Es otra vuelta de tuerca al mismo tema al que Ozu dedicó su cinematografía.. y lo que es decir en Ozu, su vida.. en el Japón de los años cincuenta una chica de veintilargos se desenvuelve entre el tema de su posible casamiento... y es que en la sociedades asiáticas, donde cuando una mujer se casa pasa a fornmar parte exclusiva de la familia del marido, esa ruptura de su hilo biográfico con su propia familia alcanza los tintes de tragedia.. y es ese momentum vital al que Ozu le dedica su vida..
Y cómo lo narra, no tiene precio..
Asimismo la relación entre amigas, cuando algunas se casan y otroas permanecen solteras, el profundo conocimiento de este director que desde su homosexualidad y su identificación con la mirada femenina- cristalizadoas en el personaje de Noriko- nos muestra la esencia de estas relaciones..
Cómo establece un símil entre el momento vital de la protagonista y un momento de la estación del año, es espectacular.. algo que los occidentales vemos muy oreintal..
Veo más modernidad en la forma en que Noriko y su amiga llevan su vida que en todas las películas modernas sobre vidas modernas hechas en décadas... pasa tan bien el tiempo por las pelíclas de Ozu..
A quien le gusten las tres pelis de la serie Noriko (Primavera tardía, Cuentos de Tokio y ésta) le recomendaría el libro de Antonio Santos -que ya escribiera "Ozu", en Cátedra- sobre el tema: "En torno a Noriko"..
Como en toda peli de Ozu, hay un momento casi al final del film en el que explota toda la esencia de la película, y en esta peli es el mometo en el que la prota habla con su cuñada en la playa y le dice que se fía más de un viudo que de un hombre que a los cuaretna sigue soltero.. y es que Noriko no es tonta.. es solo que ha decidido vivir en intimidad con su real ser.. con una comprensión íntima de las cosas qe a mí desde luego me abruma..
Noriko, das forma a mi mirada.. no puede haber nada más íntimante vivido que como tú vives tu vida.. Te quiero, Noriko...

Corre el año 1949 en la ciudad japonesa de Kamakura, en la bahía de Tokio, y se nos abre la puerta de la casa donde viven Noriko y su padre. Ella tiene veinticinco años, su padre es viudo, y ambas vidas fluyen entre escenas domésticas. Pero la irremisible necesidad del cambio de estación en sus existencias se cuela por cada rendija de las ventanas.

Una ceremonia del té entre mujeres nos frena de seco el tráfago de nuestra marcha y nos propone introducirnos en el universo del maestro: la vida a través del gesto delicado. Mediante los quehaceres domésticos y las citas entre personas de la misma comunidad se nos revela la condición humana de los personajes de esta trama, en la que la microsociedad se permea de los cambios en la macrosociedad japonesa tras la derrota en la 2ª Guerra Mundial, con la llegada de todo lo occidental. Los trenes como símbolo y la quietud en el tatami hogareño terminan de crear esta atmósfera impregnante de tanta vida.

Pequeño drama de momentum vital captado con planos fijos a la altura de los ojos de una persona sentada en el suelo; estamos ante una obra hermosa y sentida donde Ozu muestra, sin justificar ni condenar, los temas perennes al ser humano en el avatar de esta vida, acompañando a todos y cada uno de los personajes en el vehículo de mostrar su esencia al espectador. Extrayendo poesía de los detalles más nimios, con sutileza alumbrando temas como la familia de clase media japonesa, las diferencias entre las distintas generaciones y la occidentalización del país, esta película de humilde grandeza es la más cercana a una verdadera comunicación entre sus personajes de las que Ozu realizara. Su estilo trascendental –conflicto que se resuelve con una ascensión a un plano superior de conciencia-, como señaló Paul Shrader en su libro "El estilo trascendental en el cine: Ozu, Bresson, Dreyer", es inigualable.

Corre el año 1616 y nos asomamos a la vida en el pueblo flamenco de Boom, que prepara su kermesse, sus fiestas municipales: los arcabuceros hacen ensayos, en la casa del burgomaestre se retrata a los gobernantes locales, se alza la portada de la Feria, y las mujeres realizan sus trabajos. Parece no haber nada que recuerde ya a los años en que los tercios españoles y la Inquisición campaban por allí...

Las pinturas de exteriores de Jan Van Goyen y Peeter Brueguel “el viejo”, las escenas cotidianas y retratos de Teniers “el joven”, Van Dyck, Rubens y Velázquez sirven de referente visual a Jacques Feyder para situar la novela del francés Charles Spaak a la que convierte en farsa iconoclasta. Más en concreto, en la obra La kermesse, que Rubens pintara en 1635, hoy en el Louvre, se podría basar el espíritu de la película que tenemos ante nosotros: una extraña pintura en la que se ve a una comunidad entregada al frenesí de la celebración, en la que las convenciones y los artificios no impiden una capacidad de observación detallada y jugosa.

Estamos ante la primera gran producción sonora de cine histórico de la cinematografía francesa, galardonada entonces con el Grand Prix du Cinéma del año 1935 -el premio que entonces daba la cinematografía francesa, luego sustituidos por los César y sobre todo por Cannes-, levantando las ampollas de la comunidad nacionalista flamenca que ve en esta película un intento de deslegitimación de su identidad nacional frente a los intereses de absorción de Flandes por parte del país galo. Tenemos ante nosotros una película pionera en muchos aspectos y de gran brillantez en todos los niveles de su realización, desvelándose, con el paso de las décadas, en obra clave dentro de la cinematografía europea, que se surte de obras de este corte para perfilar su idiosincrasia cinematográfica frente a otras cinematografías: estamos ante verdadero cine de autor europeo, un producto que toma un episodio de la historia europea para reflexionar sobre temas en boga en los años treinta del pasado siglo con imaginación, rigurosidad, creatividad y alegría, convirtiéndose en una oda a la libertad y a la reflexión, con un verdadero cuidado artístico del producto a exhibir.

Esta película ha sido una película de culto en el más maplio sentido de la palabra, y una de las más populares en su día en Europa. Hoy continúa siendo una de las mejores producciones de base histórica historia del cine, con galardones allá donde se presentó en su día, entre ellos el Kinema Jumpo, el premio de la cinematografía japonesa a la mejor película extranjera en el año 35.

¡¡AH, Y DIVERTIDÍÍÍSIMA!!

Buena última peli de Ozu y en especial si se lee como epílogo de su vida... poco después fallecería del cáncer de estómago -la enfermedad del bebedor de sake caliente- que le llevaba cercando la vida los últimos años.. y en su tumba dejó el siguiente pictiograma chino -que no japonés- "la nada"...
Otra vez el mismo tema, la hija que se adentra en los veintilargos y hay que plantear que se case.. pero tan nuevo..
Vemos la esencia más elevada de los personajes -comportamientos íntimos del padre, de la hija, del soldado con el que se encuentra el padre, ...) y a la vez todos esos egos con los que vivimos -las reuniones de desollamiento vivo de los tres amigos, los trámites de los apaños de matrimonios, ...-...
Es esta la peli en la que Ozu hace una referencia más directa a la Segunda Guerra Mundial, que siempre está presente en todas sus cintas de modo tangencial a la trama pero contundente.. y es en el momento en el que suena la marcha Gunkan, la marcha naval japonesa, y los tres personajes del bar se ponen a bailar, cuando asciende la película (toda película de Ozu tiene un momento de ascensión difícil de definir, pero muy claro, según nos contaba, Paul Schrader en su libro "El estilo trascendental en el cine; Ozu, Bresson y Dreyer"...)...
Ozu, ¡cuánto me acompañas!

Ésta es la mejor película de serie B que he visto.. la fotografía, el desarrolllo de la historia, el guión, el bajón a mitad de la cinta.. todo hace pensar en una historia "pequeña" y creada de forma rápida.. no se ve en esta película el cuidado y la factura repensada de otras obras mayores de Ozu (la serie de Noriko, o en "El sabor del sake", por ejemlo), aquí todo es más rápido y más de hacer un producto menos pensado y elaborado en horno.. más de microondas.. y sin una escena casi al final de la peli en la que trascienda la acción, como en las grandes pelis de Ozu..
Y el resultado es sin embargo, y dentro de estas claúsulas, espectacular.. porque es una peli hecha en la última etapa de la vida de Ozu, cuando ya la maestría le aparecía por los cuatro costads con solo encender la cámara.. y todo lo que escribe y filma lleva su sello inconfundible y su esencia íntima... es como si Ozu y su guionista de siempre, Noda, se hubieran puesto con el piloto automático a escribir primero y luego a rodar una peli que ya se tienen vista..
Es una de las pocas pelis de Ozu en la que el tema no es una hija que se está haciendo mayorcita y hay que plantear su casamiento.. pero es un tema muy cercano, en cierto modo, a este.. y es en la relación de los padres con los hijos, donde Ozu, que no los tuvo, crea su arte...
Falta en esta cinta la profundidad de elaboración de un personaje como los que interpretara Setsuko Hara o Chishu Ryu, que se hagan cargo de un comportamineto consciente y lleven el peso de la moralidad serena en la pèli.. aquí todos los personajes son un poco inconscientes y van dando palos de ciego en sus vidas y las de los demás..
Grande, Ozu..