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Críticas de Demetrio Rudin
Críticas ordenadas por:
La mujer pantera
La mujer pantera (1942)
  • 7,3
    7.187
  • Estados Unidos Jacques Tourneur
  • Simone Simon, Kent Smith, Tom Conway, Jane Randolph, ...
7
"Cat people"
Oliver conoce a Irena en el zoo; de inmediato se siente prendado por ella. Al poco tiempo se casan, pero ella no se le entrega: cuenta la leyenda que, cuando una mujer de su pueblo siente la pulsión del amor, se convierte en una mujer gato que destrozará al amante.

La mujer pantera rodada en 1943, supone la primera gran obra de Jacques Tourneur abordando el género bizarro. El relato adaptado a partir de la novela “los ojos de la pantera”, narra el romance vivido entre Irena, una misteriosa joven de origen servio afincada en Nueva York desde hace unos meses, y Oliver, un joven trabajador que nunca ha sufrido ningún percance reseñable a lo largo de su vida. A primera vista la historia puede resultar bastante sencilla, incluso algo trivial, con un esbozo de los personajes demasiado ambiguo (apenas se nos dan datos del pasado de ambos protagonistas) y un ritmo cándido a favor en todo momento del suspense que rodea a la trama en general. Esta falta de información, unida a una atmósfera agobiante, hace de la mujer pantera, una película turbia, una obra capaz de sumergir al espectador dentro de una intriga poco clara con alguna que otra influencia negra. La mezcla surgida entre las antiguas leyendas escandinavas y el ambiente cosmopolita y moderno de la gran urbe norteamericana, también es un factor a tener en cuenta, ya que favorece al sórdido ambiente, creado gracias a la escenificación de interiores nocturnos llenos de sombras y contraluces.

La dirección llevada a cabo por Jacques Tourneur se muestra impecable; los movimientos de cámara favorecen un tipo de narración clásica, que junto con una magistral fotografía de Nicholas Musuraca consigue crear la ya referida atmósfera de inquietud e inseguridad. Así se nos brindan secuencias de gran calidad, como por ejemplo la persecución de Irena por las calles semidesiertas de una Nueva York inquietante o el ataque a oscuras de la pantera en la piscina. El reparto cuaja un magnífico trabajo, en especial la actriz francesa Simone Simon, participe en otros films de la talla de “la bestia humana” o “mademoiselle Fifi”. La banda sonora combina partituras de viento metal para acrecentar el suspense de las escenas clave de la cinta.

En resumen este título se define como un relato clásico de terror, con un guión sobrio una puesta en escena notable y unos actores que dan la talla. Sin duda resulta una acertada elección para pasar una buena tarde de cine.
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7 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ultimátum a la Tierra
Ultimátum a la Tierra (1951)
  • 7,0
    17.110
  • Estados Unidos Robert Wise
  • Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe, Sam Jaffe, ...
8
¿Quién es la verdadera amenaza?
Una nave espacial aterriza en Washington DC y de ella sale un extraterrestre flanqueado por un amenazador robot con una capacidad destructora increíble. Tras ver rechazados sus esfuerzos por reunirse con los líderes mundiales para prevenirles del fin inminente de la Tierra, el extraterrestre Klaatu se lanza a la calle.

Ultimátum a la tierra es una de las primeras películas de ciencia-ficción de todos los tiempos. Rodada a comienzos de los años cincuenta por Robert Wise, un inexperto dentro del género, la obra se presenta como un férreo alegato antimilitarista acorde con las tensiones internacionales vividas tras la segunda guerra mundial entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Desde el primer momento, el film adquiere un tono semidocumental; los primeros veinte minutos de la cinta así lo ratifican, limitándose a narrar la acción fríamente, sin introducir a ningún personaje todavía. En este aspecto, la historia no nos deja un protagonista claro, quizás el emisario intergaláctico Klaatu se erija como el personaje principal de la trama; una trama naturalista, desarrollada en exteriores principalmente y con una gran fuerza dramática a la hora de relatar los conflictos internos de los personajes. Destacan sobre todo los minutos finales, muy bien ajustados al estilo de la obra en general; dejando esa pizca de esperanza para un futuro mejor.

Técnicamente, Wise aprovecha algunos materiales de archivo, como las grabaciones iniciales de la capital norteamericana, junto con un estupendo juego de luces y sombras para crear una atmósfera de realismo, clave a la hora de afrontar el planteamiento de la cinta. El reparto se muestra acertado, sobre todo Michael Rennie, que lleva a cabo una magistral interpretación en el papel de visitante extraterrestre. La banda sonora combina algunas partituras realmente fantásticas de Bernard Herrmann, que emplea el theremin, instrumento poco conocido, como un elemento tonal para lograr una mezcla de estilos, referente de la película.

En conclusión, este título representa una de las primeras incursiones de un gran estudio en el género de la ciencia-ficción; apartándose además de otras muchas producciones, al esbozar a nuestros vecinos galácticos de una forma sociable y natural.
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36 de 37 usuarios han encontrado esta crítica útil
Scarface, el terror del Hampa
Scarface, el terror del Hampa (1932)
  • 7,9
    12.386
  • Estados Unidos Howard Hawks
  • Paul Muni, Ann Dvorak, Karen Morley, Osgood Perkins, ...
9
Scarface, shame of a nation
Tony Camonte es el protagonista de un relato que muestra su ascensión al amparo del gangster Lovo, quien ha asesinado a Costillo, el mafioso que domina la distribución de cerveza en el sur de la ciudad. Tony vive con su madre y su hermana, excesivamente sobreprotegida por este.

Basada en una novela con la que comparte nombre, Scarface es una de las mejores películas gangsteriles rodadas a comienzos de los años treinta junto con otros títulos como “Hampa dorada”. La historia se presenta como una evidente denuncia de las bandas mafiosas de la época, que se hallaban en pleno apogeo por aquel entonces. De esta manera, la obra se abre con dos rótulos, que advierten de la veracidad de los hechos, dejando caer una dura crítica contra la posición del gobierno y de la ciudadanía en general, así mismo, ciertos elementos de la trama adquieren gran importancia simbólica al final de la cinta, un ejemplo es el gran cartel que versa “el mundo es tuyo”, vital para entender el tono didáctico del film. Por otra parte, el personaje principal esta inspirado en Al Capone; en este aspecto, el relato nos introduce las dos personalidades de los capos mafiosos mediante el esbozo de Tony, un hombre inseguro, como se subraya durante el fatal desenlace, necesitado de reconocimiento público y dinero, y Lobo, un gangster más calculador, frío e incluso cobarde. El argumento condensado en apenas hora y media de duración, posee ritmo y sobriedad, retratando perfectamente el ascenso del propio Tony a las altas esferas de la mafia, haciéndose con el control total sobre el tráfico de licores de la ciudad.

La estupenda fotografía expresionista de Lee Grames, con un perfecto uso de luces (escenarios nocturnos, en los que las farolas aportan una escasa claridad a la acción) y sombras (un ejemplo, el primer asesinato de Tony, durante los primeros minutos, rodado íntegramente mediante el reflejo de las sombras en la pared) es quizás el aspecto más destacable dentro de la ya de por sí excelente puesta en escena de la que hace gala el film. Personalmente me sorprendieron las últimas secuencias, de gran dramatismo; en especial, el sabio uso que hace Hawks de las contraventanas de metal, como símbolo de la protección que Tony necesita y que incluso acabaran por matar a su hermana, al herirla mortalmente con una bala que sale rebotada del revestimiento de acero. Dentro del reparto brilla Paúl Muni, participe en otras obras negras, como “soy un fugitivo”. En esta ocasión Muni lleva a cabo el papel criminal de manera encomiable, muy bien acompañado en cualquier caso por Ann Dvorak. La banda sonora resulta escasa, únicamente merece la pena resaltar las composiciones de jazz con gran ritmo.

Ateniéndonos a lo dicho, se puede definir a Scarface como un sobresaliente título negro, imprescindible para todo buen seguidor del cine clásico.
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9 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
La soga
La soga (1948)
  • 8,1
    31.860
  • Estados Unidos Alfred Hitchcock
  • James Stewart, John Dall, Farley Granger, Cedric Hardwicke, ...
8
En busca del crimen perfecto...
A casa de dos estudiantes van llegando personajes a los que han invitado a una especie de fiesta fin de curso. Al invitado que más temen es su tutor y profesor de criminología, una astuto criminólogo que defiende la no existencia del crimen perfecto. Ellos, precisamente, están preocupados porque tienen un cadáver en el arcón que sirve como mesa para la cena. Se trata de un amigo mutuo y prometido de una antigua novia de uno de ellos. Con el asesinato intentan demostrar al profesor que sí existe el crimen perfecto.

La soga es quizás la obra más peculiar dentro de la amplia filmografía hitchcockiana, siendo una verdadera rareza cinematográfica desde el punto de vista técnico. La historia como si de una obra de teatro se tratase, se asienta sobre unas sólidas unidades teatrales (tiempo: una tarde noche, lugar: el apartamento de la pareja de asesinos y acción: el post-asesinato de un joven a manos de la pareja protagonista). Así a través de una sencilla trama, el film consigue sumergir de lleno al espectador en la investigación criminal llevada a cabo por el ex profesor Rupert. En este aspecto, la obra no destaca por presentar una intriga sin resolver, es decir, el público desde un principio es consciente de que la pareja homicida va a ser descubierta de una forma u otra, a pesar de que el cadáver no es puesto en pantalla en casi ningún momento, es sin embargo la meticulosidad del plan criminal y su posterior desenmascaramiento, las pistas, los rastros, lo que ciertamente refuerza el ya de por si sobrio argumento.

Pero es en el aspecto técnico en donde se haya la grandeza de esta película. La soga es el único largometraje rodado sin interrupciones entre sus planos, sin cortes, mientras que en una cinta normal existen unos seiscientos planos, el contenido integro de la soga se puede contener en un solo cargador de cámara, algo insólito dentro de la historia del cine. Por otro lado, cabe la pena decir que este es el primer título del director ingles rodado a todo color, y una de las primeras ocasiones en las que el propio cineasta participaba además de cómo director, como productor. El reparto se muestra eficiente, en especial John Dall y Farley Granger, con una buena interpretación en líneas generales. James Stewart, actuando como “actor reclamo” del film, también lleva a cabo una buena caracterización, en esta su primera participación con Hitchcock. La banda sonora de la mano de Leo F. Forbstein cumple a la perfección su papel de mero acompañamiento en marcados momentos del relato.

En conclusión, La soga es una peculiar cinta, técnicamente hablando, que además de deleitar por su cuidada puesta en escena, entretendrá a todo aquel que solo busque disfrutar de una notable obra de suspense.
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4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sospecha
Sospecha (1941)
  • 7,4
    9.505
  • Estados Unidos Alfred Hitchcock
  • Cary Grant, Joan Fontaine, Cedric Hardwicke, Nigel Bruce, ...
7
"El que sospecha invita a traicionarlo"
Un vividor coincide en el tren con una joven ingenua, él pretende que ella le pague el billete, es un tramposo atractivo a los ojos de ella. Más adelante, vuelven a encontrarse en una fiesta y tras un breve romance ella decide casarse con él, a pesar de la oposición de su padre. Siempre se le atribuyó la condición de solterona y quiere demostrar a todos que alguien la puede amar.

Sospecha es quizás uno de los thriller menos afortunados del gran genio Alfred Hitchcock; la película sin ser un fracaso estrepitoso no cumple en cierto modo con la habitual calidad ofrecida por los títulos hitchcockianos. El argumento resulta interesante en cuanto nos propone un drama de tintes psicológicos, característico dentro de la extensa filmografía del director. En este aspecto, la historia lleva a cabo un notable tratamiento de personajes que permite desarrollar un peculiar análisis de su protagonista, Johnnie, un hombre atractivo de éxito entre el público femenino, pero tremendamente vago a la hora de buscar un trabajo para poder mantener la lujosa vida ofrecida a su esposa Lina: será la propia Lina al descubrir progresivamente las triquiñuelas y los vicios de su marido, la que explote el papel de victima. Sin lugar a dudas es en esta escrupulosa búsqueda de la verdadera personalidad del personaje masculino donde reside el mayor acierto del film; se dejan de esta manera, momentos de gran suspense, como en los minutos finales, y tramos más distendidos y alegres, a raíz de la presencia del amigo de Johnnie. El desenlace se muestra, eso si, algo flojo y forzado, como consecuencia de la imposición sobre el director británico de dar un final feliz al relato.

Técnicamente, la cinta no resulta brillante; el estupendo uso de elementos espaciales como las escaleras y la maravillosa utilización de la iluminación como recurso atmosférico se diluyen a causa de secuencias demasiado cortas intercaladas incluso con fundidos en negro poco habituales para el maestro del suspense. El reparto está muy bien compensado, la excelente interpretación de Cary Grant unida a la efectiva caracterización de Joan Fontaine logra aportar realismo a la narración. La banda sonora de Franz Waxman refuerza a la perfección el clima de tensión e inseguridad combinando partituras orquestales con abundancia de viento-metal.

En resumen, viendo esta obra no nos vamos a encontrar con uno de los largometrajes más trabajados de Hitchcock, nos vamos a encontrar frente a una interesante cinta de influencia negra (iluminación escasa, sombras, dualidad en los personajes…) recomendable para todo aquel/la que guste del cine sobrio con buenos actores.
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59 de 68 usuarios han encontrado esta crítica útil
El código Da Vinci
El código Da Vinci (2006)
  • 5,7
    60.803
  • Estados Unidos Ron Howard
  • Tom Hanks, Audrey Tautou, Ian McKellen, Alfred Molina, ...
5
Pobre y desganada adaptación de un best-seller
El catedrático y afamado simbologista Robert Langdon se ve obligado a acudir una noche al Museo del Louvre, cuando el asesinato de un conservador deja tras de sí un misterioso rastro de símbolos y pistas. Con su propia vida en juego, Langdon, ayudado por la criptógrafa de la policía Sophie Neveu, descubre una serie de asombrosos secretos ocultos.

En primer lugar y antes de comenzar la crítica de la película tendré que aclarar que no he leído el código DaVinci y por tanto no puedo establecer ninguna comparación entre la obra de Dan Brown y el film de Ron Howard. El argumento del filme por lo que he podido oír no guarda numerosas similitudes con la novela, hecho que puede molestar y disgustar a todo aquel fan de la novela Browniana; personalmente no me disgusta el que una adaptación cinematográfica pueda explotar o cambiar la trama de su original para hacerla más accesible al gran público. En el aspecto meramente temporal, la cinta condensa un relato de cerca del medio millar de folios en apenas dos horas y cuarto de metraje, tiempo excesivo para muchos, pero que no resulta tal teniendo en cuenta la complejidad del libro a adaptar. La trama es rápida, abusando eso si, del tan recurrido efectivismo hollywoodense y de un desarrollo tanto trampeado; es decir, la película no se desarrolla de forma fluida, a pesar de su rapidez. En algunos momentos el espectador se pierde entre la maraña de personajes y hechos acaecidos en tan corto espacio de tiempo, además los lazos entre los protagonistas resultan muy difusos y el desenlace se torna demasiado complejo y poco convincente en líneas generales.

Técnicamente, el código DaVinci no desborda originalidad ni buen hacer. Los movimientos de cámara y la disposición de los planos me recordaron incluso a los malos telefilmes rodados a granel. Únicamente la última secuencia nocturna del protagonista en el Louvre merece la pena. El reparto tampoco es gran cosa; Tom Hanks no acaba de creerse su personaje y el acento afrancesado de Audrey Tautou no favorece en absoluto a la conocida actriz francesa. La banda sonora es quizás el mayor acierto de todo el largometraje. Las fantásticas composiciones orquestales suenan con fuerza durante los momentos clave; un diez para Hans Zimmer, quizás el único salvable.

En conclusión, no hace falta extenderse en demasía para comprender que el código DaVinci, no es una gran película. Recomendable para aquellos que no exijan mucho, y que quieran disfrutar de un rato de cine sin complicaciones.
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1 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El hombre con rayos X en los ojos
El hombre con rayos X en los ojos (1963)
  • 6,7
    4.611
  • Estados Unidos Roger Corman
  • Ray Milland, Diana Dervlis, Harold J. Stone, John Hoyt, ...
7
Si tus ojos se escandalizan ¡Arráncatelos!
Un oftalmólogo no cesa de investigar, descubriendo cada vez mayores posibilidades en el ojo humano. En su ininterrumpido estudio, halla una fórmula que, aplicada al ojo, permite percibir las ondas de luz que habitualmente la retina no capta. De esta forma puede leer un libro cerrado, diagnosticar una enfermedad sin auscultar al paciente y ver a través de las ropas con que se cubren las personas. En definitiva, ha logrado que los objetos opacos sean translúcidos.

El hombre con rayos x en los ojos es uno de los films más interesantes dentro de la amplia filmografía de Roger Corman. La película rodada en 1963 a todo color, nos acerca una historia interesante y entretenida de como las ambiciones humanas en el campo de la ciencia pueden acarrear en ocasiones resultados trágicos, en este sentido, la cinta se asemeja a numerosas obras, caso de la mosca (1958) o de tarántula (1955), por ejemplo. El ritmo narrativo de la trama es alto; el relato de apenas una hora y veinte de duración, se disgrega en dos partes muy bien diferenciadas: mientras que en la primera parte, la cinta se centra en mostrar los experimentos del doctor James, acercándonos así a su personalidad de hombre tranquilo pero ambicioso, en el segundo periplo el film pretende desarrollar más la acción, es decir, explota la huida de James como un factor que aporte mayor agilidad a la historia; como si de un descenso a los infiernos se tratase, el doctor cae rendido fruto de la droga necesaria para mantener vivos los increíbles poderes de su vista.

La puesta en escena, no hace alarde de grandes decorados, gran parte de la película transcurre en interiores luminosos, únicamente los minutos finales están ambientados en el desierto norteamericano; esta contraposición ambiental consigue crear una atmósfera de inseguridad y tensión, clave para que el desenlace funcione. Los movimientos de cámara de poca amplitud, se ven suplidos gracias al excelente uso de planos en primera persona, que logran introducir de lleno al espectador en la tortura vivida por el protagonista. Destacan sobre todo las secuencias filmadas en el apartamento de Diane y en el casino de las Vegas al final de la historia. Dentro del reparto, brilla especialmente Ray Milland, participe en otros largometrajes de importancia, caso de “Crimen perfecto” o “Días sin huella”. La banda sonora combina acertadas partituras tonales que refuerzan la sensación de misterio y fatalidad en los instantes más importantes del filme.

Notable largometraje de serie B, que gustará a todo buen seguidor del cine fantástico de finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta.
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10 de 15 usuarios han encontrado esta crítica útil
Querido Frankie
Querido Frankie (2004)
  • 7,1
    2.083
  • Reino Unido Shona Auerbach
  • Emily Mortimer, Jack Mcelhone, Gerard Butler, Mary Riggans, ...
7
Un padre para Frankie...
Relato de un niño de nueve años llamado Frankie y de su madre, Lizzie, que siempre están moviéndose de un lugar para otro. Como no quiere contarle a su hijo la verdad, Lizzie se ha inventado una historia para satisfacer la curiosidad del pequeño Frankie. Cada cierto tiempo manda una carta a Frankie de su supuesto padre, que está embarcado en un navío viajando a tierras lejanas.

Mi querido Frankie es una acertada película dramática perteneciente al cine europeo de los últimos tiempos. Rodado en Escocia a mediados de 2004, el film narra la historia de Lizzie, una mujer soltera con un hijo sordomudo que esconde un pasado marcado por los malos tratos recibidos por parte de su marido. Este sencillo, pero efectivo relato se edifica sobre una sólida construcción de personajes; en especial destaca el personaje de Frankie, un muchacho que a los pocos meses de nacer quedo sordo a causa de una brutal paliza de su padre; esta discapacidad es asumida por su madre, Lizzie, de la forma más natural posible, ya que es ella misma la que desde un primer momento no desea que su hijo reciba un trato especial. Es curioso ver también el engaño que la madre mantiene con la correspondencia de su hijo, en parte se ve justificada por la frustración que sufre con los hombre y más en particular con el padre del joven, un hombre agresivo que resulta ser el prototipo de maltratador habitual. Esta frustración impedirá a Lizzie iniciar cualquier tipo de relación, viéndose atrapada así en una existencia banal junto con su hijo y la abuela de este.

En el apartado visual, la cinta resulta bastante convincente, la fotografía consigue crear una atmósfera de quietud gracias sobre todo al magnífico enfoque que se hace del paisaje escocés y a la sabia combinación de primeros planos. El reparto encabezado por Emily Mortimer lleva a cabo un estupendo trabajo reforzando a la perfección la cuidada trama del film. La banda sonora combina todo tipo de temas, desde la conocida “macarena” hasta la emotiva “Everyone will have their day”.

En definitiva, viendo esta obra nos vamos a encontrar frente a un interesante drama, recomendable para disfrutar de un buen rato de cine con sabor europeo.
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10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil
Chacal
Chacal (1973)
  • 7,5
    8.913
  • Reino Unido Fred Zinnemann
  • Edward Fox, Michael Lonsdale, Derek Jacobi, Alan Badel, ...
8
Objetivo matar a De Gaulle
Después de numerosos intentos fallidos de asesinar al presidente de Francia, Charles de Gaulle, la OAS, organización terrorista de militares franceses de Argelia, contrata a un profesional desconocido que se hace llamar Chacal. La actividad de la OAS cesa mientras se planifica el nuevo atentado. Pero eso pone en alerta la Ministerio de Seguridad galo, que empieza a sospechar que el peligroso grupo armado está preparando otro importante golpe.

Nos encontramos frente a la que sin ninguna duda es la mejor adaptación al cine de la famosa novela de Frederick Forsyth inspirada en el conocido asesino a sueldo “Chacal”. El film renuncia, a cualquier tipo rodeo en lo que a argumento se refiere; se propone una historia fría y directa, encuadrada a modo de investigación criminal, rozando incluso el tono semidocumental durante algunas fases del relato. Esta inexpresividad narrativa, clave para el éxito de la cinta, se logra gracias a un excelente manejo del ritmo y la acción, alejándose así de una intriga banal y hueca, en busca de un retrato, que aunque mucho menos accesible cara al gran público, resulte de mayor atractivo en cuanto rompe con cualquier otra versión tanto anterior como posterior. La trama se apoya, así mismo, en una sólida construcción de personajes; el personaje principal, el propio criminal, se nos presenta de forma poco precisa, apenas se conocen datos de su personalidad, el interés se centra más bien en esbozar a un hombre calculador, podríamos decir incluso escrupulosamente profesional. No se nos plantea de esta forma, un argumento que pretenda valorar los crímenes cometidos por su protagonista, sino que lo que verdaderamente se pretende es acercar un enfoque realista, que adolece eso sí de su parte final, con un desenlace inverosímil poco conforme al estilo que posee el film en líneas generales.

La película se muestra atractiva en el aspecto visual; la apacible fotografía de Jean Tournier unida a la poca profusión de diálogos, rompe claramente con el acelerado manejo de la cámara, del que se hace uso en los momentos más importantes del film. El reparto cumple con creces su labor, en especial Edward Fox que dentro del papel protagonista lleva a cabo un estupendo trabajo. La banda sonora, escasa, no destaca especialmente.

En conclusión, Chacal se erige como un notable thriller europeo, de lo mejor de las últimas décadas en su género.
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5 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pesadilla en Elm Street
Pesadilla en Elm Street (1984)
  • 6,6
    53.365
  • Estados Unidos Wes Craven
  • Heather Langenkamp, Robert Englund, Johnny Depp, John Saxon, ...
10
El mejor terror de las últimas décadas.
Más de seis películas en la gran pantalla, algún que otro telefilme y una serie de televisión son fruto de esta obra, una auténtica gallina de los huevos de oro. Wes Craven consiguió iniciar además de una larga saga, el despertar de un nuevo género de terror hollywoodense, que destaparía al público joven como su mayor y más fiel consumidor. Rodada en 1984 y estrenada ese mismo año, sin un gran presupuesto, Pesadilla en Elm Street causaría estragos en taquilla, logrando estratosféricas cifras de recaudación. Este hecho arrastraría inevitablemente una larga lista de secuelas durante toda la década de los 80, aproximadamente una por año.

La historia de Pesadilla en Elm Street, nos sitúa en una pequeña localidad, donde habitualmente los hijos de los residentes en el pueblo sufren pesadillas. Todo parece transcurrir de forma tranquila para Nancy, hasta que poco a poco sus amigos y conocidos empiezan a ser atacados y asesinados en sueños por Freddy Krueger, un hombre deformado por el fuego que usa un guante con afiladas cuchillas para matar de la forma más terrorífica a sus victimas... Esta historia, se tinta de un toque de originalidad, la trama, llena de sadismo y diálogos punzantes, recorría la delgada línea divisoria entre mundo real y el mundo ficticio, jugando constantemente con el espectador. Ciertamente, algunos diálogos de la película resultan despiadados y brutales:
-¿Ha llegado el forense?
-Está en el baño, vomitando.

Abordando la estructura narrativa de la cinta, hayamos, quizás, su mayor acierto, la gran similitud que guarda respecto a una pesadilla real. Wes Craven desdibuja la realidad de las situaciones, gracias al sabio uso de los planos y a la esplendida ambientación. Aparentemente la tranquilidad del lugar donde transcurre la acción sirve al director para lograr un clima de desasosiego e inseguridad, básico para que el film funcione. La iluminación y la fotografía, también contribuyen a lograr este objetivo, los juegos de luces y sombras en las calles y callejones copan una gran calidad. No podíamos olvidarnos de los efectos especiales, fundamentales durante los asesinatos de los personajes, sorprende que con apenas un millón de dólares, se pudieran rodar secuencias como las de los asesinatos de Glen y Tina. El reparto de la obra se conforma principalmente por Robert Englund, como Freddy, Heather Langenkamp, siendo este su primer papel protagonista y un jovencísimo Johnny Deep. La música acompaña de forma excelente a la película, destacando composiciones metálicas con ciertas influencias heavy. La historia se abre y se cierra con una aterradora canción de tono infantil, que continuara sonando aún horas después de haber visto el film.

Atendiendo a todo lo anterior se podrá decir que Pesadilla en Elm street es la mejor obra del género de terror de los últimos veinticinco años.
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16 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Celebración
Celebración (1998)
  • 7,8
    16.571
  • Dinamarca Thomas Vinterberg
  • Henning Moritzen, Ulrich Thomsen, Thomas Bo Larsen, Birthe Neumann, ...
8
Hasta en las mejores familias...
Celebración es sin duda, el mejor y más completo trabajo del Danés Thomas Vinterberg, aclamado director perteneciente al movimiento cinematográfico conocido como dogma. Vinterberg, debutante en la escena internacional con el largometraje Héroes, lograría con Celebración su segundo trabajo, consiguiendo posteriormente otras obras no menos sorprendentes caso de It´s all about love o Querida Wendy.

Celebración sitúa su historia en una reunión familiar con motivo del setenta cumpleaños del padre de familia. Es en esta reunión donde salen a la luz todos los oscuros secretos que ha encerrado dicha familia durante años… Esta historia esconde una gran profundidad en los temas que aborda, planteando un amplio estudio psicológico sobre cada uno de los personajes. El ritmo de la obra refleja de manera excelente el clima en el que se desarrolla un festejo, gracias al sabio uso de los saltos en el tiempo y los cambios constantes de diálogos y situaciones. De forma irónica el director retrata la sociedad actual en la que vivimos.

Técnicamente el film es exquisito, la filmación cámara en mano aporta un amplio elenco de encuadres, fijando primeros planos de gran calidad. Algunas secuencias desarrolladas durante el banquete y en especial durante los discursos de Christian resultan magistrales. La fotografía de Anthony Dod Mantle excelente como no podía ser de otra manera. Los actores también brillan con luz propia, en especial, destaca la labor de Ulrich Thomsen que interpreta con gran acierto a Christian, Henning Moritzen realiza un gran papel, en definitiva, nada que objetar en este apartado. La música, inexistente, no supone una gran perdida en el resultado final de la obra, ya que el film tampoco la exige como un elemento indispensable.

En conclusión, Celebración es una gran película muy recomendable para el espectador que guste el buen el cine, por algo obtuvo el Premio Especial del Jurado de Cannes en 1998.
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2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Conspiración de silencio
Conspiración de silencio (1955)
  • 7,7
    5.774
  • Estados Unidos John Sturges
  • Spencer Tracy, Robert Ryan, Lee Marvin, Anne Francis, ...
7
Sólida y recomendable
Conspiración de silencio es un film de temática encuadradle dentro del cine negro en cuanto fija su principal foco en revelar la criminalidad de un pueblo entero, dicha ya esta aclaración, entraremos sin más preámbulos en el análisis propiamente dicho de la película. Conspiración de silencio fue rodada en 1955 por el estadounidense John Sturges, director llegado al rodaje con producciones tan respetables como Fort Bravo y La Captura, y autor posterior de grandes obras que lograrían un notable éxito comercial, caso de, La gran evasión o Estación Polar Cebra.

La historia que se desarrolla durante los 81 minutos aproximados de duración de la cinta sitúa al espectador en un pequeño y decadente pueblo en mitad del desierto americano, al cual cierto día de 1945 llega Jonh MacReedy un forastero aparentemente impasible en busca de un granjero japonés llamado Komoko. La escasa población del lugar extrañada ante esta imprevista llegada hará que pronto tengan lugar las primeras hostilidades… Esta historia que transcurre en un lugar aparentemente idílico, en la paz del desierto, se impregna de un ritmo de narración sosegado que parece alargar el tempo de la historia, teniendo en cuenta que esta transcurre en unas pocas horas. Este ritmo también contribuye a lograr una tensión dilatada en momentos cruciales durante el desarrollo de la trama, caso de la amarga espera del protagonista hacia su muerte. Se denota una clara denuncia del racismo y la xenofobia por parte de John Sturges. Los diálogos agudos y llenos de cinismo consiguen enganchar al espectador a la pantalla y mantener constante su interés.

Técnicamente, el film esta muy bien llevado. La fotografía de Sol Polito retrata de forma magistral la sórdida imagen del aislamiento y la soledad del desierto. Los créditos iniciales y finales dan muestra del buen hacer del director, con unos travellings de gran dificultad, por otra parte la narración fotográfica otorga igual o mayor importancia a los gestos como a las palabras. Los encuadres se mueven principalmente entre planos generales y primeros planos, se tiene en consideración que la película es una adaptación de un relato Howard Breslin. El reparto tiene como pilar básico a Spencer Tracy, apoyado en unos sólidos secundarios donde se observan nombres como Lee Marvin o Robert Ryan. Los personajes a los que interpretan son quizás las piezas más flojas del compacto engranaje de la película, ya que el desarrollo de algunos de ellos es realmente escueto, si bien es cierto que el estudio fílmico no se centra en ellos principalmente. La música variada y sugestiva favorece al entretenido guión de la obra, de nuevo los créditos que acompañan a la primera y a la última secuencia sirven como ejemplo.

En definitiva Conspiración de silencio es una buena obra negra, con ciertos tintes de Western que conforman un jugoso y apetecible resultado.
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11 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Vértigo (De entre los muertos)
Vértigo (De entre los muertos) (1958)
  • 8,3
    66.497
  • Estados Unidos Alfred Hitchcock
  • James Stewart, Kim Novak, Henry Jones, Barbara Bel Geddes, ...
9
Gran Hitchcock
Vértigo o De entre los muertos, que con ambos títulos es conocida indistintamente le película en el ámbito español, es una de las obras maestras reconocidas del cine. A diferencia de otras películas "de genero" de la filmografía hitchcockiana, Vértigo resulta un tanto inclasificable, pues junto a la intriga fundamental, hay simbolismos relativos a la muerte, el sexo, el más allá y la religión. El filme se estructura en dos partes bien diferenciadas: la primera un relato desde el punto de vista estricto del protagonista es una indagación en la personalidad de Madeleine, su comportamiento como Carlota y su muerte buscada o presagiada. En esa parte, el filme parece situarse en el terreno de la exploración psicoanalítica, la ciencia-ficción o el misterio y su protagonista parece un hombre débil superado por las circunstancias. Posteriormente, la segunda parte presenta la sorpresa de la identidad entre Judy y Madeleine, que explica el misterio de esa mujer por una trama policíaca ciertamente compleja, y muestra la verdadera personalidad de Scottie.
Así las cosas, Vértigo ha sido como un estudio fascinante de la frustración y del tema de la dualidad (tan recurrido en el cine negro). Desde el punto de vista formal hay que destacar el juego visual de los créditos iniciales, los turcos ópticos para expresar el vértigo en los planos de la torre mediante una combinación de zoom y travelling de retroceso, el juego de luces en el Empire Hotel y una música con matices tanto románticos como de suspense.
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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
El sueño eterno
El sueño eterno (1946)
  • 8,2
    22.408
  • Estados Unidos Howard Hawks
  • Humphrey Bogart, Lauren Bacall, John Ridgely, Martha Vickers, ...
8
El sueño continua...
El sueño eterno se nos muestra como una autentica obra maestra, no solo del cine negro, si no también de la extensa filmografía de Howard Hawks y Humphrey Bogart. Adaptada de un relato de Raymond Chandler, la película alcanza los límites de complejidad y profundidad en cuanto a un buen guión se refiere; se dice que ni el director, ni el guionista, ni el autor supieron quién era en realidad el asesino, aunque se trate de una broma, esto sirve como ejemplo de la enrevesada trama de la obra. Refiriéndonos a los datos técnicos, reseñaremos que El sueño eterno fue rodado en 1946, de la mano de Howard Hawks, al que se le considera uno de los principales artífices del cine de gángsteres, gracias a Scarface, el terror del hampa.

La historia, enormemente compleja, como ya dijimos anteriormente, nos embauca en un caso detectivesco encargado a Philip Marlowe, un duro detective estadounidense, que se ve preso en un mundo de corrupción, chantaje y violencia. Inmiscuido hasta el fondo, Marlowe contará con la ayuda de Vivian, una atractiva mujer que esconde profundos y oscuros secretos en su interior. Un absorbente clima de tensión y sensualidad culmina este admirable guión de William Faulkner.

La cuidada fotografía de marcado aroma negro, unida al enorme potencial visual de la cinta, hacen de este, un título a imitar dentro de su género. Todos los movimientos de cámara, tornan su objetivo a lograr un universo cínico y feroz, de la misma forma, los encuadres presentan una visión desenfocada de un mundo peligroso e inseguro, que envuelve al espectador desde el primer momento. Ciertas secuencias causan verdadera admiración, caso de la escena que sirve como antesala al conflicto dramático. Marlowe entra en la mansión del general Sternwood, una vez allí vislumbra un desolador paisaje, el viejo general mata sus últimos alientos de vida consumiéndose en un invernadero, a más de treinta grados. Durante la entrevista el detective se empapa en sudor, mientras que el anciano le introduce en las contaminadas personalidades de sus hijas, un par de tigresas que aunque, lleven distintos estilos de vida, ambas se mueven en círculos viciosos de drogas, juego, sexo… La química Bogart-Bacall incide positivamente en un film, una vez más. Siendo la pareja de protagonistas, el mayor atractivo del reparto. El secundario más destacado, es Martha Vickers, que actúa en el papel de Carmen Sternwood. La música intensa y sugestiva, supone un agradable acompañamiento sobre las imágenes.

Un imponente ejercicio de dualidad desbordada, sencillamente genial.
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10 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
El tercer hombre
El tercer hombre (1949)
  • 8,3
    41.522
  • Reino Unido Carol Reed
  • Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard, Orson Welles, ...
10
The third man
Hay veces, como en este caso, que las palabras no son lo suficientemente halagadoras para describir al mito. El tercer hombre: una verdadera película, puro cine, inmortal epopeya fílmica... Tres nombres fueron los artífices de esta obra maestra: Orson Welles, Carol Reed y Graham Greene. Rodado y estrenado en 1949 como un film inglés, el tercer hombre lograría un notable éxito y conseguiría una estatuilla a la mejor fotografía en blanco y negro dos años más tarde, en 1951. Extraña, que el director de la propia cinta, ho hubiera sido el propio Welles, ya que fue él la más basta influencia para Carol Reed al otro lado de la cámara.

La trama, introducida desde el punto de vista de un sujeto impersonal a la historia, nos mete de lleno en la Viena de la posguerra, una ciudad separada, asolada por las bombas, en la que sus habitantes viven en un clima de inseguridad y división. Cierto día llega a tan desamparador lugar, un escritor de novelas baratas llamado Holly Martins en busca de un buen amigo suyo, Harry Lime, el cual le ha prometido dotarle de trabajo. Pronto Holly se dará cuenta de que Lime ha fallecido en un fatídico accidente... Esta historia especialmente escrita por Graham Greene para la ocasión, se llena de una perturbadora y densa atmósfera que atrapará al espectador desde el principio. Además se recrea en ella un sórdido y profundo retrato de la mente humana.El interés dramático de la producción durante gran parte del metraje, recae en descubrir quién es el tercer hombre.

Visualmente, barroco, el film encierra, una filmación muy rica en encuadres desequilibrados, movimientos de cámara de gran dramatismo, planos de gran profundidad, juegos de luces fantásticos (la secuencia en la que Lime es descubierto por la entrada de luz en juego, da cuentas de una enorme calidad)... Ciertas partes de la obra son brillantes en si mismas: la persecución de Lime en las alcantarillas, la conversación de los dos protagonistas en la noria y de forma singular destaca la última escena, en la que la infinidad del paisaje bañado en una estampa de árboles caducos sin hoja, resulta un espectáculo para la vista. Pocas veces, una actuación como la de Orson Welles ha logrado infectar, de tan sublime manera el transcurso de una historia, Quedando injustamente olvidados el resto de actores y actrices que rayan la perfección en sus respectivos papeles. La citara de Anton Karas, majestuosa, acompaña en todo momento el desarrollo de los hechos, siendo su característica melodía el punto de inicio y de cierre de tan grandiosa trama.

The third man, es una de esas escasas películas, que alcanzan la más absoluta perfección, Orson Welles vuelve ha demostrar porque es calificado como un genio.
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4 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
2010: Odisea dos
2010: Odisea dos (1984)
  • 6,0
    5.148
  • Estados Unidos Peter Hyams
  • Roy Scheider, Helen Mirren, John Lithgow, Bob Balaban, ...
6
La esencia se perdió...
Nueve años después de que la USS Discovery se perdiese en el espacio, se envía desde la Tierra una misión conjunta de los Estados Unidos y la Unión Soviética. Para ello viajan al planeta Júpiter, con el objetivo de reactivar al ordenador Hal 9000, que dirigía la nave accidentada, y descubrir así que fue mal en la anterior misión, y el significado de las últimas transmisiones de uno de los tripulantes. El doctor Floyd comanda la misión, que a su llegada a Júpiter se encontrará con el gran monolito negro que la primera misión pretendía investigar.

2001, Odisea dos retoma la historia de su genial versión de 1968. Adaptada al igual que la película de Kubrick de la novela de Arthur C.Clarke, en esta ocasión la historia se traslada hacia un cauce mucho más accesible para el gran público. El énfasis puesto en el desarrollo de personajes y el interés por seguir un orden en la sucesión de acontecimientos marcan una percepción muy distinta de la de Kubrick. Si bien es cierto que la función básica del film es aclarar en cierto modo la enrevesada trama de su original, el planteamiento disgrega demasiado no solo en formas si no también en plasmación de ideas. El desenlace del título sirve como ejemplo claro, para observar la falta de paralelismo entre ambas entregas; el mensaje reconciliador rompe completamente el sentido desarrollado por la saga.

Estéticamente esta segunda parte trata de imitar de forma fallida a su predecesora. La técnica se acerca mucho más al género de ciencia ficción, que al tipo de cine planteado por Kubrick en 1968. Aunque los largos y fríos planos se mantienen, la esencia visual se pierde en la búsqueda de efectividad a favor de la historia. Los movimientos de cámara no son tan agobiantes, únicamente el seguimiento a Roy Scheider dentro de la nave, en la secuencia de la aparición de Keir Dullea merece ser tenido en cuenta. En el reparto no hay mucho que decir, pasable sin más. La música no resulta tan espectacular, las magníficas composiciones clásicas se abandonan, siendo sustituidas por llanas evocaciones a lo sensitivo que llegan a cansar al espectador.

Simple continuación de una mítica película, que merece ser vista por la sencilla razón de hallar las respuesta a las dudas que dejaba en el aire la versión de finales de los sesenta.
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22 de 26 usuarios han encontrado esta crítica útil
La noche de los muertos vivientes
La noche de los muertos vivientes (1968)
  • 7,1
    34.579
  • Estados Unidos George A. Romero
  • Judith O'Dea, Duane Jones, Marilyn Eastman, Karl Hardman, ...
6
Night of the living dead
Bárbara y su hermano realizan una visita al cementerio. Mientras llegan, la radio anuncia extraños ataques que se han estado realizando en las últimas horas. Cuando están en el cementerio, el hermano de Bárbara es atacado por un muerto viviente. Ella huye, llegando a una casa, en la que se encuentran ya refugiadas varias personas. En la radio, las noticias hablan de la resurrección de todos los difuntos, que convierten en no muertos a aquellos a los que alcanzan. Pronto los zombis comenzarán a cercar la casa e intentar entrar en ella.

Espeluznante relato de una película considerada por muchos, la autentica propulsora del cine de terror actual. Aunque con ojos críticos exista otro film, “2000 Maniacs”, que ya inauguró el género “gore” en 1964, es la noche de los muertos vivientes la que asienta definitivamente las bases sólidas del cine de terror moderno. Rodada en 1968 por George A.Romero, un completo desconocido, el presupuesto de la noche de los muertos vivientes no alcanzaba los 115.000 dólares, contando con unos medios escuetos pero efectivos y unos actores semiprofesionales. La trama transcurre en la desoladora campiña pensilvana, un entorno perfecto para lograr un clima verdaderamente aterrador. El elemento principal de la narración es el zombi, metáfora clara de una sociedad americana que no atravesaba con la guerra de Vietnam su mejor momento.

Técnica exquisita para una obra de terror, la fría fotografía en blanco y negro y los largos planos que no escatiman en detalles resultan admirables. La forma de A.Romero para presentar y cerrar la historia es igualmente espectacular, una sencillez abrumadora en el tétrico cementerio y un dramático final, que rompe lo que podría haber resultado heroico o feliz. Crudeza destacable, en especial el festín de canibalismo y las imágenes contrapuestas con los créditos finales. El elenco de actores realiza un magnífico trabajo; Duane Jones y Judith O'Dea sin mayor experiencia dentro del mundo del cine, cuajan una estupenda interpretación.

Mítico título del cine bizarro, indispensable para cualquier amante del terror.
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3 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El tiempo en sus manos
El tiempo en sus manos (1960)
  • 7,2
    8.264
  • Estados Unidos George Pal
  • Rod Taylor, Alan Young, Yvette Mimieux, Sebastian Cabot, ...
8
¿Puede un hombre controlar su destino, puede cambiar el futuro?
En la Noche vieja de 1899 un joven inventor aficionado del que solo conoceremos su nombre, George (Rod Taylor) recibe a sus invitados en una cena de fin de año, donde les muestra un pequeño prototipo de su última creación: una máquina del tiempo. No es extraño que piensen que el exceso de trabajo lo ha trastornado. Luego que sus escépticos amigos se retiran, toma su verdadera máquina para probarla en un viaje hacia el futuro.

Guión basado en la novela de H.G.Wells, para una excelente película de sci-fi rodada a comienzos de los sesenta. Aunque la trama ofrece algunas digresiones respecto a la obra original, referidas principalmente a la intrusión de la tercera guerra mundial, notable preocupación por aquellos días, el film se mantiene fiel por lo general al relato de Wells. El trasfondo de este título resulta bastante obvio; refleja claramente la evolución de la especie humana hacia un mundo de sumisión teñido de una felicidad relativa. El tiempo es otro elemento básico en el desarrollo de la historia, una historia narrada mediante un largo flash-back con una tensión creciente.

Los efectos especiales de El tiempo en sus manos están muy bien conseguidos en líneas generales; adoleciendo ligeramente en el bombardeo a Londres durante la primera guerra mundial, pero brillando especialmente en la elaboración de decorados y en la ralentización o aceleración del sol y del maniquí a través del tiempo. Merecido Oscar® para este trabajado aspecto de la cinta. Rod Taylor ejerce una muy buena interpretación en el papel de inventor aventurero y en cierto modo salvador. Por otro lado la primeriza Yvette Mimieux realiza una caracterización demasiado rígida de su personaje con una expresividad prácticamente inexistente. Magistral dirección musical de Russell García, que combina de forma fantástica, unas exaltadas composiciones de la familia de cuerda con unas matizadas y armoniosas melodías de violín.

La película goza de otra versión posterior del 2002 bastante peor que su predecesora. Indispensable largometraje de ciencia ficción, para entender la repercusión social de este genero en la década de finales de los cincuenta y principios de los sesenta.
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5 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Buscando a Alibrandi
Buscando a Alibrandi (2000)
  • 5,6
    96
  • Australia Kate Woods
  • Pia Miranda, Greta Scacchi, Anthony LaPaglia, Matthew Newton, ...
6
Conociendo a Alibrandi
Nunca hubo un hombre en la vida de Josephine Alibrandi. Pero ahora, en su último año en el instituto, hay tres. El padre de Josephine que la dejó cuando la madre de Josephine era una adolescente embarazada sin estar casada, vuelve a la ciudad cada vez más implicado en la vida de su hija. John Barton, pulido, rico y destinado al colegio de abogados, está románticamente interesado en Josephine. Y también está Jacob Coote, un chico de clase obrera, de buen ver, que emociona a Josephine de una forma que ella nunca pensó posible.

Este es el conflicto dramático que nos presenta esta magnífica película enmarcada en el contexto de la ciudad de Sydney, dentro de una vibrante comunidad latinoamericana. El guión de la cinta gira entorno a Alibrandi, una adolescente modelo que tendrá que encarar sus últimos pasos hacia la madurez definitiva. Kate Woods plasma en esta ocasión un vivo retrato de la protagonista mediante una gran carga emocional que envolverá con sorprendente facilidad al espectador. La crítica de Javier Cortijo hace mella en que el film da bandazos continuos entre distintos géneros; personalmente pienso que esta mezcla de comedia y romanticismo, no pretende si no aportar una necesaria irregularidad a la obra, para teñirla de un estilo mucho más informal y fresco. No puedo obviar que la trama acopia algunos fallos aislados; el desenlace del personaje de Matthew Newton me pareció demasiado dramático, llegando al punto de resultar innecesario y absurdo.

En lo visual, el título no adolece en absoluto. La sencillez de cámara y la colorista iluminación me sorprendieron muy gratamente. Las secuencias nocturnas de Alibrandi recorriendo Sydney son admirables, logrando crear un clima de distensión, necesario para contrastar con el exaltado frenetismo de la trama. El trabajo de Pia Miranda es sencillamente majestuoso, acercándose con encomiable naturalidad a su difícil personaje. El resto de intérpretes brillan igualmente, siendo el reparto un factor clave para la obra. La música combina diferentes canciones del pop-rock italiano y británico, que acompañan acertadamente con los momentos clave del film.

Buscando a Alibrandi es una excelente película familiar, pero que esconde un emotivo trasfondo de lo que es la vida hoy por hoy.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Misery
Misery (1990)
  • 7,5
    34.619
  • Estados Unidos Rob Reiner
  • Kathy Bates, James Caan, Frances Sternhagen, Richard Farnsworth, ...
7
Buena adaptación.
El cine siempre ha tenido un filón que parece no agotarse en las adaptaciones de las novelas de Stephen King, una larga lista de grandes títulos como: Carrie, El resplandor, Cujo, Los chicos del Maíz... avalan la calidad de estas adaptaciones. En este caso en concreto, el guión no va a ser distinto, ya que nos encontramos frente a una solidísima película. Misery rodada en 1990 por el director Bob Reiner, consiguió un gran éxito comercial y obtuvo un Oscar a la mejor actriz protagonista.

Misery narra la historia acontecida a Paul Sheldon, un famoso novelista que sufre un accidente en medio de la nieve y es recogido y atendido por Annie Wilkes, una de las muchas fans de sus novelas... Esta historia aparentemente simple envuelve al espectador en un sórdido retrato de los dos protagonistas de la historia. Por un lado Annie, una persona enfermiza, solitaria, agresiva y fanática. Por el otro Paul un hombre que intenta desligar su vida de su trabajo, y que se envuelto en una pesadilla de la que difícilmente podrá escapar. Este retrato, se apoya en un ritmo sosegado que permite una gran profusión en el análisis y en el estudio de situaciones y personajes. Es cierto que la trama esconde ciertas escenas realmente brutales, un ejemplo la secuencia en la que Annie golpea violentamente a Sheldon, que se encuentra indefenso postrado en cama, o la sangrienta lucha final entre la pareja de protagonistas.

La estructura narrativa del film es inteligente y por momentos brillante, Rob Reiner consigue una filmación muy efectiva que se apoya principalmente en unos esplendidos primeros planos sobre Kathy Bates. La fotografía de Barry Sonnenfeld resulta aceptable en líneas generales. Buen trabajo de los actores, entre los que destacan la ya nombrada Kathy Bates y James Caan en el papel de Paul Sheldon, como detalle cabe mencionar la aparición de Lauren Bacall como Marcia Sindell. La música excelente, de la mano de Marc Shaiman, encargado de las bandas sonoras de películas de la talla de: El chico, Olvídate de París, Abajo el amor…

A definidas cuentas, diremos que Misery es una de las más sólidas y absorbentes producciones inspiradas en las novelas del conocido escritor estadounidense perteneciente al género de terror, Stephen King.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil