El cine a veces llega hasta las emociones, y no es imprescindible proyectarse en los personajes que tienes delante para que se produzca esa magia. Basta con poder imaginarse el final de una terrible guerra, para entender que las historias de amor tienen derecho a existir. Como explica K. en su última carta, las personas somos como los países, en cada acción defensiva, en nuestra pequeña inmensidad, en nuestro miedo a abrir puertas, fronteras. Que las pasiones son para todo el que se atreva a vivirlas y a jugarse algo de la piel en ello, y el Conde se la juega toda ella. Igual que lo hace una entrañable Juliette Binoche.
El final de una guerra que nadie a pedido vivir. Y en las entrañas lo único que sirve es el amor, la pasión, la ternura o cualquiera de esas cosas con las que contamos los humanos cada día, y que se hacen tan patentes cuando la destrucción se hace con el mando.
Bellísima historia magníficamente planteada por un director al que hecho mucho de menos.
Debo decir también que aún no puedo comprender a quienes hablan de películas largas o tediosas, poniendo esta como ejemplo. Yo he visto películas largas y tediosas, porque las dos horas y pico de duración no tienen estructura donde sujetarse con suficiente fuerza, entonces el tiempo se convierte en un suplicio. Pero no es el caso de "El paciente inglés". Su acorde es justo y tiembla como una cuerda bien afinada. Hermosa como pocas.

De como cuatro tipos (director, guionista, 2 actores encumbrados por Hollywood y el sobrino enchufado del productor) eligen como excusa hacer una película para llenarse los bolsillos con los 180 millones de dólares de presupuesto que... ha costado hacerla??

He leído críticas despiadadas sobre esta película en este apartado de FA. Me encuentro absolutamente de acuerdo con todas ellas, e incapaz de volver a enumerar las cuestiones por las que considero su visión una auténtica tortura. Casi todos los compañeros que han resuelto esa ardua tarea son los que la han puntuado como floja(3 puntos), mala(2 puntos) o muy mala(1 punto)

Tan solo quería añadir que no me creo que esta mierda empapelada haya costado esa cantidad de dinero y pongo en tela de juicio la honestidad de los personajes encargados en realizarla, porque es imposible rodar, montar, y sacar a la luz semejante bodrio sin haberse vapuleado el presupuesto en tequila u otros menesteres dignos de brabucones sin escrúpulos.

Aún no logro comprender la visión que pretende describir el director en esta película. Lo que sí tengo claro, es que sea lo que sea, el resultado no pasa de ser mediocre.
Es una lástima que tanta belleza visual, tanta descripción paisajística, incluso ese buen puñado de mensajes simbólico-románticos que se presagian en el primer metraje, se queden en puros ejercicios estilísticos, en una especie de rara adoración de la imagen "porque si".

Ya cuando la pequeña "niña bien" con ínfulas de escritora se pasea entre las columnas de madera victorianas, uno comienza a percibir que la cosa no va bien, en el sentido de la narración, quiero decir, ¿Por qué Joe Wrigth no se percata de que está abusando continuamente de la atención del espectador? ¿Por qué insiste en hacernos pasar por estúpidos, y nos ofrece un plato que se enfría por momentos, y que mete en el microondas constantemente? Eso podría resultar interesante, pero si lo hace alguien con la imaginación y la valentía pertinentes. Y no es el caso.

Estoy segura de que la historia da para mucho más, y creo que el director no ha creído o quizás no haya comprendido el verdadero meollo del asunto. La EXPIACIÓN no ha sido llevada a cabo. Eso sí, los gestos reprimidos, las miradas de deseo contenido, las flores de la habitación y el agua turbulenta, están en su punto de adobo ideal. Lástima que eso no sirva más que para recrear una sociedad en decadencia, y que el auténtico sentido de las inmensas emociones y contradicciones que conllevan esta historia, se pierdan en un mar de hilvanes mal cosidos, y en un extraviado sentido de lo humano para Joe Wrigth.
Es como pararse a observar una bella obra de arte, y cuando uno se acerca lo suficiente para querer sentir la pincelada del artista, resulta que el lienzo no es nada más que un poster. Un poster brillante, recien salido de la imprenta. Aunque en estos tiempos, es cierto que muchos no notarían la diferencia. Una pena.

Quisiera no equivocarme cuando apuesto por Soderbergh, porque es uno de los directores que en mi opinión, saben que la evolución del séptimo arte no solo depende de un buen guión, elenco, producción, y todos los recursos técnicos a su disposición. Cuando apuesto por Soderbergh, es porque su dimensión como director no puede quedarse en una técnica impecable, un montaje rompedor y una profesionalidad sobradamente comprobada. Apuesto porque creo en la autenticidad de este director, que intuyo lucha por liberarse de una superficialidad que domina perfectamente para intentar acercarse a un lenguaje cinematográfico propio. Y aunque son muchas las caras que muestra, en un gran cocktail de influencias de los grandes iconos, creo que "El buen alemán" me ha demostrado que tengo un buen aval.
Por más que el aterciopelado blanco y negro acaricie mis pupilas, o las sorprenda en un contraluz quemado, digno del mejor Welles, me resulta imposible suavizar esas sensaciones sin librarme de la visión terrible de la guerra, de su suciedad, de su falta de escrúpulo. A diferencia de los films de antaño, esta versión no se corta ni un pelo en mostrar un aspecto humano absolutamente desolador, desde las primeras escenas, como la penetración hastiada y totalmente exenta de amor por la Blanchett de nuestro justiciero "Spiderman", hasta un Clooney que despierta a la ternura por lo ingenuo de su comportamiento: el héroe americano no puede asumir tanta bazofia. El ejercicio de Shoderbergh es digno y caleidóscopico. Emplea una estética que nos recuerda un pasado engañosamente entrañable, y al mismo tiempo,y de forma subliminal, no duda en ponerlo en tela de juicio. Mide artesanalmente cada uno de los planos, preguntándonos con sarcasmo si todavía andamos absortos en la creencia de que todo tiempo pasado fue mejor, si realmente creemos que el personaje inverosímil que encarna Clooney pudo existir, si la hermosa alemana es digna de ser amada después de conseguir salvar el pellejo a costa de unas cuantas vidas, si toda la comandancia estadounidense no era más que una banda de oportunistas, como lo es cualquiera en un estado de caos semejante. Los focos extrañamente intensos de la última despedida en el aeropuerto me despejaron dudas acerca del artificio, está claro que si Soderbergh quiere un truco, lo consigue, y creo que esa puesta en escena casi teatral, de luz forzada, es el guiño definitivo, el homenaje a los grandes maestros del pasado y la caricatura de una época, sólo que en este caso no es necesario inventar héroes, malos ni buenos. Creo que Soderbergh a experimentado con algo más que la recuperación de una estética, a revisado el cajón donde guarda los recuerdos de la abuelita y a desmitificado el cuento que le explicaba antes de irse a dormir, eso si, con toda la elegancia de su estilo arrogante y arriesgado. Quien sepa leer entre líneas sabrá captar la rara parodia que ha construido Soderbergh, y no lo juzgará como un simple clonador de imágenes.

Soy consciente de que no todo el mundo compartirá conmigo la idea de que los "Savages" de este mundo merecían que alguien les dedicara un espacio. Película que no gasta sus esfuerzos en gestos grandilocuentes ni búsquedas estéticas cinematográficas, donde el valor radica en la historia de las personas que la habitan, sin más.
Los Savages no pueden plantearse la vida como una búsqueda de la felicidad hacia ninguna parte. Sus vocaciones están intimamente ligadas al desapego y al reencuentro consigo mismos. Desde ópticas diferentes pero a partir del mismo abismo, los hermanos Savages hilvanan sus vidas desde una extraña desesperanza. Desde el aparente estoicismo del hermano hasta la lucha decadente-emotiva con la que lidia el personaje femenino, son a mi parecer, un contrapeso natural y caleidoscópico que constituye uno de los pilares de esta película.
Dos personas maduras que luchan a su manera en solitario, con un pasado y un futuro más que incierto, que no se han establecido familiarmente, que han recibido y siguen recibiendo decepciones, que tienen miedo, y que tienen que asumir la nueva entrada en sus vidas de un padre ausente y enfermo. No es precisamente un panorama de color de rosa para estos dos seres que en su interior mantienen un pulso cotidiano al que no nos tienen acostumbrados los filmes actúales.
Porque los Savages pertenecen a una raza de seres que, por su condición de no-pertenencia, de familia desestructurada, de ausencia de esterotipos, encarnan la paradoja del eterno devenir, de lo humano desprovisto de candidez, de la desnudez emocional. Algo que es necesario explicar.
Es interesante contemplar el filtro que utilizan los dos hermanos con sus inquietudes, transformando la acción artística en el medio de dar un sentido a sus vidas, cuyo resultado no es otro que el de continúar el camino de la soledad y el desapego. El regreso de la imagen del padre no tarda en poner las cartas boca arriba y sitúar a los personajes en un marco que actúa como revulsivo, sacándolos de la cotidianeidad y obligándoles a un replanteamiento de la relación con sus propias vidas y con sus relaciones más íntimas.
Y la magia?¿Como entrever la brillantez en un paraje vital semi derruído, habitado por personas cuyos colores se hayan desvahidos? Ese es el motivo por el que escribo esta crítica: Los Savages escriben su historia día a día, contemplando el interrogante y siguiendo adelante. Son conscientes de sus incapacidades y sus autoengaños, y no privan a nadie de su libertad. Hoy en día sus cualidades pasan desapecibidas, pero son un tesoro. Esta historia, que podría haberse quedado en una novela instalada en cualquier estante de librería, ha pasado al cine para que muchos podamos disfrutar de ella y de las fantásticas interpretaciones de Philip Seymour Hoffman y Laura Linney.
Un regalo y una forma de explicar que la vida es algo menos ruidosa y mucho más íntima y honesta.