Jean-Marc Vallée dirige esta excepcional película, con más de drama que de comedia, donde ya desde el principio el director no intenta ocultar cuál ha sido una de sus influencias definitivas a la hora de decantarse por un modo u otro de contar la historia. De hecho la primera frase -"Desde que tengo memoria, siempre he odiado la Navidad"- da paso a un pegadizo blues que nos abre la película. Ya tenemos la inevitable conclusión: esto huele a Scorsese que no veas. Y no sólo por su fluidez y estilo narrativos -calcados a Uno de los Nuestros o a otras obras más reciente del aplicado alumno Paul Thomas Anderson- sino por esas inclusiones constantes -casi obsesivas- de la religión, ese montaje tan musical, ese toque mesiánico en ciertos momentos, o el propio retrato de las escenas familiares. Eso sí, si de algo prescinde es de la violencia que el director neoyorquino suele dotar a sus filmes. Y es que C.R.A.Z.Y. no es, evidentemente, una película de gangsters, sino la historia de una familia canadiense a través de casi dos generaciones.

A pesar de que la acción se centra en los problemas de identidad y autoaceptación de un chaval que ve como su estricta educación católica le marca a la hora de reafirmarse o no en su tendencia homosexual, y de que éste es el hilo conductor de la peli, en ningún momento el director se limita a planteárnosla exclusivamente como una reivindicación gay, sino que más bien se sitúa como mero observador imparcial de la realidad que le rodea, plasmando también su atención en todas las vicisitudes que el núcleo familiar va experimentando a lo largo de los años, y esto es precisamente lo que considero que más enriquece al film y lo convierte en sobresaliente, pues todos los personajes están fabricados con mecánica de precisión (mención especial al del padre, que encarna memorablemente Michel Côté).

Por lo tanto, película ágil, ligera de ver a la par que entretenidísima, y, aunque emplea una fórmula quizás ya inventada, "tomando prestado" con demasiado descaro un estilo ajeno, lo hace con delicada maestría. Muy recomendable.

Qué gratificante es empezar a ver una película de la que no tienes ni idea ni del argumento, ni del director, ni de los actores... (sólo un par de recomendaciones y un rato libre), y que ésta resulte al final un aprovechamiento del tiempo perfecto.

Básicamente es una historia de amor, y es cierto que eso, en principio, pueda echar para atrás a alguno que otro, pero es que se trata de la, probablemente, historia de amor más original con la que me he encontrado en los últimos años. Conforme la película avanza y uno descubre el ingrediente fundamental de ciencia ficción que tiene, te atrapa y no te suelta hasta los títulos de crédito.

Por eso lo mejor es recomendarla sin más, y no avanzar ningún detalle del argumento, ni siquiera en spoiler.

En la cuestión de las formas, es el inconfundible estilo coreano que últimamente tan buenos frutos está dando, tanto en la bellísima fotografía, como en la música, como en esa peculiar manera de contarnos las historias -intencionadamente caótica, pero tremendamente inteligente-, con pequeños flash-backs muy acertados, y ese ritmo suave de la cámara y del transcurrir de la línea argumental. En el caso de este film no podría ser de otra manera, evidentemente.

Tierna sobremanera... y deliciosa. Vean Il Mare.

Valiente remake a cargo de Brian Helgeland -un director novel por aquel entonces-, de la anterior y estupenda "A Quemarropa" de John Boorman, donde un Lee Marvin cabreado buscaba venganza por un dinero robado y una traición de un antiguo compañero suyo compinchado con la que fue su mujer.

Ambas se basan en la novela The Hunter, de Donald E. Westlake, y en este caso es Mel Gibson el cabreado. Y mucho, pues la dureza con la que dota a su personaje, no sólo no es envidiable a la de aquel Lee Marvin, sino que aguanta la comparación con el mismísimo "Janfri" de aquellos filmes tan negros perpetrados en los 40, si no caemos, por supuesto, en intentar tomar en serio los excesos e hiperbólica dureza del personaje que encarna, como se debe hacer en el cine de este calibre, o sea: el negro.

Porque negra es Payback hasta la médula, y eso es lo que nos gusta de ella: ese juego de traiciónes, de violencia, de corrupción, de gangsterismo, de tríos amorosos y mujeres fatales. Con una fotografía decolorada -según se dice, por la impotencia del director al ver que no le dejaban rodarla en blanco y negro- muy conveniente para el resultado final. Y un guión retocado a petición de Gibson, ya que, contrariamente a lo que muchos piensan, inicialmente era más violento y dejaba al protagonista en una posición más perversa aún.

En cualquier caso reconozcamos que la película es una suma estudiada de los tópicos del cine negro, sólo que, como es un género agradecido y está narrada con bastante corrección, pues yo le pongo el 8. No obstante, ese regodeo en los clichés y excentricidad en el personaje ha provocado el rechazo de muchos, que la han encontrado más autoparódica que fiel a las características del género. Eso, y Mel Gibson, por supuesto, que ya sabemos no cae bien a más de uno.

A los fans del film noir diría que les gustará, o al menos parecerá simpática; y los que sólo busquen un thriller sin pretensiones y entretenido tendrán en Payback un buen candidato.

Eso sí, absténganse enemigos irracionales del amigo 'Mad' Max: en esta cinta está, desde luego, en toda su salsa.

Nos encontramos ante una película que promete mucho en un principio, con unos 10 minutos iniciales casi perfectos, y que poco a poco se va desinflando.

La razón no es la habilidad que tiene Tykwer para rodar las escenas y cierta clase en el manejo de la cámara, ni la interpretación de una cate Blanchett más que estupenda. No. Es que la peli comienza a hacer aguas desde abajo a arriba a partir del minuto 15. Y mientras el guión comienza a no sostenerse por ningún sitio haciéndose menos y menos creíble en cada vez más puntos de la película, la pareja protagonista va perdiendo química -si es que alguna vez la encontró- y el pánfilo que lleva dentro el "encasillado" Giobanni Ribisi -con una actuación manifiestamente mejorable- aparece para mostrarse en todo su esplendor hasta el final.

Tykwer no convence, pero la película tiene una bella factura que no podemos dejar pasar por alto. Y reconozco que es el director que mejor ha exprimido a la Blanchett. No obstante, el sopor y los fallos en la segunda mitad de su duración es tal que no podemos pasar del 4.

No es una mala película-documental, pero tampoco es lo "notable" que podría haber sido teniendo en cuenta la idea que se nos quería transmitir y su valiosísimo material de apoyo para hacerlo. Una vez más da la sensación de que han desperdiciado una gran oportunidad.

Como justa reivindicación y recopilación de archivos gráficos de algunos grandes directores clamando en el desierto es un muy buen documento; como documental en sí creo que le falta mucha fuerza (que no razón).

La película gira en torno a una idea base y fundamental: no es ético y atenta contra los derechos del autor, aunque no sea el propietario de su obra (bien el matiz de Woody Allen diferenciando entre poseedor y propietario), el alterar de cualquier modo su contenido o forma original, ya sea doblándola, cortando o censurando escenas, cambiando su formato de imagen (aquí se han llegado a hacer verdaderos crímenes) o insertándole rótulos o cortes publicitarios en su pase por televisión, pues eso la pervierte y falta al respeto tanto al director como al espectador, cuyas sensaciones al verla pueden diferir completamente de lo que en un principio cabría esperar.

Pero en un afán excesivamente didáctico como suele ser habitual en nuestro cine patrio llega a una innecesaria reiteración, pues una vez que se nos presenta la idea, se nos explican los distintos formatos, se nos ponen infinidad de ejemplos de cómo se ha maltratado al artista, una vez que se nos cuenta -e incluso escenifica, lo cual resulta un gran acierto, todo sea dicho- el episodio del cuadro de Tiziano con el Rey de España, una vez que se muestran multitud de testimonios de autores indignados, de Pollack, de Allen, de Fellini, de Berlanga... En definitiva, una vez que el director nos ha aportado todo ese material, se insiste en la cuestión con pedagogía de parvulario, usando símiles con otras expresiones artísticas distintas al cine, o repitiendo planos ya usados, creando al espectador una sensación de que te están tomando por 'tontico', vaya. O al menos ésa ha sido mi sensación.

En cualquier caso son detalles menores que no empequeñecen la obra tanto como el simple hecho de que una película que denuncia las mutilaciones de las obras originales... ESTÁ DOBLADA, y bastante mal, por cierto. En este caso, yo, como espectador traicionado, querría haber escuchado el catalán original de la narradora con subtítulos, sobre todo en ESTA película. He de decir que me quedé a cuadros con esta incoherencia, a pesar de enterarme posteriormente de que fue avalado por el propio Benpar.

Y por la última razón es precisamente por la que no puedo catalogarla como algo más que "interesante", aunque recomendable para todo cinéfilo.