Puede que algún despistado no se haya dado cuenta todavía, pero ninguna película de John Carpenter es mero entretenimiento, y ésta no es la excepción.
Seguramente sea una de sus más feroces sátiras, aunque la distorsionada acción la acerca más al esperpento, y las situaciones excesivas e imposibles puede que hayan alienado a muchos espectadores poco precavidos. Pero como la manzana podrida que aloja gusano, en este espectáculo aparentemente deslabazado y ridículo, se esconde una carcoma que ataca todo lo que se le pone por delante:
-el fanatismo religioso del presidente
-el fanatismo político de los seguidores de Cuervo Jones
-el fanatismo monetario del propio Cuervo
-el fanatismo estético de los infelices habitantes de Beverly Hills

Todos los males de la sociedad de consumo son aquí analizados pormenorizadamente llegando a una conclusión atroz, lo mejor es que nos vayamos al diablo

Hay aquí publicada una crítica de lo más miope hacia "Dioses y monstruos" en la que se la acusa de todo lo contrario de lo que es: superficial, cuando es de una profundidad abrumadora; que no emociona, cuando es de una densidad emocional embargante.
No sólo hay en esta película grandiosas actuaciones o soluciones formales de primer orden (siempre desde el clasicismo), sino que hay una exposición de temas tal que es imposible aprehender todo su sentido a la primera, segunda o tercera visión.
Claro que en lugar de hablar de libertad de manera farragosamente didactica lo que se hace es hablar de semejante cosa (lejos de toda metafísica) a partir de retazos biográficos de la vida de Whale (porque "libertad" en abstracto no significa nada); cuando se presenta la soledad del personaje se hace en confrontación con sus dolorosos recuerdos; y cuando se habla de vida y muerte se nos dan pistas sobre una vida valiente -la del gran James Whale- cuya dignidad fue preservada a través del suicidio (ya que el personaje de Brendan Fraser no se atrevió a eutanasiarlo piadosamente)
Cuando evaluamos las actuaciones de los actores, rememoramos los viejos filmes de la Universal (porque efectivamente, esto también es un homenaje hacia este Arte maravilloso llamado cine), disfrutamos de una música maravillosamente delicada y hermosa, y nos dejamos
emocionar por una historia con tantas implicaciones sólo podemos hablar de Obra Maestra, si es que las hay, de una obra perfecta de la que hablar mal sólo puede darse desde la ignorancia o desde la supina miopía cinéfila

Excalibur es una película que a día de hoy carecería de todo sentido, de la misma manera que la música de Wagner sobre los Nibelungos, de la misma manera que el género épico en bloque. Echadle la culpa a la post-modernidad, porque las "grandes historias" ya no proceden... la prueba es que las últimas adaptaciones sobre el mito del Rey Arturo resultan completamente inanes: "El Primer Caballero" parece pensada y rodada por y para débiles mentales, una cosa desnaturalizada y odiosa; "El Rey Arturo" cae en el absurdo al pretender retratarlo de forma realista, porque el episodio histórico del que podría surgir la leyenda es tan oscuro y dudoso que no puede ser creíble (un tal Artus que acaudilla a los bretones frente a las invasiones sajonas y los vence en el Monte Badonicus, con un tal Ambrosius mencionado en las crónicas más antiguas -la de San Beda El Venerable- del que se ha pensado que podría ser Merlin)
Pero John Boorman no es un director que se adscriba a ideologías blandas y endebles. Toda su filmografía demuestra una consistencia intelectual a prueba de bombas. Por eso cuando se enfrenta a la Leyenda lo hace con otro ánimo distinto al de la de-construcción retórica de la historia -y de la Historia-. De ahí que "Excalibur" resulte por un lado una narración épica con todas las de la ley.
No obstante, Boorman no se conforma con contarnos las aventuras de los caballeros de la mesa redonda para solaz de los anglófilos y exaltación de la nación inglesa, sino que ofrece unas perspectivas sobre el papel del Príncipe y sus relaciones con sus súbditos que hacen de "Excalibur", también, una película política de primer orden ("una Tierra, un Rey", o "el Rey sin espada, la Tierra sin Rey"), no sólo por decirnos que el Estado y los ciudadanos son una unidad política (el régimen político de turno es formal, y por tanto contingente) sustancial, sino porque nos cuenta el paso del paganismo al cristianismo, es decir, de la sociedad "natural" a la sociedad "política", que diría Rousseau. Menudo tratado de Teoría Política...
Por si fuera poco, la belleza como obra total de la película ya la quisieran para sí las producciones actuales (aunque claro, a los "artistas" actuales eso no les interesa, por desgracia)

Sepultada por la reputación de sus films gangsteriles o de psicópatas, "Jo qué noche", absurda traducción de "After hours", es una de las más interesantes y menos vista de entre las películas de Martin Scorsese.
Sin embargo pienso que cada vez que se ve se hace más y más grande.
Narra la peripecia de un sujeto perdido durante una noche en el Soho neoyorquino, y cómo una serie de circunstancias confluyen de tal manera que prácticamente le es imposible regresar a su casa, atrapado en un bucle de causalidades inescapable...
Bajo la forma de comedia surrealista Scorsese vuelve a hacer lo de siempre, que es retratar a las personas como sujetos cobardes y desconfiados, temerosos la mayor parte de las veces unos de otros, hasta tal punto que lo que en principio puede entenderse como una sensata actitud de autodefensa, puede degenerar en auténtica y perfecta imbecilidad; y esa imbecilidad puede tener consecuencias muy indeseadas...
La película cuenta estas cosas a través de una serie de personajes realmente extraños y chocantes, y trágicos a un tiempo...

Primero está lo que yo creo que es el tema principal del film: la violencia y sus grados, tema recurrente en Scorsese, aquí especialmente tratado. Los grados de violencia mostrados van desde una simple pelea a puñetazos entre Leo DiCaprio y uno de los antiguos camaradas de su padre, pasando por un combate de boxeo reglado, las peleas entre bandas y la final represión de las revueltas urbanas por el poder de las armas del ejército. Como se ve, la gravedad de las contiendas va en aumento según la implicación moral del conflicto. De este modo, intrincada durante todo el metraje, la violencia surge desde sus más primitivas formas hasta las más sofisticadas y malévolas, desde el que lucha por la simple supervivencia hasta el que desencadena dichas luchas por acceder simple y llanamente al poder, con mayúsculas.

En el triángulo sentimental entre el reverendo Vallon, su hijo Amsterdam y Bill “El Carnicero”, en la que uno permanece ausente, el tema es el destino. Amsterdam le toma afecto a Bill, pero eso no es suficiente para renunciar a su sagrada tarea, que es vengar la muerte de su padre. Por otro lado, Bill, aún admirando la fortaleza moral y el honor del predicador, lo mata, puesto que ese es su papel, y no otro. Nuevamente, Scorsese presenta en una película un cuadro de relaciones condicionado por los roles de los personajes y sus dilemas morales, que no lo son tanto, puesto que al final encuentran sentido a su existencia haciendo aquello que “deben hacer”.

Frente a estos conceptos e ideas se presenta la fea cara del cinismo político, que no respeta nada, ni al contrario ni a sí mismo, lo que lleva a un apocalíptico final en el que no se salva casi nadie. Aquí es cuando aparece el otro gran tema de la película: el paso de un tiempo, quizás más brutal, pero más “noble”, a otro, probablemente más inmoral y perverso.

Épica, ultraviolenta, seguramente desequilibrada en personajes y ritmo, excesiva formalmente, el caso es que a mí me parece magistral, profunda e intensa, tanto que sus posibles defectos se tornan virtudes.