Antes de empezar es mi obligación aclarar, para intentar ser objetivo, que soy un fan devoto de Pink Floyd, y supongo que esto ha influenciado en mi puntuación, pero espero que no ocurra lo mismo con la siguiente crítica. Hay que discernir entre lo que es la genial obra musical conceptual “The Wall” de Pink Floyd y lo que es su adaptación cinematográfica que hizo de ella Alan Parker. Centrándome en el disco hay que agradecer gran parte de su logro a la imaginativa de Roger Waters, al crear un disco conceptual dónde se describe el recorrido de un niño, que pierde a su padre en la guerra, y a partir de allí crece sin afecto y van siendo modelado por una sociedad con la que no comparte nada y que le usurpa la libertad. Tal personaje acaba siendo una estrella de rock, y vive atormentado por la sociedad en que vive y por sus recuerdos de infancia. Con “The Wall” los Pink Floyd hicieron una radiografía completa de la situación que se vivía en la Gran Bretaña durante el periodo de Tatcher. Sus letras son dardos sutilmente cargados de veneno dirigidos a las altas estancias de poder que rigen un país; el estado, el ejercito, y el poder judicial. El disco de Pink Floyd recoge multitud de temas dispersos que de alguna manera o otra afectan al personaje principal y que a la vez reflejan a la perfección la coyuntura de aquel tiempo. Así pues utilizando la metáfora de un muro compusieron grandes canciones sobre la guerra, la educación, la represión estatal, el surgimiento de grupos neonazis, el amor, el comercio musical y sus shows, etc. El disco también sobresale por su composición musical, sus arreglos típicamente floydianos, y por su experimentación. Sin duda una joya imprescindible de nuestros tiempos.

Por lo que refiere a la película, Alan Parker logró una acertada interpretación del disco de Pink Floyd y consiguió plasmar en imágenes todo el mundo ideado por Roger Waters. Así pues a partir de una bellas imágenes y un montaje directo y evidente logra hacer sustraer los conceptos que recogen las letras del disco. Destaca con luz propia los geniales dibujos animados que acompañan diferentes fragmentos del film para desarrollar ciertas canciones y situaciones. La animación se ciñe mucho al universo Floydiano, (incluso después se utilizarían elementos gráficos surgidos del film para sus conciertos) y destaca por su versatilidad, su sencillez grafica y a la vez llena de matices e ideas. Recuerda un poco, a nivel grafico, el modelo de los Monty Python. Sin duda resulta impagable, una de las secuencias finales en donde se cierra la película con un juicio en que resaltan todas las heridas que sufre el personaje y todo es mostrado a partir de un brillante montaje animado. A modo anecdótico contar que el protagonista esta interpretado por Bob Geldof, y de aquí se entiende que Geldof consiguiera reunir a todos los componentes de Pink Floyd, tras 20 años de ausencia, para el Live 8.

Si alguien me preguntase si Tulse Luper es un personaje real o de ficción, no podría contestar con total convicción de que se trata de un personaje de ficción, debido a su omnipresencia en la particular filmografía de Peter Greenaway. La coherencia y el falso rigor documental con la que el director inglés nos ha hablado de éste personaje desde sus primeras obras, hace que uno se sienta un tanto desconcertado al tener que discernir entre ficción y realidad.

La historia de Moab es la primera parte de la trilogía de las maletas de Tulse Luper. Greenaway elabora un filme experimental dónde comprime todas las constantes de sus anteriores filmes. La manera de abordar la película es extremadamente personal, atrevida y experimental. A nivel argumental la película se mueve entorno a las acciones del personaje Tulse Luper y su recorrido a lo largo del mundo, dónde las maletas actúan cómo símbolo de las situaciones y circunstancias que le marcan en su periplo por la historia y sus lugares.

La película juega con todas las constantes del director, que le siguen desde que se inicio en el arte del cine. Así pues algunos de sus primeros trabajos, (recogidos en un excelente DVD titulado The Early Films of Peter Greenaway) son mencionados a lo largo de la historia del film, fruto de que todo gira entorno a una misma figura, Tulse Luper, presente desde los primeros proyectos del director. En éste filme se perciben características propias del universo de Greenaway como su obsesión con lo sistemático, la naturaleza, y las conexiones de tono surrealista. Todo esto se ve reflejado en la propia película y en la naturaleza del personaje principal. Mirar si no la sistemática numeración con la que Greenaway divide la historia, las maletas y sus objetos para representar el mundo. Sin embargo lo que más perdura tras su visionado es su expresión formal

Es éste un filme de extremada complejidad formal y argumentativa con la que Greenaway se reencuentra con el universo particular de sus primeros filmes más experimentales. Es envidiable su atrevimiento formal tan deslumbrante que rompe con todos los esquemas clásicos prefijados y los no tan clásico que rigen el cine actual. El filme recoge buena parte del imaginario desbordante del director inglés, y esto a la vez juega a favor y en contra de la película. A favor al hacer partícipe al espectador de unas experiencias nuevas apoyadas por su planteamiento estético, pero a la vez lo aleja del mensaje y de la propia narrativa de la película al presentarle la historia apoyada en iconos, elementos y metáforas muy propias de su universo particular, propias de un entramado personal difícil de desvelar por el espectador, y al cuál se le escapan muchos significados por el camino. Sin duda un filme polémico y que despertará diversidad de opiniones, pero que es una buena oportunidad para observar el trabajo de un cineasta con un universo y estilo personal propio y único, lo cuál no es poco.

Estremecedora. La película de Schaffner no deja indiferente a nadie. Consigue mantener una tremenda angustia a lo largo de todo el filme a partir de unas imágenes desgarradoras y de una historia durísima. Impresionantes las magníficas interpretaciones del dúo protagonista. En especial la del papel interpretado por Steve McQueen, que es de ésos que quitan el habla a más de uno y que perduran a lo largo del tiempo en nuestras memorias.

En este guión Tarantino da rienda suelta a todas las influencias cinematográficas que le han marcado. La película de Tony Scott toma como modelo al film Malas tierras de Terrence Malick, dónde del mismo modo que ocurre en el filme comentado se nos presenta una historia de amor llena de dificultades, fuertemente marcada por un contexto de violencia extrema. Las constantes referencias a las películas de Malick traspasan la propia trama, ya que des del primer momento se nos introduce la historia con tres elementos típicamente de Malick. La película empieza con unas imágenes desoladoras de una urbe industrial y deprimida, tal y como empezaba Malick en su estupenda película “Días de cielo”. Al igual que en las dos películas de Malick anteriormente citadas, el filme de Scott empieza narrándose con una voz en off femenina. Toda esta secuencia esta barnizada por una hermosa composición musical de Hans Zimmer, siguiendo casi a la exactitud la canción de Carl Orff utilizada en Malas Tierras. La historia de Mala tierras se cuenta a partir del genero road-movie, y los personajes tienen que huir después de cometer un asesinato. Todo esto también ocurre en Amor a Quemarropa, la diferencia esta en que la historia se sitúa en un contexto más contemporáneo, y que quién los persigue son unos gángsteres, personajes inevitables en cualquier film tarantiniano. Hay un momento en que el protagonista, interpretado por Christian Slater tiene más de una similitud con el personaje Travis Bickle en Taxi Driver. Comparten vestuario, estilo y motivo. Por último la película bebe mucho de los filmes de acción made in Hong Kong, y en especial de John Woo. La obra de referencia es The Killer, sobretodo para rodar las escenas de acción. En la secuencia final hay un momento donde muchos personajes de índole diversa se apuntan entre ellos creando con ello una gran tensión, parecido a una secuencia de Reservoir Dogs. A lo largo del filme se pueden apreciar las influencias que han marcado la obra de Tarantino con tan solo apreciar las películas que miran los personajes por la televisión. Y por el tipo de cine que ama el personaje de Christian Slater, el cine Kung-Fu. Él frecuenta el cine para ver películas de Sony Chiba, actor utilizado en Kill Bill a modo de homenaje.
Mención aparte se merece la creación de los personajes, su sensacional reparto y sus impresionantes interpretaciones. Hay que alabar la magistral secuencia entre Christopher Walken y Dennis Hopper, donde el primero de ellos sobresale con maestría propia, dotando a un personaje de poco metraje de un recuerdo para el espectador de difícil olvido.
En definitiva el filme logra explicar una bonita historia de amor que tiene que sobrevivir a la persecución de unos gángsteres por culpa de una casualidad. Toda este esquema clásico se mezcla con toques tarantinianos, con una violencia visceral y con ciertas influencias comentadas que dotan a la película de un aire diferente logrando subir el nivel global.

Filme altamente efectivo en relación con su pretensión de mostrar el horror y las atrocidades ocurridas años atras en Ruanda. La obra está planteada y realizada para lograr la máxima empatia con el espactador, y esto lo consigue a través de la manipulación discursiva de ciertos momentos por los que pasa su protagonista, magníficamente interpretado por Don Cheadle, y evitando en cierto grado el recurso de mostrar escenas explícitas del genocídio ruandes. Sin embargo, para apelar a la emoción utiliza la recreación de situaciones realmente sobrecojedoras. Con esto Terry George logra de lleno el objetivo de emocionar al espectador con una historia dura y descarnada. Y tiene el valor añadido de lograrlo a partir de mostrar unos hechos reales, terribles, desconocidos y olvidados por la gran mayoría. Todo y que el filme solo cuenta una pequeña parte de la barabrie acometida durante años a lo largo y ancho del continente africano, el solo hecho de contar un trozo de esa realidad tan olvidada, hace que adquiera un valor especial para mí.