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Críticas de mikealeks
Críticas ordenadas por:
La viuda del párroco
La viuda del párroco (1920)
  • 6,9
    228
  • Dinamarca Carl Theodor Dreyer
  • Greta Almroth, Einar Röd, Hildur Carlberg, Olav Aukrust, ...
7
Drama frío entre el temor al paganismo escandinavo
Como es habitual en el cine de Carl Dreyer, los elementos de la cultura escandinava se revelan ya sea de forma explícita o indirecta. Debido a la tardía y tardada cristianización del territorio nórdico, las prácticas religiosas antiguas fueron difíciles de erradicar. Toda resistencia a la evangelización era asociada por los cristianos al paganismo, que con el tiempo gestó la figura de la bruja y sus pactos con el demonio, alejando a los buenos hombres de la verdad cristiana. Tal temor a las brujas se mantuvo en el imaginario danés por muchos años, tanto que aún en el cine de recientes directores como Lars von Trier tiene algunos ecos. Pero Dreyer los expresa con franqueza y un cierto encanto inocente pero que en el fondo revela un clima de superstición, miedo y congoja, esa pesadumbre medieval que unida al clima frío y a la austeridad luterana, crea el ambiente en sus películas: desoladas y tristes. Esta película en particular tiene un tono más pícaro, con momentos de humor casi infantil, sin embargo los temas de fondo tarde o temprano surgen a la luz: la muerte, el escape de un hombre de Dios de las garras de la brujería, pero que sin embargo termina cayendo en las garras del pecado, el pecado del egoísmo por albergar la esperanza de la muerte de una vieja para poder vivir su romance. La película plantea entonces el dilema ético pero también refleja una cierta ansiedad hacia la religiosidad con un tratamiento superficial y podría decirse, satírico de la autoridad religiosa. Dreyer revela su profundo contacto con la religión a la vez que su resistencia espiritual.

Cinematográficamente se trata de una cinta impecable; cuenta con varias de las innovaciones técnicas del cine al servicio de la narrativa como los cambios de tonalidad, edición de planos simultáneos, cortes rápidos, primeros planos y como siempre, esa franqueza en todos sus recursos estilísticos. Los momentos tristes y los momentos de vulnerabilidad y sinceramiento de sus personajes, hablan por sí mismos, sin manipulaciones adicionales. Es también notable la reivindicación del villano en la historia, con una revelación que sin giro forzado o golpe bajo, replantea la verdad oculta en su personalidad, creando una reversa en los papeles del drama: el bueno de la película termina confesándose por el mismo pecado del que había sido víctima. Como en otras cintas de Dreyer, igual que en su ópera prima, los personajes caen en una triste ironía al ser víctimas y verdugos, acusadores y acusados, a veces determinados por la familia. Con esta película, el director muestra su afecto por lo fatalista y el mundo espiritual, pero en una historia entretenida y divertida, una pieza de historia del cine y del hombre para atesorar.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Call Me by Your Name
Call Me by Your Name (2017)
  • 7,4
    18.691
  • Italia Luca Guadagnino
  • Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, ...
9
Un mensaje poderoso junto a un erotismo que conmueve
Excepcional cinta de romance que tuve oportunidad de ver en el Festival Internacional de Cine de Morelia, que va más allá del romance gay que se enfrenta a la adversidad o la lucha con el conflicto interno por la búsqueda de identidad, esta apunta a la reconciliación con las emociones y la sinceridad interior.

Timothée Chalamet y Armie Hammer ofrecen extraordinarias actuaciones, llenas de naturalidad y con una química que se gana toda la empatía posible. Particularmente Chamelet es enormemente espontáneo, y además de su habilidad lingüística hablando en 3 idiomas y su despliegue con el piano y la guitarra, el chico exuda la inseguridad y el ímpetu adolescente.

Por otro lado, la emotiva música se combina con el ambiente bucólico de la campiña italiana en la que se desarrolla la historia y que coadyuvan a la belleza del romance que se desarrolla con cierto idealismo pero también con realismo en las actitudes. Hay algunas escenas que conmueven sorprendentemente, al surgir de un momento sucio y cómico, pero que se transforma en vulnerabilidad y fragilidad emocional totalmente genuina, mostrando una gran habilidad en su director.

El guión está muy adecuadamente empleado al adecuarse a la personalidad de los personajes en los que nunca se aprecia una gota de artificialidad; sus palabras son reales y su deseo es palpable. El erotismo es altamente efectivo y de una ternura que emociona. Es notable también una escena padre-hijo en que un espléndido monólogo da una poderosa lección que, en mi opinión, tiene la capacidad de afectar vidas y resonar en la memoria con belleza y estruendo. La cinta nos invita a salir del clóset de las emociones para permitirnos sentir y vivir.

Creo firmemente que se trata de la mejor película de 2017, con la mejor actuación masculina del año en mnos de el mejor actor de su generación.
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7 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Death Note
Death Note (2017)
  • 3,5
    8.689
  • Estados Unidos Adam Wingard
  • Nat Wolff, Keith Stanfield, Margaret Qualley, Shea Whigham, ...
1
Asombrosamente mala
No me repongo del shock de Death Note. Encima leo algunas críticas en los extractos de Filmaffinity y pienso que o son lamebotas sin dignidad o padecen algún tipo de retraso mental. La película no "respeta el espíritu" del anime, es más, escupe y defeca en el espíritu al arrancarle todo dilema moral, al traicionar hasta la infamia a los personajes y sus personalidades, al hacer del personaje femenino una hollywoodización en su forma más deplorable y al ofender a la inteligencia con sus argumentos absurdos y ridículamente forzados. La banda sonora es una mentada de madre que no funciona ni como humor involuntario y la secuencia de créditos final es una burla a quien perdió su tiempo mirando ese tremendo pedazo de porquería. El director con su misoginia y absoluta cobardía para meter algún mínimo de controversia al convertir a Light en un mocoso enamorado confundido y víctima de las circunstancias, debería ser enviado a estudiar la primaria para ver si aprende clichés menos infames; y el de la fotografía con sus planos inclinados que no transmiten una mierda debería trabajar -cuando mucho- como peinador de los pelos escrotales de Eugenio Derbez; el guionista hace del propio guión una Death Note porque todo lo que escribe hace que cualquiera se quiera matar de la forma más rápida posible. Esto es, junto con alguna película de Adam Sandler y alguna otra de La Risa En Vacaciones, lo peor que jamás vi y veré, espero.
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20 de 33 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hasta los huesos
Hasta los huesos (2017)
  • 5,8
    3.824
  • Estados Unidos Marti Noxon
  • Lily Collins, Keanu Reeves, Rebekah Kennedy, Dana L. Wilson, ...
7
Una incisiva reflexión que llega hasta el hueso
Se empieza a volver una norma que cada vez que Netflix intenta meterse con un tema delicado, la ola de especulaciones y críticas a priori salen al ataque. Tratándose de una plataforma accedida por un público popular y en su mayoría joven, se considera delicado cuando un tema no se maneja con el suficiente cuidado, incluso con corrección política. Muchos parecen no solo subestimar la inteligencia del público, también olvidarse de que el refugio en los estereotipos es el peor tratamiento de un tema, y peor aun, no tratarlo siquiera.

To The Bone, sin embargo, no es una propuesta demasiado arriesgada —en este caso con el tema de la anorexia y los trastornos alimenticios—. Y no es difícil comprender por qué muchos juzgaron de antemano el trailer cuando este parece anunciar una comedia donde algunos gags de humor grisáceo buscan abordar el problema de una manera digerida y sin compromiso real, pero la película no es nada de eso.

Se trata de la historia de Ellen, una chica entrando en la adultez, amante del arte y el dibujo, que lucha con su anorexia y carga con la culpa de que sus expresiones publicadas en internet pudieran haber hecho daño a otra persona. Con una madrastra torpemente interesada en su sanación y que sin entender realmente el problema se esfuerza por ayudarla, Ellen carece de una verdadera comprensión. Su madre biológica, aún más frágil y desubicada, simplemente se rindió a mantenerla bajo su tutela, vive su vida aparte pese a darle su apoyo moral. Lo que parece su última oportunidad para mejorar, es internarse en un centro junto a otros chicos con problemas similares, bajo la vigilancia de un médico con procedimientos ligeramente arriesgados.

Casi desde el comienzo se percibe una estructura narrativa convencional, lo cual, aunado al acostumbrado estilo visual de las producciones de Netflix, sobrio y con colores apastelados, introduce en un tono suave pero no carente de golpes dramáticos. Aunque al inicio se advierte de que ciertos elementos pueden herir sensibilidades, hay una contención en cuanto a mostrar cuerpos horrorozamente marcados por la enfermedad o situaciones crudas. La fuerza del concepto no versa sobre el deseo de impresionar ni sacar lágrimas mediante chantajes brutales, lo cual es ya un punto a favor cuando normalmente los temas difíciles se plasman de esa forma en las primeras películas que los tratan. Aquí se salta ese “paso” para entrar al fondo, sin concesiones a los enfermos, sin lástimas por los que sufren.

El drama ilustra una familia temerosa y reticente a algo que en realidad desconocen, retratados con naturalidad y considerable ausencia de clichés. La protagonista, una chica de actitud confrontadora pero ordinaria mayormente, está genialmente interpretada por una Lily Collins comprometida y convincente, haciendo un papel con quien encuentra familiaridad al haber padecido ella misma un trastorno alimenticio. La directora y escritora, Marti Noxon, quien retrata parte de su propia experiencia con la anorexia, busca dirigir la reflexión de la manera más incisiva que el concepto le permite, con diálogos que retratan con credibilidad a cada personaje y argumentos que casi dejan atrás la labor pedagógica para penetrar en los puntos clave acerca de lo que aqueja a los personajes, su lucha y las razones por las cuales se resisten a salir. El sistema planteado para la mejora de Ellen busca confrontarla con la culpa que carga por dejar de ser persona y convertirse en un problema, la hace apreciar la vida no como un camino a un objetivo, sino como el objetivo en sí. Se le obliga a ver que su principal obstáculo es la cobardía y la auto indulgencia. Ten un par de huevos y vive, es el mensaje.

Pese a que el fondo temático suena áspero y poco correcto, la película consigue deslizarlo con ligereza y capacidad de convencimiento. La trama se desarrolla de forma muy amena, sin que los momentos amables resten realismo ni autenticidad. En cierto momento, puede preverse el típico ascenso del optimismo que precede a la recaída pesimista, y aun así la historia se mantiene sólida por su buena construcción de personajes, con algunas escenas totalmente emotivas y cargadas de emociones genuinas.

Es difícil decir si To The Bone logrará salvar vidas o convertirse en el máximo referente en el tema de los trastornos alimenticios, pero si algo deja claro con su bien documentado guión, es que las personas con tales problemas padecen cuadros altamente complicados y su lucha es tan distinta como cada persona, pero todos requieren de algo que siempre cuesta trabajo pedir: valor.

La producción de Netflix no solo calla la boca a sus temerosos guardianes de la solemnidad patológica, hace una pieza de reflexión y sano entretenimiento. Una de las mejores propuestas del año.
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11 de 13 usuarios han encontrado esta crítica útil
Closet Monster
Closet Monster (2015)
  • 6,4
    472
  • Canadá Stephen Dunn
  • Connor Jessup, Aaron Abrams, Isabella Rossellini, Joanne Kelly, ...
5
Extirpando el trauma
La ganadora en el festival internacional de cine de Toronto a mejor película canadiense es el ejemplo de un producto maquillado con estilo y aderezado con simpatía pero que bajo la superficie no soporta un mínimo análisis.

Con un concepto estético y musical que remite indudablemente al también canadiense Xavier Dolan, Stephen Dunn muestra en su ópera prima una historia sobre madurez y disfunción familiar, pero en su planteamiento inicial hay un tema mucho más profundo e interesante, relacionado con homofobia y traumas de la niñez, entre otros, sin embargo, nada logra un convencimiento o una elaboración sólida, ni en narrativa, ni en estilo, ni en guión.

El drama gira al rededor de Oscar, hijo de una familia quebrada, con un padre excéntrico y una madre que decidió huir, y que a temprana edad es testigo de un hecho violento de carácter homófobo. Más tarde, ya en su adolescencia, el joven vivirá -con un desarrollo un tanto típico- la rebeldía hacia el padre, la definición de su futuro profesional y especialmente el romance, que al igual que el descubrimiento de su propia identidad homosexual, estará marcada por aquel evento de su niñez. Hay además la inclusión de elementos oníricos y fantasiosos, que pretenden quizá ilustrar parte de la visión de la realidad por parte del protagonista en su difícil transcurso a la madurez. Y es solo quizás, ya que realmente tales detalles como el darle voz a un animal o asociar el placer sexual con fantasías terroríficas, no siempre logran una cohesión convincente, incluso llegan a ser solo distractores, dando la impresión de una trama que pierde la brújula usando recursos que parecen de más y que muy escasamente consiguen transmitir algo creíble con relación al protagonista. Oscar parece soñar y sentir mucho pero de esto se comprende poco.

Todo se desarrolla con agilidad, en un tono cálido en las escenas que lo requieren como los recuerdos y los momentos de acercamiento emocional, música electrónica que da ritmo y un notable uso de los colores, especialmente en la segunda mitad, pero con poca consistencia a lo largo de todo el metraje, asimismo con otros recursos como la cámara lenta, sin un concepto fílmico del todo concreto, pero con influencias que remiten a películas como Les amours imaginaires, y no solo en aspecto visual y sonoro. Hay un personaje que resulta prácticamente un clon de otro que aparece en el filme de Dolan, un adonis rubio sexualmente ambiguo con actitud de chico malo e intenciones inciertas al que se hacen honores con masturbación acompañada de olfateo de ropa. Aquí Dunn no esconde su inspiración, incluso empleando a Aliocha Schneider, actor que resulta ser hermano del mencionado (Niels Schneider) y de asombroso parecido, con algún par de momentos en que la situación, música e iluminación, hacen inevitable la reminiscencia.

A lo anterior se agrega a una elaboración no convincente del personaje del padre, con un arco poco creíble y actitudes escasamente justificadas. En general tal personaje sabe más a un requerimiento para generar ciertas situaciones necesarias al servicio del drama que vive el chico. En fin, un guión algo forzado, que con algo más de matices y suavizado de actitudes, podría haber tenido más credibilidad.

Casi al final, llega el momento de la catarsis en que todo el conjunto de fuerzas en juego tienen su explosión, intentando una cohesión entre los traumas, los sentimientos hacia la familia y los elementos psicológicamente simbólicos, pasando de una lógica infantil a una madurez, pero sin éxito. Aunque las reflexiones se pueden inferir, no se transmiten ni dejan un mensaje claro o un arco dramático sólido.

El estilo sin embargo, obtiene cierta efectividad. Sus fallas no chocan con el disfrute de su buen ritmo y conclusiones complacientes. Ese buen ritmo, ese tono cálido y esa temática que apela a la ineludible empatía por un niño lastimado devenido en adolescente aquejado y enamorado, se sabe capitalizar, haciendo que cierta línea dramática, pese a ser predecible, tenga simpatía y genere ligera expectación así como una leve tensión sexual. Aun así, y considerando la poca contundencia que hay de fondo, un contenido más explícito le hubiera dado al menos algo más de sazón.

Quizá podría haber sido una sencilla película de eficacia llana, pero su faceta psicológica le da una pretensión que al no lograrse, genera algo entretenido e interesante en la superficie, pero débil en su estructura.
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
El vigilante
El vigilante (2016)
  • 6,1
    27
  • México Diego Ros
  • Leonardo Alonso, Ari Gallegos, Héctor Holten, Lilia Mendoza, ...
7
No es lo mejor pero quizá es lo que propone algo ligeramente diferente
Una especie de thriller con destellos de comedia negra que en su trama involucra algunas pequeñas facetas sociales mexicanas, no exclusivas pero algo típicas. No es un filme localista, lo que me pareció positivo, aunque por otro lado podría haber explotado un poco más los elementos que maneja, tanto las situaciones de la trama como los temas que flotan en el aire incluyendo esos aspectos de la cotidianidad mexicana. La trama comienza planteando a un personaje totalmente simple y su involucramiento en situaciones cada vez más extrañas lo que va generando tensión, una tensión se consigue de forma progresiva y con solidez, sin hacerlo a uno ponerse al borde del asiento pero con cierta naturalidad que hace que no solo resulte creíble, también realista. Todo con sencillez y sin grandes pretensiones, cosa que quizá le faltó tanto para ser importante temáticamente como para ser realmente emocionante. Sin embargo todo funciona, es eficaz -que no eficiente- y esos pequeños toques que resultan graciosos dimensionan la historia en algo "extraño". Y es que no construye propiamente una historia, sino más bien un pequeño episodio para el protagonista y el trabajo que desempeña con una casualidad atípica que indirectamente asoma algunas problemáticas. En resumen, la película es pequeña (dura poco), el concepto es pequeño y su logro es bueno a secas. Pero sobre todo, ese estilo misterio-humor, con sus mínimas facetas sociales y dramáticas, la vuelven algo interesante por ser ligeramente diferente a lo que se hace en este país, donde pareciera que solo existe el narco y la miseria por un lado, y una burguesía idiota flotando en una burbuja por el otro. Aquí no se ve ninguna muestra ante el mundo de lo que es México, solo un trabajo auténtico, entretenido y curioso, que vale la pena ver si los distribuidores (quizá el mayor obstáculo para el cine de autor mexicano) tienen algo de criterio.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Theo y Hugo, París 5:59
Theo y Hugo, París 5:59 (2015)
  • 6,5
    678
  • Francia Olivier Ducastel, Jacques Martineau
  • Geoffrey Couët, François Nambot, Georges Daaboul, Mario Fanfani, ...
7
Sexo, amor, París y SIDA
Empezamos con una escena de sexo dentro de un cuarto oscuro, un establecimiento destinado a encuentros sexuales abiertos y desenfrenados entre hombres, donde solo se ven cuerpos desnudos alumbrados por luces que pintan su piel de rojo y azul, los colores de la bandera de Francia, país caracterizado por un cine transgresor, vanguardista y provocador, aquí produciendo una larga e intensa vorágine de instintivos deseos, que en un ambiente casi onírico se ve irrumpida por un asalto al corazón entre dos jóvenes participantes de la orgía que a primera vista son presa del amor y en una actitud casi hipnotizada se entregan a la carnalidad como si el mundo al rededor desapareciera, para después salir de ese idílico sueño a la realidad, lo que resulta ser París de madrugada, silencioso testigo del cúmulo de emociones que nuestros protagonistas experimentarán al saber que acaban de tener sexo de riesgo sin protección.

La película se desarrolla en tiempo real. La conversación, las confesiones y los reclamos son lo que sostienen las secuencias, la acción es poca y todo resulta sumamente sencillo, de manera que los silencios y los momentos de aparente inactividad son recurrentes, sin embargo, no hay escena en que alguna ligera tensión, un ocasional sentimiento, una palabra ahogada o un giro de actitud no esté presente, volviendo a esta una película muy humana que sin ninguna fórmula especial hace un ensayo sobre las relaciones, sobre el primer encuentro y sí, sobre el amor, que aunque manejado con un romanticismo cursi descarado, es tocado con absoluta transparencia, sin sentimentalismo manipulador ni golpes bajos, una cualidad acrecentada por la extrema naturalidad de las actuaciones, a cargo de actores amateur, reclutados por los directores a través de Facebook y cuya carencia de escuela formal es visible a la vez que afortunada dado el tono de una obra que como punto fuerte tiene la capacidad de contagiar de esas emociones reales, puras y transparentes, sin un pelo de dramatización artificial, lo cual además hace que el otro gran tema que plantea, pueda ser tomado con realismo y seriedad, y este es el SIDA.

El SIDA aquí es tratado desde un enfoque libre de la satanización y la sensibilería comunes, muy ubicado en los tiempos actuales, por momentos con cierta intención didáctica y en otro como elemento clave en la tónica emocional que los personajes cargan a lo largo de su vagar y divagar por París, haciendo notable que una enfermedad que suele inspirar inicialmente miedo, aquí es un factor de unión y fortaleza.

No obstante su sencillez, austeridad y linealidad, la dirección de cámaras es bastante cuidadosa además de que se aprovechan muy bien los escenarios y toda la puesta en escena resulta bella y de sólida realización.

Aunque al final se cae en el toque “feel good”, nunca se pierde la frescura de los personajes y al contrario, su carisma y empatía hacen del tópico algo necesario.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
El viajante
El viajante (2016)
  • 7,1
    6.478
  • Irán Asghar Farhadi
  • Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati, ...
7
El hombre iraní
Del director de Jodaeiye Nader az Simin, un drama sobre pareja, crimen y principalmente la vergüenza, pero con un trasfondo social muy presente a la vez que sutilmente manejado, muy del cine iraní. No posee el complicado juego de dilemas y confrontaciones de Una Separación, y tiene algunos detalles forzados en argumento, además en la parte media puede decaer ligeramente en intensidad. La secuencia final es de una tensión e incomodidad brillantes aunque con cierta manipulación.

Todo con el objetivo de mostrar el drama del hombre, que bajo la cultura, religión y sociedad iraníes, resulta una víctima más del sistema cuyo principal objetivo es tener control sobre la mujer, sobre la hija y sobre la esposa cuya mancillación ofende y humilla el honor del esposo.

El drama termina evidenciando también la hipocresía que tal sistema genera, ocultando el ego y la vergüenza bajo la hombría y el sentimiento de justicia, apoyándose en la discreta inclusión de un poster de Skammen (Vergüenza) de Bergman en una de las escenas.

Buenas actuaciones y el realismo y autenticidad esperado en las cintas de tal latitud, coronan a esta recomendable obra de drama intensamente humano y sutilmente social.
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7 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Manchester frente al mar
Manchester frente al mar (2016)
  • 7,1
    24.678
  • Estados Unidos Kenneth Lonergan
  • Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, ...
7
Sobre salir adelante... sin salir
El drama de un hombre marcado por la perdida y la tragedia, intentando sobrellevar la vida entre recuerdos de culpa y trámites funerarios, pareciera el viejo tema de sobreponerse ante la adversidad, sin embargo esta película nos muestra que unir algo roto es difícil o a veces imposible.

La historia se narra alternando escenas del presente con recuerdos del pasado que el protagonista evoca al enterarse de la ya esperada muerte de un familiar, sacando del baúl su triste pasado dándonos a conocer paulatinamente detalles sobre su vida y los que lo rodean, incluyendo a su sobrino que con su ímpetu y rebeldía adolescente lo confronta y lo orilla a la reflexión sobre sí mismo.

Casey Affleck brinda una actuación de mucha credibilidad, al interpretar un personaje melancólico y despojado de esperanza, que pareciera haber perdido las ganas incluso de llorar. Un papel muy atinadamente asignado a un actor que no brilla demasiado en su intensidad sino en los pequeños matices y en su capacidad de transmitir con el silencio y la contención de emociones.

Esta contención sin embargo –y ya que el peso dramático cae principalmente en el protagonista–, evita que la historia alcance algún pico emotivo que la vuelva demasiado memorable, no obstante se apega a su propia premisa de mostrar no un drama desgarrador (que lo hace por momentos), sino una historia de digerible amargura. Esta fácil digestión es apoyada por los varios toques cómicos, no en un sentido hilarante sino como frases mordaces que además de hacer llevadera la trama, acentúan un poco el aire triste. Pero tal aspecto demerita ligeramente en autenticidad; varias situaciones y escenas se notan armadas, diseñadas al servicio de un equilibrio, una emoción necesaria o un chiste oportuno, todo además con un guión imbuido por la tipicidad hollywoodense. Pese a esto, la naturalidad con que todo transcurre hace que, si bien no se percibe como una película hiperrealista, sea totalmente eficaz al momento de lograr lo que busca: retratar las difíciles relaciones familiares; conmover con el dolor reprimido; divertir con las situaciones cotidianas o el choque generacional. Sumándole la congruencia de los personajes, todo es un trabajo de consistencia argumental y temática. Por otro lado, la introspección psicológica es escasa y si bien hay emociones profundas, estas son evidentes por la situación, no hay un verdadero ejercicio de análisis o intimación, aunque tampoco hay esa intención. El drama es evidente pero contundente y con eso la cinta funciona a la perfección.

Algo muy positivo es el final, que es totalmente fiel al tono y el sentido del drama, al dejar buen sabor y ser igualmente triste, pero sobre todo al ser un final lógico, sin catarsis cliché ni arcos forzados, dejando –después de un drama que no impresiona–, un toque de realismo que dimensiona el trabajo de Kenneth Lonergan no como un acartonado panfleto esperanzador, sino como un intento de comprensión.
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53 de 58 usuarios han encontrado esta crítica útil
No respires
No respires (2016)
  • 6,4
    20.949
  • Estados Unidos Fede Álvarez
  • Jane Levy, Dylan Minnette, Stephen Lang, Daniel Zovatto, ...
7
Otra victoria en el resurgimiento del terror.
Lo interesante de analizar películas de terror es, ya sea, el destrozar un producto malo con divertidas analogías y exquisitas ridiculizaciones, o bien, encontrar dónde está el encanto de algo que casi por definición, está al borde de la credibilidad o del sentido común y sin embargo ha logrado atraparnos y emocionarnos.

Para un género donde se han utilizado toda clase de tramas y villanos de todas las naturalezas, la originalidad es un recurso escaso, y el caso de Don't Breathe no es la excepción. Adolescentes que entran a robar a una casa en la que se encontrarán con algo totalmente inesperado, no suena ni remotamente novedoso, y es aquí donde nos preguntamos cuál es ese encanto que la hace brillar, y creo que —coincidiendo con otras recientes películas de terror sobresalientes y gracias a lo cual han logrado revivir el género—, básicamente son dos los factores que consiguen la magia: atmósfera y credibilidad.

Una trama que se basa en el esfuerzo por salvar la vida de una inconcebible amenaza, no es algo con lo que cualquiera se pueda identificar, requiere convencer, y para ello, Don't Breathe evita totalmente los argumentos fantásticos o sobrenaturales, pero no solo eso, cuenta con una gran habilidad para desarrollar la acción y resolver convincentemente las situaciones. Además, construye suficientemente a los personajes y su contexto, para hacer que —sin llegar a ser profundos o contar con un guión destacable— sus actitudes sean justificables. Es hasta cierto punto realista y eficaz.

La atmósfera, por otro lado, se logra gracias a un excelente manejo de sus recursos, que son pocos, pero atinadamente colocados en tiempo y forma. Va al grano y no se pierde en intentos típicos de crear suspenso, el clima tenso se va logrando sobre la marcha, con un gran uso de la oscuridad y los silencios. Es particularmente interesante en los ángulos de la cámara, bastante variados y con cierto estilo que cuando menos resulta fresco y abonan al ambiente angustioso.

Hay que señalar que hasta este punto pareciera que se habla más de un thriller que de de un producto de terror, y realmente hasta pasada la mitad de la película, pareciera ser solo un thriller, pero aquí es donde entra otro elemento importante y es esa infaltable amenaza a la vida de la que los personajes deben huir, en este caso encarnada por Stephen Lang, en un inquietante personaje que sin poseer cualidades sobrenaturales, cierta particularidad lo vuelve imponente, impredecible y perturbador, apoyado además por las revelaciones y sorpresas que van ocurriendo, que vuelven la historia cada vez más sórdida.

Todo este cúmulo de afortunados elementos no hacen que el director escape de recurrir a cierto giro tramposo, cierto personaje cliché, y un final que no sorprende y es hasta predecible. Aunque personalmente pienso que el mayor defecto de la cinta, es no aprovechar el sentimiento un poco nihilista que se va acentuando al final, cayendo en un pequeño detalle de esperanza espiritual, que se va a lo convencionalista y evita que la película entre en la liga de, por ejemplo, Martyrs, además de que evita un poco lo gráfico y la sangre en exceso, elemento que, bien manejados, pueden sumar puntos. Pese a todo, dignamente se ubica entre ese grupo de recientes joyas que mantienen vivo al género.
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0 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sólo el fin del mundo
Sólo el fin del mundo (2016)
  • 6,2
    3.723
  • Canadá Xavier Dolan
  • Gaspard Ulliel, Nathalie Baye, Vincent Cassel, Léa Seydoux, ...
6
Dejar de idealizar a Dolan no es el fin del mundo
Un drama familiar centrado en una angustiosa y extraña dinámica, donde hay poca historia o desarrollo de eventos. El objetivo es comprender esa dinámica y entender a los personajes, cosa que se consigue, pero desgraciadamente sin la suficiente conexión emocional, haciendo que todo resulte un poco distante, pese al intenso y a veces hasta estridente intento de las actuaciones por generar dramatismo, aspecto acentuado por un errado uso de la banda sonora, algo que sorprende viniendo de Dolan. Sin embargo considero que la construcción psicológica es sólida y hay escenas donde el sello audiovisual del director queda de manifiesto aunque con poca consistencia con el resto de la cinta.

La actuaciones están suficientemente matizadas y lo papeles correctamente delineados, sin embargo tal elenco suponía una obra más grande y memorable, para algo que se siente menor. Además, algunos aspectos sobre el protagonista son poco explorados y termina sin darle suficiente conclusión, situación que no le resta contundencia al tema central, pero termina dejando la sensación de algo que quedó corto.

Lo nuevo del joven director canadiense no es para usar la palabra "decepción" pero era cuando menos para esperar algo más ambicioso. Personalmente me gustó pero aconsejaría verla con bajas expectativas.
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26 de 30 usuarios han encontrado esta crítica útil
Blind
Blind (2014)
  • 6,5
    1.652
  • Noruega Eskil Vogt
  • Ellen Dorrit Petersen, Marius Kolbenstvedt, Vera Vitali, Henrik Rafaelsen, ...
8
Blind. Ingrid y la escritura.
Esta ópera prima independiente del director Eskil Vogt, un profundo drama psicológico con toques de romance y elementos meta narrativos, resulta indirectamente una exploración de las condicionantes que afectan a un autor.

Se nos muestra inicialmente a una escritora que recientemente quedó ciega, inmersa en una situación de fracaso amoroso y de depresión. Vemos cómo a través de sus escritos desahoga su frustración, explora sus íntimas fantasías e incluso sacia sus rencores. Se trata de una protagonista que en su fuero interno no teme a la confrontación consigo misma; elabora personajes que en sus actitudes destructivas develan sus miserias, a la vez que son desnudados por su autor, quien como un elemento omnipresente juega perversamente con ellos, volviéndose ella misma parte de su propio juego destructivo.

Poco a poco, conforme vamos siendo testigos de las fantasías y relatos de la protagonista, vemos como de forma consciente ella refleja sus propias experiencias, y de forma inconsciente plasma su propia personalidad irascible y celosa como un factor en su propia espiral decadente. Aquí la escritora llega a perder un poco el control de su propia obra, esta deja de ser un ejercicio creativo para volverse una válvula de escape en la vida de oscuridad y aislamiento en que ha caído, la única luz que puede ver, la luz de su propio espacio mental, habitado por sus recuerdos, secretos y fantasías, un mundo que a veces no sabemos si es real o fantasía; si lo que se ve como un flashback realmente ocurrió o es solo un recuerdo incompleto reacomodado por odios y deseos. Nada es claro, salvo lo que ese mundo refleja de su propio creador: una vida sexual insatisfecha; una inseguridad hacia su pareja; un enfriamiento en su relación y detalles simples y frívolos en apariencia, que terminaron por volverse determinantes en su dañada relación.

La cinta termina por evidenciar como dentro la mente, un pequeño conflicto, un elemento faltante o una simple duda puede volverse gigantesca. Ese mundo es donde la protagonista se ha sumergido y sus escritos no son más que la expresión, el medio para un fin, que es el de satisfacer todo lo que en su vida real no consiguió. Pero igualmente, el escribir la confronta, llevándola a una conclusión sencilla.

Así, la escritura juega incluso un papel terapéutico, un medio de conflicto interno y un medio de solución. Para Ingrid, esa mujer confinada a la tiniebla y soledad, la escritura es más que una forma de expresión, es un sistema de comprensión de sí misma.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
La dictadura perfecta
La dictadura perfecta (2014)
  • 6,8
    1.159
  • México Luis Estrada
  • Damián Alcázar, Alfonso Herrera, Osvaldo Benavides, Joaquín Cosío, ...
5
No pasa de ser una simple crítica.
Luis Estrada pareciera tener la consigna de restregarnos a toda costa la basura en la política mexicana y su relación con los medios, una trama que independientemente de los agujeros es penosamente obvia, las sátiras de eventos reales, de tan básicas son casi didácticas, mejores gags y situaciones hemos visto en episodios de "El privilegio de mandar". Pero lo realmente malo es que con mucho trabajo saca una risa. La cinta deja con más sensación de hastío y saturación de resentimiento social, que de un buen sabor de haber visto una comedia, situación que es lamentable ya que tampoco hay drama; un sinnúmero de situaciones que pudieron haber sido explotadas con drama, tensión o algún tipo de emoción fueron desaprovechadas, narradas de forma deshabrida y simplona, que fue la sensación que predominó mientras la veía. Al final, nada nuevo, no nos han quitado ninguna venda de los ojos y una cinta sin nada original o realmente propositivo, aunque digna de reconocer por su intención crítica, cosa que sí hace falta. Y el aspecto final que es lo que más suelo enfatizar en las producciones mexicanas, es esa falta de nivel en los guiones, pareciera que la premisa es "no los hagamos pensar" y no termino de entender si es por falta de habilidad del guionista o por temor a perder negocio.
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4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cantinflas
Cantinflas (2014)
  • 5,6
    1.128
  • México Sebastián del Amo
  • Óscar Jaenada, Michael Imperioli, Ilse Salas, Luis Gerardo Méndez, ...
5
Pena
La película que busca retratar a una de las máximas figuras mexicanas, resulta en una penosa decepción. Superficial y baratísima historia, de guión pobre y absolutamente obvio, diálogos penosamente explicativos, actuaciones carentes de naturalidad y credibilidad y una narrativa simplona y sin estilo, además de no aportar profundidad al protagonista ni buscar darle una imagen auténticamente humana. Hay detalles interesantes de su historia pero no alcanza para rescatarla, y mejor ni mencionar el patético desfile de actores que intentan representar viejos íconos del cine de forma burda y barata. En fin, una trama tan sutil como una patada en la cara. Es importante señalar que el protagonista hace bastante bien su imitación de Cantinflas, dejando de lado el prejuicio hacia su persona por ser español, asunto que lastimó a muchos y generó desconfianza, pero en mi humilde opinión, si alguien hace algo bien, no debe prejuzgársele solo por su nacionalidad. El actor interpreta correctamente en su faceta de imitación, pero en lo que respecta a Mario Moreno, es igual de mediocre que el resto del elenco. En general es triste que una película de este nivel tan básico se venda al público mexicano, pareciera que hay una costumbre de generar malos productos por un lado, y un ojo crítico muy poco exigente por el otro, un círculo vicioso que produce estos filmes, que pareciera intentan no hacer pensar al espectador, tratándolo de forma infantil y sin respeto a la inteligencia, la triste herencia de las telenovelas. Debe buscarse un cambio sustancial en el nivel de los guiones o seguiremos teniendo esperpentos como este o como No Se Aceptan Devoluciones, y lo peor es que muchos los considerarán las glorias del cine.
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1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia)
Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) (2014)
  • 7,1
    69.062
  • Estados Unidos Alejandro González Iñárritu
  • Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, ...
9
Ícaro o la terrible realidad del cine
Muchísimas cosas podrían decirse de esta película de la perfecta dirección, la novedosa e impresionante fotografía, del incisivo y sutil guión, de las excelentes actuaciones (todas), de los numerosos temas que toca, de lo que significa para el cine actual, de lo que significa para la filmografía de Iñárritu y de lo que significa para Michael Keaton. No solo está extraordinariamente bien lograda en cuestión técnica, además es sumamente divertida y tiene mucha profundidad en varios niveles, está llena de símbolos, de mensajes y sutilezas. Es una crítica dura al rumbo del cine actual, y no tanto una crítica, más bien una reflexión de la realidad triste del mundo cinematográfico. Pero es también un drama humano bastante interesante y una verdadera aportación al buen cine. Es una película valiosísima que debería (auizá no lo haga) sacudir hasta los cimientos a Hollwood. Y el final, da para mucho análisis, que trataré de resumir a continuación:
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59 de 92 usuarios han encontrado esta crítica útil
Towelhead (Nada es privado)
Towelhead (Nada es privado) (2008)
  • 6,6
    847
  • Estados Unidos Alan Ball
  • Summer Bishil, Aaron Eckhart, Toni Collette, Peter MacDissi, ...
6
Muchos elementos dramáticos pero al final poco drama
Drama de crítica al llamado ´´Estilo de vida americano´´ que busca un poco la denuncia social y termina quizá sin querer, siendo aleccionadora y hasta un poco cursi. Comienza planteando un drama fuerte y bastante interesante por sus ingredientes de temas raciales, sociales, políticos y sexuales, aunque uno de los personajes de más fuerza (el padre) es algo plano y se siente poco auténtico a pesar de sus múltiples facetas de villano. Hay otros personajes que cumplen también su papel como equilibrantes morales en la historia mientras otros son claramente la pérdida de la brújula moral. Por momentos pareciera que la historia pierde un poco su equilibrio y el centro del drama, además de que en general el drama que vive la protagonista está manejado de forma algo light y un poco insípida, sin ser intenso o rudo como podría haber sido, ni tampoco del lado del humor negro. El final no es precisamente cliché pero esa intención de dejar buen sabor se siente algo forzada y poco coherente en la historia. En general es una película interesante que plantea temas y situaciones bastante rescatables pero que en drama resulta mal lograda.
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Nadie sabe
Nadie sabe (2004)
  • 7,7
    6.014
  • Japón Hirokazu Koreeda
  • Yûya Yagira, Ayu Kitaura, Hiei Kimura, Momoko Shimizu, ...
7
Sencillez que transmite
Drama familiar y social que cuenta con la gran virtud de estar bien dirigida especialmente en el aspecto de los niños, que se muestran muy naturales y se resalta su inocencia y ternura. El nivel de drama es paulatino, comienza siendo una historia tranquila y sencilla, poco a poco se va tornando más dramática y dura, aunque sin ser muy gráfica ni intensa, transmite muy bien la rudeza de la situación. Especialmente hacia el final, un giro es bastante dramático pero es manejado con suavidad. El guión podría haber ahondado más en algunos personajes secundarios y analizar más el personaje de la madre que termina siendo simplemente extraño y y tan ausente como la historia la ubica. El final podría haber sido un poco más contundente y en general es un poco largo el metraje y algo lento el ritmo por momentos, pero es entretenida. Vale la pena.
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Moebius
Moebius (2013)
  • 6,1
    600
  • Corea del Sur Kim Ki-duk
  • Cho Jae-yun, Yeong-ju Seo, Lee Eun-woo
7
Nuevamente la sordidez coreana
Muy entretenida cinta de drama psicológico con muchos elementos algo ya clásicos del cine coreano, situaciones retorcidas, personajes perversos y una trama desprovista de moral. Interesante aunque a veces forzado el recurso de uno usar diálogos, haciendo a la cinta totalmente visual, lo cual la hace depender mucho de las expresiones de los actores y sus actitudes, lo cual resulta en contra ya que muchas actuaciones no están bien logradas y muchas situaciones se ven forzadas y poco creíbles. Tampoco hay tanta calidad en la dirección y pudo ser un poco más explícita y gráfica, ya que a veces resulta un poco reprimida. Dentro de todo, la intensidad y la incomodidad dramática que se transmite es efectiva y aunque en general la historia no sea tan creíble (sumado a algún detalle al final algo innecesario) se puede disfrutar para los amantes de lo enfermizo.
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Nymphomaniac. Volumen 1
Nymphomaniac. Volumen 1 (2013)
  • 6,7
    21.364
  • Dinamarca Lars von Trier
  • Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf, ...
7
Decepción y encanto
Lars von Trier crea una cinta altamente complicada y de mucho potencial, enormemente inflada desde antes de su estreno con posters promocionales engañosos y promesas de impactante contenido, resultando en una película en la que la desilusión es el factor constante. Siendo este director, las expectativas eran altas, y es que en esta obra (tanto el volumen I como el II) no se ve la consistencia narrativa, la coherencia, solidez en el guión y la profundidad en el mensaje que ha demostrado tener en varias de sus otras creaciones, ni siquiera la brillantez visual que en otras ocasiones ha suplico las limitaciones en el argumento. En el volumen I hay bastante dinamismo en la narrativa, los elementos visuales que usa de apoyo son llamativos y la hacen muy entretenida, el lenguaje usado en el diálogo entre Charlotte Gainsbourg y Stellan Skarsgård es un poco rebuscado pero muy interesante, aunque a veces muy explicativo, restando sutilidad a la trama, por momentos todo es muy obvio y no deja mucho a la interpretación. Hay grandes momentos en el que se conjugan una excelente edición y gran dirección, pero por otro lado, dramáticamente no es tan intensa como podría haber sido, en ese aspecto es un poco mediocre. En la segunda parte la agilidad y el contenido fuerte descienden, con algunos segmentos algo tediosos, pero se da más forma a la evolución de la protagonista y se profundiza en el drama que vive, pero, nuevamente, sin alcanzar gran fuerza en el drama, dejando temas y personajes desaprovechados, además de que en general los personajes están pobremente desarrollados. En general da la impresión de que von Trier intentaba escapar de lo predecible o de cualquier tipo de expectativa. Al final algunas reacciones de los personajes son poco coherentes o al menos poco comprensibles (aunque no inverosímiles) y termina de una forma algo simple y repentina aunque intrigante. Algo interesante son las reminiscencias a Anticristo, ya que no solamente hay alguna escena claramente referencial a esa cinta, también el tema de la maldad inherente al ser humano y lo pecaminoso en la mujer, son temas coincidentes. Dentro de todas sus fallas hay que decir que es una película que se disfruta y resulta muy valiosa.
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La tumba de Bruce Lee
La tumba de Bruce Lee (2013)
  • 4,5
    285
  • España Julián Génisson, Lorena Iglesias, ...
  • Julián Génisson, Lorena Iglesias, Aaron Rux, Pilar Barrios, ...
6
Más allá de lo cinematográfico, el concepto.
Cinta de bajo presupuesto y quizá no tanta ambición en su ejecución como la audacia de algunos de los conceptos e ideas en su guión. La historia no escapa demasiado a lo convencional con la fórmula del viaje frívolo que resulta en introspección existencial, la particularidad está en varias de las frases y diálogos concretamente de uno de los personajes que dan a la trama un perfil casi filosófico y un poco kafkiano, entre algunas situaciones un poco surrealistas salpicadas de sutil humor, resultando en una obra al menos interesante. Sin embargo algunos giros y conflictos entre los personajes se dan de forma un poco abrupta y con sensación de que pudieron tener más imaginación para dar credibilidad a la historia y dar más fuerza al concepto que se pretendía transmitir, el cual al final no queda tan absolutamente claro dado el repentino giro que al menos da a la película un buen toque de emoción y cierta conclusión en algunos de los temas que el guión plantea pero no suficiente contundencia a la evolución de los personajes. Un poco más de ritmo y expresividad en los actores hubieran dado más efectividad pero al menos lo provocativo de su argumento vuelven al filme digno de verse.
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1 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil