Critica: Force of Nature

Durante un huracán en Puerto Rico, unos ladrones planean dar un golpe. Sus planes se tuercen cuando una pareja de agentes y unos residentes les oponen resistencia.

Nos encontramos ante la nueva película de Mel Gibson, que ahora ya pasados sus mejores años como estrella de cine y que al igual que contemporáneos suyos (como Bruce Willis), se ve obligado a aceptar intervenir en films menores, de cuyos guiones antes no habría pasado ni del título.

La premisa del film es poco original e inverosímil y su desarrollo navega por lugares muy transitados. Se agradece que le intenten dar algo de desarrollo a los personajes para que por lo menos nos importe lo que les pase. Mel Gibson interpreta a un personaje marca de la casa (aunque esta vez en un rol más secundario), un expolicía borde y testarudo, que mantiene a punto su pistola junto a su bote de pastillas. Emile Hirsch interpreta con solvencia a uno de esos héroes de pasado traumático que tan bien se le daban a Stallone. Ambos están muy bien secundados por Kate Bosworth, como la hija de Mel Gibson y Stephanie Cayo, que hace lo suyo como compañera del personaje de Emile Hirsh. Merece la pena mencionar a William Catlett y su “animalito” entrenado para “dar la bienvenida” a todo agente de la ley con el que se cruce (y que por supuesto, nos olemos su devenir en la historia desde el mismo momento en el que lo nombran por primera vez). Con el bando de los atracadores no hemos tenido tanta suerte, el televisivo David Zayas (Oz,Dexter) interpreta a un villano de lo más genérico y su grupo de compinches no son más que carne de cañón, que llevan la palabra fiambre escrita en la frente.

La película está dirigida por el californiano Michael Polish (marido de Kate Bosworth), cuya carrera hasta ahora navegaba entre la comedia (The Smell of Success) y el drama (Twin Falls Idaho, El granjero espacial), siendo esta su primera aproximación al thriller de acción. Polish huye de los montajes frenéticos y las coreografías hiper trabajadas tan de moda hoy en día, rodando las escasas secuencian de acción con una sobria claridad de ideas y dotando al conjunto de un aire ochentero, que es muy de agradecer. Saca partido a los escasos veinte millones de presupuesto e imprime de un ritmo al conjunto, para que si bien, ya sabemos en todo momento lo que va a pasar, por lo menos nos resulte entretenido.

En resumen, estamos pues ante una película sin grandes virtudes, ni grandes defectos, cuyos escasos noventa minutos y su falta de pretensiones juegan a su favor. Pero no nos engañemos, la habremos olvidado antes de que finalicen sus títulos de crédito. Si queréis una peli sin complicaciones con la que pasar una tarde de domingo, esta es vuestra peli. Si buscáis algo original que os despierte las neuronas, seguid buscando, porque aquí no lo vais a encontrar.

Critica: Velvet Buzzsaw

Josephina encuentra la obra de un artista desconocido que resulta ser de gran valor. Al enterarse de esto, su jefa, la marchante de arte Rhodora Haze, le propondrá una alianza beneficiosa. Las dos junto al crítico Morf Vandewalt explotaran la colección en su propio beneficio, sin saber que una maldición acompaña a los cuadros.

Velvet Buzzsaw es la tercera película como director de Dan Gilroy tras la irregular Roman J. Israel, Esq. y la sobresaliente Nightcrawler. Al igual que en esta ultima ha contado con Jake Gyllenhaal y Rene Russo como protagonistas.

Dan Gilroy pone todo su cinismo en el film y lo dispara contra un grupo de parásitos elitistas que se alimentan sin tapujos del mundo del arte. Todos ellos con nombres estrafalarios y diálogos mordaces, que el guion escrito por Gilroy nos hace odiar desde el primer momento.

La película deambula entre la comedia negra y slasher, con un equilibrio más conseguido en su primera mitad. La fotografía es excelente y Gilroy se ayuda de ella para crear la puesta en escena de unos crímenes que están resueltos con mucha inventiva. A destacar el que acontece ante una obra, que al abrirse al público este cree que forma parte de ella (todo expuesto con mucho humor y mala leche).

Las actuaciones rozan el notable alto y no podía ser menos teniendo en cuenta los actores que participan. Tenemos unos excelentes y desbocados Rene Russo, John Malkovich y Toni Collette, bien secundados por Zawe Ashton y Natalia Dyer. Caso aparte merece un Jake Gyllenhaal, que con su trabajo vuelve a demostrar que es uno de los mejores actores de la actualidad.

Quien busque un nuevo Nightcrawler saldrá decepcionado, esto es otra cosa, un divertimiento con aires de serie B que lanza un mensaje de forma poco sutil. A mí en concreto, me recuerda a los comics de la editorial EC, con personajes mezquinos a los que un karma con forma de espíritu vengativo da una lección por dejarse llevar por sus ambiciones egoístas. Es tan bizarra que puede terminar siendo película de culto, aunque es una propuesta tan descontrolada, que habrá a quien se le atragante.

Critica: Los últimos días del crimen

En un futuro distópico, EE.UU. pretende emitir una señal que anule toda capacidad para cometer actos ilegales. Graham Bricke se une a una banda de ladrones para dar un último golpe, con la promesa de averiguar que le ocurrió a su hermano.

La película está basada en un cómic escrito por Rick Remender e ilustrado por Greg Tochinni. Con aroma noir, sorprendentes giros de guion y unos personajes bien construidos, el cómic se desarrolla a un ritmo endiablado que te atrapa desde la primera página y no te sueltan hasta llegar al final. ¿Cuánto de esto se mantiene en el film? pues me temo que poco o nada.

El film está dirigido por Oliver Megaton, responsable de films como Trasporter 3 o Taken 2 y 3. Con estos antecedentes uno no espera gran cosa, pero si por lo menos que el film posea cierto ritmo. Pues nada más lejos de la realidad, la película dura unos extenuantes 148 min., que se hacen pesados en su primera mitad por culpa de una trama demasiado alargada y vacía. Algo mejor le va a la segunda mitad del film, con secuencias de acción dirigidas con cierta corrección.

El guion es un manual de cómo no hay que adaptar una obra de otro medio. Karl Gajdusek desaprovecha totalmente la premisa original, simplificando la historia y sustituyendo unos personajes bien construidos y con personalidad por clichés andantes. La trama se desarrolla con una falta de originalidad pasmosa, construyendo un relato tan insultantemente previsible, que recuerda a miles de films vistos con anterioridad.

Con semejantes mimbres, poco puede hacer un reparto de caras internacionales. Tenemos a una correcta Anna Brewster, un histriónico Michael Pitt (que parece ser el único que se lo pasa bien en el film), un anodino Edgar Ramírez (con un personaje del que no tiene mucho que aprovechar) y un Sharlto Copley que simplemente pasaba por allí.

En resumen, si queréis disfrutar de una buena historia, leed el cómic. Si queréis perder dos horas y media de vuestra vida...seguro que se os ocurren mejores formas que viendo este despropósito.

Critica: Breath

Simon Baker actor que alcanzó fama mundial en la pequeña pantalla gracias a protagonizar las series The Guardian y El mentalista, es el realizador de este film, que supone su debut como director de cine. Además de la dirección, Baker se guarda uno de los papeles principales y participa junto a Gerard Lee en la escritura del guion, que adapta la novela de mismo título escrita por Tim Winton y publicada en 2008.

Bruce "Pikelet" Pike es un adolescente introvertido que pasa sus días surfeando junto a su mejor amigo, Ivan "Loonie" Loon, un chaval temerario y algo brabucón. Un día conocen a Sando, un ex surfista profesional, que los instruirá en ese deporte y los animará a intentar proezas cada vez más peligrosas.

Se puede calificar de excelente el trabajo de los debutantes Samson Coulter y Ben Spence como los protagonistas. La química que desprenden en pantalla da verosimilitud a la amistad que surge entre estos dos adolescentes de caracteres opuesto, haciendo creíble ese paso a la madurez que los personajes experimentan. También son destacables las actuaciones de Simon Baker como Sando, que hará las veces de mentor, enseñando a los chicos a superar sus miedos. Y el de Elizabeth Debicki como la apática Eva, que atraviesa una depresión a raíz de un accidente que trunco su carrera deportiva. El reparto lo completan unos correctos Richard Roxburgh, Rachael Blake y Miranda Fragou como los padres y la novia de Pikelet.

Baker imprime al film un ritmo sosegado, centrado en dotar de autenticidad a las relaciones que surgen entre estos personajes y a la evolución que experimentan durante el desarrollo del film. Apoyándose en la espléndida fotografía de Rick Rifici, Baker aprovecha para lucirse en las escenas ambientadas en la costa australiana, captando toda la espectacularidad de las cabalgadas de surf sobre las holas, así como dotando de inusual belleza a las escenas desarrolladas bajo el mar.

En definitiva, estamos ante un notable debut, que satisfará tanto a los seguidores del surf, como a los cinéfilos que disfruten de un buen drama con un excelente desarrollo de personajes.

Critica: Suspiria (2018)

Susie Bannion siempre soñó con asistir a la academia de danza de Madame Blanc. Un día, se traslada a Berlin y consigue ser admitida en la prestigiosa escuela. Lo que no sabe es que tras sus puertas se oculta un mal ancestral, que transformara su sueño en una pesadilla.

Empezare diciendo que la Suspiria de Argento está en mi top ten de cine de terror, siempre que la vuelvo a ver me sigue fascinando tanto como la primera vez. Su imaginativa puesta en escena, su fotografía de colores vivos e intensos y la genial banda sonora de Goblin dan forma a un universo tan único y personal, que es difícil concebir una nueva versión a través de los ojos de otro realizador que no sea Argento.

Ante la falta de ideas originales del cine actual no hay película de terror de los 70 u 80 que escape a tener su propio remake. El director encargado de asumir la osadía de volver a llevar Suspiria a la pantalla grande es el italiano Luca Guadagnino, director de los dramas Cegados por el sol y Call Me BY Your Name, que están muy alejados del cine de género que realizaba Argento.

Esta nueva versión parte de la misma base argumental que el film original, para una vez pasado por el filtro personal de Guadagnino constituirse como una reinvención total de esta, que a la vez la complementa. Con la complicidad del guionista David Kajganich, Guadagnino desarrolla su película en pleno centro de Berlín, durante los atentados perpetrados por la extrema izquierda en los años setenta. Dota a la propuesta de un tono histórico y político del que carecía la versión previa, distanciándose del tono de fábula o cuento de hadas macabro con el que Argento impregnaba su clásico. El film avanza a ritmo lento en sus mas de dos horas y media de duración, pero que no pesan gracias al increíble trabajo de montaje y a la imaginativa puesta en escena. La película posee una atmosfera feista, arropada por una fotografía gris y apagada que huye de los colores vivos, dando forma a ese Berlín lluvioso e invernal en el que se desarrolla la historia.

Merece la pena resaltar el tratamiento de la danza en la película, que adquiere aquí más importancia en el desarrollo de la trama y que son obra del coreógrafo Damien Jalet. Muestra de ello es la secuencia que une los movimientos realizados por el personaje de Dakona Johnson, al destino de una de sus compañeras de academia, de montaje brillante y excelente planificación. También son destacables, la espectacular representación de la obra Volk y ese aquelarre final que rompe con el tono establecido hasta entonces, ralentizando la imagen, tiñendo la fotografía de rojo sangre y dando rienda suelta a un gore tan extremo que no dejara indiferente a nadie.

Guadagnino nos sorprende consiguiendo una buena interpretación de Dakona Johnson, actriz que hasta ahora mostraba registros muy limitados. Tilda Swinton se luce interpretando tres papeles, Madame Blanc, Helena Markos y el Dr. Josef Klemperer. En papeles secundarios tenemos a Mia Goth y Chloë Moretz, que están más que correctas como estudiantes de la academia. Merece la pena comentar el pequeño papel de Jessica Harper, protagonista de la Suspiria original, que aquí interpreta a la esposa de Josef Klemperer.

No es una película redonda, hay momentos en que tiende demasiado a la sobre explicación (el epilogo sobra) y el final se torna excesivo en una película hasta entonces más contenida. Pero a pesar de sus imperfecciones (las cuales no ensombrecen el resultado final), sé agradece que Guadagnino asuma el riesgo de reinventar totalmente Suspiria, dotándola de su propia personalidad, que puede gustar más o menos, pero que siempre será mejor que una actualización carente de personalidad como las que nos suele vender Hollywood.