Son más de 200 las personas que se me han adelantado para escribir su opinión sobre la locura de Nicholson, el hotel, con sus pasillos y sus habitaciones, el pésimo doblaje al castellano de la protagonista femenina (pobre Forqué, que la nombremos por eso...) y palabras y palabras sobre Stephen King, el triciclo del niño, la manera perfecta de usar el sonido, la metáfora que llega por aquí y se va por allá con las dos gemelas esperándote para jugar. El mérito de Kubrick es que siendo indiscutiblemente un genio (y como tal hay cierta tendencia a que caiga mal, pobre hombre también, qué culpa tuvo de ser un genio) concentra todo su trabajo en crear puntas de miedo concretas, momentos particulares de tensión que no se dan porque sí, están ahí porque ha sabido llevarnos a ese lugar, creando tensión, nerviosismo, metiéndonos en la psicología del zumbado de Nicholson (¿realmente no estará loco de verdad?) y en ese punto de máxima atención te das cuenta de que la película está bien hecha, que tiene todo el mérito porque el genio Kubrick consigue lo que busca, meterme dentro del hotel y pasarlo mal.

Me tapo con la almohada, meto un chillido, me miro a mí mismo pasando miedo... y pienso que el director hizo la obra redonda, al menos para mí, del género de terror. No sé si es más difícil hacer llorar, reír o esto, dar miedo, pero la pureza, la autenticidad, la no ficción de mi angustia, me lleva a pensar que no hay ninguna otra película de miedo como esta.

Mi primer autohomenaje del año no ha salido como quisiera, quería empezar el año a lo grande, dedicándome un título del género que no había visto aún. Pensé en "Duelo de titanes", hacía tiempo que estaba en mi mente, pero no ha salido del todo bien, demasiadas expectativas.

Los amantes del género en su mayoría estamos de acuerdo que la historia de Earp y Hollyday está mejor contada a través de las imágenes de Ford y su "Pasión de los fuertes" Son inevitables las comparaciones y cuando las diferencias son de esta magnitud es fácil señalar únicamente por este lado los defectos y carencias, aunque lo cierto es que no es ni un pedazo de película ni un título prescindible. Sturges cuenta con una historia que no necesita guión, recoge las circunstancias históricas, todo lo que hay detrás (incluyendo a Ford, y ya es mala suerte que se le adelantara de esa manera) y cuenta además con dos monstruos de la interpretación, Lancaster y Douglas, ya quisiera cualquier director de la época contar con la presencia de únicamente uno de ellos.

El resultado no acaba de ser del todo aceptable, hay momentos en los que se pierde ritmo, la química necesaria entre los protagonistas es forzada y antinatural y las escenas en las que aparece Lancaster como centro de la atención mi impresión no es muy positiva. Otra vez las dichosas comparaciones, Henry Fonda se sobraría con un bofetón ahí, dos pasos, un gesto... a Lancaster le hace falta más y no llega ni a la mitad. Yo en el final ya tenía claro que el duelo lo tenía ganado Douglas, puede que le tocara el papel más goloso, pero gran parte de mi atención ha estado en él. Y los hermanos; todos, los de un lado y los del otro, prescindibles.

Decir que al que le gusten las del oeste clásicas va a disfrutar con esta película de Anthony Mann es decir poco. Porque de principio a fin, de cabo a rabo, "The Tin Star" ofrece las cosas que los que amamos el género esperamos encontrar, pero no de cualquier manera, hay que poder llegar al lugar en el que un director sabe hacer las cosas bien y Anthony Mann consigue mezclar los elementos con los que cuenta de manera excepcional. Para mí lo principal es que es una película de personajes, todos con su rol tan definido como coherente de manera que acaban construyendo una historia sin fisuras, con la acción precisa en los momentos precisos.

Una lección de cine clásico (me parece muy atrevido que lo diga yo, pero ahí queda eso) aunque para mí uno de los pilares que hacen que el resultado sea tan redondo es Henry Fonda, de diez, insuperable, el mejor Clint Eastwood andaría a su lado ahí en las alturas. Fonda es un gigante, sus andares, sus palabras, cada aparición suya va a suponer algo brillante, no hay duda, se muestra casi como una divinidad, tanto, que puede que "The Tin Star" sea lo que es tanto por él como por Mann. Para mí ha sido un privilegio poder disfrutar de una fotografía así, y además con ese B/N tan necesario. Así que nada de obra menor, obra enorme diría yo.

Piensa en la carta que tú quieres que salga, no en la más probable, no pienses que la que debería salir es una y no otra, deja de lado las leyes del caos, que hagan su trabajo como sea, puede que con un poco de ayuda de la física cuántica, y concéntrate en tu voluntad, como si la última carta que reparte Lady Manitas fuera a depender de ti. Steve McQueen y Edward G. Robinson esperan, cada uno con su correspondiente gota de sudor frío en la cara, la mente en el as de picas, la dama de corazones o lo que sea. La multitud espera esa última carta que por fin se descubre en el tapete. Llegar aquí, a esta tensión, no es fácil cuando la trama es realmente sencilla, atrapar al espectador tejiendo la atmósfera ideal para acabar descubriendo el desenlace supone un trabajo muy meritorio. A mí me ha atrapado, desde luego.

No sé quién está mejor, si McQueen o Robinson, tal vez el siempre excelente Karl Malden, el caso es que en "El rey del juego" se nos ofrece una oda el azar, más incluso que al dinero que se juegan, la reflexión se centra en lo inevitable, los designios ineludibles. Una vez no hay marcha atrás ya puedes pensar en la carta que quieres que salga, no hay nada que hacer, no depende del observador, de su libertad, el drama está ya escrito. El principio y el final, con el muchacho negro, tienen mucho que ver con todo esto.

Mi mirada, mis ojos, mi pensamiento, mi alma, si es que también así fuera, se dirigen hacia la figura de Hemingway, muy por encima de Gary Cooper, por encima del siempre entrañable blanco y negro y de las mismas imágenes de la película. Es gracias al genial escritor que he tenido que elevar la nota a ese seis, de otra manera no habría llegado ahí nunca, porque es un pedazo de su vida, porque así lo puso en palabras y porque cada minuto de "Adiós a las armas" hace que le recuerde. Por otro lado, no va mucho más allá de ser correcta, al actor principal le falta la sangre del escritor de la novela en una historia propia para lucir pasión y derrochar energía. La idea es inmejorable, una historia de amor así se merece una película, eso sí, puede que la chispa, la vida, qué digo, aún más, la terrible conjunción de la razón y el sentimiento, mereciera mucho más. La tragedia estaba servida desde el primer minuto y precisamente en uno de esos espacios de tiempo, en sólo un minuto, me he dado cuenta del error que supone que la actriz enamorada de Cooper le llegue al sobaco, ahí hay muchos centímetros de más, o de menos, según se vea. Yo, lo que tengo claro es que la película se salva para mí porque en cada minuto he recordado a Hemingway.

Es una de las más grandes de la historia del cine español. Según las votaciones de los usuarios de FA es la segunda, tras "El Verdugo", también de Berlanga. De todo lo que se ha dicho sobre "Plácido" me quedo con todo, explicar las razones por las que es buena supone llenar de elogios cualquier opinión, incluso esta mía, y es por eso que se hace difícil tomar como representativa una única explicación. Berlanga suma con cada pequeña cosa, coloca en el lugar preciso lo que es justo y necesario, ni se queda corto ni se pasa, hace con cada plano lo que el espectador espera y de esta manera cada minuto contribuye en la exhibición de la que nosotros podemos disfrutar.

El contenido es de lo más sencillo y sin embargo duele. La hipocresía y la falsedad revolotea por toda la película, y es que incluso el mismísimo Plácido cae en esa etiqueta porque lo único que quiere es pagar su deuda y es capaz de dejar al final en la calle a López Vázquez. Los actores seguramente mejor no podrían estar, su naturalidad, sus expresiones, su manera de estar hacen que me pregunte si están actuando o si realmente son así. El humor es absoluto, la acidez y la crítica son evidentes, la sonrisa es difícil que desaparezca, el gran número de secundarios que aparecen suma y suma... Berlanga hizo una de las películas más redondas de la historia. Recomendable en cualquier momento, el tiempo no pasa, cada Navidad, o no, puede verse "Plácido", cualquier momento es bueno.

"Ruta suicida" viene a demostrar que Clint Eastwood también hizo películas por debajo del nivel que cualquier espectador se merece. Ya conocemos lo que Clint Eastwood es capaz de hacer de policía, su manera de hacer y todo lo que nos puede llegar a ofrecer, y es por eso que ciertamente es coherente, al menos eso sí. Lo que sucede es que en este episodio parece que todo se sale del vaso, que las excesos tan mal llevados acaban cayendo en lo ridículo y que ni la historia ni los atractivos aires setenteros acompañan a un actor protagonista cuya presencia en este caso es insuficiente.

Estoy de acuerdo al pensar que es mejor que la película te encuentre, ir a buscarla porque el director es el que es puede ser un problema. Yo no he encontrado nada más que situaciones inverosímiles tanto de los malos como de los buenos, y de los últimos diez minutos, ¿qué decir? (spoiler), hasta sabe mal que sea Clint Eastwood el que lo firma todo. Así que mala del todo no, alguna escena con la esperada chulería funciona y cierto tono de humor es más que acertado, pero no se me ocurre recomendarla a nadie, es muy descartable.

Está claro que el que llega aquí es por Clint Eastwood y que la película ya tiene algo extra que suma de más a la que nos ponemos delante. Lo cierto es que empieza bastante bien, la típica historia con una injusticia pero con el protagonismo absoluto de Clint, haciendo de bueno con un personaje de pasado desconocido. Entonces se desinfla y pierde todo el atractivo por culpa de una historia mal llevada que se cruza con otras sin interés, con una relación de amor artificiosa e incongruente y una relación amor-odio excesivamente ambigua respecto a la justicia. Si el centro de la acción hubiera sido exclusivamente la venganza del abogado vaquero puede que hubiera sido posible relucir de otra manera, pero esa ciudad de la ley, que se vuelva comisario, la antipatía (o eso parece a veces) con su nuevo jefe, y varios absurdos personajes secundarios, estropean bastante un western que sólo está bien para aquellos que tenemos idolatrado a Eastwood.

Y es que ciertamente puede ser vista como la típica película derechona yanqui que señalando con el dedo y el poder de la justicia no hace otra cosa que retratar su lado más negativo. No empezó bien con la primera producción de su nueva compañía, menos más que la cosa se arreglaría.

Muchos occidentales como yo nos lo pensamos mucho antes de ponernos ante títulos orientales más o menos contemporáneos. No faltan razones para explicar cierto miedo al aburrimiento, porque no sería la primera vez (ni sería la última) que me duermo con alguna cinta china o koreana y luego me arrepiento de haberlo intentado. Así que conociendo el riesgo me he lanzado a ver esta cinta taiwanesa, que bien podría haberme dado un bofetón (y en ese caso me lo habría merecido) y no ha sido así ni mucho menos.

Es diferente, es fresca, aporta un contexto nuevo y rasca en las interioridades de unos personajes con todo el interés posible porque son humanos como yo y como cualquiera, de rasgos orientales y con una idiosincrasia propia pero tan vivos como yo, sienten, padecen y como dice el título, comen, beben y aman como yo, como cualquiera.

Hay encanto y simpatía, historias raras, originales, y una constante que la hace única, y es el gusto por la buena mesa. Cualquier momento es bueno para introducir el elemento gastronómico y de qué manera, es poco decir que a uno se le puede hacer la boca agua, hay primeros planos extraordinarios, aunque lo mejor sin duda son las primeras escenas. No había nada visto nada así, su originalidad es lo que me ha ganado. Así pues se trata del devenir de una familia como otra cualquiera que cada vez que se sientan en la mesa y alguien tiene que explicar algo importante... hay que prestar mucha atención porque ciertamente lo que se va a escuchar va a ser importante, me encanta.

No le veo qué tiene de diferente respecto a tantas otras típicas de domingo por la tarde, y eso lo digo en el peor sentido de la expresión, porque es previsible y ofrece poca chispa. No creo que la historia sea del todo original, para mí lo peor es que poco de lo que sucede es excepcional una vez planteada la línea argumental, o dicho de otra manera, con los elementos que se presentan todo se dirige por el camino más correcto. ¿Qué queda?, una buena composición de la acción misma, más que adecuada y justa, es decir, la parte del entretenimiento justifica por sí misma el resto de película, aunque para mí es poco. A muchos el tal Leon les parecerá una pasada, un tío atractivo por sus rarezas y que merece toda la atención... yo la verdad es que ciertas extrañezas me parecen bastante ridículas, caso de la maceta y la planta, no saber quién fue Marilyn y que alguien tan profesional le dé toda su pasta a un mafioso. Todo eso me echa para atrás, no me gusta.

Mención a parte la extraordinaria interpretación de la niña Portman, muy por las alturas. Caso contrario el de Gary Oldman, lo peor, grotesco y deficiente. Reno hace un papel digno, aunque con el personaje que tiene que tratar poca cosa puede sacar. En definitiva lo que para la mayoría suma para un servidor no le sirve más que para rellenar alguna tarde tonta.

La guerra es muy perra. Lo es en la realidad y lo es en la ficción, y a esa verdad absoluta Jean-Jacques Annaud muestra su fidelidad en uno de los arranques más tremendos del género. La babilla se nos ha caído a más de uno al ver la crudeza del reclutamiento del Ejército Rojo y del ataque inverosímil de la infantería en la ciudad de Stalin. Opino que mucho de lo que sucedió, que en la interminable bibliografía podemos encontrar, podemos verlo en "Enemigo a las puertas", y de qué manera, los medios de los que dispuso el director francés los usó de forma excelente. Eso sí, la parte de ficción relacionada con el guión mismo de la película sobre la historia del francotirador Zaitsev, puede que no sea del todo adecuada, al menos no todo y siempre en mi opinión: mirar abajo, spoiler.

Pese a todo, los juegos malabares no son excesivos, la acción aparece en el momento justo y la crudeza es la necesaria. Hay mucha, demasiada historia en lo sucedido en la gran guerra como para exigir obras maestras a todo el que intenta aproximarse a un pedazo del sangrante conflicto bélico. Es una película correcta y entretenida, poco más.

Historia de un machote que rompe cadenas con el pecho y una desgraciada tontita con la misma cara toda la película dando vueltas en motocicleta-carabana por la Italia profunda... visto así no me interesa, es como es, tal cual, con la firma de Fellini, que no es poca cosa, pero de todas maneras muy insuficiente. El trasfondo es muy digno, todos nacemos con un fin en la vida y no podemos esquivarlo, somos quienes somos porque nos define una esencia que es el mismo fin también, o dicho de otra forma, el machote no dejará de serlo aunque en un último suspiro desgarrador en la playa se aprecie dignidad humana y sentimiento, mientras que la tontita lo es toda la vida, cargada de absurdidad y apego por quien sea, incluso por el machote con más mala leche de Italia.

Genial Quinn, puede que lo único que se salva, no como la Masina, a quien se sobrevalora su actuación, porque para poner cara de boba quizás sólo haga falta eso mismo precisamente, ser boba y nada más. La historia aburre, por no decir que me importa un pimiento, el circo en la Italia de posguerra... un tema de interés mayúsculo (ironía) y sin embargo qué barbaridad de dieces, no lo entiendo, no, incomprensible, incluso puede que el mismo Fellini no sabría explicarlo si pudiera, porque no es una gran película, nada de eso. Hay muchas otras formas posibles con el que explicar el mismo trasfondo y "la Strada" sencillamente es lo contrario de diversión.

Cualquier paso adelante para señalar hechos históricos me parece correcto mientras esa intención sea fiel a la verdad, y en casos de denuncia como el de Alain Resnais opino que es un gesto necesario. Lo que sucede es que el delicado contenido que se trata aquí casi obliga al espectador a valorar al alza el documental, sólo por la crudeza de las imágenes, porque eso lamentablemente sucedió así tal cual se narra y porque nadie quiere olvidarlo y nadie quisiera que hubiera pasado. Bien, dicho esto, aparto ese contenido y no es más que un documental como otros muchos, incluso diré más, el holocausto precisa diez veces más tiempo (tipo "Shoah") y un trato más exhaustivo.

A mí lo que me parece injusto es toda la guerra, todas las muertes en campos de prisioneros, no sólo la de los nazis, el holocausto es una mancha negra en la historia de la humanidad, pero la población rusa sufrió una ocupación terrible y no eran judíos, los japoneses en el otro lado del planeta y al mismo tiempo cometieron asesinatos en masa que nadie recuerda, todo el planeta sangraba y con el tiempo parece que sólo el pueblo judío padeció la guerra mundial. Yo digo que "Noche y niebla" es un documental correcto, personal, pero es sólo uno más, no es el más explicativo y por lo tanto no es el mejor ni mucho menos.

Algo debe tener bueno de verdad esta película cuando son unas cuantas las generaciones que tienen almacenadas en su recuerdo muchas escenas del original y genuino primer King Kong. Opino que la atmósfera que se crea en el viaje es lo mejor, el secretismo del director y sobre todo la idea original de una isla en la que se refugian todo tipo de animales extraños. Sorprenden sus caseros efectos especiales, tan efectistas como correctos, merecen una consideración a parte. Es cierto que lo que importa, lo que prevalece y lo que nunca olvidaremos es al simio gigante, dejando muy en la sombra, casi en el completo olvido al marinero machista que se enamora de la también olvidable chica guapa.

Todos recordaremos a King Kong en el rascacielos, forma parte de la historia del cine, tanto como la acción en la isla, aunque destaco más que esos impactos visuales la propia historia de amor del propio animal gigante y el desarrollo de una idea singular que ninguna secuela ha podido igualar. Un verdadero gamberro, King Kong, el auténtico protagonista por encima de todos los humanos.

Me encanta parafrasear a usuarios que dan en el clavo con un rigor y exactitud que no se le puede pedir mayor precisión: putos gabachos. Porque es así, porque de otra manera no se podría decir mejor.

La historia viene contada en el mismo título, "Un condenado a muerte se ha escapado", ¿alguien quería saber de qué va la película? Aunque eso no es lo mejor, el gran Bresson advierte en el primer minuto de película que lo que vamos a ver es la filmación de unos hechos reales sin ornamentos, menudo mentiroso, la manera de hacer enseñando el espacio del preso, el silencio en el que vive, su incomunicación, los primeros planos del trabajo del protagonista Fontaine, la voz en off tan precisamente colocada, todo esto puede que no sean ornamentos, no, es cine en estado puro, la esencia del cine del francés Bresson que cuenta una historia según él sin ornamentos, mientras que yo no sólo niego eso sino que opino que va más allá y lo da todo, lo ofrece todo para llegar al momento de decidir que esto es cine de calidad.

Es cierto que si la historia está explicada desde el inicio lo que queda es ver la forma, el cómo, ese difícil argumento en el cine que se basa en las maneras y que Bresson ejecuta como nadie. Porque sí, es cierto, hasta puede afirmarse que la película aburre y sin embargo es grande, está vacía y repleta de todo a la vez... No sé qué tienen estos franceses que a menudo son tan maestros que cuesta poco rendirse ante su cine, una maravilla.

Un grandioso Renoir realizó una exhibición que queda para la historia y para nosotros, los privilegiados que sabemos disfrutarla nada menos que setenta años después. Qué grande es mirar atrás para encontrar maravillas así, y nada menos que en una época de entreguerras tan ruidosa y complicada, haciendo señales antibelicistas tan oportunas y mostrando unos valores imperecederos. Es una pena que el tiempo pase y que ya no se hagan cosas así, respondo así con admiración positiva ante la reiterativa duda de la posible caducidad de cierto cine. "La gran ilusión" pasa de mi lista de recomendaciones pendientes de ver a la lista de recomendaciones al resto de usuarios.

Me encanta la educación y el respeto entre enemigos, hasta al pobre jefe alemán le sabe mal participar de esas situaciones. Celebro que la dirección de la comedia sea la justa y comedida (nada que ver con Wilder en algún título suyo discutible) y que el sabor agrio se presente tal como es, como una intención sana de que todo sea diferente, de que esas ganas de que que acabe todo no sea ilusión quizás y se convierta en realidad. No sé, quizás se lo deberíamos preguntar a esos guardas fronterizos que ven alejarse a los fugitivos, quizás a la madre suiza, o a tantos y tantos personajes que tienen en la cabeza lo mismo que yo, que las cosas debieran ser de otra manera. Y todo esto a dos años de la gran tragedia del siglo, qué oportuno Renoir, qué grande, enorme!!!!

Las circunstancias que definían la existencia de Roma en 1945 seguramente fueron las peores de su historia, o al menos fueron las más deplorables de su historia contemporánea y por extensión a una Italia quebrada de norte a sur. En esos momentos tan difíciles Rossellini aparece de entre la ceniza, justo cuando tienen que aparecer los genios, para señalar con el dedo la historia de su moribunda Italia a través de unos actores que, no podía ser de otra manera, viven sus personajes. El neorrealismo nace con Rossellini entre otros, y es en su "Roma, ciudad abierta" donde puede desarrollar mejor sus principios, en parte gracias a una historia que lamentablemente le viene como anillo al dedo.

Una historia con la que Rossellini puede hacer daño porque la vida duele, ahí y en ese momento, una historia de unos personajes alemanes desalmados porque así lo fueron mientras ocuparon lo que pudieron durante la guerra, una película que muestra lo peor cuando de otra manera no podía ser, porque había guerra y la guerra es muy perra, antes y ahora, si Roma era gris y la esperanza de mejorar era mínima Rossellini estaba allí para decirlo, porque la fragilidad humana produce tristeza, porque esa época era triste y agachar la cabeza era lo mejor que se podía hacer para sentirse más vivo, o menos muerto, la esperanza, la desdicha, el mensaje de la raza superior... dan ganas de caer a conciencia en la redundancia de decir que las cosas fueron así realmente, que Rossellini parece haber recortado un trozo de historia y lo ha montado para nosotros tal como fue.

Me hubiera encantado titular esta crítica con un rotundo "suspenso en religión", pero lo cierto es que un cinco me parece más justo. Mi interés por la religión es mínimo pero "Ordet" tiene algunas cosas de muy buen gusto que vale la pena rescatar. Somos muchos los que metidos de pleno en el S.XXI las cuestiones de la fe y esas mamonadas nos resbalan tanto como para que sólo un profundo y sincero afecto por la historia del cine nos lleve a ver una película como "Ordet", de un danés de hace más de cincuenta años sobre el tema. En un principio peor no lo podría tener para usar mi tiempo con esta película, qué le vamos a hacer, la insistencia de FA y tener un estómago adecuado para el momento, eso y valor, claro, mucho valor. A los ultrapaganos como yo nos queda la mención de sonrisilla intelectualoide del también danés Soren Kierkegaard y ese loco tan loco que es el más cuerdo quizás de todos, surrealista y simpático capaz de mezclar teología dura con reflexión empírica.

Lo demás es aburrido, lento y para mí intrascendente. Ese cinco sin embargo es un homenaje al director Dreyer porque pese a que el contenido carece de interés alguno la película está bien hecha, es indudable su virtuosismo, los planos interiores y toda esa manera de hacer que hace digna mínimamente cada escena. Las cosas están bien hechas, tal como suena, me puede importar un pimiento la vida de estos cristianitos ortodoxos y fanáticos, pero es una muestra de cine de buenos modos.

Desde aquí hago extensible la recomendación de FA a todo cinéfilo, imprescindible por muchas cosas, porque empieza como un huracán, porque acaba con un estrepitoso final y porque da señales de cómo se han de hacer las cosas (nada menos que ochenta años ya) para que el espectador se quede clavado en su sitio y no pestañee. Espectáculo visual y espectáculo interpretativo de un enorme Paul Muni. Las comparaciones son necesarias, Brian de Palma hizo su versión y muchos somos los que hemos reconocido a Al Pacino como el único pobre diablo rodeado de todo lo que sabemos, hasta que por fin y con mucho miedo a la decepción he decidido averiguar qué tenía el original. El orden es lo de menos, en mi caso la primera versión ha venido después. Y es que la realización de Hawks es enorme, más breve y sintética, eso desde luego, y bajo mi punto de vista un punto por encima. Puede que el B/N le dé eso especial que buscamos los que gustamos de mirar atrás, a mí una película bien hecha pero de los años treinta como este caso, siempre me atraerá más. Puede que sea una cuestión de romanticismo.

Es cierto que muchos mamporros son gratuitos, a mí eso hasta me da igual, que la figura del secretario se la podrían haber ahorrado, también, pero resulta que son tantas cosas las que hacen que opine que es una película inolvidable que ante la necesidad de argumentarlo más simplemente diría: "X" El símbolo tan repetido en muchas escenas memorables es el protagonista junto a Paul Muni; las persecuciones, los asesinatos, las peleas, las palabras, todo es esencialmente una enorme "X", símbolo del contenido, de una manera de hacer cine, cine puro, virtuoso, enorme, esencial para cualquiera. Un lujo. Pocas veces es más acertada una frase hecha, pero es que como el buen vino, Scarface ha envejecido de forma maravillosa. Una gozada.

Es muy posible que en "Los cañones de Navarone" se dé el extraño caso de encontrar más argumentos en su contra que a favor y sin embargo a la hora de recapitular y hacer la valoración que FA exige, el resultado es totalmente satisfactorio. Cuestión de afinidad por el género, eso desde luego y en mi caso particular, pero hay razones más importantes que marginan la improbable manera de hacer de los alemanes en la isla griega. Las interpretaciones de los protagonistas tiene mucho que ver, a niveles elevadísimos. En un papel de difícil encasillamiento moral Gregory Peck ha hecho que me olvide que es el mismo de otros personajes blandos; Niven ofrece lo mejor y Quinn difícilmente podría haberlo hecho mejor.

No es una obra maestra pero entretiene una barbaridad, posiblemente tiene algo subliminal que atrae, una especie de reclamo en clave positiva, algo de contenido ciertamente auténtico con esos paisajes mediterráneos y la respetable esencia de la misión que define la película. Podría decir que es bonita y me quedaría tan a gusto, pero es que es así, aunque sea una película bélica es hermosa (mucho mejor que bonita) y no encuentro otra manera de decirlo.

Y acabo con lo malo, la inverosimilitud de esos alemanes tan tontos. Son muchas cosas las que los señalan como incompetentes, el guión entero es una acusación directa de su incompetencia, en cada disparo, en cada acción de nuestros protagonistas hay una ineptitud alemana. Y sin embargo la película mola; qué le vamos a hacer, otras por menos caen por debajo del cinco...