Con el "lastre" de tener como opera prima una obra maestra como "American Beauty" y un inmaculado curriculum que ya querrían muchos, Sam Mendes nos regala una película inolvidable, sobre los sueños, sobre las emociones, en conclusión, una película sobre la vida. Tras ver esta película he de decir que no me desagrada que en el cine se pueda representar una historia verdadera, por eso de que es el espectáculo de los sueños , sobretodo si esta la protagoniza un autentico león como Leonardo DiCaprio, que a mi juicio realiza su mejor interpretación.

Revolutionary Road, es una carretera, una vía que solo conduce a una parte, a la vida (entendida por cada uno como la prefiera). Este es el principal tema que plantea la película, dos prometedores jóvenes que acaban atrapados en si mismos y en la vida que les rodea, aparentemente. Con una trama bastante uniforme y clásica, Mendes demuestra que si todo está escrito en cine, el tiene una manera diferente para contar las cosas, una visión mágica.
De la historia, como ya he dicho hay poco que reseñar, irregular en algunos tramos y excelente en otros, se mantiene en una modesta dirección técnica, pero con interpretaciones estelares. Duelos interpretativos entre DiCaprio y Winslet, que pocas veces se ven últimamente en la gran pantalla. Hay que hacerle una mención especial a Michael Shannon, un papel muy difícil, sin lugar a dudas yo diría que es la gran revelación de la película ,eso sí , dejando al margen a los dos actores principales.

Al igual que el film, las actuaciones de DiCaprio y Winslet, son como preguntar si quieres más a papa o mama. Poquitas veces en el cine actual se ha visto tanto talento, desbordante, en varios momentos del film, se me ponían los pelos de punta, dicho sea de paso, y como todos los que lean esto compartirán conmigo, ambos son claros candidatos a los oscars.

En definitiva, Vía Revolucionaria, o como debería haberse traducido a mi gusto, Vía de la vida, es una película que no te dejará indiferente, que te hará sentir, te hará llorar, te hará reír, te darán ganas de ponerte a aplaudir en mitad del cine o en mitad de tu casa, te fascinará.

Antes de empezar a analizar y enjuiciar a la película en cuestión, hay que recordar a los lectores que nos encontramos en una época en la que Alemania había salido de la I Guerra Mundial, y anteriormente, en el año 1916, ante las continuas proyecciones de cintas del enemigo (Francia, Inglaterra y EE.UU.) el gobierno alemán crea la UFA, este es un hecho que marcará el futuro del cine alemán en el período de posguerra y durante la II GM, ya que tras la primera gran guerra esta empresa tenía un control mixto por parte de las grandes compañías y del estado y una vez inmersos en la II GM pasó a ser de control total estatal para censurar las películas contrarias al régimen.

Nos encontramos ante la ópera prima del expresionismo alemán, Robert Wiene consiguió con esta película no solo poner las bases de lo que sería el Caligarismo, cuyas características analizaremos más adelante, sino dar a conocer a una gran cantidad de cineastas que partiendo de la base de Wiene crearían un estilo propio, tal es el caso de Fritz Lang o Murnau.
Mientras que en EE.UU. Griffith hacia su propia revolución expresiva, Caligari se convirtió junto a Charlot en el primer mito universal en el cine.
El guión principal fue escrito por Carl Mayer, gran guionista de la época y autor entre otras obras de títulos como Tartufo o Amanecer, ambas de Murnau y pertenecientes al expresionismo alemán, aunque tuvo que ser retocado y fue el propio director el que tuvo un papel más importante en la creación de la obra.

“El gabinete del doctor Caligari” cuenta la historia del Doctor Caligari y su paciente sonámbulo Cesare que es controlado por el viejo doctor para cometer crímenes, esta temática es muy propia del expresionismo alemán donde el terror y la fantasía se unían a menudo para retratar a vampiros, asesinos, gangsters...
Una característica común que aparece también en la obra de Wiene el la fatalidad de la historia y la muerte que está presente en la mayoría de obras de este estilo.
Esta película marcó un antes y un después, tanto es así que el movimiento expresionista pasó a llamarse Caligarismo y cuyas bases se fundamentan en este film.

Respecto a las características técnicas y artísticas hay que destacar la oblicuidad y la fantasía de los decorados. Artísticamente el Caligarismo se caracterizaba por estar muy influenciado por el movimiento barroco y cada autor daba su punto de vista.
El uso del claroscuro es muy destacado en esta época con un claro predominio de los blancos y con mucho contraste. Las cámaras eran muy estáticas y mas que la planificación primaba la actuación de los actores que solía ser muy teatral.
Nada más hay que decir de Caligari, una obra de arte que marcó a toda una generación de estupendos cineastas.

Que nuestro querido amigo Gus haga algo que no se cine independiente es normal, todos los directores tienen que comer. Que Van Sant es un oportunista es conocido por todos, aprovecha el filón y hace películas como "Elephant", jugando algo sucio y aprovechandose de la situación, pero eso no quiere decir que no haga buen cine.

En Milk nos encontramos todos los elementos para que una película triunfe, magnífica en la parte técnica con una dirección notable y un montaje muy habil y eficaz, que no aburre en ningun momento, mezclando imágenes reales con las propias del film.
Hay que achacar al maestro Gus lo poco atrevido que es en esta cinta donde no se moja para nada y sigue la linea típica de las tan de moda biopic, un personaje guay y que mola a todo el mundo, alguien que nos gustaría ser pese a que sea gay, es un tipo interesante y sensible y eso a todo el mundo le mola, sin dejar claro el tópico de que estos son un poco sueltecillos, que nadie me malinterprete.
Sean Penn vuelve a demostrar que está ya en la puta cima, este tipo es una maquina y eso nada lo puede cambiar, por otro lado decepcionante Diego Luna, desde "Y tu Mama También", no ha vuelto a levantar cabeza, en esta película se muestra del todo fuera del papel con una sobreactuación preocupante.

Por último respecto a la historia , lo que desea contar, quizás este un poco comprimido, pero será un autentico taquillazo, nos muestra una historia que todos querran ver, algo que posiblemente a las amas de casa con niños les hará llorar, y en definitiva una película facil de ver que pierde parte de su calidad por el ansiado objetivismo de su director que en ningun momento llega a conseguir, pese a que repito la dirección es más que notable.

El realizador francés Patrice Leconte dirige esta irregular "dramedia" donde reflexiona sin mucho acierto y de forma precipitada sobre temas trascendentales como la vida y la muerte, abordando con clichés y tópicos la vida en pareja y la sexualidad desmesurada de ambos miembros, cubriéndolos con una fina capa para aparentar un deseo de amor y de vida que resulta artificial en todos sus sentidos.

En el comienzo del film se describe la juventud de un muchacho obsesionado con una peluquera y con un claro fin, casarse con una algún día. Llena de melancolía y de un ambiente retro que le hace muy bien a la cinta, en algunos momentos llega a recordar -solo en el comienzo- a títulos como Leólo, pero esto se convierte en un mero espejismo cuando se usa como pretexto para relatar la fogosa "relación" de un hombre mayor con una peluquera, desde su precipitado encuentro la historia se desenvuelve en un ejercicio incompleto de seducción, desbordante de una sensualidad que consigue en pocos momentos engatusar al público y que solo sirve para que la mente calenturienta del director pueda plasmarse en imágenes que no dejan de ser curiosas.

Como manera de experimentar con las formas y con el espacio, el resultado es potable, rodada de una manera bastante monótona, limitado también por el espacio en el que se desarrolla la acción. En este caso la peluquería es una excusa para narrar la historia, sirviendo a modo de confesionario improvisado para que unos cuantos personajes comente a modo de tópico sus problemas. Haciendo un vago y estereotipado reflejo de la sociedad, estas personas balbucean sinsentidos, con cierta gracia sobre el devenir de sus vidas y del mundo si se les hubiera propuesto.

Si espera ver una buena película no apueste por esta, si usted es de risa fácil y se enternece y excita con facilidad ha acertado, le gustará y le hará reír, pero no se emocione, detrás de todo esto hay un claro deseo de poner cachondo al espectador con escenas nada desdeñables en el aspecto visual, no le conmoverá pero será una decisión correcta en una tarde de domingo.

"Juego de Luna" fue el segundo y último intento de la directora madrileña, utilizando a Ana Torrent en un gran papel como principal reclamo del film, no consigue completar una partida de póker con un toque made in Spain.

Teniendo en cuenta lo que se nos ofrece desde un principio: una historia de lo más convencional y el truco de poner como heroína jugadora a una mujer, no es un producto del todo desechable pese a las grandes carencias que tiene. Con un guión aceptable y una dirección mediocre logra entretener al espectador sumiéndolo en un universo de timbas ilegales y matones al más puro estilo de los Miami. Se plantea la historia rápidamente, Luna, gran jugadora de cartas quiere batirse en duelo con el gran jugador, esta esperada partida hará avanzar a la historia por un sinfín de tramas inútiles que entorpecen el irregular ritmo de la película.

Laguna se atreve poco y parece no haber visto una partida del juego rey en EE.UU en su vida, no por el acto en si, dirige de una forma monótona y me atrevería a decir que casi repetitiva cuando se trata de apostar los cuartos en la mesa. Torrent en un papel más que aceptable, despega las alas y logra quitarse en ocasiones en lastre que le acompañará durante toda su carrera -El espíritu de la colmena o Tesis-. Finalmente el guión concluye en un atropellado desenlace carente de estilo, ritmo y magia, que al fin y al cabo es lo que se ve en una pantalla de cine. A su favor tengo que decir que la historia es digerible y que haga recordar en algunos momentos a "El Rey del Juego" dice mucho de ella.

Por lo demás poco que añadir, fotografía al mismo rasero que los otros elementos del film, mediocres y sin llegar a la altura de una cinta con muchas expectativas. No es una película para poner los ojos en blanco pero tampoco nos dejará partidas memorables. Sinceramente he de decir que para ser española me sorprendió mucho, sin denostar a nuestro cine, se pueden hacer cosas mucho mejores solo que aún no lo sabemos.