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Críticas de Isaac Paskual
Críticas ordenadas por:
The Boy
The Boy (2016)
  • 5,3
    5.946
  • Estados Unidos William Brent Bell
  • Lauren Cohan, Rupert Evans, Ben Robson, Diana Hardcastle, ...
4
The boy
Que estupenda resulta “The boy” cuando, durante su clímax final, abraza sin pudor “El sótano del miedo” (Wes Craven, 1991). Y que pereza cuando, durante el resto del tiempo, se contagia sin vergüenza de la primera "Annabelle" (John R. Leonetti, 2014). Por desgracia, ese soplo de aire fresco del último acto llega demasiado tarde, ya sin tiempo material para arreglar el desaguisado que es la cinta. William Brent Bell nos entrega un infame telefilm vespertino, completamente inefectivo como cinta de terror a pesar de poseer una interesante semilla y un fondo de armario seductor, muy a lo Nicholas McCarthy en “El pacto” (2012), con el incomodo peso de la herencia familiar como hilo conductor.
Greta es una joven que, huyendo de su pasado, recala en una antigua, apartada y enorme mansión inglesa para hacer de niñera. Lo que no sabe aún es que Brahms, el crío al que debe cuidar, es en realidad un muñeco.
Como podrán comprobar, la base de “The boy” es un absoluta delicia bizarra que, llevada por los cauces correctos y siendo dotada de un tono acorde a lo ilógico pero perturbador de su planteamiento, podría haber sido un absoluto placer. El problema es que William Brent Bell y el guionista nunca hacen nada de lo anterior.
“The boy”, en vez de entregarse a la causa del absurdo, opta por tomarse demasiado extrañamente en serio a si misma. A esa falsa magnanimidad hay que sumarle los continuos esfuerzos que hace la cinta por ser más un telefilm romántico de redención que una cinta de terror. No hay atmósfera, cosa que se pintaba de maravillas. No hay un solo jumpscare efectivo. Narrativamente, a excepción del plot twist final, todo es bastante previsible. En fin, que se les va de las manos el asunto.
Es evidente que en “The boy” William Brent Bell ha jugado a ser una mezcla entre James Wan y el antes citado McCarthy, pero el tiro le ha salido por la culata.
En definitiva, planteamiento y recta final son lo más salvable de “The boy”. Todo lo del medio es un absoluto desperdicio que condena la película.
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Byzantium
Byzantium (2012)
  • 5,9
    5.584
  • Irlanda Neil Jordan
  • Saoirse Ronan, Gemma Arterton, Sam Riley, Jonny Lee Miller, ...
4
Byzantium
Puedo decir con exclamaciones, y muchas, que “Byzantium” es la película más decepcionante que me he llevado a la boca en bastante tiempo.
Neil Jordan nos entrega en “Byzantium” una petulante, artificiosa e irritante historia de vampiros, con sobredosis de existencialismo barato, que peca de creerse que descubre o reinventa la rueda. Los eternos temas de chupasangres, tales como la soledad o la incomprensión, son empacados aquí a modo de rimbombante drama victoriano a lo Charlotte Bronte. Y todo ello con una realización excesivamente calculada en la que parece que cada plano tiene que ser historia del cine.
Eleanor y Clara son dos vampiresas en continua huida. De ciudad en ciudad y de hogar en hogar, cual nómadas. El pasado las persigue, al igual que su condición. En la última localidad en la que arriban, Clara decide convertir un destartalado hotel en un local de citas. Con el beneplácito de su dueño, un tímido cincuentón al que conoció prostituyéndose. Eleanor no comulga mucho con la forma de vida que ha escogido Clara para salir adelante, pero tiene que tragar. Su vagabundeo por las calles del lugar desemboca en amistades con los lugareños, lo que les acarreará problemas a ambas.
“Byzantium” alterna ese presente con el pasado de nuestras protagonista, cual puzle que se va recomponiendo. De manera que dada su narrativa fragmentada la intriga funciona decentemente. Los misterios van revelándose poco a poco y de manera solapada, haciendo que el interés del espectador vaya en aumento a medida que se desarrolla la sinopsis. Ahora bien, lo que te mata son las formas del producto. Neil Jordan y la guionista se sobran, lo que condena al film.
Y es que, a la postre, no solo la trama era relativamente seductora. Yo venero bastante a Gemma Arterton, y en “Byzantium” se ofrece lasciva y desalmada, casi como salida de un exploit erótico-vampírico de Jess Franco. Pero Neil Jordan y compañía la desaprovechan. ¿Es tarde para exigir un spin-off de ese personaje dirigido por Eli Roth?... Por la cinta también pulula Saoirse Ronan, reforzando el plano actoral. Esta habita un personaje de esos que le van como anillo al dedo. En los que se ha encasillado, por cierto. Pero es que a mi la Ronan y sus personajes tipo cada vez me empalagan más, y si encima les pones ese fondo de magnanimidad que le han puesto aquí, pues ya apaga y vámonos.
En definitiva, al margen de Gemma y de alguna imagen poderosa, poco más hay en “Byzantium”.
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Tienda de unicornios
Tienda de unicornios (2017)
  • 4,9
    1.479
  • Estados Unidos Brie Larson
  • Brie Larson, Samuel L. Jackson, Joan Cusack, Bradley Whitford, ...
6
Tienda de unicornios
Lo primero de todo, bravo Brie Larson por tener los ovarios para debutar en la realización con esta bizarrada llamada “Tienda de unicornios”. Luego la película podrá gustar más o menos, tendrá tal fallo o tal acierto, y se le podrá achacar lo que ha tardado en merecer distribución. Sí, todo lo que queráis. Pero pudiendo haber debutado con una historia más genérica y menos arriesgada, que Larson haya escogido esta pequeña locura me parece digno de aplauso. ¡Viva el valor!
“Tienda de unicornios” nos narra la historia de Kit, una casi treintañera que ve como su sueño de juventud de ser artista se trunca. Ahora no le queda otra que terminar volviendo a casa de sus padres, y sin un futuro claro en el horizonte. Kit se debate entre mantenerse en sus trece a cambio de disgustar a sus progenitores, o hacer lo que ellos quieren únicamente para complacerles. A partir de aquí Brie Larson arma el film como una especie de onírico y fantasioso tratado sobre ese animal mitológico llamado madurez.
“Tienda de unicornios” es de esas películas de dejarse llevar sin miramientos. Si entras en ella de buenas a primeras, perfecto. Ahora bien, como no entres, ya no hay posibilidad de arreglo. Su tono, por momentos infantil, derivado de la forma de ser de su protagonista y de su inmadurez, será el mayor obstáculo que esgriman todos los que no entren en el film. Para mi no fue un problema, pero entiendo a quienes lo vean como tal. Si te dejas llevar hay momentos de absoluto éxtasis bizarro. La presentación de la aspiradora es gloriosamente demencial, en el buen sentido. O algunas lineas de dialogo de Samuel L. Jackson, dulzonas frases que jamas imaginaríamos ver salir por su boca, más acostumbrada al ´motherfucker´ de turno.
Aunque al final si es cierto que todo el producto puede resultar demasiado derroche para un mensaje final tan sencillo y manido. Eso no lo niego.
Visualmente Brie Larson también se ha arriesgado bastante con la propuesta, aunque al final puede que ese exceso le haya terminado dominando a ella, fruto de su evidente inexperiencia. Este film con un Wes Anderson a los mandos habría sido bastante mejor, eso es indudable. Esos joviales juegos de luces, esos decorados coloridos y llamativos, esos estilismos chillones… En fin, bravo Brie Larson, aunque la bestia te haya terminado corneando ligeramente.
En resumidas cuentas, entren sin pudor en esta “Tienda de unicornios” que propone Brie Larson. Ella la montó también sin pudor.
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Gernika
Gernika (2016)
  • 4,5
    2.054
  • España Koldo Serra
  • María Valverde, James D'Arcy, Jack Davenport, Burn Gorman, ...
5
Gernika
“Gernika”, segundo largometraje del vasco Koldo Serra, utiliza la tragedia de 1937 para armar una especie de tratado sobre el significado del periodismo en general y en tiempos de guerra en particular. También habla sobre el amor, e incluso sobre la estupidez del ser humano; pero estos sentimientos, además de obvios y toscos, quedan muy deslucidos por la impersonalidad del producto.
En lo puramente cinematográfico “Gernika” es un film que va de menos a más. Al principio cuesta bastante engancharse a la historia. La cinta te presenta a unos personajes enclavados en un poderoso y diferenciado marco, pero te los presente de aquella manera, sin alma. A lo que tampoco le beneficia la frialdad del reparto principal, transmiten mucho más los secundarios que el trío protagonista. Dicho esto, estaréis de acuerdo conmigo en que María Valverde es una pésima actriz, ¿no?…
A medida que va desarrollándose la historia, y los personajes van abriéndose, es más fácil ir entrando en el lote que propone Serra, pero cuesta un rato y eso puede ser un serio problema. Ahora bien, una vez que sabes de que palo va cada uno y te haces a ellos, todo va bastante rodado. Aunque todo sigue resultando obvio y tosco. Hasta desembocar finalmente en su vistoso y bien empacado tercer acto, abrazando sin pudor el cine de destrucción hollywoodiense más Roland Emmerich o Michael Bay. Queda patente que en “Gernika” había un equipo técnico, y casi que artístico, más preparado para la acción y el espectáculo que para el intimismo y los sentimientos sutiles.
Aparcando lo puramente cinematográfico, “Gernika” me ha dejado una gran duda que se va dividiendo en otras más pequeñas, a modo de Matrioska rusa. ¿Por qué se ha concebido el film de la manera que se ha concebido?…
En primer lugar, me molesta moderadamente que una historia tan patria y personal como esta se conciba como una producción internacional. La tragedia de Gernika, además de ser un episodio poco abordado por nuestro cine, es un suceso muy nuestro. Así que no entiendo a cuento de que su enfoque internacional, rodando en inglés y con varios actores principales extranjeros. ¿No había actores españoles para esos papeles, al margen de que los personajes sean de varias nacionalidades?… Si quieres rodar en inglés, hazlo. Pero lo de que me metas a actores de fuera me molesta bastante. Y si lo vas a hacer, pues hazlo bien. Mete a actores de primera o segunda fila, no a los peleles de James D´Arcy o Jack Davenport. Porque al final, el meter actores de fuera sirve para vender tu producto más allá de tus fronteras. Pero ¿de verdad creen que D´Arcy o Davenport venden mucho?… En fin, no entiendo nada.
En resumidas cuentas, ese excesivo déficit general de alma y carisma que habita en “Gernika” hace que te plantees cuestiones secundarias del film que quizás no debieras plantearte. Al final el reparto es tan sosito y la trama tan cliché que te quedas en lo visual y basta.
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John Wick: Pacto de sangre
John Wick: Pacto de sangre (2017)
  • 6,4
    15.483
  • Estados Unidos Chad Stahelski
  • Keanu Reeves, Riccardo Scamarcio, Common, Ian McShane, ...
7
John Wick (Pacto de sangre)
Creo que no cabe ninguna duda de que “John Wick (Pacto de sangre)” es bastante más autoconsciente de lo que maneja entre manos que su buena y más humilde predecesora “John Wick” (Chad Stahelski, 2014). Si en aquella el bueno de Wick iba contra medio mundo, ahora es ese medio mundo el que va contra Wick. Y prepárense porque en la próxima entrega el ´medio´ desaparece, pasando a ser el mundo entero contra Wick. Esa autoconsciencia por parte de Stahelski y Derek Kolstad, el guionista, no se si convierte “John Wick (Pacto de sangre)” en una cinta mejor que su predecesora, pero si desde luego la hace más disfrutable, ambiciosa y entregada a la causa.
“John Wick (Pacto de sangre)”, al igual que la de 2014, es un actioner que parece salido de fusionar la acción descarnada y coreografiada del primer Gareth Huw Evans o de Timo Tjahjanto, con un marcado estilo visual a lo Nicolas Winding Refn. Y a ello se lanza sin ningún tipo de pudor Chad Stahelski.
Una de las virtudes que hacen, como poco diferente, “John Wick (Pacto de sangre)” es el microcosmos que la rodea. Algo que ya se insinuó en su predecesora pero que aquí, debido a esa autoconsciencia de la que tanto estoy hablando, se convierte casi en la reina de la fiesta. Acción frenética y bien realizada aparte, ese seductor y ambiguo universo de sicarios que plantea la saga es el que sirve de inesperado y gratificante gancho, aunque se te venda la acción a tal respecto. Queda patente que esta franquicia en general y “John Wick (Pacto de sangre)” en particular es cine actioner con una estupenda labor de guion, para variar.
Que decir del carisma y la fuerza del personaje protagonista, con un Keanu Reeves que ha encontrado su gallina de los huevos de oro, para beneficio suyo y del espectador. Rodeado por buenos secundarios, dicho quede.
En fin, “John Wick (Pacto de sangre)” alza el listón colocado ya de por si a un buen nivel por su anterior entrega. De lo mejor del cine de acción del siglo XXI, y con cuerda para rato.
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Un profeta
Un profeta (2009)
  • 7,5
    23.581
  • Francia Jacques Audiard
  • Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, ...
7
Un profeta
Prosigo saldando deudas cinéfilas, como yo las llamo. Diez años he tardado, aunque en verdad me han parecido menos, en enfrentarme a la obra que catapultó a Jacques Audiard. Como pasa el tiempo, ¡maldita sea!
Buen drama carcelario “Un profeta”, cinta que confirmó al cineasta francés, gran premio del jurado en Cannes mediante. Aunque la película no me ha apasionado, que conste. Cosa que quizás esperaba. No se si erróneamente o no, pero lo esperaba.
Indudablemente “Un profeta” no descubre nada nuevo. Esta rotunda y sólida historia de Malik, un franco-árabe que ingresa en prisión para cumplir una pena de seis años y allí inicia un viaje casi de autodescubrimiento, no ofrece nada que no hayamos visto antes ya en este tipo de historias.
A la postre la mayor virtud del film es la de presentar para el gran público, y al mismo tiempo encumbrar, a su realizador. La marcada personalidad de Jacques Audiard queda impresa en todo momento durante las casi dos horas y media de metraje de “Un profeta”. A mi particularmente hay un par de recursos que me han encantado. El del fantasma es brutal. Aunque en si no es una invención de Audiard, sino más bien una reutilización. Aunque, al igual que digo esto, puedo asegurar que conectar de buenas a primeras con el estilo de Audiard no es sencillo.
A este film también le sucede que es de esos que gustan más en frío y con reposo que en caliente. Yo, con el paso de los días, le voy teniendo más aprecio, voy penetrando más y más en su gélido corazón.
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El laberinto del fauno
El laberinto del fauno (2006)
  • 7,3
    116.291
  • España Guillermo del Toro
  • Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Doug Jones, ...
10
El laberinto del fauno
“El laberinto del fauno” es la perfecta sublimación de la esencia Guillermo del Toro. Es la obra mediante la que el cineasta mexicano hubo de haber logrado reconocimiento internacional, premios mediante. Y nacional también, si me apuran. Al final fue “La forma del agua” (2017), casi una década más tarde, la que se benefició de dicha ausencia de reconocimiento. No injustamente, por descontado. Pero no puedo dejar de pensar que al final fue peor el remedio que la enfermedad.
El poderoso y personal imaginario fantástico de Guillermo del Toro convertido en inesperada vía de escape a una cruel y despiadada realidad que nos ha sido impuesta. Monstruos y monstruos mitológicos se entremezclan acechando a inocentes. La realidad convertida en fabula para obrar una magnífica vuelta de tuerca a la guerra civil española que solo del Toro podía entregar. Un film equilibrado, conmovedor y fascinante a partes iguales, descarnado y atroz pero absolutamente bello. Una obra única.
De la infinidad de cosas que me asombran de “El laberinto del fauno”, hay una que siempre me maravilla. La capacidad del director mexicano para lograr que una historia vista desde el prisma infantil y cándido de un cría logre personificarse en un film tan adulto como este.
No hay un solo ámbito de “El laberinto del fauno” que cojee. Iba a desglosar todos esos ámbitos acompañados de uno o dos adjetivos, pero para que. A buen entendedor pocas palabras bastan.
Este segundo acercamiento de Guillermo del Toro a la iconografía española tras "El espinazo del diablo" (2001), y definitivo a día de hoy, es sencillamente grandioso. La mejor película del cineasta mexicano en este momento. El futuro veremos hacia donde le lleva, pero el listón está alto.
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En el corazón del mar
En el corazón del mar (2015)
  • 6,2
    13.942
  • Estados Unidos Ron Howard
  • Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, ...
7
En el corazón del mar
"En el corazón del mar" mezcla, con bastante buen pulso y acierto, esa fantasía de kaijus abisales al estilo de la saga "Piratas del Caribe" con ese realismo de los relatos de marinería a lo "Master and commander" (Peter Weir, 2003), ofreciendo un buen y sólido híbrido.
A todas luces la cinta de Ron Howard se la pegó en taquilla, cosa para la que hay una evidente explicación. El público prefiere vivir más cerca de la fantasía que del realismo, y "En el corazón del mar" es justo lo contrario. Más realismo que fantasia. A la gente le pones en un trailer un monstruo marino descomunal y ya se piensan que van a ver una kaiju movie de manual; y cuando no lo es llegan las decepciones. Dicho lo cual, a mi me ha satisfecho bastante la cinta de Howard.
"En el corazón del mar" nos relata la odisea del Essex, un barco ballenero a la caza de aceite de cachalote que, a mediados del siglo XIX, vivió un oscuro episodio. Aventura que inspiró la novela «Moby Dick». A partir de ahí Ron Howard construye una película entretenida, apasionante y con fondo. Épica, acción marítima muy bien filmada, supervivencia extrema, canibalismo y megacachalotes vengativos, se dan la mano en una obra con claro trasfondo de fábula pro madre naturaleza. Gaia contra el ser humano en su viciado afán de dominio total. En la relación entre el capitán del barco y su primer oficial también reside un noble mensaje.
Todo ello aúpa un film que, visualmente, no hay nada que reprocharle. Algo a lo que Ron Howard nos tiene acostumbrados.
En verdad, la parte que más puede devaluar "En el corazón del mar" es todo lo concerniente a Brendan Gleeson y Ben Whishaw. Es una parte que se antoja relativamente innecesaria, aunque al final intenten disfrazarla con una moraleja.
En definitiva, me posiciono rotundamente a favor de "En el corazón del mar".
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Emboscada final
Emboscada final (2019)
  • 6,1
    3.324
  • Estados Unidos John Lee Hancock
  • Kevin Costner, Woody Harrelson, Kathy Bates, Kim Dickens, ...
5
Emboscada final
Lo que podría haber sido un, no se si bueno, pero si al menos interesante film, acaba convertido en un paupérrimo e insulso trámite burocrático. Eso es “Emboscada final”. Traducido esto al lenguaje de hoy en día de redes sociales, diríamos que: empadronarse en una nueva ciudad >>> “Emboscada final”.
John Lee Hancock, bajo el amparo de Netflix, nos entrega un thriller de espíritu sobrio y clásico sobre la persecución de Bonnie & Clyde, fruto del que te entrarán más ganas de ser los propios Bonnie & Clyde que los Rangers protagonistas que les perseguían.
Tras haber sido disuelto su cuerpo, dos ex Ranger de Texas son reinstaurados, a regañadientes, por la gobernadora del estado, como último recurso para frenar en seco a Bonnie & Clyde. Dos criminales que se han ganado el beneplácito del pueblo. Y a ello que se ponen Frank Hamer y Maney Gault, en una persecución contrarreloj y casi al margen de la ley. A partir de aquí el realizador de Texas elabora un thriller más interesado en la camaradería entre estos dos veteranos Rangers que en la acción. Casi toda la película es un continuo, pausado y crepuscular procedimental teñido de bromas, dentro del tono solemne del film, sobre lo mayores y cascados que están Kevin Costner y Woody Harrelson. Y entre anécdota y deducción policial te puedes echar algún que otro microsueño para darte cuenta, al despertar, que no te has perdido nada.
Que “Emboscada final” tiene una duración excesiva, no creo que nadie lo vaya a poner en tela de juicio. Pero es que repasas la filmografía de John Lee Hancock y compruebas que debe tenerle tirria a las cintas de menos de ciento veinte minutos. El problema es que a veces funciona mejor y otras peor. Este film es del segundo grupo. El sabernos el desenlace de la historia no ayuda, para que ocultarlo.
Resulta que estos días me estoy releyendo «El resplandor», de Stephen King. Su protagonista, Jack Torrance, tiene la costumbre de pasarse un pañuelo por los labios constantemente. Pues me ha resultado muy llamativo como el personaje de Kevin Costner en “Emboscada final” tiene la misma manía. Se pasa toda la cinta pasándose un pañuelo por los labios. Imagino que sera casualidad, pero me ha llamado la atención. A falta de pan, buenas son tortas. Como la película muy evocadora no es, pues me ha dado tiempo a prestarle atención a esas minucias que no le importan a nadie.
En definitiva, a veces lo aburrido y lo malo van de la mano, otras veces no. “Emboscada final” roza lo mortecino continuamente, pero mala no es en realidad.
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Nuestra hermana pequeña
Nuestra hermana pequeña (2015)
  • 6,9
    2.867
  • Japón Hirokazu Koreeda
  • Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Kaho, Suzu Hirose, ...
7
Nuestra hermana pequeña
Tras la excelente "De tal padre, tal hijo" (2013), he de admitir que "Nuestra hermana pequeña" me ha supuesto un ligera decepción. Dentro de todo lo que puede decepcionar una película de Hirokazu Koreeda. No se si ha sido culpa mía, por ir con las expectativas demasiado altas, o ha sido culpa del film, que en verdad habita algún escalón por debajo de lo mejor del cineasta japones. Pero he salido algo taciturno de él.
Koreeda prosigue su radiografía a la familia en "Nuestra hermana pequeña". Un muy sutil drama sobre esos errores del pasado, ajenos a nosotros, que con el paso del tiempo acabamos purgando erróneamente como propios.
Tres hermanas, en el funeral de su padre, descubren que tienen una hermanastra adolescente. A su vuelta del entierro deciden invitarla a vivir con ellas, hecho que irá desenterrando viejos fantasmas familiares. Esta trama se termina rebelando como un caramelo demasiado pequeño para un envoltorio tan grande. La parte reflexiva de "Nuestra hermana pequeña" es tan tenue y leve que termina resultando poca cosa para las dos horas de película que nos entrega Koreeda. Yo hubiera cambiado muchas escenas meramente descriptivas por algo más de fondo, aunque hubiera perdido sutileza el conjunto por ello.
Las características de Hirokazu Koreeda como cineasta se mantienen a la perfección en "Nuestra hermana pequeña", tanto para bien como para mal. Nunca termino de empatizar con lo introspectivos de sus personajes, eso de que en vez de sangre por las venas les circule horchata no termino de verlo. En el lado opuesto he de admitir que el realizador te mete a la perfección en sus historias, aquí eres casi un hermano más.
En resumidas cuentas, "Nuestra hermana pequeña" no está al nivel de lo mejor del realizador japones, pero aun así sigue teniendo un gran nivel. Gusta más en frío que en caliente, eso si.
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Cars 3
Cars 3 (2017)
  • 6,0
    3.992
  • Estados Unidos Brian Fee
  • Animation
7
Cars 3
Nunca he sido un gran devoto de la saga “Cars”. De hecho, si me preguntan cuál es mi franquicia menos preferida de Pixar, muy posiblemente dijese esa. Lo que no evita que aprecie sus virtudes, eso sí. Una cosa no quita la otra.
En “Cars 3” la compañía del flexo y Rayo McQueen se marcan un Rocky Balboa en “Creed, la leyenda de Rocky” (Ryan Coogler, 2015) en toda regla. El competidor se transforma en entrenador en un «quien entrena a quien» de manual. Todo ello con la inconfundible bandera del feminismo ondeando fuertemente al viento, y esa agria melancolía que produce la añoranza a lo perdido o a lo nunca logrado como maduro timón.
A partir de ahí Brian Fee arma un film que va de menos a más. Durante toda su primera mitad no veía muy claro el objetivo de “Cars 3”, más allá del de postergar una saga multimillonaria. Pero por fortuna de mitad en adelante los ases se ponen sobre la mesa y queda claro que sí hay un objetivo. De hecho, creo que al final hasta me ha convencido más esta tercera entrega que su insípida predecesora.
Visualmente me quito el sombreo con Pixar por enésima vez. Si no fuera porque los coches del film tienen ojos y boca, hay planos que sería verdaderamente imposible diferenciar si es animación o imagen real. Hay paisajes que son un auténtico lujo, en letras mayúsculas. De verdad, podría haberme quedado a vivir en cualquiera de ellos.
A pesar de que “Cars 3” sea de los trabajos más endebles de Pixar, dentro de su habitual excelencia incluso en lo endeble, hay cosas que dejan en pañales a gran parte de la animación mainstream que se hace. Abordar temas tan adultos como la muerte, o disfrutar con conversaciones de más de un minuto, son hechos que hacen que se me salten las lágrimas.
En definitiva, no sé si “Cars 3” será el cierre a la saga de los coches parlanchines. Con Pixar últimamente nunca se sabe. Pero si fuera el cierre, no sería un mal cierre. Y lo dice un no muy devoto de la saga. El devoto seguramente lo goce más.
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Hellboy 2: El ejército dorado
Hellboy 2: El ejército dorado (2008)
  • 6,0
    39.891
  • Estados Unidos Guillermo del Toro
  • Ron Perlman, Selma Blair, Doug Jones, Luke Goss, ...
9
Hellboy (El Ejército Dorado)
Definitivamente “Hellboy (El Ejército Dorado)” no es mejor que “Hellboy” (2004), pero tampoco peor.
Guillermo del Toro se abre en canal, más aún si cabe que en su genial predecesora, para entregar una catártica secuela, menos sutil y más libre, en la que todo y todos evolucionan. Los personajes, sus sentimientos y motivaciones, la imaginería fantástica y el espectáculo visual más placentero. El principal inconveniente de “Hellboy (El Ejército Dorado)”, que no defecto, es que la pirotecnia fantasiosa oculta en no pocas ocasiones los aspectos dramáticos del film. Cosa que confundirá a más de uno.
Un príncipe elfo está harto del ser humano. En su vengativa cruzada contra el autodenominado dominador del planeta, está a punto de despertar a un vetusto y olvidado ejercito de robots que habita bajo tierra. Mediante esta inocente, aunque no por ello menos profunda o desnudada de simbolismo trama, el cineasta mexicano y Mike Mignola desatan su furia fantasiosa, para mayor gozo del entregado a la causa.
Es imposible no rendirse a “Hellboy (El Ejército Dorado)”, un cíclico in crescendo de delirio monstruoso que derrocha ingenio. Todo ello oculta a veces la verdadera profundidad de un film en el que todos los personajes y sus arcos dramáticos evolucionan. La soledad e incomprensión del diferente sigue muy presente, pero en esta secuela resulta más palpable la ceguera de la sociedad.
En “Hellboy (El Ejército Dorado)” también se refuerza ligeramente el tono jocoso de gran parte de los personajes, quedando más en evidencia aún que en su predecesora la sana vocación diferenciadora del film respecto al material base de Mignola. Subrayado más aún si cabe en la versión doblada al español. Hay escenas verdaderamente estupendas, por ejemplo: la de la borrachera de Abe Sapien y Hellboy con el amor como hilo conductor. Escena que puede parecer una tontería, pero que tiene más profundidad de la que aparenta.
“Hellboy (El Ejército Dorado)” es absolutamente deudora de "El laberinto del fauno" (2006), en mitología y diseño de criaturas. Se nota que Guillermo del Toro amplió aquí lo mostrado en aquella. En esta secuela reside también la inconfundible semilla de "Pacific rim" (2013).
En resumidas cuentas, lo peor de “Hellboy (El Ejército Dorado)” llegó cuatro años antes bajo el título de “Hellboy”.
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Hellboy
Hellboy (2004)
  • 6,0
    58.255
  • Estados Unidos Guillermo del Toro
  • Ron Perlman, Selma Blair, Rupert Evans, John Hurt, ...
9
Hellboy
Igual hacia trece años que no veía "Hellboy", así que casi como que la he visto por primera vez. Sensación que no buscaba, pero que he encontrado. No se si en aquella ocasión lo dije, pero por si acaso lo digo ahora. ¡Qué buena es!
Cuenta la leyenda que, tras los buenos resultados de "Blade II" (2002), al por entonces aún desconocido pero en alza Guillermo del Toro, Hollywood le planteo dos vías. Ponerse al frente de la tercera entrega del cazavampiros de Marvel, o encargarse de su ansiada adaptación del demonio rojo creado por Mike Mignola en 1993. A día de hoy nadie osa poner en tela de juicio que el cineasta mexicano tomo la senda adecuada, en beneficio del cine en general y del de superhéroes en particular.
También se dice que, en un principio, los productores de "Hellboy" le sugirieron a Guillermo del Toro que el personaje protagonista no fuera de color rojo, que no tuviera cuernos ni cola y que, además, fuera un humano que solo se transformaba en demonio cuando se enfadaba. Por fortuna el realizador no cedió.
"Hellboy" es una de las cintas que empezaron a iluminar la senda por la que avanzaría el mejor cine de superhéroes durante el siglo XXI, a rebufo de las "X-Men" de Bryan Singer o de las "Spider-Man" de Sam Raimi.
Siempre me asombrará el magnífico equilibrio que halló Guillermo del Toro entre el imaginario fantástico de tintes lovecraftnianos más vistoso y disfrutable, y la carga dramático-existencialista. Aquí, lo mismo gozamos atizando monstruos que sufrimos por amor, o por la condición de nuestros protagonistas y el sentido de la vida. La soledad e incomprensión del diferente siempre ha sido bandera en la obra del cineasta mexicano, y "Hellboy" es una de las cintas de su filmografía en la que más remarcado queda ese fondo.
El Hellboy de Ron Perlman me encanta, es puro carisma. Perlman, ayudado por un sólido guion, hizo suyo el personaje. Guillermo del Toro, con el beneplácito de Mike Mignola, suavizó el tono violento de los cómics originales en pos de no hacer un simple y barato copia y pega. Aunque la oscuridad y el misticismo si se mantuvieron, signos muy del mexicano.
En resumidas cuentas, lo peor de "Hellboy" llegaría cuatro años después bajo el titulo de “Hellboy (El ejército dorado)”.
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Ya no me siento a gusto en este mundo
Ya no me siento a gusto en este mundo (2017)
  • 6,1
    6.326
  • Estados Unidos Macon Blair
  • Melanie Lynskey, Elijah Wood, David Yow, Jane Levy, ...
7
Ya no me siento a gusto en este mundo
Hace no mucho Netflix rescató la ópera prima de Jeremy Saulnier, “Murder party” (2007), y antes hizo lo propio con la de su compinche habitual, Macon Blair. Algún día habrá que agradecerle estos pequeños gestos a la plataforma, una de sus principales virtudes a mi parecer.
Se nota muchísimo de que escuela proviene Macon Blair. Mucho de “Blue ruin” (2013) o de la antes citada “Murder party”, y del cine de Jeremy Saulnier habita en “Ya no me siento a gusto en este mundo”, debut de Blair en el largometraje.
Ruth es una auxiliar de enfermería que empieza a estar harta del mundo que le rodea, peligrosamente falto de humanidad. Un inesperado robo en su vivienda, y un cuerpo policial inoperante, prenderán la mecha de esta fortuita heroína, dando así comienzo a este pequeño pero buen thriller urbano indie, en clave de gustosa comedia negra, que funciona casi como apéndice de la “Relatos salvajes” (2014) de Damian Szifron.
Una de las principales virtudes de “Ya no me siento a gusto en este mundo”, y por consiguiente de su director, es su capacidad para sacar mucho jugo de relativo poco contenido. La semilla de la cinta es minúscula, dos personajes resolviendo un robo y haciendo justicia. Pero esa idea Macon Blair la estruja y vuelve a estrujar siendo capaz incluso de llevarla por derroteros que no te esperas. Con los personajes del film sucede igual. Blair los va plantando, cual fichas de ajedrez, pero en ningún momento puedes imaginar el verdadero juego que van a dar al final cada uno de ellos. Incluso ese peón apartado de la acción principal va a tener importancia, aunque no lo parezca. Y al final todo ello explota en un estupendo, cafre e imprevisto tercer acto. Una guinda al pastel llena de locura y mala baba que acrecenta la negrura del relato.
En definitiva, he disfrutado “Ya no me siento a gusto en este mundo” con una continua sonrisa de placer en la cara. Gran y esperanzador debut.
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Joy
Joy (2015)
  • 5,8
    14.626
  • Estados Unidos David O. Russell
  • Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Bradley Cooper, Isabella Rossellini, ...
6
Joy
Nunca he sido un gran defensor de David O. Russell. Nuestra relación es tibia, y punto. Y he de decir que “Joy” no será la cinta que me haga cambiar de bando.
Joy es una sufrida madre de familia que soporta sobre sus hombros demasiado peso. Unos padres siempre a la gresca, dos hijos, un ex-marido que se niega a marcharse de casa, y una hermanastra con la que mantiene tensa relación. Pero Joy no sabe que está a punto de convertirse en una de las reinas de la televenta, gracias a un invento revolucionario para el hogar que será el primero de muchos.
Con este planteamiento de sitcom David O. Russell desarrolla un film en el que, de forma tosca, el sueño americano y el empoderamiento femenino en tiempos adversos se abrazan, para dotar de carga este biopic en el que el cineasta de New York usa el mismo molde que lleva usando durante la última década.
Si repasamos la filmografía reciente de O. Russell comprobaremos que todos sus trabajos están cortados por el mismo patrón. Un personaje central que va variando, rodeado por una familia peculiar, enclavado todo en un marco llamativo que también va variando, y todo ello con evidente tono de dramedia. Pero lo fácil es rajar del molde de Marvel y compañía.
En “The fighter” (2010) prota y familia en el mundo del boxeo, en “El lado bueno de las cosas” (2012) prota y familia con las enfermedades mentales de fondo, en “La gran estafa americana” (2013) protas y familia (entre comillas) en la política, y ahora en “Joy” prota y familia en la televenta. Lo malo de los moldes, al margen de depender en exclusividad del marco, es que, a medida que pasa el tiempo y te los vas conociendo, cada vez te funcionan menos. Y ya ni te cuento si de buenas a primeras no conectas con ellos, entonces todo va cuesta abajo. Dentro de ese molde “Joy” no resulta mala película, pero no llega al nivel de mi favorita, “El lado bueno de las cosas”.
Como realizador David O. Russell nunca me ha parecido gran cosa, y en “Joy” no varía el asunto. Conectar con el tono de sus films es relativamente sencillo, y eso los hace cómodos de ver. Pero no hay que confundir algo cómodo con algo bueno. La dirección de actores es en realidad la única virtud que destaco de O. Russell, y aquí sigue funcionando.
En definitiva, la cadena de montaje David O. Russell sigue funcionando, y “Joy” es lo último que ha salido.
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Hunt for the Wilderpeople, a la caza de los ñumanos
Hunt for the Wilderpeople, a la caza de los ñumanos (2016)
  • 6,7
    4.305
  • Nueva Zelanda Taika Waititi
  • Sam Neill, Julian Dennison, Rachel House, Rima Te Wiata, ...
8
A la caza de los ñumanos
Descubrid el cine de Taika Waititi. Ese es uno de los mejores consejos que os puedo dar. Y a coste cero.
El cineasta neozelandés agarra de las orejas al crio de “Daniel el travieso” (Nick Castle, 1993) para meterlo de cabeza en el asilvestrado y renegado marco del John Rambo de "Acorralado" (Ted Kotcheff, 1982), dándole a todo ello un asequible matiz a lo "Thelma & Louise" (Ridley Scott, 1991). Así surge “A la caza de los ñumanos”, cuarto largometraje de Waititi antes de su desembarco en Hollywood.
“A la caza de los ñumanos”, basada en una novela de Barry Crump, es una joyita entrañable y con más mala leche de la que aparenta sobre lo complejo de encontrar tu lugar en el mundo, un mundo que no perdona. Ricky es un adolescente problemático que ha ido de reformatorio en reformatorio, y de familia de acogida en familia de acogida. Al fin parece que ha logrado encontrar un rinconcito en el que echar raíces, junto a Bella y Hec, una pareja de cincuentones que vive en una apartada casa en mitad del bosque. Ella es amable y bonachona, él arisco y receloso; pero Ricky se siente a gusto entre ambos. Es entonces cuando un inesperado acontecimiento desencadena una loca huida en pos de la supervivencia. Fuga capaz de, o bien estrechar lazos, o bien romperlos definitivamente.
Taika Waititi es un mago de la comedia. Si bien es cierto que en “A la caza de los ñumanos” no reside esa chispa de originalidad que si habitaba en “Lo que hacemos en las sombras” (Taika Waititi & Jemaine Clement, 2014), no es menos cierto que aquí no necesita de esa chispa para resultar efectivo. La película es un must see rotundo y en mayúsculas, poblado de personajes muy bien trazados capaces de llegarte a lo más profundo del corazón, lo que resalta el poso de un film pequeño pero matón. Como comedia funciona a las mil maravillas a lo buddy movie, lo que no le frena a la hora de actuar como jugoso film de aventuras o para armar un sólido y valeroso fondo de armario.
En definitiva, “A la caza de los ñumanos” me ha desarmado. ¡Quién le iba a decir a Sam Neill que su mayor enemigo a lo largo de su filmografía no serían cuatro dinosaurios cabreados en un parque jurásico, sino un adolescente problemático obsesionado con convertirse en un gangster!
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La momia
La momia (1999)
  • 6,2
    66.919
  • Estados Unidos Stephen Sommers
  • Brendan Fraser, Rachel Weisz, John Hannah, Arnold Vosloo, ...
10
The Mummy (La Momia)
Veinte años han pasado ya desde el estreno de "The Mummy (La Momia)", y la cinta me sigue fascinando y atrapando como cuando, con nueve años, me senté en la segunda o tercera fila de los desaparecidos cines 'Camino de la Plata' para verla.
Esta película de Stephen Sommers no fue mi primera experiencia en una sala de cine, eso lo tengo claro. Recuerdo haber visto cintas de animación con anterioridad. Pero lo que si tengo claro es que "The Mummy (La Momia)" fue la primera película que me dejó con la boca abierta, cual Imhotep, en un cine. Quizás incluso sea la película que me hizo amar el cine y querer profundizar más en él. La que, por lo tanto, me convirtió en el cinéfilo y cinéfago que soy hoy. Imagino comprenderán que este film tenga hueco privilegiado en mi corazón.
No se cuantas veces he podido ver "The Mummy (La Momia)" durante estas dos décadas. Tan difícil de discernir como intentar aventurar cuantas la veré durante los próximos veinte años. Ni me canso ni me cansaré.
De pequeño fantaseaba con ser Rick O'Connell, ese digno heredero del mejor Indiana Jones. Soñaba con enamorarme de Evelyn, con enfrentarme a Imhotep y su ira, con recorrer antorcha en mano las pirámides huyendo de momias y escarabajos carnívoros, y con salvar al mundo. Cuanto me habré recreado en esta joyita que tiene de todo. Aventura, fantasía, comedia, acción, horror creepy y romance. Y cuanto me recreo ahora recordando a mi fantasioso yo de nueve años.
"The Mummy (La Momia)" es una cinta para entrar a vivir, toda exterior y con mucha luz. Uno de mis pilares cinematográficos fundamentales. Esa estupenda reinterpretación del clásico de 1932 que, si se hubiera estrenado siete meses más tarde, diría sin miedo que es la mejor película de aventuras del siglo XXI. Por desgracia se estrenó en el XX, siglo de grandes films de aventuras.
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Cómo sobrevivir a una despedida
Cómo sobrevivir a una despedida (2015)
  • 3,7
    4.461
  • España Manuela Burló Moreno
  • Natalia de Molina, Úrsula Corberó, María Hervás, Celia de Molina, ...
5
Cómo sobrevivir a una despedida
Remake femenino, patrio e inane, de "Resacón en Las Vegas" (Todd Phillips, 2009) el que se marca, autoconscientemente, Manuela Moreno en "Cómo sobrevivir a una despedida", su ópera prima.
Cinco amigas, dos días en Gran Canaria y una despedida de soltera de por medio. ¿Qué (no) puede salir mal?... Tal y como están la cosas creo que resultaría mucho más original y sorprendente una cinta de este tipo en la que todo sucede según lo previsto, antes que una en la que todo sale mal. A este punto hemos llegado, chavales.
"Cómo sobrevivir a una despedida" tiene varios defectos, pero hay uno que a mi juicio condena la cinta, y sirve como río principal para el resto de afluentes. Durante sus seductores y esperanzadores primeros diez minutos de metraje, Manuela Moreno establece el listón del humor bastante alto, nivel gamberro total. Pero, a partir de ahí, en ningún momento es capaz ni siquiera de volver a rozarlo. En esos primeros minutos el guion es mordaz y afilado, y los gags cortantes como cuchillo en mantequilla, anticipando el tono adulto del producto. Pero luego todo se viene abajo, "Cómo sobrevivir a una despedida" se transforma en una comedia casi familiar con elementos de comedia adulta maniatados. Y eso, quieras que no, es un bajonazo.
A ello se le unen unos gags no demasiado inspirados y un guion que camina continuamente por el alambre del cliché, cual funambulista kamikaze. Por ello, y con harto dolor, "Cómo sobrevivir a una despedida" queda marcada por lo que pretendía ser y no fue. Queda patente que se lo han pasado mejor los actores haciéndola de lo que se lo pasará el espectador viéndola, y eso es un mal síntoma.
Si salvo de la quema total "Cómo sobrevivir a una despedida" es porque las personalidades de los personajes están bien trazadas, y terminas cogiéndoles cariño. Por lo demás, poco hay a lo que aferrarse.
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Incendies
Incendies (2010)
  • 7,7
    19.068
  • Canadá Denis Villeneuve
  • Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, ...
9
Incendies
“Incendies” es una película que logró notoriedad gracias a la fama que fue adquiriendo Denis Villeneuve con sus posteriores trabajos. Cosa que, tras verla, se me antoja tremendamente injusto. “Incendies” merece total y completa fama propia, independientemente de las grandes obras que haya entregado después el realizador canadiense. “Incendies” es un peliculón, en letras mayúsculas.
“Incendies” es un desgarrador, crudo e hipnótico relato sobre las devastadoras secuelas de la guerra, que alcanza su cenit en una segunda hora de metraje verdaderamente sublime y ejemplar. Jeanne y Simon son dos hermanos que, en la lectura del testamento de su madre, reciben dos tareas póstumas. El notario les entrega dos sobres, uno para ser entregado a un padre que creían muerto y el otro para un hermano del que desconocían su existencia. Simon es reacio a cumplir la última voluntad de Nawal, una madre que siempre se mostró ausente. Pero Jeanne decide viajar al Líbano para recomponer el pasado de su madre y, quizás de paso, también el suyo. Esta búsqueda nos llevará también a conocer la verdadera historia de Nawal.
Así da comienzo “Incendies”, un thriller dramático que, dada su narración fragmentada y sus varias lineas temporales, puede provocar un asentamiento algo difícil en su historia. Pero toda vez que entras en ella, ya no querrás ni podrás salir. Ni siquiera en su impactante y demoledor desenlace, que retumbará en ti días después de acabarla.
La historia, basada en una obra de teatro de Wajdi Mouawad, con guion del propio Denis Villneuve, sabe mantener la intriga en todo momento. La trama, de una complejidad moral muy sofocante, te golpea donde más duele. A veces en mejor no buscar respuestas, supongo. La realización del canadiense es también ejemplar, se estaba cosechando un gran director.
Podría decir que me arrepiento de haber tardado tanto en ver “Incendies”, pero me niego a ello. Siempre defenderé que las películas son vistas cuando deben ser vistas, ni antes ni después. Y si he disfrutado esta joya ahora, casi diez años después de su lanzamiento, es porque debía verla ahora. Ni más ni menos.
En fin, “Incendies” es clara medalla de plata dentro de la filmografía de Denis Villeneuve.
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Attack The Block
Attack The Block (2011)
  • 6,0
    17.823
  • Reino Unido Joe Cornish
  • John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail, Franz Drameh, ...
8
Attack the block
Que gran virtud, y quizás poco valorada, la de saber estar donde y cuando debes. Virtud que, a menudo, te aúpa; si la posees. Dicha aptitud también reside en el séptimo arte. Que gran virtud la de esas películas que saben llegar en el momento idóneo. A veces de forma casual y otras de manera buscada; pero llegan cuando deben, y eso las engrandece. Le sucedió, por ejemplo, a "Machete" (Robert Rodriguez, 2010). Un simple exploit actioner que supo aprovecharse de la crisis fronteriza norteamericana que invadió la recta final del último año de mandato de Bush jr. Ese marco aupó un film que, sin eso, habría sido un placer para el devoto y poco más.
Joe Cornish es un maestro al anterior respecto. Un oportunista de mil demonios, en el buen sentido. Le ha pasado en la reciente “El niño que pudo ser rey” (2019), y no ha sido la primera vez. Su anterior trabajo, y ópera prima, "Attack the block", ya tenía esa cualidad. Virtud que aúpa más si cabe un film que, no nos engañemos, podría vivir sin ella.
"Attack the block" es una sci-fi de invasiones alienígenas que se aprovecha de las revueltas callejeras londinenses, derivadas de problemas raciales, que asolaron el país natal de Cornish a principios de década. Ese trasfondo hace que el film parezca más de lo que en realidad es. Y si sirve para encumbrar más aún una película ya de por si buena, bienvenidos sea.
Apartando el asunto del marco social, "Attack the block" es una cinta que ya me encantó la primera vez y ahora lo sigue haciendo. Una sci-fi de seres humanos versus aliens en la que Joe Cornish desdibuja bastante la linea que separa al alien del ser humano, con gran acierto. De buen tono cómico juvenil, hecho que en ningún momento le resta crudeza o mala leche al producto, algo que si sucede en “El niño que pudo ser rey”. Esta cinta fue la que lanzó al estrellato a John Boyega, aunque también circula por ahí una sólida Jodie Whittaker.
Visualmente el diseño de los invasores es muy llamativo, sin descubrir tampoco el fuego y sin tener que recurrir a los clásicos modelos de aliens.
En definitiva, lo que más me molesta de "Attack the block" es lo poco que dura. Sus ochenta minutos de metraje se me pasan volando. Apetece que durase más.
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