No todos saben que las ideas para hacer la saga “Piratas del Caribe” no fueron originales. Fueron adaptadas, no de una novela, ni tampoco de una obra de teatro, sino de un parque de atracciones de Disneyland, originado por Walt Disney en 1964. Pues, al igual que toda adaptación cinematográfica, las tres primeras películas de “Piratas del Caribe” mantienen la esencia de su origen: verlas es como ir en una montaña rusa.

Escribo esta crítica de la segunda película (mi favorita de las tres) en representación también de la primera y la tercera ya que, en general, me parecen películas muy similares, especialmente en lo que a tono y esencia se trata.

Es interesante saber que con el desarrollo del CGI durante la historia, los realizadores se encontraron con el problema del rostro: cómo convertir una cara, con sus expresiones, en algo digital sin dar con un resultado plano. Solución: convertir el rostro en algo monstruoso. Como no estamos acostumbrados a ver monstruos con expresiones de humano, no sabemos si en la vida real tendrían esa apariencia, así que nos los creemos. Ya que se convierte el físico en algo digital, era preferible llevarlo al extremo para aprovechar su potencial. De ahí que Gollum tenga tanto margen de expresividad y, por lo tanto, podamos conectar con él, cuando en “Las dos torres” tiene una conversación con las dos caras de su personalidad. Por eso, volviendo a “Piratas”, está tan logrado el físico de Davy Jones: un rostro sobrehumano que mantiene los rasgos del actor (especialmente en los ojos), lo que le da cierta humanidad. De esta manera se encuentra el equilibrio en el CGI, sin sobrecargarlo pero sin dejarlo insípido.

Pienso que, a pesar de sus lagunas de guion, la película logra construir la historia con buen ritmo y a través de escenas de acción ingeniosas, visuales y divertidas, rozando el slapstick.
Por ejemplo, en la secuencia donde Jack, Will y compañía tienen que escapar de la isla de los caníbales, se construye perfectamente la acción y casi involuntariamente la comedia a través de todos los elementos fílmicos.
Con muchos momentos inspirados en el cine de Buster Keaton, se pone a los personajes en situaciones de urgencia pero con elementos físicos fuera de lo común. Como cuando Will y los piratas huyen de la tribu arrastrando la jaula, o cuando Jack se defiende accidentalmente de las frutas a través del palo que lleva en la espalda.
La ridiculez del momento se suma al contexto y al bagaje, lo que genera un híbrido entre tensión y comedia, y satisfacción visual. Además, el montaje (de la mano de la música y el sonido) apoya perfectamente el tono, cambiando constantemente el punto de vista entre las dos escenas, con dinamismo pero siempre generando progreso. El blocking y coreografías de los actores y de la cámara, perfectamente medidos, también generan un contraste muy propio del género entre el movimiento y la estática. Solo hay que ver esos silencios incómodos tras un momento de acción trepidante.
La comicidad física de los actores (especialmente de Depp) es otro elemento a favor de estas ideas. Tanto las piruetas más extravagantes como los pequeños gestos de la expresión, o incluso la falta de movimiento, hacen que la parte visual se haga todavía más inteligible y llamativa. De esta manera, la dirección de Verbinski logra crear ideas visuales y rítmicas, que es lo que le da más personalidad y sentido del humor a la secuencia.

Lo mismo ocurre con la famosa secuencia de “la rueda”, donde Will, James y Jack luchan por la llave, a la vez que Elizabeth, Gibbs y Ragetti se encargan del cofre.
Se consigue equilibrar los puntos de vista y que todos los personajes tengan una función en la secuencia. Al igual que ocurre en la huida de los caníbales, las dos escenas (la de la rueda y la del cofre) se retroalimentan hasta acabar confluyendo en el mismo espacio, de manera que se consigue construir una cohesión. Pero creo que lo más característico de esta secuencia es la relación de roles entre Will, James y Jack.
En "El bueno, el feo y el malo" vemos al héroe (Clint eastwood) contra el villano (Lee Van Cleef) y en medio de ellos al espectador que observa intrigado cómo se van a matar por salirse con la suya (representado por el personaje de Eli Wallach). En “El cofre del hombre muerto” ocurre algo similar pero a la vez diferente: Will y James luchan con espadas de manera genérica, el héroe contra el villano (o en este caso el antihéroe). Pero Jack está en medio, como un estorbo, sin saber si meterse en la pelea o esperar a que ellos fallen para conseguir la llave. Y ahí es donde surge la comedia: como si de una parodia a las películas de acción y aventuras se tratara, el personaje más torpe se acaba saliendo con la suya a base de pura suerte (de nuevo, un elemento muy inspirado en el cine de Chaplin y Keaton).
Los elementos de puesta en escena y de montaje mencionados apoyan esa comicidad, y de esta manera todos los elementos de guion, dirección y montaje se integran con el tono de la película.

También cabe destacar esas escenas donde están Jack y Davy Jones juntos. Vemos un contraste entre un villano totalmente en serio y un protagonista casi paródico, imposible de tomar en serio y constantemente haciendo pequeños gags que surgen de la interpretación de Depp. Es casi un reflejo entre los dos tipos de piratas más opuestos que pueden existir. Lo más dramático frente a lo más cómico posible.

Aun con diecisiete años sobre sus espaldas, pienso que “El cofre del hombre muerto” hace un trabajo brillante en lo que a CGI, comedia visual, caracterización de personajes y construcción de escenas de acción se trata. Quizá, un trabajo más afilado y meritorio que muchas películas actuales alabadas (véase las películas de “Avatar” o de “Vengadores”) que no aportan algo tan diferente a lo que aportó “Piratas 2”.
Una pequeña joya a tener en cuenta que renueva el cine de piratas, un cine muerto como Davy Jones pero vivo gracias a Jack Sparrow.