Me ha parecido un buen musical esta película protagonizada por Gene Kelly y Frank Sinatra, la cual fue la primera de las tres intervenciones que tuvieron en común en pantalla, después continuaron con "Llévame a ver el partido" y "Un día en Nueva York". "Levando anclas" nos cuenta la sencilla historia de dos marineros a los cuales les conceden un permiso en Los Angeles y que quieren encontrar el amor. Tenemos por una parte a un jovencísimo Frank Sinatra en su primer gran papel en el cine, haciendo de un inocente e ingenuo marinero en lo que a temas del amor y de chicas concierne. Y a su lado, el sensacional Gene Kelly, protagonizando uno de sus primeros musicales más conocidos, dando vida a un atractivo y seductor marinero que tiene que ayudar a Sinatra a conseguir el amor de una joven dama, Kathryn Grayson, una actriz de portentosa voz, que repitió con Sinatra en varias películas más, siendo su papel más destacado en "Magnolia". Además, vemos la aparición estelar del compositor valenciano José Iturbi haciendo de si mismo.

Con todos estos ingredientes y una banda sonora ganadora del Oscar de la Academia aquel año, nos encontramos con casi todos los componentes básicos de un musical clásico, partiendo del inigualable technicolor, junto con la sencillez y candidez de la historia que relata, la mayoría de las veces relacionada con el amor, junto con la buena coreografía de Gene Kelly, que quien lo conozca, ya sabes de sus habilidades y de nuevo nos ofrece una portentosa demostración de sus cualidades para el baile, la comedia y películas de este género.

En "Levando Anclas" asistimos a una de las escenas más recordadas en un musical: la del baile entre Gene Kelly y el raton Jerry. Una combinación de imagen real y dibujos animados con resultados sorprendentes, a la vez que divertidos y originales, lo que confiere a la película un visionado casi obligado de quienes gusten de los musicales.

Magnífico melodrama noir dirigido por Michael Curtiz y protagonizado por una excelsa Joan Crawford. En "Alma en suplicio", encontramos casi todos los buenos elementos que rodean a un film noir, dentro de un melodrama. La narrativa de la película, como la composición de la imagen final, desprende una sensación de fracaso latente en el estilo noir. El inicio, con ese hombre cayendo muerto, recuerda al principio de "El Crepúsculo de los Dioses", con Holden ahogado en la piscina y de esa manera se nos plantea la película. Poco a poco vamos viendo eso matices inconfundibles de la estética visual de carácter expresionista, cono son esas sombras y juegos de luces, que Curtiz sabía manejar con maestría, como ya demostró años antes en "Robín de los bosques" y "El halcón de mar". Ese principio, nos marca el camino de como se va a desarrollar la película, sucediéndose después los sucesivos flash-back que le confieren a la película mayor realismo, ayudados con la voz en off de Crawford, que da mayor subjetividad.

Crawford es una mujer sencilla, que cree vivir una vida feliz y sus dos hijas, pero poco a poco los conflictos emocionales le van afectando, no queriendo abrir los ojos la mayoría de las veces. Crawford podriamos decir que es el arquetipo femenino de un perdedor, una mujer que sufre un efecto contradictorio en la vida, ya que por una parte su vida profesional va estupendamente, pero la vida privada y personal es una constante tortura para ella. Es una mujer que es demasiado buena, que da demasiados caprichos a su consentida y caprichosa hija Veda. Esta adolescente representa la figura de femme fatale, una chiquilla que absorve económicamente a su madre para conseguir sus fines. Es fría, ambiciosa y calculadora. Sólo quiere vivir por encima de sus posibilidades y explota emocionalmente a su madre para conseguirlo. Son diversas las relaciones las que establece Crawford en la película, además de su hija: Su marido, el cual se va a vivir a la casa de otra mujer, un amigo, eterno pretendiente suyo, que la ayuda y un atractivo amante, el cual se aprovecha de ella en cuanto requiere la ocasión.

El guión está adaptado de una de las novelas de James M. Cain, autor entre otras de la excelente "Perdición" de Billy Wilder y "El cartero siempre llama dos veces", protagonizada por Lana Turner y John Garfield. Además de ese magnífico guión, la fotografía de Ernest Haller es de lo mejor que he visto en una película en B/N, francamente soberbio y una dirección de Curtiz espléndida, que nos introduce en la narración de la película sin apenas esfuerzo, despertando nuestro interés. Si os gusta el cine negro, bajo un estupendo guión, una soberbia fotografía y unas actuaciones magníficas (en especial Crawford), "Alma en suplicio" no os defraudará.

"Desde que te fuiste" fue un proyecto que David O. Selznick estuvo buscando durante meses con el cual mostrar su apoyo a la causa aliada durante la guerra. Su intención no era hacer una película bélica, sino enfocar las experiencias de esas familias que se quedaban en casa esperano al familiar. Esta basada en un libro de Margaret Buell Wilder que consiste en una serie de cartas que ella escribió mientras su marido estaba en la guerra. Trata sobre las dificultades que tuvo en mantener sola a dos hijas adolescentes así como a la soledad común a la cual han de enfrentarse mientras marido y padre está lejos. Es un melodrama que refleja la lucha en la guerra, pero la de las familias en el hogar que se enfrentaban a un futuro incierto y de constante preocupación por sus seres queridos y además, manteniendo su propio hogar como un santuario para el retorno de esos soldados, ya no solo para darles la bienvenida sino también para demostrarles que su lucha no había sido en vano. Selznick quiso darle un componente más épico a la película, realizando una revisión completa del libro, añadiendo más personajes y extendiendo los papeles de las hijas.

Selznick se esforzó mucho para completar un reparto que estuviera a la altura de la película que tenía en mente. Para el papel principal de Anne Hilton, quería a Claudette Colbert, la cual al principió rechazó el papel. Colbert había tenido mucho éxito en la comedia, ganando un Oscar por Sucedió una noche. Pero Selznick sabía que era ideal para el papel y finalmente la convenció para que fuera el corazón patiótrico de esa familia, la cabeza de familia que mantiene a todos unidos siendo valiente y vulnerable a la vez. Selznick hizo especial hincapié en reforzar a Jane, la hija mayor a quien da vida Jennifer Jones la cual se sentía un poco mayor para ese papel. Jane es una chica que va madurando mientras se desarrolla la película. Parte siendo una adolescente con muchos sueños en su cabeza, la cual caer rendida a los pies de un timorato y (tal vez en exceso) cándido Robert Walker. Curiosamente, ambos estaban casados en la vida real y se separaron durante la película. Aún así, sus escenas son las de más intensidad emotiva y las más remarcadas a lo largo de la película.

Shirley Temple fue convencida por Selznick y salió de su retiro de dos años para interpretar a la jovencísima Brig, la cual poco a poco sale de su rigidez absorbida por su personaje lleno de carisma y mucho afecto. Estos jovenes actores están rodeados de un gran elenco de actores veteranos. Joseph Cotten ofrece la presencia más simpática y encantadora como Toni, quien con sus pequeñas bromas da un carácter más distendido al ambiente de ese hogar. Hattie McDaniel es Fidelia, la criada, en un papel tópico para esta actriz pero que realiza como nadie. Monty Woolley es el irritable inquilino que se instala en casa de los Hilton. Su personaje es prácticamente el mismo que en "El hombre que vino a cenar" y que despierta enseguida nuestra antipatía hacia él y sus manias, aparte del trato que le dispensa a su nieto Billy (Robert Walker). Agnes Moorehead es la egocéntrica amiga de Anne, la cual se cree más patriótica que nadie por los actos benéficos que realiza. También hay que apuntar el breve cameo de Lionel Barrymore como el clérigo en la iglesia y su pequeño pero intenso discurso.

"Desde que te fuiste" tiene escenas memorables y perfectamente rodadas. La fotografía de Garmes Lee y Stanley Cortez es maravillosa y es usada muy hábilmente, combinando la luz y la oscuridad para evocar atmósferas muy conseguidas y en diferentes formas. En una escena en la cual Bill y Janes están el el porche, la oscuridad crea un ambiente íntimo con solo un escaso relieve de los actores. En otras escenas, Garmes y Cortez evocan sombras para transmitir un sentimiento de soledad y aislamiento, como cuando las parejas bailan en el hangar debilmente iluminado mientras sus sombras bailan con ellos como un presagio del dolo que ha de venir. Seguramente, las dos escenas más recordadas son en la estación de tren las cuales tienen un grado de emotividad muy grande, aparte de las expresionistas imagenes que aporta Cromwell, tanto en el romántico beso de la pareja con la estación de fondo como la sombra alargada de Jane cuando Bill ya se ha ido en el tren, subrayando su soledad.

Tampoco hay que olvidar la banda sonora de Max Steiner, muy notable, de hecho ganó el Oscar (el único que ganó la película de 8 nominaciones). "Desde que te fuiste" es una de las películas más finas de Selznick y de las más logradas por Cromwell, el cual rodaba los melodramas con gran soltura, como de hecho demuestra en esta película, uno de los grandes melodramas de los años 40.

Con "Dive Bomber" nos encontramos con la última película que rodaron juntos Errol Flynn y el director de orígen húngaro Michael Curtiz. Fue una de tantas películas bélicas que se hiceron sobre los años 40 para ensalzar el patriotismo de los ciudadadado de los Estados Unidos y fue rodada antes del bombardeo de Pearl Harbor. No se puede considerar "Dive Bomber" una película plenamente bélica, es más bien un drama que se desarrolla en el ejército donde un médicio encarnado por Errol Flynn investiga e intenta a averiguar que les podroce mareos y desmayos a los pilotos en pleno vuelo, en especial cuando vuelan a grandes altura y vuelan en picado. Puede que este sea uno de los papeles más atípicos en la carrera de Flynn, acostumbrados como estamos la mayoría de verlo en film más épicos, pero como ya demostraría posteriormente en "Objetivo Birmania", Flynn da el tipo perfecto como militar y además se le ve cómodo en ese papel, se le denota interés en su personaje y lo que intenta hacer. Además podemos verle lucir una variedad de trajes inmensa y en todos ellos luce espectacularmente, como con esa bata de médico, eso trajes de etiqueta, los variados uniformes militares e icnluso finalmente en ese traje presurizado. A su la do, un pedazo de actor como Fred McMurray, que años más tarde realizó su obra más conocida en la excelente "Perdición" de Billy Wilder. En "Dive Bomber" da vida a un teniente que en un principio no comparte las ideas de Flynn de mejorar las condiciones de los pilotos, pero que finalmente se convierte en conejillo de imdias en todos los experimentos, siendo de gran ayuda.

A todo esto hay que añadir unas magníficas tomas aéreas, de cazas y bombarderos, filmadas con maestría por Curtiz, que vuelve a demostrar de nuevo su versatilidad, ayudado además por una luminosa y colorista fotografía y negativo en Technicolor, que da más vida a lo que vemos. No podemos olvidar esa banda sonora de uno de los más grandes compositores de la historia, Max Steiner, que compone una banda sonora de sonoridad patriótica y militar, adecuada a lo que es el film. En definitiva, "Dive Bomber" nos narra una interesante historia, la de unos hombres que intentaron y lograron que la vida de los pilotos de aviación militar fuera más segura

Creo que la última vez que vi esta película fue hace ya más de 10 años. Fue también una de las primeras películas clásicas que vi, un clásico del cine de aventuras, además de ser la mejor versión de Robin Hood. Este Robin Hood encaja perfectamente en los arquetipo del héroe de capa y espada, ese luchador justiciero que muchos cuando hemos sido pequeños hemos soñado ser.

Resulta curioso que el primer actor en que se pensó para Robin Hodd fuera James Cagney. Hubiera sido gracioso el verle corretear vestido de verde por el bosque. Finalmente, el papel recayó en Errol Flynn. Es difícil imaginarse a otro Robin que no fuera él. Después del exitazo que supuso en 1935 “El capitán Blood”, los productores decidieron contratarle. Su elección fue acertadísima, ya que Flynn poseía unas grandes aptitudes físicas, un porte de bravura y además era guapo y con gran sentido del humor. No es que Flynn fuera un dotado actoralmente, pero su simpática presencia y sobretodo su carisma eran más que notables.

Si una palabra sirviera para definir el reparto de esta película sería “perfecto”. No hay malvados tan carismáticos como Cluade Rains, el inolvidable policía francés de Casablanca, aunque su mejor papel fue este de Juan sin Tierra, infundiéndole a su personaje maldad pero sin dejar de ser encantador y Basil Rathbone, que casi siempre hacia de malo o de Sherlock Holmes. Su presencia en la película es poderosa y potente. No podemos olvidar a la inseparable de Errol Flynn en varias películas, una Olivia de Havilland que era una auténtica belleza, emanando una luminosidad radiante en su rostro. Estos dos actores, con su presencia en la película desprendían magia.

Aunque tampoco podemos olvidar a esos otros secundarios como Alan Hale, que hace de Little John y que trabajó con Flynn en una docena de película, la potente voz socarrona de Eugene Pallette como el fraile Tuck o la comicidad y bravuconería de Melville Cooper dando vida al Sheriff de Nottingham

Filmada en Technicolor, pocas veces se ha visto un Technicolor tan vivo y brillante como en esta película. Colores muy vívidos y bonitos que incrementan la calidad de la película. Además el vestuario parece que está vivo, como si fuera un cuadro, los rojos son muy rojos y los verdes, verdísimos. Todo eso unido a unos fantásticos decorados, entrañables diría yo, con ese aspecto “acartonado”, además de una maravillosa coreografía de esgrima o esos saltos de Flynn o la buenísma banda sonora. Todos estos ingredientes hacen de “Robín de los Bosques” la, tal vez, mejor película de aventuras de la historia