Los que se quedan, nos narra de principio la historia de un profesor cascarrabias y demasiado estricto el cual es resistido por sus alumnos y hasta por sus propios colegas, el cual debe quedarse en el instituto con un grupo reducido de alumnos que no tienen con quien pasar el receso de navidad; objeto mediante el cual se empiezan a divisar los conflictos entre ese grupo de alumnos entre ellos y también para con el profesor.

Cuando el grupo se empieza a reducir a un solo alumno, nuestro protagonista Angus, quedándose solo con el profesor y una cocinera empiezan a tocarse elementos propios de la introspección de cada personaje, en el cual se complementan un profesor con su soledad, un adolescente con problemas de conductas y sus inseguridades y una madre en duelo por la perdida de su hijo.

Una buena actuación de Paul Giamatti en el cual se va notando la mutación de su personaje a medida que transcurre la cinta, pasando de un profesor malhumorado y riguroso a finalmente abrirse a sus conflictos internos y sirviéndose de sostén para con el resto del elenco.

Buen papel secundario de Da'vine Joy Randolph sirviendo en cierto espacio de la película como hilo de conducción para la comunión entre los 3 protagonistas, y personaje en el cual se refleja constantemente mediante recuerdos su total aflicción por el fallecimiento de su hijo.

Hermosa ambientación de época, trama quizás ya bastante utilizada y que va ideal para la época navideña, buena fotografía con hermosos planos y agradable banda sonora, el film pasando la hora se me hizo perder un poco de interés, quizás siendo victima de su para mi gusto larga duración aunque retomando un buen nivel para el cierre en los últimos 20 minutos, me funcionó de cierta manera como comedia haciéndolo aun más como drama, formulando un argumento con elementos como la soledad, la nostalgia en la cual los personajes van creando un espacio en el que puedan aliviar sus tristezas y sus tragedias personales.

Calificación: 7.0

Monster

Una madre, un alumno y un profesor, Tres personajes y un hecho, una victima, un victimario y un justiciero, tres perspectivas de un mismo suceso.

En estas bases nos moveremos para intentar resolver este rompecabezas que Koreeda nos propone durante el desarrollo, diagramando una película llena de misterio, suspenso y drama, manteniendo hasta el último instante la tensión en el espectador en la búsqueda de una respuesta y en la belleza en que nos sumerge a medida que poco a poco notamos que se va develando la intriga.

Ofreciéndonos tres miradas distintas, con tres actores principales se nos va presentando este film, elemento para contarlo que me hizo venir a memoria Amores Perros de Alejandro González Iñarritu y Puntos de Vista del director Pete Travis, concepto del que Koreeda se sirve para ahondar en el cine de noción social y muy efectivo.

En el primer acto, lo vemos desde el punto de vista de la madre, en esta fase el director se toma el tiempo para desmenuzar la cotidianeidad de el niño en convivencia con su madre y también de presentarnos a los 3 personajes principales, rutina que se ve alterada por extraños comportamientos que darán rienda suelta a poner a la escuela del alumno bajo la lupa e inmediatamente sobre alguien en especifico que se nos va planteando como un villano, con una actuación por parte de la actriz que a medida que avanza su tramo va cargándose completamente su relato de los hechos.

En el segundo acto tenemos la mirada desde el profesor, vista que poco a poco va a ir desechando pequeñas cosas que se nos relató en el primer periodo, aquí empezamos a notar lo interesante de poder ver como espectadores, imágenes que solo en el primer acto se nos narraron y no mostraron; además de percibir como en el conflicto propiamente de base cada personaje cuenta su segmento sin coincidir con el personaje que guía la trama anteriormente.

Y en el ultimo trayecto tenemos la visual puesta por parte del alumno, en esta etapa quizás sea la más abordada de forma personal y la más alejada del conflicto que le da base a la historia, conformando entre las tres partes momentos de indignación, preocupación, perplejidad, desconcierto y una amistad de por medio.

Con todo esto, armoniza una ficción con condimentos de amistad, amor, vacío existencial y soledad con mucha nobleza y mucha humanidad, exponiendo la fragilidad del ser humano en su profundidad y de alguna manera también haciéndonos sumergir en ese limbo en el que nos encontramos entre la vida y la muerte.

Es bellísimo como el director se va sirviendo de pequeños fragmentos y objetos que parecen insignificantes entre cada pasaje, para lograr armonizar la historia y que a ese momento nos damos cuenta de la importancia de esos elementos como objeto narrativo; además de lo interesante que se percibe como el cineasta durante el desarrollo va creando piezas "falsas" o de distracción, haciendo que nuestra mente se vaya en todas las direcciones en busca de imaginarnos un desenlace.

Un guion excelente, acompañado de una soberbia dirección y una cámara que nos muestra solo lo que Koreeda quiere que veamos, hay factores conceptuales que consideraremos necesarios de resolverse, sin ir más lejos el mismísimo final, componentes en los que solo quedará no importarnos que no tengan un esclarecimiento narrativo, sino solo disfrutar del viaje; dejándonos en claro un pedacito de diálogo, que surge en la cinta por parte de una figura secundaria, "Lo que realmente pasó, no importa".

Calificación: 8.5

Tótem

Con los preparativos para una celebración sorpresa para un padre de una familia Mexicana vamos a ir desandando en los distintos elementos que la componen como núcleo e individualmente, usando ese vehículo la directora Lila Avilés se sirve para retratar de forma agradable y precisa a una familia con todos sus conflictos emocionales y sus situaciones cotidianas.

Con una cámara totalmente en su libertad para penetrar poco a poco en lo emocional de una familia centralizando en conceptos como el amor y la perdida inminente; imprimiendo buena calidez y precisión para lograrlo, convirtiéndose en una película orgullosa de su identidad latina a nivel visual y conflictiva.

Totalmente desnuda de técnica, color y banda sonora, convirtiendo aun más el desarrollo en un elemento con mucha fineza social en los que logra además que cada personaje aporte a la historia en común y en igualdad de tiempo.

No es una película que se quedará en mi memoria por mucho tiempo, pero en lo que quiere expresar es precisa y sencilla, con una base consistente al igual que es simple, en un trabajo en practica donde se impone lo espontaneo en casi todas sus esferas en las que se apoya para consumar el viaje.

Lo fuerte de este drama es la naturaleza y la identidad que encara para tocar la sensibilidad, sencillez de historia en la que ahondando no tiene mucho más para entregar, más que lo cotidiano, lo común, esas historias de gente común y corriente de una sociedad latinoamericana en la que a pesar de siempre sangrar por la herida, intenta sonreír.

Calificación: 6.4

Lost in translation

Sobre una dura separación entre dos famosos directores nacieron dos grandes películas, una se la dedicó Spike Jonze a Sofía Coppola, Her, y la otra ella se la dedica a su ex marido; Lost in translation película que ahondaremos en este análisis.

Una historia que a pesar de lo que invita a reflexionar le escapa al género del drama encontrando refugio en la comedia y el romance para narrar memorias que de alguna manera van caracterizando lo que fue ese matrimonio entre los cineastas entregando pantallazos acerca de la soledad, la nostalgia y la melancolía.

Bajo la lupa protagónica de Scarlett Johansson y Bill Murray el desarrollo va meditando acerca de dos personas que encuentran en la soledad la acogida entre ellos otorgándole paso a una interesante complejidad psicológica en esa unión que intenta atenuar la aflicción a la que se los expone, de esta manera dándole más empatía para con el público a Charlotte (Scarlett Johansson) debido a que esto lo podemos interpretar como la mirada femenina del relato que a medida que va avanzando a ella se la posiciona en una situación de desgaste en su pareja, momentos que evidencia de manera efectiva el deterioro y el efecto que produce en ella.

De ritmo muy lento a razón de intentar ser incisiva en su trama es una cinta a la que se le debe tener paciencia ya que intentará hacer foco en la conformación de sus personajes con planos que ayudan a moldearlos bien creando esas atmósferas de vacío existencial y angustia.

Una paleta de colores suaves del estilo que maneja Coppola en su filmografía acompañada de una banda sonora también bastante especifica en su trayectoria logrando con creces una de sus mejores películas concebida de una relación que a servir de ambos les ha resultado dolorosa en su momento y que para nosotros como espectadores, nos han dejado dos miradas de una misma soledad en la que por casualidad o causalidad, Scarlett Johansson ha sido testigo interpretativa de los dos puntos de vista de una misma separación.

Calificación: 7.3

Priscilla

Sofía Coppola nos cuenta en esta biopic de la esposa de Elvis Presley y sus vivencias con el cantante en sus épocas de gloria, un punto de vista diferente el cual intenta reflejar la otra cara de una de las leyendas de la música estadounidense.

Una cinta que se va desarrollando de forma muy lenta con el compromiso de detallarla lo más posible, con dos partes bien marcadas, la primera desde que Elvis y Priscilla se conocen, una etapa un tanto turbia debido a las edades que poseen ambos, sin embargo aquí desde la perspectiva de la mujer, su etapa de enamoramiento, de flechazo hacia quien se perfila y es promesa de ídolo para multitudes, aquí logramos apreciar hacia el final de ese acto destellos de lo que luego vendrá, como el cansancio poco a poco de Priscilla al llevar una vida monótona, la cuestión de vivir todos los días haciendo lo mismo y reflejando una felicidad que poco a poco se va cayendo a pedazos.

En el segundo acto ya nos adentramos en profundidad en la caída libre de esa relación, marcada por la violencia, el maltrato, las infidelidades y en como él va mostrando un rostro de ególatra insoportable y de manipulador plasmando un sujeto que se cree intocable y que puede hacer lo que quiera por ser famoso.

En cuanto a lo visual y la banda sonora, preciosa, fotografía con lindos planos y colores estilo pasteles, y una banda sonora con canciones super famosas que te hacen más ameno el viaje durante la película, y bien que se agradece que resulte agradable, ante una narrativa bastante lenta en la que la directora se apoya plenamente en detallar cada etapa y detallar visualmente lo que necesita para ir sosteniendo la trama, un guion que cada tanto se me hizo flaquear y un sostén de grandes actuaciones por parte de Jacob Elordi y de Cailee Spaeny.

Me pareció interesante como Coppola logra plasmar de manera correcta una perspectiva femenina sin caer en lo pretencioso que podría llegar a tocar lo feminista, con un potencial en todos los elementos que constituyen el film que sin embargo me resultó que no logra explotar del todo esa capacidad que podría llegar a tener.

Calificación: 6.6