Clásico incontestable de la historia del cine y el considerado punto de arranque del Neorrealismo Italiano.

La película narra con absoluta crudeza y emoción el sufrimiento y las amargas experiencias de varios miembros de la Resistencia italiana en una afligida población reprimida por los nazis.

Para ello emplea un estilo próximo al documental, utilizando iluminación y localizaciones naturales (calles, casas....), y mezclando a gente de la calle con actores profesionales, quienes bajo la magistral dirección de Rossellini ofrecen unas enormes interpretaciones henchidas de verdad y sentimiento, sobresaliendo unos inolvidables Aldo Fabrizi y Anna Magnani.

Obra maestra descomunal de Rossellini con la colaboración en el guión de Sergio Amadei y Federico Fellini, un absoluto referente de un cine comprometido con la realidad y con la suficiente fuerza y capacidad para transformarla.

Las tristes notas del Adagio de Albinoni sirven de hermoso fondo musical para el comienzo de esta pesadillesca visión cinematográfica a cargo de Orson Welles de la famosa novela "El Proceso" de Franz Kafka.

Welles hace gala de una barroca imaginería para ubicar al protagonista Joseph K en un acentuado ambiente opresivo, una irrespirable atmósfera a la que se ve abocado arbitrariamente de la noche a la mañana.

En esta súbita y surrealista situación, un confundido Joseph K (magistralmente interpretado por Anthony Perkins) entra en contra de su voluntad en un laberinto judicial poblado de extraños seres de muy diferente condición, significados por actitudes absurdas, corruptas y desordenadas que conducen a la humillación y a la locura.

La película, al igual que la novela, arremete contra los vericuetos del sistema judicial y contra el avasallamiento que padece el indefenso individuo ante la burocrática maquinaria de poder.

Welles saca a relucir su abigarrado y tan particular universo visual mediante enfatizantes contrapicados de rostros inquisidores envueltos en sombras, recorridos por pasillos estrechos que incrementan la sensación claustrofóbica, planos medios y cortos con visionado de techos contrastados con otros más amplios y generales, en los que vemos al personaje central en espacios físicos deshumanizados a pesar de estar repletos de gente.

También vemos a Perkins en escenarios vacíos, solitarios, caminando junto a enormes columnas o golpeando desesperadamente gigantescas puertas, imágenes que realzan de manera impresionante la incomunicación y la pequeñez de la víctima ante los tiránicos mecanismos de un sistema putrefacto.

Acompañando a Perkins en su caótica experiencia figuran nombres como el propio Orson Welles dando vida a un corrupto abogado, Akim Tamiroff como su ultrajado cliente, o importantes presencias femeninas del cine europeo como Jean Moreau, Elsa Martinelli o una fabulosa Romy Schneider ejerciendo de amante de los clientes del abogado Welles.

No es "Ciudadano Kane" ni "Sed De Mal", pero desde luego esta película es un notable título a reivindicar dentro de la obra de este genio apabullante, uno de los creadores más revolucionarios e innovadores que ha dado el cine.

Humphrey Bogart comenzó a definir con esta magistral película de Raoul Walsh su imagen cinematográfica de antihéroe perdedor, solitario, romántico, atribulado y cínico.
Siempre inmerso en historias de ambiente criminal y desdichado destino con un tono melancólico y poético, Bogart eleva a su personaje más allá del arquetipo habitual en el cine de gángsters, otorgándole una dimensión humana y una profundidad emocional que conceden a su personalidad un enorme atractivo.

"El Último Refugio" se podría considerar como una película puente entre el cine de gángsters de los años 30 y el incipiente cine negro que viviría su apogeo en los años 40 y se prolongaría con menor profusión hasta bien entrada la década de los 50.
Walsh imprime al film su acostumbrada energía en las escenas de acción y en el rodaje en exteriores, manteniendo un admirable equilibrio con el tacto y la sensibilidad que manifiestan las secuencias más románticas.

El retrato de unos personajes brillantemente escritos por John Huston y W. R. Burnett (autor este último de la novela en la que se basa el film) es sensacional, unos personajes rodeados de un entorno natural y montañoso que confiere una inusual y grata envoltura a esta historia rehecha posteriormente por el propio Walsh en "Juntos Hasta La Muerte" (1949), un western con Joel McCrea, Virginia Mayo y Dorothy Malone que también se encuentra entre los mejores trabajos de su autor.

La novela homónima de Truman Capote conoció una más que satisfactoria adaptación cinematográfica en esta película de Blake Edwards con guión de George Axelrod.

Se trata de un retrato agridulce, sofisticado y romántico de una mujer de vida aparente que procura ocultar su amargura interna con su presencia en ambientes lúdicos, en donde confluyen sus anhelos de crecimiento social con la evasión de tiempos pretéritos.

Al mismo tiempo que se establece dicho retrato y se contrasta su conducta pública con sus emociones íntimas al lado del personaje de George Peppard, también se ironiza sobre el comportamiento más frívolo de la clase alta que rodea a Audrey en sus apariciones festivas.

La gloriosa canción "Moon River" de Henry Mancini y Johnny Mercer resonará eternamente en la memoria del cinéfilo, de cuyo recuerdo tampoco se podrá borrar la deliciosa interpretación de Audrey Hepburn.

La novela de Lew Wallace en la que se basa esta multioscarizada adaptación ya había sido llevada previamente a la gran pantalla, concretamente en la época muda con dirección de Fred Niblo.

Esta versión de William Wyler, director todoterreno donde los haya, es un grandioso y épico espectáculo engrandecido entre otras bondades por el protagonismo heroico de Charlton Heston, por la magnificencia en la dirección artística y en el diseño de producción, y por la poderosa partitura de Miklos Rozsa, compositor comúnmente asociado a las películas de corte histórico.

Con una historia basada en la traición, el engaño y la consecuente venganza, la película es dueña de una enorme fuerza emocional proveniente de las interrelaciones personales y de la solemnidad espiritual inherente al marco histórico en el que se desarrolla la acción.

Asimismo Wyler ofrece un sensible retrato de unos personajes perfectamente definidos dentro de una trama intensa, conducida con energía y que apenas pierde interés durante sus tres horas y media de duración.

Como curiosidad apuntar que la espectacular secuencia de la carrera de cuádrigas fue rodada por Andrew Marton y Yakima Canutt, constituyendo uno de los momentos más memorables de este clásico inmortal, uno de los mejores ejemplos de épica cinematográfica.