Hay variedad de opiniones en lo que a la distinción entre terror y horror se refiere. Equivocada o no, yo siempre he tendido a pensar que el terror es aquel temor a lo desconocido, esa sensación de inquietud, el instinto primario de protección ante una amenaza abstracta, el miedo anticipado al dolor. El horror, en cambio, lo entiendo como una reacción ante la confirmación o representación de ese temor, ya sea en forma de imagen, sonido u otro tipo de experiencia sensorial.

Las películas de miedo juegan constantemente con ambos conceptos, a veces premiando una más que otra, es la eterna dualidad entre sugerir y mostrar. El tan citado torture porn, por ejemplo, trae consigo normalmente una exposición tan gráfica que evidencia un horror muy explícito. En cambio, películas como Across the River construyen su base sobre la simple y primitiva sensación de un terror que va creciendo en el interior poco a poco y se va apoderando de tu mente, sugestionando, acrecentando un sentimiento de desprotección ante alguien o algo que envenena el ambiente.

Lorenzo Bianchini dirige una cinta casi de terror minimalista. Aunque hay más de un personaje en la película, el mayor peso protagonista recae sobre los hombros de Marco Marchese, quien interpreta a un biólogo que se traslada a una montaña boscosa para estudiar el comportamiento de la fauna salvaje. La cámara sigue de cerca la rutina solitaria del personaje en una espiral de silencio solo interrumpida por una pareja de ancianos que funcionan casi como narradores paralelos de una misteriosa historia oculta que se va desvelando al espectador y al protagonista a través de sutiles detalles.

Perseguido por ecos de otro tiempo y envuelto en oscuridad, el personaje principal se deja llevar por una justificada curiosidad científica y queda atrapado en las ruinas de un pueblo abandonado a causa del mal temporal. Allí empieza a experimentar señales inequívocas de que no está solo: extraños ruidos y lamentos fundidos con una lluvia constante hacen tambalear su estabilidad mental y llevan al espectador a un estado de confusión narrativa y temporal.

Si buscáis inmediatez, esta no es vuestra película. Across the River requiere cierta paciencia y disposición a dejarse absorber por una narración pausada y su inquietante atmósfera que se va cociendo a fuego lento. Tiene algo de esa construcción lenta y sosegada pero sólida de La casa del diablo de Ti West o de la soledad del protagonista de Rodrigo Gudiño en su magnífica The Last Will and Testament of Rosalind Leigh.

Bianchini convierte al espacio en un personaje más gracias, sobretodo, a un excelente diseño de sonido que da vida al entorno natural y a un misterio intangible que crea una tensión in crescendo en sus compases finales. Es también interesante el uso inteligente que hace de los vídeos que registra el protagonista, logrando puntuales imágenes escalofriantes sin abusar del explotadísimo formato found footage (un logro que ya consiguió Sinister con el Super 8).

Cierto es que no le vendría mal un recorte de minutaje, y que en ciertas escenas cercanas al desenlace peca de dejarse llevar por algún convencionalismo típico del género, pero por otro lado aplaudo lo sutil, abrupto y conciso de su final.

Aislamiento, soledad, sugestión y una banda sonora muy acorde con lo descrito a lo largo del texto se imprimen en el subconsciente sin darte apenas cuenta. Across the River es una pequeña joya que merece ser descubierta.

http://www.terrorweekend.com/2013/11/across-river-review.html

El título define exquisitamente la situación en la que se encuentran los dos únicos protagonistas principales del corto, fijando además la naturalidad acertada y directa con la que se podría definir el mismo, que ante todo, goza de una sorprendente cotidianeidad.

Thriller psicológico que dirige y escribe Arantxa Echevarría en su tercer corto como directora, asombrando por la gran calidad en la dirección, ralentizando imágenes y acelerándolas a su antojo, logra además el impacto en el espectador gracias a la ambientación y el justo momento en que sitúa la historia. Porque existen muchos tipos de terror, especialmente desde que tenemos la capacidad de escribir, pintar, generar música y especialmente de hacer cine, donde monstruos, fenómenos paranormales y asesinos en serie han tenido su lugar. Pero el terror que nos puede llegar más adentro es precisamente el que creemos real, el que nos puede suceder a nosotros, como dice el título, De noche y de pronto, en la rutina de nuestro día a día.

Con el acierto del tema principal, un ritmo ágil a la hora de contar la historia y con los fogones de fondo mientras una sartén fríe verduras, encontramos la magia de los cortos, esos pequeños fragmentos de video, en duración, pero no en originalidad y calidad que logran atrapar al público, con sus sorprendentes historias. Donde la escasa duración es premiada por el seguidor acérrimo a estos formatos, aunque cortos como el sintetizado hoy, cuenta con la habilidad para sumergirnos en la historia y hacer que los casi veinte minutos de metraje se conviertan para el seguidor en un pequeño espacio de tiempo en la butaca.

Todo ello posible como mencione anteriormente gracias a una ambientación, no solo en términos de situación y localización en la historia, sino también por la fotografía de Pilar Sánchez Díaz y la puesta en escena de los dos actores que, como dice el tópico “brillan con luz propia”, dentro de la oscura situación, tanto Alicia Rubio como Javier Godino, destacan notablemente, pero es este último el que hace el ejercicio más complicado de interpretación, que no voy a detallar, para no destrozar el corto a nadie que no haya tenido todavía la suerte de visionarlo.

La única nota negativa a destacar es un final que podría haber sido resuelto con mucha más sencillez y coherencia con la realidad y el buen nivel del guión.

Entretenido, original y asfixiante por momentos, de obligado visionado.

http://www.terrorweekend.com/2013/11/de-noche-y-de-pronto-review.html

He comentado más de una vez esa pequeña cosa, a la que no sabría qué nombre ponerle, que diferencia un buen producto cinematográfico de algo excepcional. En Sequence estamos ante esto último. Maravillosa en todos los aspectos, tanto técnicos como artísticos. La trama es sumamente original y nos da píe a pensar porqué a nadie se le había ocurrido antes, y es que es acertadísima por su sencillez.

Carles Torrens, autor entre otras de la interesante Emergo, ha sabido dar un golpe de timón en su carrera. En este caso lo hace en las facetas de director y guionista. Sin duda alguna un escalón de calidad que dará que hablar.

Billy comprueba al despertarse por la mañana, que todo el mundo con el que se cruza ha soñado con él. Por las caras que ponen no parece un sueño muy divertido. La supuesta realidad se encargará de crear todavía más confusión.

Increíble obra, encerrada en el formato corto, que para nada desmerece el de las grandes producciones. Su ritmo es trepidante apoyado en un guión perfecto que no deja escapar nada. Tiene de todo, efectos especiales, acción, suspense, ligeros toques de humor y, claro está, una historia magnifica. Es de aquellas películas de las cuales uno sale de la sala satisfecho y con ganas de más. Muy acertada la idea de darle esos 20 minutos, hace que se engrandezca al incluir esos ingredientes que he mencionado antes, en la coctelera excelentemente manejada por Carles Torrens. Lo tengo que destacar todo. En primer lugar la fotografía de Kyle Klütz. Seguidamente la excelente música de Zacarías M. de la Riva. Y para acabar lo que sin duda es uno de sus puntos fuertes, las interpretaciones. Joe Hursley se merienda un personaje muy atractivo, flequillo rebelde incluido, con brillantez. Le acompañan un amplio reparto, entre los que destacaría a Jayne Taini en el papel de Mrs. Dunbrow, su especial vecina. Llamarme mitómano, pero quiero destacar el pequeño homenaje que se hace veladamente a The Doors, concretamente al inmortal Morrison Hotel en la escena en la escena del exterior del café donde trabaja Billy.

Cinta de calidad exquisita, que sabe plasmar de manera magistral una idea sumamente original. Os quedaréis atrapados desde el primer hasta el último minuto. Y es que es lo que tiene visionar una obra de este nivel. Te quedas con ganas de más.

http://www.terrorweekend.com/2013/11/sequence-review.html

Antes de comenzar hay que decir que esta NO es una película para todos los públicos, y algunas de las escenas que se ven dentro de esta cinta son realmente abrumadoras. Posiblemente Men Behind the Sun no tenga el mejor guión, ni las mejores interpretaciones, tan siquiera lleva un buen ritmo, pero si de algo estoy seguro es que quien la vea no se quedará indiferente.

El escuadrón militar llamado 731 se localizaba en Manchuria y era el encargado de investigar todo el armamento biológico, que según ellos les otorgaría la victoria definitiva. La realidad distaba mucho de esos sueños, aquello era un campo de prueba y exterminio para cientos y cientos de civiles chinos y de otras nacionalidades que tuvieron que soportar el horror infringido por las tropas de la división 731.

Men Behind the Sun, es una de las películas más crudas y retorcidas que jamás se han creado en referencia a la Segunda Guerra Mundial. Su director, Tun Fei Mou retrato a la perfección como vivían en aquellos campos de experimentación y las continuas torturas y vejaciones a las que se veían sometidos diariamente. Tal vez sobra alguna escena bastante gratuita de violencia ya que con menos también lo llegamos a entender.

Por otra parte tenemos el guión, realizado a tres bandas por Mei Liu, Wen Yuan Mou y Dun Jing Teng, esta estudiado tan minuciosamente que da hasta escalofríos, tal vez cuando nos cuentan la parte de los jóvenes japoneses que reclutaban para trabajar ayudando en la base militar era para quitar un poco de brutalidad al asunto, pero esas escenas casi obligando a los chavales a realizar tremendos actos son de igual o mayor impacto. Todo esto además aderezado con unos efectos especiales muy logrados para la época y dan aun más si cabe veracidad al tema.

Sin duda Men Behind the Sun no se puede recomendar a todo el mundo, debido al tema que trata y de la manera que lo trata. Pero si sois de estomago fuerte y queréis ver una de las poquísimas películas donde se retrata a la perfección este tema tan escabroso, este es sin duda el film a ver. Una pequeña joya del cine bélico y gore olvidada y difícil de conseguir que hará florecer brutales sensaciones a quienes tengan el valor para terminarla.

http://www.terrorweekend.com/2013/11/men-behind-sun-review.html

La música disco, en principio, no se inventó para aterrorizar a la gente, aunque, los que vivimos en esa época, si que nos vimos aterrorizados el algún momento por ciertos personajes curiosos que atendían al nombre de horteras. Su pretendida habilidad para el bailoteo era directamente proporcional a su idiotez, es decir, cuando mejor bailaban, más corto de entendederas eran. La moda duró unos cuantos años e incluso el cine la fagocitó y consiguió que algo tan simple se convirtiera cuanto menos que en pasable. Siempre habrá que agradecer que nos descubriera talentos como John Travolta. Algo es algo.

Psicópatas hay muchos, ¿quién no ha disfrutado de su presencia en multitud de films?, los hay incluso que son simpáticos. En el caso que nos ocupa no nos da ni frío ni calor, es un personaje un poco anodino, casi aburrido si no fuera por su animadversión por la música. Esto nos muestra Discopath, con elementos muy positivos como la recreación de la época en que está ambientada, una trama bastante original y, finalmente, una banda sonora muy pegadiza. Si hablamos de la manera en la que Renaud Gauthier, en su debut en el largometraje, lo realiza, la cosa se pone un poco turbia. Su ritmo es muy desigual, con algunas escenas de acción muy bien rodadas junto con otras a las que un pequeño repaso no les iría mal. En mi opinión su enfermiza obsesión por plasmar ese tiempo pasado y como lo veíamos, le resta la necesaria calidad para considerarla una buena película.

Duane Lewis es un joven neoyorquino un poco tímido que se transforma en el monstruo más salvaje al oír música, especialmente disco. Su extraña obsesión le lleva a cometer su primer asesinato. Huyendo de esto se traslada a Montreal donde, lejos de curarse, da rienda suelta a su locura. Todo ello bajo la enganchosa música dance.

Extraño experimento cinematográfico. Eso es una de las escasas cosas decentes que se pueden decir. Ya sabéis que nos agrada degustar ese tipo de cintas, digamos que experimentales, pero en este caso ese riesgo se transforma en algo suicida. No se llega a medir adecuadamente el lado por el que el público la verá. Caerá, mucho me temo, en la parte más cercana al ridículo, sin desmerecer la parte más agradable y que, desde luego, tiene. La fotografía es, por lo tanto, uno de sus puntos fuertes (John Londono), así como la escenografía. Conseguir que plasme de una manera tan fidedigna los años 70 es algo muy meritorio. En cuanto a las interpretaciones se quedan un poco encajonadas dentro de esa parte que se ha querido enfatizar tanto. Podríamos decir que son discretas, destacando naturalmente la del discópata a cargo de Jeremie Earp. Y no me olvido de la banda sonora de Bruce Cameron, setentera a tope.

Para acabar, comentar que en según que situaciones puede resultar divertida, en otras más formales puede resultar tediosa. Así que si lo queréis pasar bien, disfrazaros de Tony Manero marcando paquete, por supuesto, y procurar que el traje no sea blanco, lo digo por las manchas de sangre.

http://www.terrorweekend.com/2013/11/discopath-review.html

Antes de empezar la crítica de esta obra maestra del cine de terror, puedo decir con certeza que no os voy a contar nada que no sepáis ya, o que no se haya dicho sobre el rompedor trabajo de George A. Romero, pero como fan del género es un placer poder hablar de Dawn of the Dead.

Podemos decir que esta película es una gran clase maestra de cómo sobrevivir a un apocalipsis zombie, y de paso ver que nos depararía y que podríamos esperar de nuestra clase política y altas esferas si todo esto ocurriera (como en la vida misma, oigan). El padre del género zombie nos regalo una espectacular cinta de muertos vivientes que aun a día de hoy sigue siendo todo un referente para cualquier cineasta y amante del cine.

Una de las peores cosas que le ha podido pasar a Dawn of the Dead, es el paso de los años, y sobretodo el magnífico remake que realizo Zack Snyder de la misma. Aun así, los protagonistas azulones del maestro de grandes gafas siempre serán recordados y pasaran a la historia por asustar a niños y viejas en las salas de cine hace ya más de tres décadas.

El final de la humanidad ha llegado, los muertos se levantan y un grupo de cuatro supervivientes deciden huir de las grandes ciudades para tener una pequeña posibilidad de sobrevivir a todo esto. Con un helicóptero logran llegar a un supermercado donde gozan de recursos casi ilimitados y un buen lugar donde protegerse. Pronto se darán cuenta que los zombies pueden llegar a ser un problema menor, saqueadores y demás calaña también quieren su parte del pastel.

Diez años tardó George A. Romero en volver a retomar lo que había empezado con La noche de los muertos vivientes. De nuevo a cargo de la dirección y el guión, estaba dispuesto una vez más a sacar de sus tumbas a esas pobres almas en pena. Corría el año 1978 cuando Dawn of the Dead vio la luz, eso sí, no antes pasando por muchas dificultades debido a la censura.

Los efectos especiales de Tom Savini, como siempre eran espectaculares, y realmente ponían los pelos de punta cuando los muertos vivientes empezaban a arrancar extremidades o a arrancar de un bocado las yugulares de sus víctimas.
Las actuaciones en general eran bastante sobreactuadas, pero por encima de todos ellos estaba Ken Foree, que nos regalo un personaje que a día de hoy sigue siendo todo un icono del genero. Interpretó a Peter, el más grande entre los grandes a la hora de enfrentarse a los zombies.

Aunque a día de hoy, he de reconocer que prefiero el remake del Amanecer de los muertos, a la original de Romero, Dawn of the Dead no deja de ser una película de obligada visión para todo amante del cine. Y no solo para los seguidores del terror, ya que la lección de buen hacer que nos regala este genio es increíble.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/dawn-of-dead-review.html

Si, si, si! esto es lo que pedíamos. Genial cinta de terror que nos brinda Gonzalo López-Gallego, gracias a un guión casi perfecto y unas actuaciones igual de perfectas. Open Grave es un jodido mindfuck que te lleva dando tumbos entre protagonistas que van tan perdidos como el espectador. Es una de esas películas que aparecen cada pocos años que marcan y son difíciles de olvidar. Sin duda una pequeña joya del terror que entra en mi lista de MUST SEE.

Un hombre despierta en un foso rodeado de cadáveres, aturdido, herido y sin tener ni un solo recuerdo de quien es o que hace ahí, es rescatado por un grupo de personas que también parece haber perdido sus recuerdos. ¿Quien ha matado a todas las personas que hay en el foso? La incertidumbre y la desconfianza reina entre todo el grupo.

Nueva incursión al thriller de terror por parte del director madrileño Gonzalo López-Gallego, que si bien con Apollo 18 no acabó de convencer, esta vez con Open Grave sí que nos ofrece un producto muy sólido en todos sus apartados. La dirección es genial, jugando con el espectador al despiste y manteniendo la intriga y la tensión en todo el metraje. En cuanto al guión de Chris Borey y Eddie Borey como decía al principio es casi perfecto, tal vez se eche en falta algo de originalidad en su recta final ya que viene a la mente varios films parecidos, pero sin duda su trabajo es digno de elogio.

Por otra banda y siguiendo con el apartado técnico, comentar la fotografía de José David Montero, habitual del director y el cual también ha trabajado en Fin, que sin duda si algo destacaba este film, era por su fotografía. Su trabajo en Open Grave es más que notable, nos inunda de imágenes lúgubres, sucias, y que funcionan perfecto con lo que nos quieren contar. Aunque haya momentos que luzca el sol y vislumbremos un precioso bosque, la inseguridad y el terror siguen ahí.

Para acabar comentar las actuaciones, pero aquí hay un nombre propio, y este es Sharlto Copley (Distrito 9, Elysium). Un actor que se está consagrando en lo más alto, con cada aparición demuestra el gran actor que es, y aquí tampoco es excepción. Carga con el mayor peso del film de manera soberbia encarnando a un misterioso personaje de dudosas intenciones. Aunque también hay que darle una mención especial a Thomas Kretschmann (King Kong, El Hundimiento) que se encarga de darle replica al papel de Copley, todo un veterano tras las cámaras y es ahí donde la experiencia se nota. Como nota casi curiosa, ya que su papel es secundario totalmente, también aparece Josie Ho (Contagio, Dream Home), para mi gusto, una gran actriz que no exprimen para nada en esta ocasión.

Si disfrutaste con El Bosque de Shyamalan o Modus Anomali de Joko Anwar, con esta lo harás igual o posiblemente más. Prepárate para hacerte más preguntas que con un episodio de Perdidos y pasar más angustia que metido dentro de Cube. Espero que el tiempo me dé la razón y ponga a esta joya del cine de terror en su sitio.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/open-grave-review.html

Antes de comenzar a clarificar lo que he desentramado de esta segunda entrega, recomendaré a todos aquellos lectores que no hayan visto la primera parte, que lo hagan, no tanto porque haya una continuidad que les imposibilite poder seguir el hilo argumental que es del todo inexistente sino más para que disfruten del producto Wolf Creek, y no caigan en el error de ver esta nueva entrega y puedan pensar que la primera es más de lo mismo.

Dicho todo lo anterior, es imperioso mencionar que Wolf Creek 2 es una película que nace para el entretenimiento de todos aquellos que nos gusta el gore, la sangre y las muertes casi sin sentido en el mundo del cine. Quiero pensar también que es un homenaje deleite a todos aquellos que disfrutamos con el campesino paleto de la primera película, el personaje Mick Taylor interpretado por John Jarratt, con tanta fidelidad que cuesta trabajo pensar que en la vida real puede ser otra persona. Es un papel tan acertado y bien interpretado que ya es motivo suficiente para ver el metraje.

Uno de los principales encantos en las películas de Greg McLean (Wolf Creek y El territorio de la bestia), es la lograda ambientación de un realismo inusitado, combinando muy bien la fotografía de Will Gibson, con el que no ha contado en Wolf Creek 2, substituyéndolo como director de fotografía por Toby Oliver.

En esta segunda entrega encontramos el mismo protagonista principal, escenario y gore, el cual se intensifica y se vuelve más explicito, pero se distancia en prácticamente todo lo demás. Una de las cosas más notorias es el hincapié que se hace en la primera película en mostrar el desierto y en el ambiente en calma que le precede, sintiéndose el peso de la soledad y la lejanía de cualquier lugar, logrando una comparación entre villano y territorio muy exacto, afables en un inicio y terribles en la realidad. Dejando sin escapada a las víctimas que encuentran en unos inmenso espacios de desierto una trampa mayor que la guarida que los retiene.

Lo más destacable de esta secuela a parte del ya mencionado actor principal, es un trepidante inicio que es de lo más espectaculares que se ha visto en el inicio de un film en tiempo, y un divertido y original momento al más puro estilo “un, dos, tres, responda otra vez”.

Para disfrutarla como tantas otras, sin tener en cuenta de que film es predecesora.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/wolf-creek-2-review.html

Una vez más lo vuelve a hacer, nos cuenta una historia interesante, pero su inicio es pausado y su avance no mejora, demasiado sosegado, vamos, como Ti West nos tiene acostumbrados. Aunque en su recta final sufre una explosión y se nos viene toda una serie de emociones encima, en un desenlace genial, a la vez que perturbador, que dejará al espectador destrozado moralmente. Aun así, una vez más, no acaba de convencer debido a su imposibilidad de recuperar totalmente la atención de un público, que a esas alturas ya piensa en cosas que no son The Sacrament.

Sam es el conductor de un programa llamado VICE, donde realizan documentales, con su cámara habitual, Jake, van a acompañar a su amigo Patrick hasta Eden Parish, una comunidad cerrada donde esta viviendo Caroline, la hermana de Patrick. Una vez dentro empezaran a notar que las cosas no van bien, y que Eden Parish no es precisamente una comuna hippy, donde fumar hierba y vivir con la naturaleza.

Cada película que veo de Ti West estoy más convencido que es capaz de crear historias increíbles, y es muy capaz de ofrecernos unas atmósferas asfixiantes y perturbadoras como nadie. Pero de lo que más estoy convencido es de su incapacidad de ofrecer al espectador un ritmo viable para aguantar el tirón de esas historias. En resumidas cuentas, aprueba con nota su trabajo escribiendo el guión, pero en cambio suspende al frente de la dirección por ese ritmo narrativo tan particular al que nos tiene acostumbrado.

Uno de los grandes puntos para esta cinta es su fotografía, responsabilidad de Eric Robbins, que ya había trabajado con el director en The Roost. Acertadísima la forma de contarnos la historia con cámara subjetiva, en clave de documental que nos adentra aun más si cabe en el “idílico” Eden Parish.

Cuando nos ponemos a mirar otras películas que tratan sobre sectas, nos encontramos algunos paralelismos por ejemplo con Red State, de Kevin Smith, aunque esta última gana al público con un ritmo más acertado y un Michael Parks que borda un jefe de secta de forma espectacular. Aun así, estoy convencido que los seguidores de Ti West quedaran encantados con su nueva película, y todo aquellos interesados en el tema que trata quedaran boquiabiertos con su desenlace.

Personalmente estamos ante la película más redonda que ha dirigido el director estadounidense, además de la más impactante debido a su manera de contarnos la historia e introducirnos en ella de manera genial. Mis respetos para un director que con cada film se va puliendo un poquito más.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/the-sacrament-review.html

Estamos ante una de las mejores películas del año, con un sello muy personal, mezclando géneros como el thriller y el humor negro, que sirve como hilo conductor para mantener viva la historia, pasando por el drama y el más cruel horror que sumirá al espectador en una de las más intrigantes películas de género de los últimos tiempos.

Una serie de desapariciones de niñas de primaria, han alertado a la policía que ve como único sospechoso al pederasta de la zona. La incapacidad por parte de la policía para resolver el caso impacienta a los familiares de las víctimas...

Aharon Keshales y Navot Papuchado forman un tándem perfecto, tanto en guión como en dirección tras su opera prima Rabies, evolucionando hacia un perfeccionismo sorprendente en la segunda película que realizan, tanto técnicamente como en la elaboración del trabajado guión que da como resultado una asombrosa obra, sobresaliendo un bestial inicio que nos dejará anonadados en una atmósfera de violencia con un fin común y a la vez, un conclusivo final que no dejará indiferente a nadie.

En esta ocasión proponen un conflicto moral al espectador, que deberá debatirse entre la sed de venganza y el raciocinio, del que cada receptor tendrá una opinión personal y diferente a la del resto de la sala, generando conflictos emocionales, ante la información que vamos obteniendo poco a poco. Mantiene la duda hasta el final y siempre bajo la sombra de la presunta inocencia.

Gran parte de la grata impresión causada por el film entre los seguidores, es debido a un destacado reparto totalmente sorprendente en los papeles más variopintos donde la fidelidad al personaje se corresponde en todos los casos, encontrando desde desquiciadas victimas (Tzahi Grad y Doval’e Glickman), policías desesperados (Lior Ashkenazi) y hasta un posible pederasta (Rotem Keinan). Todo ellos, trabajos dignos de admirar. Acompañados además por una banda sonora compuesta por Haim Frank Ilfman que ameniza y acompaña las situaciones de más tensión con elegancia, agudizando cada momento clave en la historia. Imposible además no mencionar la cromática fotografía de Giora Bejach en interiores donde se desarrolla la mayor parte de la historia.

Big Bad Wolves es una película muy completa y altamente recomendable, por la exitosa comunión entre géneros, que se complementan en la historia, los magníficos personajes interpretados con los que el público empatizará y la excelente música mencionada anteriormente.

No hay muchos thrillers de semejante tensión y humor negro.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/big-bad-wolves-review.html

Los thrillers asiáticos donde violencia, sangre y acción abundan cada vez más, lo que comenzó casi como anécdota y propuesta alternativa a los thrillers americanos y europeos, donde la censura es la que reina, están siendo cada vez más habituales, algo por lo que personalmente me alegro, ya que encuentro en estos films, algo que echaba en falta, las historias rodeadas de violencia que son mostradas en su máxima expresión.

Esta es la historia del jefe de uno de los carteles de la droga más importantes que ha arrestado la policía.

Esta nueva propuesta llega de la mano del consagrado, Johnnie To director de films como Election, Vengance o The Mission, y viene escrita por nada más y nada menos que cuatro guionistas de renombre inseparable del director Yau Nai-Hoi, Wai Ka-Fai, Ryker Chan y Xi Yu, que firman un enrevesado guión donde todas las piezas al igual que en un puzle terminan por encajar a la perfección.

Combinación de guionistas y director que ha resultado en personajes mucho más elaborados que en anteriores films, dotándoles de personalidades intrínsecas de autentica responsabilidad para los actores a la hora de transformarse en dichos papeles. Los artistas del film que han hecho realidad estas intervenciones de manera loable para todo amante de la interpretación son Honglei Sun como jefe de policía y traficante encubierto y Louis Koo en el papel de mafioso atrapado por la ley e infiltrado entre las filas de su propia gente. Ambos papeles, no admiten doblaje ya que gran parte de estas magnificas interpretaciones llegan a ser lo que representan gracias a las voces de los protagonistas.

En la línea del apartado técnico mencionar la fotografía de Siu-Keung Cheng, al más puro estilo película de los ochenta que tan bien le sienta a este film de triadas donde todos los efectos especiales están creados a partir de las viejas técnicas, dejando a un lado los efectos digitales que tanto nos descolocarían en este film que destaca por lo tradicional que aparenta, resultando en unos tiroteos de máxima espectacularidad y escenas de acción de total credibilidad. Además todo ello acompañado por la música de un habitual para el director el compositor francés Xavier Jamaux.

Tradicionalismo a la hora de dirigir, como nos tiene acostumbrados el director, recordándonos que el cine no debe de morir bajo el yugo de las nuevas tecnologías.
El director, se distancia de sus films anteriores incorporando personajes surrealistas, de los que estamos más acostumbrados a ver en thrillers coreanos que en films de origen chino. Consiguiendo una homogeneidad entre el realismo que le define como director y una clara evolución hacia la espectacularidad.

Drug War, no es solo un espectacular thriller de tiroteos entre policía y gánsters, trata también la moralidad individual de los personajes confundiendo al espectador y regalando momentos de autentico reconocimiento.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/drug-war-review.html

El galardonado director filipino se atreve con un género que no había tocado. Possession (Sapi) como bien nos indica su propio título, narra una serie de sucesos que si bien tendrían que tener algo que ver con el terror o las posesiones, yo creo que todo parecido con estos dos temas es pura coincidencia. Perdón por el juego de palabras pero esta vez es merecido a pulso, señor Brillante, esta vez no ha brillado.

Cuando empiezas a ver una película y te das cuenta que llevas una hora larga y parece que acabas de entrar en la sala es que algo va mal, cuando terminas de ver esa película y parece que te acabas de despertar de un coma profundo y solo las dudas ocupan tus pensamientos… ALGO va mal. Pues sí, Possession (Sapi) tiene todo eso y algo más.

La cadena de televisión filipina, Philippine Broadcasting Channel (PBC), mantiene una guerra de audiencias con Sarimanok Broadcasting Network (SBN), la cual está perdiendo estrepitosamente. La única esperanza para la SBN es apostarlo todo con un reportaje muy prometedor sobre posesiones demoníacas, pero para ello tendrán que contar con el único cámara disponible en estos momentos, Baron Valdez que trabaja para la PBC aunque actúa como freelance. Mientras Valdez negocia con el metraje a ambas bandas, una serie de pesadillas empezaran a atormentar a los implicados en el programa sobre posesiones.

Con personajes planos, y un guión que se diluye a medida que avanza el metraje, Brillante Mendoza se pierde en sí mismo en su intento de contarnos un terror, que en realidad es más crítica social hacia los medios de comunicación.

Possession (Sapi) es para mí la mayor decepción del año, un producto insalvable que hace aguas por todos lados. Cuando el mayor terror de la cinta son las pesadillas que sufren los protagonistas, pero estos se muestran indiferentes ante tales sucesos, algo no cuadra, no se si no ha sabido transmitirlo o es que realmente el director quería contarme algo que se escapa a mi entendimiento.

Aunque es cierto que estamos ante uno de los directores con más talento de los últimos años, también lo es, que en su última película se pierde en un discreto guión y no se atreve a adentrarse en el terror, como la palabra más clásica lo sugiere. Esta vez no ha podido ser, siempre nos quedará Kinatay.

Lo mejor: Su inicio, una crítica hacia los medios de comunicación y sus pocos escrúpulos.
Lo peor: Que Brillante Mendoza intente hacer cine sin éxito.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/possession-sapi-review.html

Cuando disfrutamos de las primeras imágenes de All Cheerleaders Die pensamos, ¡oh no, la típica comedia americana de adolescentes!, no es del todo así, aunque no por ello renuncie a las situaciones que acarrean ese tipo de filmes. Supongo que para desmentir esa idea inicial, no tiene rubor alguno en mostrarnos imágenes impactantes y situaciones perversas, y es que la peliculita se las trae. Su originalidad hace que la sigamos con interés aunque no seamos muy partidarios de las historias rosa.

El inicio es tremebundo sacando las primeras carcajadas de un público que no sabe lo que le espera. No obstante los espectadores también son de armas tomar, seguramente si pudieran se meterían en la pantalla y dejarían todo hecho un asco. Me imagino un decorado lleno de restos de comida, latas de cerveza, ceniceros a rebosar, sustancias altamente nocivas, basura acumulada, bueno cosas de esas que aunque las hayamos sufrido en nuestras carnes, nunca las podremos asimilar. A medida que va avanzando la cinta, la cosa se va complicando y afloran temas no tan simpáticos como puede ser el de la violencia de género, que flota en el ambiente sin que sea el principal, pero que deja un cierto mal cuerpo.

Nos encontramos con otra película bicéfala. Últimamente parece que esto se ha puesto de moda. En este caso tenemos a Lucky McKee y Chris Sivertson, que hacen las funciones de directores y guionistas. El primero es un viejo conocido nuestro ya que dirigió y escribió la impactante The Woman allá por el 2011, en cuanto a Chris estamos ante un hombre de cine, que ha tocado todos los palos, tanto técnicos como creativos.

Mäddy es una adolescente que tiene ciertos problemas con el capitán del equipo masculino de fútbol americano del instituto. Para arreglar esos asuntos, a su manera, no duda en inscribirse en el grupo de cheerleaders. De un tema tan simple se deriva una historia que tomará increíbles caminos sobrenaturales.

Entretenida y divertida cinta que tiene como principal misión la de hacer pasar un rato divertido, que no es poco. Para ello se sirve de un guión muy bien estructurado que plasma, por la manera en que está dirigida, de manera simpática y amena una obra truculenta y salvaje. También se sirve de unas interpretaciones que cumplen sobradamente su objetivo. Los nuevos valores del cine estadounidense muestra aquí su talento, aunque están dibujados de manera un tanto simple y superficial, es lo que tiene hacer películas sobre adolescentes. Entre el amplio reparto, destacaría a Tom Williamson, como malo, malísimo, y a todas las chicas, empezando por una alocada Brooke Butler, una enigmática Sianoa Smit-McPhee y la protagonista Caitlin Stasey. La música de Mads Heldtberg da un toque de frescura muy acertado, porqué oxigena las, a veces, asfixiantes imágenes.

En fin, no es la típica alocada comedia americana. Tiene mucho más, todo ello tenebroso y con un trasfondo que hay que mirar detenidamente para darse cuenta. La fabulación quizás se les va de madre, quedando un film, para mi gusto, demasiado serio al final. De todas maneras es recomendable al 100%.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/all-cheerleaders-die-review.html

Últimamente estamos asistiendo a muchas producciones de género donde los niños son protagonistas. Puede haber muchos motivos para ello. De presupuesto primeramente, darle el primer papel a un niño sale económicamente rentable, y si encima este lo borda, como es el caso de Clare Barrett, todavía mejor, matamos dos pájaros de un tiro. En segundo lugar, por la impresión visual que causan en el espectador. Tiernos infantes gritando a grito pelado es una cosa muy efectista y que, queriéndolo o no, es un recurso digamos que fácil. Por último, si la trama se basa en algo tan impactante como los malos tratos infantiles. Tema un tanto difícil de enfocar sin herir ninguna sensibilidad. Algo que consigue la directora francesa Marina de Van, autora, entre otras, de la interesante Ne te retourne pas, donde le toca lidiar con actrices de la talla de Sophie Marceau y Monica Bellucci.

Ya he comentado antes por dónde van los tiros en esta producción. Las imágenes que ilustran esta oscura historia están rodadas con elegancia y, al mismo tiempo, con cierta crudeza, que insinúa más que enseña. Sería muy sencillo descargar en la pantalla un ensañamiento cruel y totalmente innecesario. La directora logra esquivar esta trampa con suma habilidad sin omitir dejarnos con cierto mal cuerpo.

Otra cosa a mencionar es cierta similitud con otro tipo de películas de terror. Me refiero a Insidious de James Wan, por una ambientación elegantemente vestida y por tratar temas familiares, y luego a la archiconocida Poltergeist de Tobe Hooper por cosas que cuando la veáis sabréis a que me refiero. Con esto no estoy diciendo que sea una copia vil, al contrario, creo que en realidad suma más que resta en el panorama del cine actual.

Nev corre despavorida por el bosque. Cuando es rescatada comienzan a suceder cosas extrañas en su casa, tanto que asiste a la matanza de toda su familia. Ante la falta de pruebas, la policía sospecha de unos vándalos. No saben que la causa, por extraña que sea, está mucho más cerca.

Interesantísima apuesta de Marina de Van tanto en la dirección como en el guión. Éste es, en mi opinión, magistral. No tanto la historia, que chirría un poco en su tramo final, no por falta de truculencia, si no que parece un poco apresurado después de degustar de un ritmo suave pero intenso. Los personajes están muy bien dibujados y, por lo tanto, las interpretaciones son de gran nivel, tanto las infantiles como la de unos adultos un tanto perversos. Aparte de la mencionada Clare Barrett, destacar, por su sugerente duelo de actrices, a Marcella Plunkett, en el papel de una atormentada Nat. Destacar también los magníficos efectos especiales obra de Linnea Hermansson.

Estamos ante una cinta que creo puede ser la sensación de la temporada. Motivos no le faltan. Solamente una pega, el final, pero bueno, sobre eso queda mucho por hablar y quizás muchos de vosotros no estaréis de acuerdo conmigo. Tampoco se puede juzgar todo un gran trabajo por una cosa tan simple. ¿O sí?

http://www.terrorweekend.com/2013/10/dark-touch-review.html

El mundo como lo conocemos ha quedado borrado literalmente del mapa por una nevada que empezó y nunca terminó. Los supervivientes, a tan inhumano clima son cada vez menos, y escondidos del clima en pequeñas estaciones subterráneas tratan de sobrevivir. Todo cambiará cuando una de los refugios reciba una inesperada llamada de SOS.

Estamos ante un asfixiante film apocalíptico con ganas de sobrevivir a todo el público que acuda a las salas, al igual que tratan de resistir los protagonistas de la película, debido a que es un thriller de ciencia ficción con momentos sangrientos y escenas más duras de lo que se espera en una película catalogada con esos adjetivos. Pero no tantas, por lo tanto y contradiciéndome, poca sangre y escenas duras para que sea una película de género como la entendemos que debe ser. Por lo que tenemos como resultado un film que como he dicho antes, trata de sobrevivir a todo y a todos, en tierra de nadie y en territorio de todos...

Paradojas y metáforas que se entenderán mucho mejor cuando visualicéis la nueva película de Jeff Renfroe, director americano que cuenta con numerosos telefilms y alguna película de índole similar a esta, pero sin el conocido reparto con el que se nutre en esta ocasión, encabezado por Laurence Fishburne (Matrix), Kevin Zegers (Cazadores de sombras), y Bill Paxton el que fuera el padre de familia polígamo más famoso de la televisión de EEUU en la serie de HBO, Big Love.

Un trio de protagonistas bien encabezado por el experimentado Laurence como Briggs, y acompañada por el sorprendente y en ocasiones inexplicable personaje de Mason representado por Bill, con un hilo conductor entre ambos creado por Kevin como Sam, bastante plano en su intento de sobresalir a los veteranos actores que le acompañan.

Digno de mención es la fotografía de Pierre Gill, que junto al director logran una ambientación totalmente idónea para el cometido de atrapar al espectador en la historia, donde cada espacio de luz cuenta, y donde el luminoso exterior no es siempre la salida. La banda sonora acompaña, pero no se vuelve una pieza clave en el film.

Por otro lado, el final me ha generado una gran controversia, debido a la gran velocidad con la que ocurre todo el desenlace, pero a la vez sorprendiendo con una escena de acción que es digna de ver, y que aparece como un rayo de sol en medio de una tempestad que lo quiere arrasar todo.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/the-colony-review.html

James Wan siempre ha sido un adicto al cine de terror. Lo ha demostrado sobradamente en su brillante carrera. No hace falta que mencione los títulos de los que es autor, los conocéis de sobra. Pero me voy a parar en Insidious. En su estreno, allá por el 2010, brilló con luz propia y provocó admiración por donde pasó. Su calidad y originalidad dejó pasmado a más de uno, entre los que me incluyo. Su continuación, de la que hablamos en estas líneas, no le va a la zaga, quizás haya personas que la cualifiquen más que su predecesora, yo no me atrevo a tanto.

Insidious: Capítulo 2 es otra muestra de que no hacen falta grandes presupuestos para realizar algo brillante. Su simplicidad, en todos los aspectos, hace que lo verdaderamente importante resalte por sí solo, sin edulcorantes ni colorantes. Solo tenéis que sentaros en la butaca y gozar con lo que aparece en pantalla. Se trata de acomodarse y cogerse al sillón también, puesto que los sobresaltos son continuos. Las escenas oníricas ganan con respecto a la primera, porque en mi opinión, se les quita las suaves pinceladas infantiles que contienen y se quedan más a lo bruto y sin pulir.

El guión de Leigh Whannell hace que el ritmo sea perfecto y que no decaiga la fiesta en ningún momento. No es para nada lineal, como podría parecer en un principio, nos da sorpresas, sustos en abundancia y una historia bien ligada, ¿quién puede pedir más?

Josh y Renai, junto con sus tres hijos, se mudan a la casa de la madre de Josh, Lorraine para empezar una nueva vida. Pronto se darán cuenta que algo sobrenatural les persigue. La ayuda de especialistas solo hará que desencadenar la aparición de las fuerzas del más allá.

Lo poco que nos queda por comentar son las interpretaciones. Siendo magnificas todas ellas, destacaría no obstante las de Patrick Wilson, comedido y desafortunado padre de familia; Rose Byrne, sufrida y abnegada esposa; Barbara Hershey atractiva abuela de la cual me declaro ferviente admirador y, naturalmente la veterana y maravillosa Lin Shaye, sin ella no hubiera sido lo mismo.

Una Obra, así con mayúsculas, para disfrute de todos los amantes del buen cine. Da en el clavo en todos sus planteamientos y no hablemos ya de su desarrollo. Para disfrutar de principio a fin. No os la perdáis.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/insidious-capitulo-2-review.html

Si hablamos del formato VHS parece que nos quede muy atrás, es casi algo prehistórico, pero después de ver este maravilloso documental nos damos cuenta que ni queda tan lejos y que además los amantes del cine le debemos demasiado a este gran formato.

Aunque por desgracia en nuestro país ya es casi una utopía ver un VHS, en América siguen habiendo tiendas donde poder conseguirlos, son pocas pero aun se mantienen valientes como el que más y aguantan la embestida del DVD y Blu-ray.

Ver a gente como Jason Eisener, Mamoru Oshii o Lloyd Kaufman entre decenas de muchas otras personas influyentes del mundo del cine hablando con esa nostalgia, contándonos como este formato ya olvidado, se abrió paso en el mercado valientemente, apartando además a un competidor tan duro y tan superior como era el Betamax.

El trabajo de investigación realizado por el equipo de Rewind This! es admirable, a lo largo de hora y media nos cuentan casi 2 décadas de cine de la mano de expertos y amantes del cine y en especial del VHS. Disfrutaremos con curiosidades y anécdotas que jamás abríamos imaginado y como gracias a unos pocos valientes en los 80 y 90 pudimos disfrutar de un abanico de ofertas que hoy en día sería impensable con los formatos actuales.

Gracias Josh Johnson por no dejar que el verdadero cine no caiga en el olvido, ¡cuánto debemos al VHS y a sus películas directas a video! ¿Qué sería del cine de acción de los 90, ese tan cutre pero que hacía las delicias de todos nosotros cuando disfrutábamos alquilando en el videoclub lo último de Chuck Norris o Steven Seagal?

Abrid bien los oídos y escuchad como os cuenta el gran Lloyd Kaufman lo que los fans del terror como nosotros le debemos al VHS. Y si os consideráis verdaderos fans del cine de terror disfrutareis como niños cuando entrevisten a ciertas personas con colecciones de cine de terror, que ni los mejores videoclubs soñarían con ellas en su época dorada.

Por todo lo que he comentado y por mucho más es de obligada visión este potente documental que hará las delicias de todo amante del cine. Rewind This! es sin duda una de las mejores visiones al pasado que podemos tener a día de hoy. Preparar las palomitas, desempolvar vuestro viejo sintetizador y ponerle banda sonora a esta joya del pasado.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/rewind-this-review.html

Una película a priori muy interesante y con un inicio que promete mucho. Pero que se acaba perdiendo en sí misma, con un guión demasiado enrevesado, unas actuaciones mediocres y un ritmo que acaba por matar el conjunto. Nos quedamos con sus escenas de acción y la brutalidad que desprende la cinta, la cual no es poca. Aun así, no deja de ser un producto bastante justo en su totalidad. ¿Su título? Mala, sabiendo el título, lamentablemente nos dice todo sobre ella misma.

Rosario se dedica a impartir "justicia" a cambio de dinero. Pero ante todo tiene una norma, solo mata hombres que maltratan o abusan de otras mujeres. Se convierte en toda una leyenda, implacable e imparable. Aunque en al inicio sus actos fueron torpes y dejaba demasiadas pistas, tal vez eso sea lo que acabe pasando factura en su trabajo. Es ahí donde la policía empezará a indagar para intentar lograr atraparla.

El director uruguayo Adrián Caetano con los años se ha ido forjando un nombre en la industria por méritos propios, entre sus títulos Bolivia, Crónica de una fuga o Después del mar. Las cuales le otorgan gran experiencia tanto en thrillers como en dramas de gran calidad. Pero es sin duda una decepción mayúscula para un servidor, y tengo que decir que Mala posiblemente sea la peor película en el haber del director, tal vez quiso adentrarse tanto en su propia historia y quiso buscar tanto giro de tuerca que acabo perdiéndose en él. Aunque cierto es que a pesar que la historia es del propio Caetano, su guión esta co-escrito junto a Bruno Hernández y Luciana Piantanida, puede que tanta lluvia de ideas le haya acabado pasando factura.

Pero no todo es malo, pese a que su guión es un golpe fatídico al film y el ritmo de este tampoco es ninguna maravilla, su apartado artístico y técnico es sin duda su punto más fuerte. Las interpretaciones, destacando Florencia Raggi y su contrapartida en pantalla Rafael Ferro, cumplen sobradamente con su cometido, aunque tampoco logran imprimir ningún interés a una película que carece totalmente de alma. Destacar también el maquillaje genial que otorga un realismo y una crudeza en las escenas de acción realmente brutal.

Es una lástima ya que técnicamente lo tiene todo para triunfar pero su director no supo usar bien los ingredientes que tenía a su disposición. Su final el cual deja todo claro y bien atado, no compensa el tedioso camino que el espectador debe seguir hasta él.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/mala-review.html

Desde América en los últimos años nos han llegado innumerables remakes, precuelas y secuelas, de películas que antaño triunfaron y ahora se busca desesperadamente su filón. Pero no solo los americanos son expertos en ello. Todos estamos enterados que hace poco se estreno el remake (genial, por cierto) de Evil Dead, acertadamente supo darle un giro mucho más macabro a la historia de Raimi. Ahora desde Suecia nos llega otro remake/homenaje o llamarlo como prefiráis, al mítico film de Sam Raimi. Partiendo con un presupuesto modesto pero con las ideas muy claras nos llega Wither.

Un grupo de amigos se dirige a pasar un fin de semana en una cabaña abandonada en mitad del bosque, ¿idílico verdad? Una vez instalados sufrirán la ira de un ser demoniaco que habita en el sótano de la choza. Indefensos y sin saber bien que está pasando empezaran a caer uno tras otro inevitablemente.

Segundo largometraje que firma el director Sonny Laguna, aunque esta vez no continúa su andadura en solitario ya que co-dirige junto al debutante Tommy Wiklund. Juntos realizan una pareja formidable en la dirección pero no tanto en la elaboración de su guión, el cual son responsables junto con David Liljeblad.

Pues es ahí, en su guión donde reside el gran problema de esta cinta. Cierto es que su historia es in crescendo hasta terminar por desembarcar en un final brutal cargado de grandes escenas de violencia, pero sus primeros pasos tediosos y los personajes insulsos y sin personalidad alguna. Y es esto último, lo que se convierte en una lacra que pasa factura finalmente al conjunto.

¿Su mayor virtud? Sin duda alguna, el ritmo que alcanza pasada la primera media hora, no para hasta que aparecen los títulos de crédito. También debemos destacar el trabajo, realmente sublime, que ha realizado el equipo de maquillaje. Nada que envidiar al estupendo remake de Fede Álvarez en este apartado, pues pese a tener un presupuesto notablemente más ajustado no se resiente para nada.

¿A quién va dirigida? Cualquier amante del buen gore no debería perdérsela, sin duda disfrutará. No es una película para pasar miedo, ni innovadora, pienso que tampoco lo pretende. En cambio su alta brutalidad y sus geniales muertes la convierten en algo muy disfrutable. Eso sí, no esperéis que este a la altura ni de la Evil Dead original ni de su remake, pero pienso que aunque bebe demasiado de estas, el producto final tiene una calidad respetable.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/wither-review.html

El insólito incidente ocurrido en los montes Urales en 1959 ha dado pie a innumerables especulaciones sobre el suceso. La historia es extraña cuanto menos. Un grupo de nueve jóvenes se dirigía al pico Otorten, a realizar una travesía de esquí. Debido al mal tiempo decidieron acampar en la zona conocida después, como el paso Dyatlov, en honor al dirigente de la expedición Igor Dyatlov. La noche del 2 de febrero todos los componentes del grupo perdieron la vida de forma inexplicable. Las tiendas aparecieron rasgadas desde dentro. Abandonaron el campamento en plena noche con temperaturas inferiores a los -20ºC. Varios de ellos en ropa interior y algunos incluso sin calzado.

Cuando el equipo de rescate llegó a la zona el panorama hallado fue dantesco. Cuatro de los cuerpos aparecieron con graves fracturas, proporcionadas por alguna fuerza descomunal en un lugar donde no había huellas de lucha. Otros fallecieron de hipotermia sin ponerse sus ropas que, tenían a pocos metros de distancia. Incluso se encontraron altos índices de radioactividad en uno de los cadáveres, al cual le faltaban varias costillas y también la lengua. Todos estos hechos probados sucedieron en la realidad y han servido de premisa para la realización de esta película.

El experimentado director Renny Harlin vuelve a las cumbres nevadas donde rodó con Sylvester Stallone, hace ya algunos años, Máximo Riesgo (1993). Responsable de varias producciones de envergadura como Pesadilla en Elm Street 4 (1988) o Driven (2001), Harlin se atreve ahora con el metraje encontrado para ofrecer una propuesta tensa y enigmática a partes iguales. Con un guión plagado de tópicos y de frases hechas, típicas del found footage, la trama se desarrolla de manera lineal y deja transcurrir los minutos con diálogos poco productivos, para resolverlo todo en un confuso desenlace.

También los efectos digitales destacan por su mediocridad. Ni los aludes de nieve, ni las escenas de acción impresionarán a nadie. Además los compulsivos movimientos de cámara en dichas escenas, nos dejará con un aturdimiento mayor que el de una montaña rusa. Respecto al elenco, cumple con su cometido de forma correcta. Formado por actores con proyección internacional como Holly Goss, Matt Stokoe o Luke Albright, aportan su grano de arena para hacer más creíble la producción.

Un grupo de cinco estudiantes universitarios, decide ir a los Montes Urales en Rusia, para realizar un proyecto de estudios en el lugar conocido como Dyatlov Pass. Con el objetivo de desentrañar el misterio allí ocurrido, no tardarán en conocer de la peor manera posible, el terrible mal que habita en aquellas solitarias cumbres.

Gracias a la experiencia del director, que logra imprimir cierta tensión a lo largo del metraje, la película arriba a buen puerto sin desentonar demasiado. Aunque no aporte nada nuevo a un género, ya de por si sobradamente explotado.

http://www.terrorweekend.com/2013/10/the-dyatlov-pass-incident-review.html