Si hablamos del formato VHS parece que nos quede muy atrás, es casi algo prehistórico, pero después de ver este maravilloso documental nos damos cuenta que ni queda tan lejos y que además los amantes del cine le debemos demasiado a este gran formato.

Aunque por desgracia en nuestro país ya es casi una utopía ver un VHS, en América siguen habiendo tiendas donde poder conseguirlos, son pocas pero aun se mantienen valientes como el que más y aguantan la embestida del DVD y Blu-ray.

Ver a gente como Jason Eisener, Mamoru Oshii o Lloyd Kaufman entre decenas de muchas otras personas influyentes del mundo del cine hablando con esa nostalgia, contándonos como este formato ya olvidado, se abrió paso en el mercado valientemente, apartando además a un competidor tan duro y tan superior como era el Betamax.

El trabajo de investigación realizado por el equipo de Rewind This! es admirable, a lo largo de hora y media nos cuentan casi 2 décadas de cine de la mano de expertos y amantes del cine y en especial del VHS. Disfrutaremos con curiosidades y anécdotas que jamás abríamos imaginado y como gracias a unos pocos valientes en los 80 y 90 pudimos disfrutar de un abanico de ofertas que hoy en día sería impensable con los formatos actuales.

Gracias Josh Johnson por no dejar que el verdadero cine no caiga en el olvido, ¡cuánto debemos al VHS y a sus películas directas a video! ¿Qué sería del cine de acción de los 90, ese tan cutre pero que hacía las delicias de todos nosotros cuando disfrutábamos alquilando en el videoclub lo último de Chuck Norris o Steven Seagal?

Abrid bien los oídos y escuchad como os cuenta el gran Lloyd Kaufman lo que los fans del terror como nosotros le debemos al VHS. Y si os consideráis verdaderos fans del cine de terror disfrutareis como niños cuando entrevisten a ciertas personas con colecciones de cine de terror, que ni los mejores videoclubs soñarían con ellas en su época dorada.

Por todo lo que he comentado y por mucho más es de obligada visión este potente documental que hará las delicias de todo amante del cine. Rewind This! es sin duda una de las mejores visiones al pasado que podemos tener a día de hoy. Preparar las palomitas, desempolvar vuestro viejo sintetizador y ponerle banda sonora a esta joya del pasado.

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Una película a priori muy interesante y con un inicio que promete mucho. Pero que se acaba perdiendo en sí misma, con un guión demasiado enrevesado, unas actuaciones mediocres y un ritmo que acaba por matar el conjunto. Nos quedamos con sus escenas de acción y la brutalidad que desprende la cinta, la cual no es poca. Aun así, no deja de ser un producto bastante justo en su totalidad. ¿Su título? Mala, sabiendo el título, lamentablemente nos dice todo sobre ella misma.

Rosario se dedica a impartir "justicia" a cambio de dinero. Pero ante todo tiene una norma, solo mata hombres que maltratan o abusan de otras mujeres. Se convierte en toda una leyenda, implacable e imparable. Aunque en al inicio sus actos fueron torpes y dejaba demasiadas pistas, tal vez eso sea lo que acabe pasando factura en su trabajo. Es ahí donde la policía empezará a indagar para intentar lograr atraparla.

El director uruguayo Adrián Caetano con los años se ha ido forjando un nombre en la industria por méritos propios, entre sus títulos Bolivia, Crónica de una fuga o Después del mar. Las cuales le otorgan gran experiencia tanto en thrillers como en dramas de gran calidad. Pero es sin duda una decepción mayúscula para un servidor, y tengo que decir que Mala posiblemente sea la peor película en el haber del director, tal vez quiso adentrarse tanto en su propia historia y quiso buscar tanto giro de tuerca que acabo perdiéndose en él. Aunque cierto es que a pesar que la historia es del propio Caetano, su guión esta co-escrito junto a Bruno Hernández y Luciana Piantanida, puede que tanta lluvia de ideas le haya acabado pasando factura.

Pero no todo es malo, pese a que su guión es un golpe fatídico al film y el ritmo de este tampoco es ninguna maravilla, su apartado artístico y técnico es sin duda su punto más fuerte. Las interpretaciones, destacando Florencia Raggi y su contrapartida en pantalla Rafael Ferro, cumplen sobradamente con su cometido, aunque tampoco logran imprimir ningún interés a una película que carece totalmente de alma. Destacar también el maquillaje genial que otorga un realismo y una crudeza en las escenas de acción realmente brutal.

Es una lástima ya que técnicamente lo tiene todo para triunfar pero su director no supo usar bien los ingredientes que tenía a su disposición. Su final el cual deja todo claro y bien atado, no compensa el tedioso camino que el espectador debe seguir hasta él.

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Desde América en los últimos años nos han llegado innumerables remakes, precuelas y secuelas, de películas que antaño triunfaron y ahora se busca desesperadamente su filón. Pero no solo los americanos son expertos en ello. Todos estamos enterados que hace poco se estreno el remake (genial, por cierto) de Evil Dead, acertadamente supo darle un giro mucho más macabro a la historia de Raimi. Ahora desde Suecia nos llega otro remake/homenaje o llamarlo como prefiráis, al mítico film de Sam Raimi. Partiendo con un presupuesto modesto pero con las ideas muy claras nos llega Wither.

Un grupo de amigos se dirige a pasar un fin de semana en una cabaña abandonada en mitad del bosque, ¿idílico verdad? Una vez instalados sufrirán la ira de un ser demoniaco que habita en el sótano de la choza. Indefensos y sin saber bien que está pasando empezaran a caer uno tras otro inevitablemente.

Segundo largometraje que firma el director Sonny Laguna, aunque esta vez no continúa su andadura en solitario ya que co-dirige junto al debutante Tommy Wiklund. Juntos realizan una pareja formidable en la dirección pero no tanto en la elaboración de su guión, el cual son responsables junto con David Liljeblad.

Pues es ahí, en su guión donde reside el gran problema de esta cinta. Cierto es que su historia es in crescendo hasta terminar por desembarcar en un final brutal cargado de grandes escenas de violencia, pero sus primeros pasos tediosos y los personajes insulsos y sin personalidad alguna. Y es esto último, lo que se convierte en una lacra que pasa factura finalmente al conjunto.

¿Su mayor virtud? Sin duda alguna, el ritmo que alcanza pasada la primera media hora, no para hasta que aparecen los títulos de crédito. También debemos destacar el trabajo, realmente sublime, que ha realizado el equipo de maquillaje. Nada que envidiar al estupendo remake de Fede Álvarez en este apartado, pues pese a tener un presupuesto notablemente más ajustado no se resiente para nada.

¿A quién va dirigida? Cualquier amante del buen gore no debería perdérsela, sin duda disfrutará. No es una película para pasar miedo, ni innovadora, pienso que tampoco lo pretende. En cambio su alta brutalidad y sus geniales muertes la convierten en algo muy disfrutable. Eso sí, no esperéis que este a la altura ni de la Evil Dead original ni de su remake, pero pienso que aunque bebe demasiado de estas, el producto final tiene una calidad respetable.

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El insólito incidente ocurrido en los montes Urales en 1959 ha dado pie a innumerables especulaciones sobre el suceso. La historia es extraña cuanto menos. Un grupo de nueve jóvenes se dirigía al pico Otorten, a realizar una travesía de esquí. Debido al mal tiempo decidieron acampar en la zona conocida después, como el paso Dyatlov, en honor al dirigente de la expedición Igor Dyatlov. La noche del 2 de febrero todos los componentes del grupo perdieron la vida de forma inexplicable. Las tiendas aparecieron rasgadas desde dentro. Abandonaron el campamento en plena noche con temperaturas inferiores a los -20ºC. Varios de ellos en ropa interior y algunos incluso sin calzado.

Cuando el equipo de rescate llegó a la zona el panorama hallado fue dantesco. Cuatro de los cuerpos aparecieron con graves fracturas, proporcionadas por alguna fuerza descomunal en un lugar donde no había huellas de lucha. Otros fallecieron de hipotermia sin ponerse sus ropas que, tenían a pocos metros de distancia. Incluso se encontraron altos índices de radioactividad en uno de los cadáveres, al cual le faltaban varias costillas y también la lengua. Todos estos hechos probados sucedieron en la realidad y han servido de premisa para la realización de esta película.

El experimentado director Renny Harlin vuelve a las cumbres nevadas donde rodó con Sylvester Stallone, hace ya algunos años, Máximo Riesgo (1993). Responsable de varias producciones de envergadura como Pesadilla en Elm Street 4 (1988) o Driven (2001), Harlin se atreve ahora con el metraje encontrado para ofrecer una propuesta tensa y enigmática a partes iguales. Con un guión plagado de tópicos y de frases hechas, típicas del found footage, la trama se desarrolla de manera lineal y deja transcurrir los minutos con diálogos poco productivos, para resolverlo todo en un confuso desenlace.

También los efectos digitales destacan por su mediocridad. Ni los aludes de nieve, ni las escenas de acción impresionarán a nadie. Además los compulsivos movimientos de cámara en dichas escenas, nos dejará con un aturdimiento mayor que el de una montaña rusa. Respecto al elenco, cumple con su cometido de forma correcta. Formado por actores con proyección internacional como Holly Goss, Matt Stokoe o Luke Albright, aportan su grano de arena para hacer más creíble la producción.

Un grupo de cinco estudiantes universitarios, decide ir a los Montes Urales en Rusia, para realizar un proyecto de estudios en el lugar conocido como Dyatlov Pass. Con el objetivo de desentrañar el misterio allí ocurrido, no tardarán en conocer de la peor manera posible, el terrible mal que habita en aquellas solitarias cumbres.

Gracias a la experiencia del director, que logra imprimir cierta tensión a lo largo del metraje, la película arriba a buen puerto sin desentonar demasiado. Aunque no aporte nada nuevo a un género, ya de por si sobradamente explotado.

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Hay películas que pasan a la historia por una escena que hace saltar las lágrimas, otras por su nivel de brutalidad, o simplemente porque nos hacen reír a carcajadas. Con la cinta de Michael S. Ojeda no podemos quedarnos con una sola escena, o momento. Es una de esas que es difícil definir, en un solo género. Tiene su pequeña pero entrañable historia de amor, tiene sus toques de ciencia ficción y tiene lo que a nosotros, los seguidores del terror y el gore nos encanta. Venganza, y además de la buena.

Un nivel de brutalidad muy elevado hacen de Savaged una película muy entretenida para todos los amantes del género. Es que sin duda estamos ante una de las sorpresas del año, a pesar de contar con un presupuesto modesto, sus ideas frescas y esa mezcla de géneros sientan al conjunto de manera formidable. Además, aderezado en su parte más cañera con unas muertes que son, sencillamente salvajes, sádicas y rematadas con un maquillaje de primer nivel.

Zoe, una chica sordomuda se dirige en coche a ver a su prometido. A mitad del camino, presenciará el asesinato de un indio a manos de un grupo de salvajes y despiadados racistas. Ahora han fijado su objetivo en la joven chica. Tras violarla, la asesinan y dejan tirado su cuerpo en mitad del desierto. Un nativo de la zona la encuentra en su lecho de muerte y tras intentar salvarle la vida logrará invocar a un antiguo espíritu de un jefe Apache asesinado en el cuerpo de Zoe. La venganza de este será traída del mismo infierno, será brutal y sin ninguna concesión.

Sin duda todo un ejercicio de buen hacer por parte de Michael S. Ojeda encargado de dirigir Savaged. Aunque su guión puede dejar a más de uno frío con alguna incongruencia y esa constante sensación de déjà vu que viviremos durante todo el film, no mancha el producto final, aquí hemos venido a disfrutar ¿no? pues sin duda no saldréis defraudados. Pues su guión sencillo y simple, solo es un medio para llegar a su apoteósico desenlace.
Por otra banda podemos hablar de la fotografía, también es responsabilidad de Ojeda, personalmente me ha encantado. La primera parte del film bien iluminada, mostrando los vastos paisajes desérticos, dan paso a la infinita oscuridad de la noche cuando la protagonista empieza su cacería.

Si hablamos de las actuaciones no puedo destacar a nadie ya que ni la protagonista Amanda Adrienne ni sus verdugos firman grandes actuaciones, ellos caen en el típico tópico de rednecks de la America más profunda y ella simplemente tampoco es que su papel exija una gran habilidad interpretativa.

Pero vamos a la parte más interesante de esta cinta, su maquillaje, el trabajo de Hugo Villasenor y Teresa D. Aguilar es de admirar, veremos tripas por doquier, cabezas fuera de lugar, flechas dejando a personas como un colador, vamos todo un repertorio de efectos especiales fantásticamente realizados. Por otra parte y como punto negativa están algunas escenas realizadas por ordenador que chirrían bastante, aquí los chicos de FX no han estado tan brillantes.

Para tener un éxito asegurado coge un poquito de I Spit on Your Grave, añádele a una familia de perturbados al estilo Los Renegados del Diablo y para aderezar el conjunto dale un toque fantástico y gore al más puro estilo Hatchet. Ahí tienes Savaged, aunque tal vez no llega al nivel de las mencionadas, el director ha sabido reciclar estas grandes películas de terror para traernos una formula sencilla y muy efectiva.

En definitiva creo que no defraudará a nadie, su título indica bien claro lo que nos espera.
No creo que nadie busque grandes giros de guión, ni interpretaciones de Oscar en una película con una temática rape & revange, si es así, creo que este no es vuestro género de cine y muy posiblemente acabaréis enfadados y culpando indebidamente al director. En cambio coged un buen cuenco de palomitas y dejad la mente en blanco durante su hora y media de duración. Así es como podréis disfrutar de las decapitaciones, amputaciones y demás brutalidades que el bueno de Michael S. Ojeda nos ofrece con Savaged.

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No os vamos a mentir si os decimos que nos hallamos ante unos de los mejores y sorprendentes finales de la historia del cine de terror. Todo el film está concebido para esa brutal conclusión. Solo alguien como Takashi Miike nos podría ofrecer dos películas en una. Una primera parte más cercana a una historia de amor y alejada de lo que habitualmente esperamos de este genio, y una segunda parte donde desata todo su arsenal de truculencia. No estamos ante la vuelta de tuerca tradicional, si no que al final de la escalera siempre hay algo, en este caso muy escabroso.

Audition es un punto de inflexión en la carrera de Miike, ya que fue su lanzadera definitiva en el plano internacional. Supuso para muchos espectadores un descubrimiento que marcaría un antes y un después en el cine más extremo japonés. Su brutalidad hizo que fuera censurada en varios países aunque más tarde acabarían cediendo ante una película de unos de los grandes genios cinematográficos de la historia, convirtiéndose en un film de culto dentro de su extensísima filmografía.

Sus protagonistas masculinos Ryo Ishibashi y Jun Kunimura son habituales en sus cintas, en cambio Eihi Shiina es un descubrimiento del director, ya que anteriormente solo había actuado en una obra dramática y por tanto muy alejada de los planteamientos de Miike, en este cambio de registro lo borda, y crea un personaje aterrador a la vez que único y original.

Vamos a hablar ahora del ritmo, el cual va in crescendo sin pausa hasta ese final que hemos comentado antes. El cambio de registro se produce casi sin darte cuenta, aunque el director va dejando pequeñas pistas.

Shigeharu es un cuarentón que enviudó hace 7 años. Hablando con su hijo adolescente decide dar el paso y rehacer su vida con una nueva pareja. Su amigo Yasuhisa le propone la solución definitiva que no es otra que hacer una audición para una película ficticia examinando a 30 candidatas. La elegida, en apariencia la mujer perfecta para el protagonista en contra de la opinión de su amigo, acabará siendo su perdición.

Miike nos vuelve a entusiasmar con una dirección estudiada al milímetro y que sorprende por su audacia. No tiene miramientos a la hora de explicarnos cualquier tipo de historia, y esto lo convierte en alguien único. Su capacidad de usar todo tipo recursos es sorprendente, juega con la curiosidad del espectador como quiere, usando flashbacks y mezclando sabiamente la realidad con los sueños. El guión de Daisuke Tengan basado en una novela de Ryu Murakami, es una lección de cómo explicar una historia que a simple vista no ofrece nada especial, pero que se torna en algo sublime. La fotografía es la habitual del director, vuelve a ser obra de Hideo Yamamoto y siempre consigue darle ese toque tan Miike. Parece grabado de manera amateur pero esconde unos planos realmente inquietantes. Da un poco la impresión de no estar muy bien acabada, pero eso hace que el argumento sea sumamente creíble, sin excesos, lo justo y necesario, y eso a la vez ayuda aun más a que su final sea apoteósico.

Estamos ante una de las obras cumbres del cine asiático en general, y en el de cine de género en particular. Una arriesgadísima apuesta que se convierte en una lección de buen hacer, y pese a sus carencias técnicas, consigue atraernos hacia el especialísimo mundo cinematográfico del director japonés, Audition es una película de obligatoria visión para todos los amantes del cine de terror, y nos atrevemos a decir para los amantes del cine en general. Antes de terminar solo una advertencia a los aprensivos, kirikirikirikiri...

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En una reputada empresa de marketing, una extraña relación surge entre una joven ejecutiva de cuentas con grandes ideas y su jefa. Esta relación especial carga a la historia de situaciones poco sospechadas.

Brian de Palma dirige y reescribe el descafeinado remake de la película francesa de 2010 Crime d’amour, dirigida por Alain Corneau.

En esta ocasión, el director americano vuelve a demostrar que es mucho mejor detrás de la cámara que como guionista, o reinterpretando historias.
Es desafortunado en prácticamente todos los aspectos comparables, salvando algún plano destacable, la historia es poco a poco desgarrada de todo lo que la hacia interesante.
Por un lado, escenas, planos y diálogos son prácticamente iguales, con el equivoco error de que las justas modificaciones que han sido realizadas, la mayoría en la recta final del film, cierran de manera muy poco creíble la historia respecto a la original, dejando lagunas de incredibilidad.

Por otro lado, Brian de Palma, cuenta con una desventaja muy grande para lograr un remake afortunado y es en los personajes. Debido a que es un thriller que pone todo el peso en las interpretaciones, dando valor a cada gesto y mirada. En la francesa encontramos un tándem perfecto entre Kristin Scott y Ludivine Sagnier, donde ambas interpretaciones ponen los pelos de punta, proporcionando gran intensidad a la historia.
En remake este tándem no termina de fraguar, principalmente porque con pequeñas pero importantes modificaciones del guión, el personaje de Christine interpretado por Rachel McAdams, pierde mucha personalidad rompiendo la conexión con el personaje de Isabelle, interpretada muy correctamente por Noomi Rapace.

Passiones como resultado final una historia poco afortunada con tintes poco claros hacia su título.

Como reflexión final y personal, me gustaría que pensáramos en ¿qué necesidad hay de hacer un remake de una película de hace tres años, bien dirigida y donde el resultado final por parte del equipo técnico y de los interpretes es más que correcto?

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"Como artista, me siento en el deber de intentar muchas cosas y atreverme a fallar". Eso dijo una vez el inolvidable y mítico pionero del cine independiente norteamericano John Cassavetes. Su hija Xan, en esta película lo intenta, y lamentablemente falla. En mi opinión, primero por el concepto. En los tiempos que corren un film vampírico nos puede parecer interesante, pero le falta esa chispa que toda buena cinta posee. En segundo lugar por la elección de la pareja protagonista, más parecidos a actores de cintas románticas que a tremendos monstruos sin alma, que es de lo que se trata.

Nos encontramos, curiosamente, con la paradoja de que los actores secundarios superan ampliamente a los que interpretan los papeles principales. Este es un peso que ha de cargar toda la película y que hace que se resienta excesivamente. En ocasiones hasta molesta porque es muy evidente. Me estoy refiriendo a las magníficas interpretaciones de Anna Mouglalis y Roxane Mesquida, en los papeles de Xenia y Mimi respectivamente. Saben dar ese toque distinguido a la vez que perverso a sus papeles, hay que tener en cuenta que son vampiros y no hermanitas de la caridad. En el lado contrario tenemos a Joséphine de La Baume y a Milo Ventimiglia, que encajarían perfectamente en una comedia edulcorada.

Otra cosa a comentar es la incongruencia de una historia de amor entre ese tipo de seres. ¿Os imagináis un romance aderezado con la más salvaje lujuria de una duración aproximada de 400 años?, yo no, y si alguna vez lo hago, dejarme de hablar. Afortunadamente en algunas escenas de Kiss of the Damned, se nos da a entender que para estas criaturas la fidelidad es algo digamos que difícil.

Djuna vive en una casa totalmente adaptada a sus necesidades “vitales”. Casualmente conoce a Paolo, un guionista que busca paz y tranquilidad para crear historias y que está un poco agobiado por su agente. Ese encuentro hará que las vidas de ambos cambie en el futuro. Ese futuro puede llegar a ser muy largo, casi eterno.

Xan Cassavetes aborda un tema un tanto recurrente donde ya nada nos puede sorprender. En sus roles de directora y guionista se deja llevar por una historia que parece que la arrastre y que deje de ser suya. No todo es negativo, ni mucho menos. Aparte de lo comentado anteriormente referente a los actores secundarios, destacar las magníficamente rodadas escenas de acción, con un suave y acertado toque gore, así como la excelente fotografía de Tobias Datum. Las localizaciones también destacan por su acertado preciosismo. Mencionar, aunque sea un tanto osado por mi parte y sin que sea totalmente negativo, cierta similitud con la mítica La semilla del diablo (Rosemary’s baby), sobre todo en las escenas corales. Puede que sea un pequeño homenaje a su progenitor, o que su sombra sea muy alargada.

Para finalizar resumiré diciendo: nada nuevo bajo el sol. Creo que está concebida para pasar un buen rato, en ocasiones lo consigue, en otras se hace un poco difícil su digestión. Es una buena alternativa a los recalcitrantes seguidores de este tipo de filmes. Para el resto solo será una gota dentro de un océano, eso sí, de sangre.

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El mundo del cine está repleto de películas en las cuales un grupo de personajes, con habilidades dispares y distintos objetivos, se unen para emprender una cruzada en busca de algún elemento común que motive a todo el grupo. Tal componente debe ser lo suficientemente importante como para obligar al grupo a colaborar entre ellos.

No existe un motivo estándar para la unión, y estos pueden ser tan diversos como las situaciones a las que tendrá que enfrentarse el grupo; desde el clásico y romántico viaje de vuelta al hogar de Ulises a través de los mares, hasta el más moderno y en auge grupo de supervivencia casual que solo quiere llegar a una zona libre de infectados. En este film, a pesar de que la cruzada es menos noble, nuestros protagonistas también atravesaran infinidad de situaciones para llegar hasta su tan apreciada cantina.

Whitehead es un esclavo que huye de su amo el cual pretende matarlo, pero para su fortuna, en el fragor de la batalla consigue escapar gracias en parte a la ayuda de Trower un saqueador de cadáveres que dice ser botonero. Después de entablar conversación con dos desconocidos más que también deambulan por el campo de batalla, nuestro particular grupo emprenderá camino en busca de una taberna, mientras se conocen y se cuentan sus respectivas historias y por qué huyen del campo de batalla.

Cuarta película de Ben Wheatley en la que nuevamente ejerce funciones de director y guionista acompañado otra vez por Amy Jump (Kill List). Como sus anteriores películas, nos encontramos ante un film de delicado; con excesivos planos cortos, largas escenas de conversaciones, en el que priva la historia y la relación entre los personajes pero con una diferencia notable respecto a los anteriores, la historia de fondo está llena de momentos que mezclan lo onírico por momentos y también lo psicodélico, que descolocan mucho al espectador y en numerosas ocasiones nos genera la duda de que es lo que estamos viendo. Hecho que para nada desmerece el film sino que le da un punto más atractivo, enganchándonos un poco más.

En el plano técnico y a una distancia descomunal del resto de aspectos, por su brillante excelencia, cabe destacar el espectacular trabajo de Laurie Rose (directora de fotografía) que no solo nos asombra con la naturalidad con la que queda representados los campos en los que sucede toda la película, sino que además consigue superar la limitación (a priori) de que toda la película este rodada en blanco y negro, convirtiéndola en una virtud más que una cadencia.

Centrándonos en el reparto, remarcar que como en las anteriores películas de Ben Wheatley, aparece de nuevo Michael Smiley (Kill List) que a pesar de no ser el protagonista en esta ocasión, deja su huella. Por otra parte, Whitehead, interpretado por Reece Shearsmith (The Cottage) es nuestro desdichado protagonista, esclavo obligado a ser erudito con innumerables conocimientos pero sin ningún instinto de supervivencia, condición fatal para estar en medio de una guerra y que inevitablemente le convertirá en una carga dependiente para el resto del grupo más curtido en estos temas.

Un buen film, a pesar que puede ser lento de digerir ya que nos descoloca en múltiples ocasiones, con una fotografía excelente que nos hará desconectar por momentos, dejando en segundo plano el resto de la historia.

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The Rambler es un hombre de mediana edad que después de salir de la cárcel no acaba de encontrar un lugar en su antigua vida. Asqueado del comportamiento de los seres que le rodean y de que no comprendan el cambio que ha sufrido en prisión, decide romper con todo y recorrer medio país haciendo autoestop con la esperanza de aceptar un trabajo de vaquero en la granja de su hermano. Pero su viaje se convertirá en toda una odisea repleta de personajes a cual más estrafalario que el anterior, y donde nada es lo que parece.

Segundo film de Calvin Reeder (The Oregonian) en el que vuelve a combinar las funciones de director y escritor, igual que en todos sus anteriores proyectos y que tuvo su estreno en la sección oficial de Sundance ´13. Como en su anterior largometraje nos vuelve a sorprender con un film inquietante a la par que desconcertante en el cual, no solo es difícil adivinar qué es lo que está pasando, sino que además, al terminarlo nos quedaremos con una sensación entre ignorancia e incomprensión que nos mantendrá un buen rato con la duda de que es lo que hemos visto y si realmente hay algún sentido en todo ello.

Lo más destacable de este onírico-psicodélico film es lo valiente y arriesgado de su planteamiento, que no novedoso pues puede recordar por momentos a Linch, sin querer ofender a los fans más acérrimos de este, pues no llega a estar a su altura.
Pese a que a priori se nos plantea un buen cóctel (amor, momias, monstruos, road movie, sangre, un científico loco…) el resultado una vez servido en la copa no tan atractivo como pueda parecer y toda su originalidad queda diluido en un sin sentido del que podemos extraer un par de moralejas, la cárcel te cambia y por mucho que huyas tus problemas te atrapan.

Otro detalle a destacar es que los personajes principales, no así el resto, no poseen nombre. The Rambler el héroe o más bien el antihéroe principal, interpretado por Dermot Mulroney (Stoker, Jobs) que recorre medio país al más puro estilo cowboy con su equitación de sombrero, gafas de sol y guitarra; y que además de ser poco hablador, pase lo que pase nunca se ve superado por la situación. Le acompañan durante esta singular odisea, James Cady el científico loco y Lindsay Pulsipher (The Oregonian) la chica.

Resumiendo, un film a priori interesante, difícil de ver y con larga digestión, que nos aturdirá a la par que nos dejará desorientados; solo recomendados para aquellos que quieran ponerse su gorro de pensar en busca del trasfondo de este sin sentido alocado y con un toque algo macabro.

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India es uno de los países más prolíferos en cuanto a producciones cinematográficas. Al año nos regala cientos de thrillers, pero tan redondo como el que nos ocupa no sucede tan a menudo. Estamos ante una película sin grandes alardes pero que goza de una factura impecable y una trama muy bien hilada.

Oscura y contundente es como mejor podría definir a Monsoon Shootout, la nueva película de Amit Kumar, una coproducción entre India y El Reino Unido que nos sumerge en los bajos fondos de Bombay.

Adi en su primer día de trabajo como policía tendrá que lidiar con una decisión que marcara el resto de su vida. Durante una redada en los suburbios se las verá cara a cara con Shiva, un despiadado asesino a sueldo. Dispararle o perdonar una vida, tan solo un instante para decidir su futuro.

Un debut brutal, un film electrizante el que nos regala el director Amit Kumar, que también firma un guión estudiado al milímetro y que nos ha dejado un sabor de boca inmejorable. Que pese a tener ese guión tan bien hilado peca de repetitivo y en algunos momentos su ritmo pausado puede que acabe con la moral de más de uno, aunque su trabajo tanto en la dirección como a la hora de narrarnos los hechos es exquisito.

Unos personajes bien interpretados, sobretodo Nawazuddin Siddiqui en el papel de Shiva y Vijay Varma como Adi, pero que dejan la sensación de poco profundos y algunos secundarios interesantes poco elaborados. Todo esto es debido a su corta duración, escasa hora y media que no deja tiempo para más.

La fotografía de Rajeev Ravi retrata Bombay como nunca antes la habíamos visto, lugares donde nadie querría encontrarse solo de noche y callejones oscuros son dos elementos omnipresentes durante todo el metraje.

Atentos a los próximos trabajos del director indio, tras irrumpir en la gran pantalla con este fabuloso thriller, se posiciona como un nombre muy a tener en cuenta en sus futuros trabajos.

Por el momento puedo afirmar algo, si lo que buscáis es un buen thriller oscuro y con un gran guión esta será vuestra película. Queda demostrado que no solo los coreanos son capaces de hacer grandes thrillers con personajes inquietantes y elaboradas tramas. Monsoon Shootout llega con más fuerza que un monzón.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/monsoon-shootout-review.html

Brillante y reluciente como el cometa que cruza el negro cielo bajo el asombro de un grupo de amigos que se han reunido para cenar.

En 1923 el paso de un cometa hizo que los habitantes de un pueblo de Finlandia quedaran totalmente aturdidos y absortos, hasta tal punto que una mujer llamo a la policía alegando que el hombre que había en su casa no era su marido. Décadas más tarde un grupo de amigos recuerdan esta historia aprovechando que están reunidos para ver el paso de un cometa.

Coherence, es un film como bien definió el director James Ward Byrkit, “empieza y puede terminar cuando quiera e interprete cada uno de nosotros”. Es posible decir esto únicamente en películas como esta, en que el público es invitado a la reflexión, tanto durante como días después donde sigues pensando y comentando junto a otros cinéfilos que hayan tenido la suerte de poder disfrutar de ella.

Los protagonistas de tan original movie, son y por partes iguales sin enfatizar en ninguno en concreto para evitar toda posible pista u spoilers, Hugo Armstrong, Emily Baldoni, Nicholas Brendon, Elizabeth Gracen, Lauren Maher, Alex Manugian, LoreneScafaria y Maury Sterling. Destacar que todos y cada uno de ellos cumple su cometido al dar total naturalidad a los personajes que tanto necesitan de ella para que la historia funcione.

Dirigida por el mencionado anteriormente James Ward Byrkit debutante en la gran pantalla. Iniciando el metraje con la filmación de una enérgica cena de viejos amigos cargados de enigmáticas conversaciones y sorprendentes reacciones ante todo lo que va sucediendo en la historia, donde como único telón de fondo encontramos las paredes de un salón donde se desarrolla la mayor parte de la trama.

Redonda narración producto de un soberbio y bien cerrado guión, en el que una distendida conversación inicial sirve a la vez de presentación para todos los personajes y también como prologo a la obra, mezclándose poco a poco con el desarrollo de los acontecimientos y atrapando al público, que se ve inmerso en un enigmático dilema sin prácticamente poder haberse dado cuenta. Para cuando creáis tener una idea de lo que esta sucediendo y con la duda de ¿que sucederá después?, la historia se bifurca en una recurrente salida, dando por finalizado gran parte del dilema y dejando abierto más vías, pero satisfaciendo al sorprendido publico.

Una de las historias más originales y mejor finalizadas de este año.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/coherence-review.html

Esther, una embarazada en su último mes de gestación, sufre el ataque de un asaltante que le provoca el aborto forzado. Afectada a raíz de este percance acudirá a reuniones de apoyo para superar el trauma, donde conocerá a Melanie, una amistad turbia que lo complicará todo.

Es inevitable que nuestra cabeza se dispare en un millón de posibilidades para escribir la película en nuestra imaginación cada vez que leemos una sinopsis, especialmente si es como la de las líneas superiores, donde uno puede creer que tiene la trama inscrita en su mente, cuando lo que en realidad no sabe es que está a punto de ser sorprendido por una historia que no está entre las posibles.

Inicio impactante y sorprendente, que desvela la crudeza del thriller en código de drama y terror en unos primeros minutos en que el espectador prácticamente no tendrá tiempo para acomodarse en la butaca. De esta manera el director Zack Parker, impone un ritmo a la historia que solo se verá igualada al final del metraje, creando una montaña rusa entre las dos claras historias que componen Proxy.

Todo ello acompañado por una banda sonora prácticamente inexistente, donde el silencio se hace fuerte en este apartado y que junto a secuencias a cámara lenta disparan el suspense en las situaciones más violentas y trascendentales de la personalizada obra que firma con Kevin Donner.

Historias conducidas por unos sorprendentes personajes, que deslumbran en una evolución individual fruto de un guión brillante y una definición por parte de los intérpretes que tiene como fruto la total credibilidad y sorpresa por parte del inverosímil público, que verá como con un guión original y bien detallado hace que la historia pueda cambiar de ritmo y tomar rumbos opuestos sin rozar la incredibilidad, tan presente en los thrillers actuales.

Los aludidos actores y actrices son Alexia Rasmussen como Esther, la embarazada protagonista y conductora de la primera parte del film, Alexa Havins como Melanie, estrella de la segunda parte de esta entrelazada historia que como nexo de unión se sirve de, Kristina Klebe y Joe Swanberg.

Obra totalmente recomendada a todos aquellos que disfruten con los thrillers, el drama y el terror de historias inusuales y personajes con mucha identidad. No obstante, esto es cine. Las divisiones de opiniones son una de los puntos que hace más grande esto que algunos llaman puro entretenimiento. Quiero decir con esto que la interpretación es libre.

Una historia esquizofrénicamente recíproca.

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Io che non vivo più di un'ora senza te
Come posso stare una vita senza te

Eso nos cantó acapella el gran Pino Donaggio recordando sus viejos tiempos de cantante melódico allá por el año 1965, en la presentación de Patrick en el Festival de Sitges de 2013, y empiezo por aquí para resaltar la excelente banda sonora que ameniza una cinta que seguramente sería otra sin ese importante aditivo. En su principio nos da una clase magistral de como aderezar musicalmente un producto. A medida que transcurre la cinta, sin embargo, se va diluyendo ante unos estruendosos efectos de sonido.

Mark Hartley adapta la homónima de 1978 rodada por Richard Franklin, y que ganó el premio al mejor director en el mencionado festival de ese año. Su intento lo podemos considerar como positivo en general, ya que posee como mérito principal el de mantener la tensión en todo su metraje. Por medios no será, cuenta con un excelente elenco de actores, encabezado por Sharni Vinson y Charles Dance, una producción muy cuidada, y una historia escabrosa y perturbadora.

La experimentación médica siempre es un tema que atrae nuestra atención. No por los beneficios que se pueden obtener de ella, si no por la morbosidad inherente al ser humano al comprobar los efectos que produce. Dichos experimentos los podemos dividir, de una manera simple, en físicos y psíquicos. Los primeros son rápidamente visibles. Los segundos no lo son a simple vista, pero pueden producir unos resultados espeluznantes. Y es que la mente humana es tan compleja que puede con todo, hasta con doctores que no dudan en traspasar, sin ningún remordimiento, los límites de la ética. Pero, ¿a quién le importa?, los enfermos mentales están escondidos, como algo que a las personas "normales" nos produce temor, quizás sea porque, como se dice, hay más fuera que dentro.

La historia transcurre en un psiquiátrico regentado por un elegante, a la vez que siniestro Dr. Roget. Sus pacientes tienen la particularidad de estar en coma. Entre ellos se encuentra Patrick, que permanece en ese estado después de un intento de suicidio. Cuando llega la nueva enfermera Kathy Jacquard, se entablará entre ellos una relación que va más allá de la simple enfermera-paciente.

A través de un bien hilvanado guión de Justin King, que adapta a los tiempos actuales el antiguo de Everett De Roche, esta producción australiana nos dibuja una trama que pretende ser angustiosa y perturbadora. Lo consigue a medias, puesto que no alcanza los niveles que podríamos esperar. El tema da para mucho pero se centra demasiado en explicarnos esa enfermiza relación comentada con anterioridad. Entre lo mejor está, aparte de la mencionada banda sonora, la atmósfera oscura en la que transcurre, mérito de Garry Richards a cargo de la fotografía.

Entretenida película, mezcla de thriller y terror, en la cual encontraréis cosas muy positivas y otras no tanto. De vosotros depende inclinar el plato de la balanza a un lado o al otro. En mi caso lo hago hacia la parte más positiva. Motivos no le faltan.

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Sin duda cuando el trío formado por el director Edgar Wright, y los actores Simon Pegg y Nick Frost se une, no hay nada ni nadie que los detenga. Ya los hemos visto enfrentarse a todo tipo de contratiempos, hordas de zombies inclusive. Ahora en la que dicen que será su última andadura juntos tiene dos misiones, salvar a la humanidad de la inminente invasión y saldar una cuenta pendiente con su pueblo natal. A un ritmo vertiginoso, y con una de las parejas con más química en pantalla disfrutamos con The World's End.

Gary King junto a sus cuatro mejores amigos eran los reyes de su pueblo natal, todas unas leyendas en los bares locales, pero los años pasaron y se distanciaron. Pero Gary vuelve a reunir a todo el grupo para llevar a cabo un logro que se les quedo pendiente de cumplir, un recorrido por los doce bares del pueblo. Reacios de inicio todos acceden, pero pronto se darán cuenta que los lugareños actúan de forma muy extraña, lo que empieza como una reunión de viejos amigos terminara por una lucha por la libertad de toda la humanidad.

Edgar Wright ya es todo un sinónimo de calidad, además uno de los mejores directores que en los últimos años han tenido mayor acierto a la hora de mezclar dos géneros tan opuestos como lo son el terror y la comedia, sino me creéis podéis echar un vistazo a Zombies Party. En su nueva película deja de un lado nuestros viejos amigos los zombies para dar paso a un enemigo mucho más moderno, los robots o como prefieren ser llamados "no blanks".

Solo este gran trío podría ser capaz de hacer reír con una película sobre una invasión a la tierra a toda una sala de cine. Sus gags como siempre son geniales, pero sí que es cierto que abusan de los guiños a sus anteriores films, uno gusta, pero llega un momento que hay que saber parar.

Con más acción que en sus anteriores películas, y un presupuesto acorde a la fama que se ha ido ganando merecidamente, Edgar Wright da toda una lección de cómo la humanidad pese a sus muchos defectos, si hay algo que tiene es que superamos cualquier adversidad.

A los seguidores de estos tres cracks sin duda os lo pasaréis en grande, no llega a ser tan redonda como sus dos anteriores grandes trabajos, pero estoy seguro que como mínimo os arrancará muchas carcajadas. Para los que aun no conozcáis el trabajo de este buen hombre, es una buena excusa empezar con The World's End, la perfecta unión entre el cine más comercial pero siempre con su toque más personal.

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La enésima aparición del doctor Frankenstein en la pantalla grande viene esta vez, ambientada en las postrimerías de la segunda guerra mundial. Es evidente la repercusión generada en el séptimo arte por la obra que Mary Shelley tuvo a bien escribir allá por el año 1818. Cientos de películas con mayor o menor fortuna han desfilado por salas de todo el mundo con todo tipo de versiones, algunas de excelente factura. En Frankenstein’s Army, vemos un punto de vista diferente y también muy sorprendente respecto al mito del demencial doctor. El holandés Richard Raaphorst firma el proyecto en su primer largo y el resultado es bueno. Cámara en mano y filmada a modo de mockumentary, las imágenes pueden resultar a veces algo mareantes, aunque no es la tónica general del film.

El argumento sencillo pero eficaz nos introduce poco a poco en la historia y deja para el final lo mejor de la trama. Para entonces ya estaremos más que enganchados al ver la gran cantidad de aberraciones, creadas por Frankenstein, surgir sin previo aviso en cualquier momento. El prolífico doctor no se conforma con generar un solo monstruo que inunda la cinta con decenas de ellos. Las imposibles criaturas tienen un marcado aire victoriano y causan sensación por su enorme rareza y singularidad. Además, cuentan con un trabajo de maquillaje excelente que denota un presupuesto austero pero bien aprovechado.

El reparto cumple su cometido con corrección y ayuda a mantener el interés debido a su naturalidad. Aunque el actor checo Karel Rodden en su papel de Vicktor Frankenstein destaca por encima del resto. Hemos podido verle interpretar personajes de cierta importancia en multitud de títulos de diversos géneros, como RocknRolla de Guy Ritchie o Hellboy de Guillermo del Toro.

Noreste de Alemania 1945, un grupo de soldados rusos queda atrapado en territorio enemigo. A la espera de la invasión por parte de las fuerzas aliadas, se encuentran con una siniestra población la cual parece estar bajo la influencia de algo maligno. Pronto descubrirán el motivo, el doctor Frankenstein trabaja allí para los nazis en un desesperado intento por mantener el poder de Alemania sobre el mundo. Sus experimentos con seres humanos, sobrepasan con creces cualquier barrera moral que haya existido.

Película original a la par que extravagante, demuestra una excelente ambientación, unos recursos bien aprovechados y una innegable predilección por lo grotesco. Sin duda hará las delicias de cualquier aficionado que disfrute con lo antiestético y lo desagradable.

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La última salvajada del director de Hostel, se sumerge de lleno en el género de caníbales para mostrar la fragilidad de la jungla y su problemática, cuando hay intereses económicos de por medio. Los habitantes de la zona pierden todo lo que siempre han conocido sin que al parecer, nadie pueda hacer nada por evitarlo. Para reflejar esto, el director y su equipo se trasladaron a la selva peruana donde, como el mismo director reconoce, han vivido “una experiencia salvaje e increíble”.

El guión corre a cargo de Guillermo Amoedo y del mismo Eli Roth. Directo al grano y sin rodeos, refleja con sinceridad el choque de dos civilizaciones muy diferentes. Los indígenas con sus costumbres ancestrales y los activistas de fin de semana, que armados con sus teléfonos móviles conectados a internet, están dispuestos a vivir un viaje de aventura el tiempo justo y necesario para no trastocar demasiado sus vidas.

Para cuando comienza el gore, ya estaremos metidos de lleno en el film y la enorme oleada de sangre no dejará indiferente a nadie. Con unas dosis de fluido vital mareantes, las escenas tan explícitas de amputaciones o de cadáveres empalados, harán las delicias de los aficionados al género. Sin lugar a dudas, se evidencia un honesto homenaje a la obra de Ruggero Deodato, Holocausto Caníbal (1980).

Acerca del elenco, el director se ha rodeado de un conjunto de actores que sin ser demasiado conocidos tienen experiencia de sobra para un proyecto como este. Lorenza Izzo que ya viéramos en Aftershock, realiza el papel protagonista y no desmerece. También Nicolás Martínez, otro de los habituales del director trabaja, como siempre, natural y espontaneo. El personaje del ingrato Daniel es para Ariel Levy que consigue generar y canalizar el odio del espectador hacia él.

Un grupo de acomodados universitarios decide ir a una remota región del Perú para impedir la destrucción de un poblado indígena expuesto a la especulación comercial. Todo se tuerce cuando un fatídico accidente aéreo, les deja perdidos en la espesura. Los jóvenes sentirán en sus carnes los gustos culinarios de los habitantes de la zona.

Grandes son las expectativas cada vez que Eli Roth dirige o produce una película. Por este motivo, la exigencia hacia el director y su trabajo es cada vez mayor. El metraje dejará un buen regusto al espectador que no tenga las perspectivas demasiado elevadas.

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A pesar de su extensa duración, Johnnie To y su equipo de guionistas encabezado por su inseparable Ka Fai Wai, nos explican, de forma sublime y muy entretenida, una intrincada historia que mezcla sabiamente el terror, la comedia, el thriller y porque no decirlo, una peculiar historia de amor. Esta curiosa mezcla acaba regalándonos una obra de envergadura por su calidad y su originalidad. Esto no lo digo por el hecho de que su protagonista sea ciego, como se puede adivinar por el título, si no por su acertada exposición.

Es curioso observar cómo se va desarrollando la espesa trama, con innumerables giros y la especial forma de llevar a cabo una profesión que nos puede parecer tan interesante como es la de detective. Por investigar se podría hacer todo, en el caso de nuestro protagonista, magníficamente interpretado por Andy Lau, se le encomienda la difícil tarea de resolver casos que ocurrieron en el pasado y que quedaron sin solucionar. Esto provoca que se mezcle ese pasado con el presente provocando situaciones cuanto menos que divertidas. Y es que tenemos de todo, asesinos en serie, celosos y violentos maridos, abuelas enamoradizas, en fin unos personajes muy variopintos que harán las delicias de los espectadores.

Al mando de todo esto tenemos a Johnnie To. No me voy a extender hablando de un director de su talla, solo comentar que en este film da rienda suelta a una dirección, podríamos de decir que perfecta. Primeramente por el ritmo, frenético en algunos momentos, pausado en otros. Conecta con nosotros de inmediato, se hace nuestro aliado, nos da la mano en los pocos momentos confusos que tiene la cinta, y sale airoso de todo ello.

Johnston, detective de nivel, tiene que dejar el cuerpo de policía al perder la visión en plena acción. A partir de entonces se dedica a resolver casos no solucionados por la policía. La bella Ho Ka Tung le admira profundamente, y acude a él para solucionar la misteriosa desaparición de una amiga. En ese momento comienza un juego en el que ambos buscaran resolver sus problemas apoyándose mutuamente.

Fantástica película hongkonesa que confirma la excelente calidad de las obras realizadas en ese país. De factura perfecta en todos los aspectos, nos marca de manera clara esa marca de fábrica que tanto nos gusta. El cine es universal y el lenguaje empleado en Blind Detective cada vez nos es más cercano. No obstante su excesiva duración choca un poco con una película de estas características. Quizás nos quiera explicar demasiadas cosas, pero eso es una opción a la cual se le pueden poner pocas pegas. Es de destacar la química existente entre los actores que la protagonizan, Andy Lau y Sammi Cheng, que no realizan el clásico y manido duelo interpretativo, si no que se complementan a la perfección. El resto del reparto esta a gran altura, y eso que es extensísimo, pero los personajes están dibujados como lo hacen los grandes artistas, con cuatro rayas. En el resto del apartado técnico mencionar que no le sobra ni le falta nada, y es que la importancia y lo que sustenta toda la cinta es su magnífico guión.

Ya está dicho todo. Estamos ante un film de gran altura, el cual os animo a visionar fervientemente, no porque sea un fan irreductible del cine asiático, que no lo soy, si no porque ante la calidad y el buen hacer nos tenemos que rendir sin mirar nada más. Excelente.

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Cuando vamos al cine a ver la nueva película de Sion Sono no sabemos si nos va a gustar lo que nos prepara, pero lo que podemos saber con certeza es que no nos dejará indiferentes. Como gran seguidor de este genio de lo bizarro y lo extremo no he salido defraudado, es más, he disfrutado como un enano. Al ver el The End, solo queda ponerse en pie a aplaudir. El director nipón vuelve a demostrar que hay momentos y lugares donde los extremos están justificados.

Que os espera con Why Don't You Play in Hell? No es fácil de responder a esa pregunta, para empezar como es evidente tenemos yakuzas, pero es que también hay samuráis, tenemos grandes dosis de gore, tiroteos, grandes batallas con katanas y uno de los sellos personales que no podía faltar, las chicas sexys, pero aunque es raro, no muestran más allá de lo que nuestra imaginación pueda llevarnos. Aunque por encima de todo esto lo que hay es una muestra de amor por el cine en general y de cómo los sueños y las ilusiones se pueden acabar tornando realidad.

Un grupo de cineastas aficionados que se hacen llamar los The Fuck Bombers tienen una ilusión o más bien un deseo que cumplir, realizar una película que sea jodidamente buena, sea cual sea el precio a pagar. Su sueño se verá cumplido cuando dos grupos yakuzas les ofrezcan el trabajo definitivo, solo hay una oportunidad de conseguir la película perfecta, no da opciones a segundas tomas.

Como viene siendo habitual en el director Sion Sono, vuelve a firmar tanto dirección como guión de la cinta, y a esto debemos añadirle la responsabilidad del apartado sonoro ya que también firma como compositor. Su trabajo, impecable, creo que seas admirador o detractor de este personal y polémico director, si hay que reconocerle algo es su genial trabajo dirigiendo. Y ya que estamos aunque no siempre gustan, personalmente he de reconocer que hay veces que la cabeza me estalla con sus guiones de locura extrema, originalidad no le falta y creo que nunca le faltará.

En cuanto a la fotografía, un invitado de lujo para la ocasión, cuenta con los servicios de una eminencia en el tema, y todo un habitual de Takashi Miike, hablamos de Hideo Yamamoto. Capaz de captar toda la acción en un espacio mínimo y ofrecernos todos los detalles hasta el más minúsculo de ellos, tranquilos que no os vais a perder ninguna amputación.

Ahora sí, la parte negativa del asunto, uno de los motivos que no tenga la nota máxima es su gore, ¿por qué? El abuso en el uso de la sangre digital acaba por pasar factura al maravilloso final. Aun así disfrutaréis como niños con esta locura.

Amantes del cine extremo, freak y bizarro, o simplemente amantes del cine de Sion Sono, preparados para un festival de excesos llevado a cabo con un su singular sello de la casa. Si esperáis ver un film al uso mejor que no lo intentéis ya que os podría implosionar la cabeza.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/why-dont-you-play-in-hell-review.html

La vida de Ian ha estado íntimamente relacionada con la muerte desde su niñez, al ver morir a su padre y a una compañera de escuela. Ya adulto, le resultará imposible entender el comportamiento humano. Ahogado en si mismo, tratará de encontrar su propio camino en la vida en intima relación con la necrofilia.

El inicio floral, al igual que el final nos descoloca y a la vez nos recuerda que la película es una adaptación de la novela japonesa Kei Oishi con el título original “In love with the dead”. Como desvela el título de la novela, el film trata como motivo principal la relación de Ian con la muerte en un estado de amor puro que escapa a lo que los seres humanos normales estamos acostumbrados a entender como amor.

El objeto principal del film es precisamente mostrar la evolución del personaje principal, haciendo un seguimiento de su vida y de su manera de interpretarla al más puro estilo “Hikikomori”, con la única referencia de un libro heredado y creado por su propia madre como biblia personal para el personaje.

El director Brendan Muldowny logra la fluidez de la narrativa en los noventa y cuatro minutos de metraje gracias a la magnífica y clara fotografía de Tom Comerford meritorio en un relato tan negro como este y de la peculiar banda sonora firmada por Bart Westerlaken, en una demostración continua de cómo potenciar momentos de autentica sátira y humor negro, con canciones que disfrutaremos e incluso tararearemos en la sala.

Momento de hablar del casting, reducido principalmente en cuatro papeles, tres de ellos femeninos, interpretados por Amanda Ryan, Emma Eliza y Pollyanna McIntosh de la que esperábamos mucho más protagonismo, pero que al igual que sus dos compañeras de reparto aparece escasos minutos, tomando todo el protagonismo y peso de la historia el actor Robert de Hoog que de menos a más va logrando una convincente interpretación en un depresivo personaje que juguetea continuamente con acabar con todo.

El momento más crítico lo encontramos en el final, bien cerrado en cuanto a definición y argumento, dando una posición clara por primera vez en toda la película al personaje de Ian, pero no por esto, exento de discusión entre el público más avieso.

Si queréis disfrutar de un drama Irlandés, lleno de momentos enigmáticos de humor negro con aroma a muerte, no dejéis escapar esta peculiar manera de amar. Por otro lado si pretendéis encontrar escenas duras o gore, que no os engañe el argumento, aquí no las encontraréis.

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