exploit. Títulos exportables como “Polo de Limón” (Eskimo Limon, 1978), su versión americana “El Último Americano Virgen” (The Last American Virgin, 1982), o el desastroso musical “The Apple” (1980) generaban una publicidad que luego no se traducía en unos unánimes resultados en taquillas, digamos que aceptables, pero la maquinaria de Golan y Globus con la todopoderosa Cannon enfrente no dejo de engrasarse. Amén de que el impulso de la incursión del vídeo doméstico en los hogares de todo el mundo ayudó en su totalidad.

Así se sucedieron otras producciones encarriladas en el género de la acción, y en el sentido más desastroso y los reclutamientos de actores como Charles Bronson, Chuck Norris o Sylvester Stallone. Filmes como “Yo soy la Justicia” (Death Wish II, 1981) de Michael Winner, “Invasion USA” (1985) de Joseph Zito o “Yo, el Halcón” (Over the Top, 1987) del propio Menahem Golan dejaron huella incluso por la vergüenza ajena que provocaban. Y singulares fichajes como el de Tobe Hooper o Andrei Konchalovsky (de curriculum atado al cine de Andrei Tarkovski) que con su “El Tren del Infierno” (Runaway Train, 1985) aportaron un toque de dignidad en la productora que quebró por sus delirios de grandeza. Y en éste documental del australiano Mark Hartley, no deja títere en cabeza en un entretenimiento garantizado solo para nostálgicos con ganas de volver a mirar atrás.

Como si no tuviese bastante en producir y realizar películas de acción (las dos entregas de “Speed” y la primera secuela de “Tomb Raider”) en plena fiebre “blockbuster”, el que fuera ayudante de dirección de Paul Verhoeven, el holandés Jan de Bont, se empleó de unos innovadores efectos especiales para recrearos una historia de tornados que haría las delicias de los aficionados al cine-espectáculo-palomitero.

Un argumento empobrecido por el gran protagonismo que cobran los dueños de ésta función más digna de un parque de atracciones que de una sala de cine: los inmensos tornados que se adueñan de la película y con un grupo de especialistas persiguiéndolos de un extremo a otro del Estado de Oklahoma. Para darle guinda a una historia que podía pasar por lineal o incluso se podría haber recurrido al lenguaje documental para hacerla más increíble, Bont prefiere dulcificar el relato una ex-pareja (interpretados por Helen Hunt y el malogrado Bill Paxton) en ese equipo de especialistas.

Pese a todo fue un éxito de taquilla y no se le puede negar que es un producto destinado a entretener.

El actor y realizador escocés Peter Mullan (protagonista principal de “Mi nombre es Joe” (My name is Joe, 1988) de Ken Loach y secundario en algunas temporadas de la notable serie “Ozark”) viajó a Irlanda para estrenarse en su primer largometraje como director, farfullando en los interiores de los conventos dirigidos por las hermanas de la Magdalena, instituciones religiosas repartidas por todo el país y cuya finalidad era reformar a las internas, la mayoría chicas de familias vulnerablemente pobres y, por tanto, expuestas al sacrosanto dogma religioso que en Irlanda imperaba por encima de toda Ley. La principal razón por la que eran encerradas allí era por haber deshonrado a sus progenitores, ya fuera por rebeldía o actitudes impropias en el seno de una sociedad ya encerrada de por si por culpa de ese fervor que hacían patria y religión un único poder establecido.

Las cuatro protagonistas de la historia, Bernadette, Margaret, Rose y Cristina, llegan por distintas razones aunque les une una en común: su desafortunada inocencia. Las consecuencias que precipitan a acabar encerradas como lavanderas al servicio de unas monjas que las someten a toda clase de humillaciones, son solo el principio de una larga condena en la que se verán resignadas a afrontar.

Una durísima película basada en hechos reales y que Mullan denuncia con atrevimiento y rigor. La cinta fue galardonada con el León de Oro del Festival de Venecia.

Divertida comedia dirigida por Frank Oz e interpretada por Kevin Kline y que se desarrolla en el tranquilo y apacible pueblo estadounidense de Greenleaf. La tranquilidad de la comunidad empieza a tambalearse cuando uno de los antiguos estudiantes, Cameron Drake (Matt Dillon) convertido en un actor célebre, dedica el Oscar que recoge a su maestro de literatura, Howard Brackett (Kevin Kline) desvelando que es gay y poniéndolo en un compromiso algo embarazoso a pocos días de su boda con una compañera de trabajo, Emily (Joan Cusack).

Inspirada en la anécdota real que acaeció en la ceremonia de la entrega de los Oscar de 1992, cuando Tom Hanks recogió su estatuilla y se la dedicó a los dos mejores gays del país, a un amigo y a un profesor de teatro. La evidencia quedó grabada debido a una inusual metedura de pata que aludia a uno de los dos y el mal ya era irreversible. Pero quedó en anécdota, y de allí hecha cine. Una película sincera amable y cómica de un director que ya había rodado enredos como “Un par de seductores” (Dirty rotten scoundrels, 1988) o “Un funeral de muerte” (Death at a funeral, 2007).

Bajo el pseudónimo de Jules Harrison, el italiano Giuliano Carmineo firmó ésta inmediata “explotation” de las películas de Mad Max (entonces las dos dirigidas por George Miller tuvieron una gran acogida de crítica y público) producida bajo sello italiano y rodada en España y en que sin esforzarse en su argumento pero sí ambientándolo en un mundo post-apocalíptico reinado por los desérticos y secos parajes de Tavernas, la humanidad intenta sobrevivir con el único de los recursos que vale su peso en oro: el agua.

Elemento ya codiciado, el agua constituye una preciada joya en riesgo a desaparecer y los pocos humanos supervivientes en las vastas áreas post-nucleares y denominadas como la Tierra Prohibida sucumben a toda clase de peligros (una banda motorizada liderada por un villano apodado Crazy Bull pero que gracias a un héroe surgido de la nada con su coche apodado “El Exterminador” intentará paliar tal amenaza). Como se puede comprobar el guion de Dardano Sacchetti (un habitual en la filmografía truculenta de Lucio Fulci) lo puede escribir un niño de diez años y el singular pero simple estado de gracia que se le puede otorgar a ésta película es precisamente en un más que correcto montaje (ralentíes de choque de vehículos a lo Peckinpah, ojo)

Tratándose de un producto tan vendible en su época, no defrauda aunque no llega a la altura de las producciones de Miller. Pero salva en su intención y su atractivo de película olvidada por las ruinas del VHS primerizo resulta incluso atractiva (con el permiso de Alicia Moro) visionándola si se tiene la oportunidad. No todo es mediocridad entre las cenizas.

Christopher Nolan decidió reinventar el personaje creado oor DC Cómics y que Tim Burton con relativo éxito y Joel Schumacher con más pena que gloria, adaptaron durante una irregular década y que tuvo ataviados en el traje del hombre-murciélago a actores como Michael Keaton, Val Kilmer o George Clooney. Sin embargo Nolan quería apostar fuerte por un nuevo batman resurgido de las cenizas de lo más tópico (al menos Burton le había conservado con sus aires más góticos porque lo de Schumacher era de gominola industrial), y contó con el protagonismo de un convincente aunque algo inexpresivo Christian Bale en el rol del multimillonario heredero Bruce Wayne.

Nolan rodaría una trilogía con el ecuador de la más realista y policíaca “El Caballero Oscuro” (The Dark Knight, 2008) y finalizada con la más floja “El Caballero Oscuro: la Leyenda renace” (The Dark Knight rises, 2012) pero que en el inicial “Batman Begins” deja claro con que cartas va a jugar: un atormentado Bruce Wayne (Christian Bale) aquejado por el sentimiento de culpa por no haber evitado el trágico asesinato sus padres, recorre el mundo, recurre a la delincuencia al otro lado de la Tierra para unirse a la Liga de las Sombras del. Y de las tinieblas, Batman rehúye de posibles pactos con el diablo para salvar Gotham City de la corrupción y delincuencia a la que podía haber sucumbido con o sin la indumentaria de Wayne.

El director con notables inicios en “Memento” (2000) y que llegó a fascinar como desconcertar en las singulares y complejas “Origen” (Inception, 2010) o “Tenet” (2020) nos ha dejado un legado del mejor Batman. De lo más pulido y arreglado de todas las adaptaciones, a cual más oscura como tenazmente brillante.

Divertida comedia dirigida e interpretada por el siempre desternillante y a la vez serio Paco León que no defrauda por un implacable sentido del humor hacia el tratamiento de ciertos tabúes en el sí de las relaciones sexuales.

Apuntando muy alto en la dirección, León ha dejado clara su línea y modo de hacer películas como “Carmina o revienta” (2012) o “Carmina y Amén” (2014), ambas interpretadas por su madre, Carmina Barrios y su hermana María León, películas sinceras muy cercanas. Con “Kiki el Amor se hace” se atreve a ir más allá de un simple anecdotario de película con historias cruzadas.

Varias parejas ven cuestionada su relación a través de sus filias sexuales que podría verse en peligro su estabilidad. La película está descrita con un tono irónico, divertido, fresco pero a la vez consciente del drama que puede suponer si no se gestiona bien el problema. Nuevamente el empleo del humor en las situaciones que se llevan a cabo entre las parejas protagonistas (entre ellos el mismo Paco León, Ana Katz, Candela Peña, Luis Callejo, Mari Paz Sayago y Luis Bermejo entre otros...) acaba confirmando un resultado más que predecible pero a la vez sano en su conjunto.