Film moderno que contiene las dos vertientes de la literatura borgeana: lo fantástico y la tradición de sus relatos sobre cuchilleros de los suburbios del Buenos Aires del 1900, el propio director lo define como una obra de “criollismo fantástico”.
El argumento es simple pero como todo cuento fantástico siempre narra más de una historia, la visible y otra subterránea. La muerte de una ciudad, de una cultura urbana encarnada en un grupo de personajes y el atisbo de su renovación a cargo de los jóvenes.
Desde el principio de la película sabemos que estamos dentro del universo literario de Borges y no hay que desesperar por entender toda la trama rápidamente, sola va a ir develándose ante nosotros, mientras se disfruta de la fotografía oscura y de los extraños encuadres y movimientos de cámara.

En los extras que trae el dvd, Hugo Santiago (hombre muy locuaz) dice algunas cosas muy interesantes y útiles al momento de ver la película:

- Aunque el film rápidamente fue objeto de interpretaciones alegóricas y lecturas políticas –principalmente se la leyó como referencia a la violencia política en Arg., tanto sobre el accionar de las guerrillas como de la última dictadura- ellos, al escribirla no la pensaron más que como un juego de creación literaria, y considera que la película refiere estrictamente a lo que dice el resumen que escribió Borges para el cuaderno de prensa que presentaron en Cannes: “Invasión es la historia de una ciudad sitiada por fuertes invasores y defendida por unos pocos hombres, que acaso no son héroes. Lucharán hasta el fin sin saber que su batalla es infinita.”
Claro que la película es más que eso pero también es cierto que no es una alegoría, Borges despreciaba ese recurso literario, el enrarecimiento de la historia y las elusiones a lo verosímil producen ese efecto pero no hay símbolos concretos y funciona primordialmente como la narración fantástica sin elementos barrocos, donde lo fantástico surge de la superposición de diferentes planos de realidad.

- Sobre el uso del sonido en off. Santiago cuenta que se propuso crear varios planos que van desde el sonido en off que acecha el cuadro y se relaciona con la imagen hasta planos en que se desarrollan secuencias de personajes sonoros que son independientes de la imagen en cuadro. Esto se nota en varias secuencias. En una funciona por contraste con la imagen, en otras sonidos de distintos pájaros se relacionan con distintos personajes.

- La estructura del relato fue pensada de forma simétrica. Hay correspondencias entre distintas partes de la película.

- Con la excepción de Irene, los personajes principales no tienen psicología, funcionan como comportamientos diversos ante la muerte. Este es un tema típico de la literatura de cuchilleros de Borges.

- La ciudad está pensada como un desplazamiento de Buenos Aires y del mismo modo el dialecto que hablan sus habitantes nunca existió, no se trata de la imitación de un habla porteña arcaica, sino de una creación ficticia que rompe el verosímil.

Lautaro Murúa y Olga Zubarry se apropian de la pantalla en cada aparición.

De lo mejor que he visto del cine argentino.

Zorba, el mayor personaje y filósofo vitalista del cine del último medio siglo.
Vivir, vivir y vivir, eso hace y dice y baila, el gran Anthony Quinn.
Qué gran hallazgo es Irene Papas; su sola mirada presente en este film la convierte en una actriz cautivante.
Película muy disfrutable, que no deja de tener un toque trágico y melancólico en las figuras de sus personajes femeninos.

Conjunto de seis episodios televisivos absolutamente sobrevalorados por gran parte de la crítica.

1. No se trata de un largometraje en sentido estricto. Los episodios no tienen más ligazón que la continuidad sucesiva dentro del celuloide. La única relación temática que se puede abstraer es, como apuntó el crítico Jorge García, la postulación de procedimientos justificativos de actos particulares de "justicia por mano propia" (expresión antinómica si las hay, pues no existe justicia en una acción reivindicativa particular que omita el sometimiento a las normas generales de una organización social).

2. Ideológicamente es un film reaccionario y misántropo, ya que postula que el hombre es el lobo del hombre y la violencia que exhibe no es liberadora ni emancipadora sino meramente egoísta, reactiva y conservadora. Los individuos actúan violentamente no organizados colectivamente en lucha contra las relaciones sociales opresoras en pos de una superación de la injusticia inherente a ese sistema, sino que actúan como lobos solitarios, violentos ante la pérdida de la comodidad pequeño burguesa que deberían tener o por odio lumpen.

3. Los episodios no acabn de ser narrativamente suficientemente ricos y complejos. El director presume de oscuridad hasta un cierto punto pero no es capaz de llevar la sseriedad de los temas que propone hasta sus últimas consecuencias; en su lugar prefiere escapar de la complejidad con chascarrillos de humor negro. Tira la piedra y luego esconde la mano.

4. En este sentido, el film no es más que un ejercicio de una impostura cínica enojosa. Pretende decir en voz alta asuntos complejos, controvertidos social y moralmente, pero luego escapa con argucias, trucos de mago y malabares a una tratamiento que debería estar a la altura de lo que propone como objeto de su discurso.

Otra película que se da aires de provocadora y no hace más que regodearse en el uso de la representación más abyecta de una violencia reaccionaria. Personas de clase media alta en ámbito de lúmpenes, todos actuando en un artificio sólo contruido para el golpe bajo.

Los cortometrajes de Scorsese y de Allen sobresalen, ambos destacándose redondamente es sus registros y géneros específicos. Coppola Sofía (intuyo que ella es la responsable casi enteramente del trabajo) decepciona a lo grande, cosntruyendo un cuento para niños snobs habitantes de hoteles de lujo, tema recurrente en sus posteriores films (Lost in translation, Somewhere e incluso maría Antonieta).

Cuánto se agradece que Scorsese y Woody se hayan tomado la labor en serio.