Difícil plato para el cinéfilo medio supone afrontar el visionado de una película del cine tradicional japonés, por mucho que sea Akira Kurosawa (Rashomon, Los 7 Samuráis) quien la firme. Si uno se aleja de la inexistente dinámica de cámara o la extraña ingenuidad de los actores en general, la historia esconde un interesante debate sobre la pérdida de tradición nipona, representada en el cuerpo de un samurai venido a menos en lo que respecta a sus dogmas de valor y justicia habituales. El fragmento final se presenta como un regalo ante un comienzo denso y de difícil digestión.

Recurriendo una vez más a los atractivos temas bíblicos, Seven dispone en pantalla un inteligente argumento de gran impacto para el espectador. El largometraje engancha desde el principio y sabe mantener un ritmo elevado en sus dos horas de duración. Los desgarradores cadáveres y la intensa investigación marcan las señas de identidad para un guión que no defrauda y responde a la fama que la comunidad cinéfila ha otorgado a este título.

Clásico del género de terror más primitivo bajo la dirección del no menos histórico Alfred Hitchcock. Preparado ante lo que se hace ver como el filme más tenebroso del cineasta, el espectador contemporáneo comprobará como la agresividad de Los Lunnis sacia con mayor eficacia nuestros anhelos de sufrimiento psíquico. El desarrollo argumental es muy bueno, materializando un final que logra un impacto notable. Anthony Perkins logra una actuación sobresaliente, y la película transcurre sin demasiadas interrupciones a lo largo de la historia. Fundamentalmente, el gran problema de P es la fama ganada como célebre largometraje de terror. A no ser que te aterre el aleteo de las moscas o sufras ataques cardiacos cortándote las uñas, nada habrá en este guión que pueda acongojar en exceso. Ni siquiera puede erigirse como el filme más oscuro de Hitchcock, pues obras como Los Pájaros superan con creces a este relato. Mal asunto ese de la fama…

Clásico cinematográfico encumbrado por una fantástica actuación del actor Tom Hanks y un argumento atractivo e impactante. El lento y frustrante avance característico del SIDA es el eje central del filme, por encima incluso de la lucha homosexual, debido al impacto visual que producen las las secuelas físicas de esta enfermedad terminal. El aguante sobrehumano, el sufrimiento familiar o la comprensión de la pareja son algunos de los puntos más emotivos de un largometraje excelente y merecedor del buen regusto cualitativo que ha dejado en la mayoría de cinéfilos.

Comprometida tarea la de juzgar la calidad de un título anterior a la Segunda Guerra Mundial. La técnica es pobre a pesar de su mérito, y las historias pueden identificarse, según la visión del cinéfilo, por su simpleza argumental o bien por el concepto que mucha gente conserva de "basura clásica". Lo cierto es que la película es lenta, sí. La música te rebana el cerebro como ese garito asqueroso al que prometiste no volver. Se ve mal. La historia la sabes desde que dejaste el biberón. Puedes leer los textos 74 veces antes de que los quiten. Es cierto. Pero si puedes abstraer tu mente un instante del mundo en que vives, reflexionar sobre un largometraje de 80 años puede valer la pena. Y en este caso la visión se adecenta. El argumento es mejor que las parodias de los Lumiere. Musicalmente puedes percibir el principio del bacalao y el nu-metal (increíble pero lo certifico). Eso sí, los textos siguen tocando las pelotas. Pero la interpretación no es tan disparatada, y la caracterización del vampiro imprime un fuerte impacto dignamente conseguido (superior a muchos monstruitos actuales). Por lo tanto, el filme tiene un gran valor cualitativo para la fecha en que fue realizado, y defectos aparte siempre resulta agradable comprobar que había vida antes de nosotros. Ahora bien, si te ha tocado bajar al videoclub… no te pases de listo.

Gran vencedora en la gala de los Oscars (sí, a veces todavía sirve para medir la calidad de los filmes), la nueva aparición de Clint Eastwood como director ha servido para reconocer oficialmente las buenas maneras del ex-vaquero, demostradas con creces en su anterior obra, la genial Mystic River. Tanto actores como guión saben manejarse a la perfección para lograr un resultado notable, aunque me queda un cierto regusto amargo una vez visualizado el filme. El hecho de mezclar la superación por lograr nuestros objetivos a pesar de las dificultades y un tema como la eutanasia (unido a la negativa eclesiástica) obligan a solventar varias zonas del argumento con escenas previsibles debido a una lógica falta de tiempo. El giro dramático de la última parte del largometraje cuenta con un peso trascendental que no ha sido suficientemente limado para evitar un solapamiento peligroso respecto a la primera hora del film, logrando una combinación desacertada (no por la brusquedad del accidente, necesaria, sino por el protagonismo posterior del mismo). Por ello, si la intención hubiera sido que MDB fuera considerada como una película sobre la eutanasia, carece de sentido extenderse tanto en las acciones previas. Si el objetivo final, en cambio, pretendía abarcar más territorio, podemos reconocer que el metraje se ha quedado excesivamente corto a la hora de ceder su espacio natural a cada sección. De todas formas, a pesar de ello, nos encontramos ante una película con grandes cualidades (actores, escenas secundarias) y merecedora de las siempre cuestionadas estatuillas que la diferencien de la mayoría de proyectos que se emiten en las salas.

La obra más conocida del célebre director alemán Fritz Lang rejuvenece en el siglo XXI y aparece a ojos del espectador como una atractiva historia social todavía vigente en nuestros días. Siendo un largometraje camino del centenario, la crítica a un neonato capitalismo o al poder humillante de las máquinas sobre el hombre no dejan de sorprender al cinéfilo contemporáneo, especialmente por la innegable calidad con la que son representados. Variedad de escenarios y de personajes, destacando notablemente la actuación de Brigitte Helm. La música acompaña de manera precisa los acontecimientos y los limitados pero eficaces efectos especiales ayudan a mejorar la dramatización. Un inteligente proyecto digno epílogo del fecundo expresionismo alemán.

A pesar de contar con una plantilla de actores excelente y centrar la historia en la siempre atractiva mafia italiana, LIDEN no logra enganchar al espectador debido a una historia descafeinada y el bajo carisma de sus protagonistas. Conviene incidir en lo mediocre caracterización de los personajes, poco hechos y adornados con frases infantiles que desvirtúan la acción. La historia es veloz e impide que ningún protagonista destaque sobre el resto, atrayendo la indiferencia sobre lo mostrado en pantalla. Quizá si no hubiesen hecho nunca El Padrino…

Espesa descripción de las últimas horas de un joven venido a menos que decide ahogarse en alcohol para terminar con su calamitosa existencia.
La degeneración existencial del protagonista se ve acompañada por el amor fortuito de una prostituta, que observa indefensa como el muchacho se autodestruye a marchas forzadas, invirtiendo todo su capital en un desproporcionado arsenal de bebidas que consume de manera constante durante todo el filme.
El alcoholismo sufrido por el personaje interpretado por Nicolas Cage es recreado de manera sobresaliente, pero no parece suficiente excusa como para otorgarle el argumento entero del largometraje. La acción es inexistente, y el realismo juega en esta ocasión un papel somnífero en demasiadas ocasiones.

Mediocre combinación realismo – ficción donde la coletilla “basada en hechos reales” nunca ha sido tan puesta en duda. Es muy difícil disfrutar con este argumento, pues encadena una serie de fallos literarios que convierten el largometraje en una pantomima surrealista. No se duda de que el Tercer Reich tuviera la genial idea de juntar a los mejores “escapistas” del enemigo en un solo recinto, pero es complicado asimilar que llegaran a poseer tantas deficiencias mentales. El grupo occidental llega a contar con una organización mejor que el propio enemigo, a pesar de estar recluidos, y su acceso a información privilegiada, recursos imposibles (se montan hasta una sastrería), reuniones en masa y túneles kilométricos provoca desconfianza en un espectador al que sólo McGyver lograba convencer con estos métodos.

Interesante propuesta de Kubrick respecto a la formación y posterior actuación en combate real de un grupo de marines en plena guerra de Vietnam. La original propuesta de dividir la historia en dos secciones relacionadas pero totalmente diferenciables abre la perspectiva del cinéfilo, acostumbrado a vivir solamente una de las experiencias. A pesar de comerse protagonismo mutuamente, esta dualidad abarca con certeza lo que se propone, y tanto el periodo de formación como el combate real no exigen de más metraje explicativo. La acción es intensa y los efectos correctos. Como siempre que se dirige la atención a pequeños grupos la épica desaparece, aumentando el realismo y perdiendo emoción, si bien no es criticable cuando es sabido que encontrar héroes en una guerra es más cuestión de fe que de lógica objetiva.

Enrevesada e inteligente aventura de acción, donde el mundo absorbente de la investigación alcanza el nivel de los grandes relatos de detectives gracias a un acertado traslado argumental desde la obra literaria original. Los distintos frentes abiertos en la historia no se molestan entre sí e introducen de manera irreversible al cinéfilo en la acción. Sin duda, se echan en falta en la cartelera actual largometrajes con un guión profundo creado artificialmente por la mente humana con un fin claro, conseguir una atención exponencial del espectador mediante una historia compleja pero atractiva. Los detectives parecen sufrir una marginación preocupante en el mundillo cinéfilo, y viendo filmes como éste la añoranza es totalmente comprensible.

Una vez más, la duda se instala en mi cerebro. La gente ríe, se le ve contenta, alegre, con entusiasmo… y a mí me ha vuelto a parecer un petardazo de aúpa. ¿Qué es exactamente lo que sigo sin apreciar? Ya alucinaba con los elogios a una primera parte mediocre e insípida pero, válgame Songoku, en esta nueva entrega ha pasado de despropósito a tomadura de pelo. Pues que queréis que diga, desde Ptinto yo no veía nada semejante. Quizá haber crecido con las mejores obras de Disney ponga un listón muy elevado en los análisis cuando toca este género, o vaya muy poco ciego al cine y no consiga apreciar las maravillas de este… "coso". En fin, como se atrevan con la tercera dejo la carrera y me paso a la animación.

Soberbia recreación de la vida y obra de una de las figuras más destacables del siglo XX. La responsabilidad infinita de dar vida a un héroe y ejercer como presentación exclusiva del mismo para millones de personas no fue traba en la ejecución de una epopeya de tres horas de duración, donde asombro y admiración compartirán protagonismo a lo largo del largometraje. Nuestro planeta, pasivo ante la información y ahogado por la comodidad, necesita urgentemente de ejemplos como el de Ghandi que derriben, aunque sea temporalmente, las férreas barreras del “sistema de bienestar” actual. Realmente viendo esta película uno acaba con la sensación de que es imposible que existiese alguien así, de que convicción, voluntad y ética se alíen de manera tan estrecha en un mundo sediento de distinciones inútiles y conflictos derivados de ellas. Einstein acertó al asegurar este desconcierto en las generaciones futuras. “La no-violencia es la mayor fuerza de la humanidad”, aseguró el Mahatma. Esperemos que también esta predicción acabe por realizarse.

Siempre que una dictadura se deja atrás, en la sociedad víctima del acoso gubernativo se genera una orgía de libertad que ve en las artes su mejor forma de expresión. Superado el fascismo de Mussolini, el pueblo italiano se aferró a la historia cotidiana, censurada antaño, para elaborar su nueva hornada de películas enmarcadas en el denominado movimiento neorrealista. La producción comentada es un buen ejemplo de cómo trasladar las grandes dificultades de una comunidad todavía sumida en la pobreza a la gran pantalla. La emotiva historia presentada es una fotografía histórica de una época de penurias que tantas sociedades se han visto obligadas a soportar. La moraleja final del guión (confianza ciega en un mañana utópico plagado de buenas personas… cristianas) es el punto más pobre de un argumento crudo y directo, que no cae en dramatismos innecesarios al representar de manera fiel una historia dolorosa pero creíble.

En tiempos donde la política no sabe distinguir entre democracia y fascismo, es fundamental que aparezcan largometrajes como el actual que obliguen, al menos durante un par de horas, a la reflexión personal sobre cómo las sociedades más industrializadas someten a los menos favorecidos mediante distintas encerronas que disimulen la explotación. Intrigante trama y compromiso social fueron dos grandes razones para escapar durante un rato de la siempre efectista cartelera navideña (época en la que salió el filme), reafirmando una vez más la necesidad para el cine de superar la barrera del ocio y continuar siendo un sensacional medio para la transmisión de todo tipo de realidades, propias o ajenas, que logren otorgarnos nuevos puntos de vista sobre lo que todos suponemos pero casi nunca nos detenemos a profundizar.

Máximo exponente del cine negro, y una de las obras más famosas de Bogart, EHM exhibe en menos de dos horas las bases a seguir para producciones contemporáneas que aspiren a formar parte de un género que revolucionó la industria cinematográfica. Mujer fatal y malvados carismáticos se unen al atractivo de un protagonista mitad prepotencia mitad elegancia, en un argumento que exige la atención del espectador debido a su diversidad. Los juegos de cámara y luces ayuda a enfatizar un drama que no oculta su admiración por el expresionismo alemán, fuente de inspiración de innumerables obras. Quizá besos y puñetazos provoquen alguna carcajada por su falta de realismo (tienen bastante más habilidad con el mechero), pero para la historia quedará la fiebre negra generada en las salas de todo el mundo gracias a sombríos argumentos, pistoleros de gatillo fácil y algún que otro “nena” bien puesto.

Al igual que los anteriores tres millones de exorcismos que hemos podido ver en las pantallas de cine, esta nueva obra redunda en la posesión infernal liderada por unos demonios aburridos de habitar en el averno e interesados en desprotegidas jóvenes de comportamiento modélico. El guión resulta escaso, los medios bastante limitados y el ritmo poco fluido. Una vez más, y ya han pasado unas décadas, la carga del padre Carrack resulta un peso imposible de aguantar para una producción mediocre.

Relato dramático-reflexivo sobre el maltrato infantil y las consecuencias derivadas para el entorno que rodea a las agresiones. La dureza del argumento recibe dosis de franca intensidad con la violencia explícita mostrada en ciertas escenas. Si a esto unimos la ira, rabia, odio o desesperación incluidos en el ambiente del filme, se logra conformar un proyecto notable y efectivo para un tema tan atroz como ignorado

Combinación aparatosa de comedia y reflexión intelectual de la que finalmente uno no sabe si descojonarse o tomar en consideración. La introducción repentina de temas como el racismo y el machismo en la religión, en medio de un argumento claramente cómico, enturbia la mente de un espectador que no puede detenerse a meditaciones profundas mientras ve a un gordo relleno de mierda o a un Dios hembra saltando entre los árboles. Resulta artificial hasta en un contexto surrealista.