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Críticas de Hanshiro Tsugumo
Críticas ordenadas por:
Soy el ángel de la muerte (Pusher 3)
Soy el ángel de la muerte (Pusher 3) (2005)
  • 6,6
    1.117
  • Dinamarca Nicolas Winding Refn
  • Zlatko Buric, Marinela Dekic, Ilyas Agac, Gitte Dan, ...
8
Genial cierre de una genial trilogía.
Seré breve: el señorito Refn se marca un hat-trick con esta trilogía criminal de los suburbios de Copenhague. Brutales las tres películas, pero especial mención a la primera y la tercera. Si la primera era una contrarreloj desasosegante, vibrante, claustrofóbica y que engancha como una droga, en esta la película que cierra la trilogía se vuelve a salir con una de sus mejores películas.

Casi toda la trama transcurre en un día, girando en torno a la fiesta de cumpleaños de la hija de Milo. Aparecen mil problemas in crescendo, hasta el clímax. No apto para sensibles ni delicados, el que avisa no es traidor. Es bastante fuerte.

Peliculón que, al contrario de lo habitual, no solo empieza bien, si no que en el transcurso de los minutos mejora progresivamente como el buen vino. Recomendable.
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Orozco el embalsamador
Orozco el embalsamador (2001)
  • 5,8
    87
  • Colombia Tsurisaki Kiyotaka
  • Documentary, Froilan Orozco
6
En respuesta a loboden (con muchísimo retraso):
No es fácil llegar al conocimiento de la existencia de este documental, pero nunca es tarde si la dicha es buena.

Está mal que lo diga, aunque me escudo en el anonimato para responder al usuario loboden muchos años después, ya que yo sí he presenciado y practicado con mis propias manos autopsias, por cortos periodos de tiempo en los que he trabajado como forense a ratos sí, a ratos no (no como embalsamador, que es otro trabajo del que conozco lo justo).

Efectivamente las maneras y los métodos empleados por el tal Orozco no son las mejores. Ya hace algunos meses que vi el documental y no lo recuerdo en su totalidad, pero sí me impresionó como mueve los cadáveres con correas, como si fueran embutido, para subirlos a la mesa. Aunque también es cierto que no tiene ayuda para realizar tal tarea físicamente exigente, además de sus problemas de salud que le complican realizar semejante esfuerzo. Tenía el hombre una teoría absurda de por qué no abría los cráneos, asegurando que se aceleraba la putrefacción o algo así. La impresión que me dio realmente es que carecía de los medios materiales y la ayuda necesaria para abrir cráneos y examinar el encéfalo (evidentemente es muy importante hacerlo, siempre hay que explorar las tres grandes cavidades: craneal, torácica y abdominal). Las vísceras se extraen en bloque, se examinan, se pesan y, tras hacerle a cada órgano su pertinente examen (quedan troceados en varias partes), se introducen en bolsas y de nuevo al interior del cuerpo. Los rellenos con trapos, resinas y demás materiales corresponden al trabajo de los embalsamadores en los tanatorios, no es competencia del médico forense maquillar ni lavar el pelo ni demás acciones, “solo” describir lesiones, fechar la muerte, buscar tóxicos, causa de la muerte y si es violenta o natural, patologías concomitantes y demás circunstancias.

En un momento del documental aparece un auténtico embalsamador, en un lugar de trabajo más apropiado, dentro de lo que cabe, y con mejores materiales y conocimientos, que resulta evidente, “arreglando” el cadáver de una chica. Las diferencias con el modus operandi de Orozco se hacen evidentes. Además este hombre sí abre el cráneo de la chica, como se debe hacer.

El señor Orozco, que en paz descanse, da la impresión de ser un superviviente en un mundo cruel, violento, en el que una vida no vale absolutamente nada. Solo se gana la vida haciendo un trabajo desagradecido de la única manera que puede, sin medios técnicos, humanos ni conocimientos necesarios. Hacía un trabajo más o menos aceptable según para quien lo quiera ver, sobre todo por el nulo valor de las personas en ese ambiente, ganaba su dinero y vivía. Y esa parece ser toda su preocupación, más allá de hacer un buen trabajo o tratar con algo de delicadeza a los cuerpos.

La musiquilla de salsa omnipresente se torna macabra y algo desquiciante. Aparecen además escenas de levantamientos de cadáveres en la calle, todas muertes violentas, rodeados de curiosos y niños, que presencian por ejemplo a un chaval cosido a tiros en una acera, o a una prostituta molida a palos y apuñalada en la calle, a plena luz del día. Aunque no lo crean, esas cosas existen, y algunos nos las hemos tragado porque alguien tiene que hacerlo. El mal nunca toma vacaciones, y en ciertos países forma parte del día a día.
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Luces al atardecer (Las luces del suburbio)
Luces al atardecer (Las luces del suburbio) (2006)
  • 6,7
    2.330
  • Finlandia Aki Kaurismäki
  • Janne Hyytiäinen, Maria Järvenhelmi, Ilkka Koivula, Maria Heiskanen, ...
7
Si algo puede salir mal… Va a salir mal.
Aki Kaurismäki tiene su parte buena y su parte mala, como todo en esta vida. Lo bueno es que sus películas son, generalmente, de corta duración, con personajes y situaciones mundanas con las que cualquier mindundi puede identificarse, incluso en ocasiones tiene ciertos tics humorísticos (de un humor muy nórdico, pero con cierta efectividad) y también suele incorporar buena música de los más variados estilos. Lo malo, que a veces llega a hacerse algo cansino, repetitivo o alarga excesivamente ciertas escenas que terminan por resultar tediosas, ayudado por la parquedad de diálogos habitual. Y otro aspecto que podría considerarse negativo, neutral o positivo, según la maldad del espectador, pero que sin embargo es una de las señas de identidad de Kaurismäki, es cómo maltrata a sus personajes principales, que suelen ser perdedores a los que el mundo jamás echaría en falta si los aplastara un tráiler.

“Luces al atardecer” se adentra en cierta manera en el “neo-noir”, con una trama criminal como catalizador de las inevitables desgracias del protagonista. Un protagonista, por cierto, que tiene el dudoso honor de ser el más vapuleado por el director, de toda la filmografía que llevo vista. Todas las desgracias imaginables le suceden al ya de por sí desgraciado protagonista, lo que despierta la rabia interior del espectador con cierta humanidad. Un ser ignorado por completo por el resto de la especie humana, al que no solo se le hace el vacío absoluto, sino que además cualquier intento de acercamiento a la aceptación y las relaciones interpersonales termina de mala manera, perjudicándolo aún más. Excepción hecha de la vendedora de comida rápida del descampado en mitad de la nada, la única persona que no destruye aún más al sufrido protagonista en su particular via crucis.

Crimen, mafiosos, femme fatale, palizas fuera de plano, toques de humor negro ocasionales (memorable la femme fatale pasando la aspiradora), para una película que al rato después de verla nos damos cuenta de lo durísima que era, que remueve odio interior y dan ganas de volver atrás en el tiempo para coger por banda a alguien que nos jodió y permanecimos impasibles y darle su merecido. Imprescindible ver con prozac.
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Estrella oscura
Estrella oscura (1974)
  • 5,3
    1.527
  • Estados Unidos John Carpenter
  • Dan O'Bannon, Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, ...
6
Alien, el octavo bote.
Una auténtica locura dentro de la ciencia-ficción y, por qué no, de la comedia. “Dark Star” parodia el clásico de Kubrick “2001: Una odisea en el espacio”, y me pregunto si será ese el motivo por el que le pusieron el “mote” en la traducción en español de “aluniza como puedas”, para pegarles un tiro.

Ese gran director que es John Carpenter hacía sus primeros pinitos en el cine con esta demencial película, mezcla de géneros, con momentos inolvidables, como ese alien que es una traviesa pelota de playa (¡parodia de Alien pero antes de Alien!), esos tipos barbudos que habitan la nave cuya misión no deja de ser absurda (¿hacer explotar planetas que supuestamente lo necesitan?), ese ser viviente que está permanentemente en la cúpula de la nave mirando al infinito, el sabio comandante Powell siempre dispuesto a dar consejos a pesar del pequeño inconveniente de estar muerto y preservado criogénicamente (de lo mejor de la película), negociaciones filosóficas con una bomba (he aquí la culminación de la parodia de “2001”, la otra mejor parte de la película), y seguro que me dejo bastantes cosas.

Serie B rica rica, y con fundamento.
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Opening Night (Noche de estreno)
Opening Night (Noche de estreno) (1977)
  • 7,7
    2.581
  • Estados Unidos John Cassavetes
  • Gena Rowlands, Ben Gazzara, John Cassavetes, Joan Blondell, ...
8
Made in Cassavetes.
A día de hoy, creo haber visto solo tres películas de John Cassavetes. Hay un sesgo para decidir hasta qué punto me parece interesante este peculiar director, ya que he seleccionado las primeras tres que me parecía que podían gustarme más. Los ingredientes propios del director quedan plasmados en cualquiera de sus obras. Si tuviera que resumir el cine de Cassavetes de la forma más breve posible, diría que es “emocionalmente intenso”. Su cine tiene una carga importante de emociones, sentimientos, pensamientos y sensaciones, que transmite la compleja psique de los personajes directamente al lóbulo frontal del espectador. Un espectador que debe prepararse para recibir una avalancha de emociones difícilmente comparable.

Otra característica del cine de Cassavetes es que solía rodearse del mismo equipo para rodar sus películas. Y menudo equipo. Destaca por encima de todos una excepcional Gena Rowlands, que está de Óscar tanto en “Opening night” como en “Una mujer bajo la influencia”. En ambas películas sostiene toda la carga dramática sobre su portentosa interpretación, y en ambas obras el argumento gira en torno a la convulsa e incomprendida mente y sentimientos de su protagonista. Además tenemos habitualmente a ese pedazo de actor que es Ben Gazzara, que con Cassavetes se corona en su cima interpretativa, por ejemplo en ésta película o en “El asesinato de un corredor de apuestas chino”, en un género (el thriller) en el que Cassavetes parece perderse, pero que consigue finalmente una gran película difícil de olvidar.

“Opening night” es una película densa en cuanto a carga dramática, que consigue ponernos en la piel de su protagonista, haciéndonos partícipes de su crisis. Todo se muestra como lo hace el buen cine independiente, un aura underground envuelve esta obra, incluye escenas con público en directo. Realmente un trabajo arriesgado y experimental, que todo cinéfilo o aspirante a cineasta debería ver.
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A.C.A.B.: All Cops Are Bastards
A.C.A.B.: All Cops Are Bastards (2012)
  • 6,1
    441
  • Italia Stefano Sollima
  • Pierfrancesco Favino, Filippo Nigro, Andrea Sartoretti, Marco Giallini, ...
7
¿Poner la otra mejilla? Ese no es mi estilo.
Muy interesante película sobre un grupo de policías antidisturbios italianos. El planteamiento es interesante por tratar de ponernos en el lugar de ese tipo cuyo trabajo es acudir a todas las guerras urbanas sean por el motivo que sean, a ponerse a resguardo tras un escudo mientras recibe una lluvia de piedras, botellas, bengalas, cocteles molotov y hostias. Aunque se les vaya la mano de vez en cuando, ayudado por la tensión de las situaciones jodidas en las que se ven envueltos, se supone que deben permanecer estoicos y aguantar el chaparrón sin responder a no ser que peligren sus vidas. Hartos del tremendo estrés al que viven sometidos, del que culpan en parte a sus propias normas y a la legalidad, en sus ratos libres se toman la justicia por su mano con ánimo de revancha, buscando a los hooligans o a otros colectivos con los que se han enfrentado y zurrarles para saciar su sed de venganza.

La pandilla de policías protagonistas son corruptos y se rigen por su propio código interno, hasta el punto de convertirse en todo aquello que más odian durante su tiempo libre. Sin embargo, la película intenta con más o menos éxito transmitir lo harto que puede llegar a estar alguien de aguantar día tras día lo inaguantable sin perder los estribos. Los que hemos tenido trabajos que queman, que te hacen incesantemente recibir sin poder dar (y no hace falta ser antidisturbios) sabemos lo que nos quiere contar “A.C.A.B.”. No es ningún peliculón, pero es un film correcto que te puede salvar una tarde.
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Pusher: Un paseo por el abismo
Pusher: Un paseo por el abismo (1996)
  • 6,6
    2.298
  • Dinamarca Nicolas Winding Refn
  • Kim Bodnia, Zlatko Buric, Laura Drasbæk, Slavko Labovic, ...
8
Gangsters suburbanos.
Nicolas Winding Refn es todo un descubrimiento, un director que imprime su sello personal a su filmografía, muy dado a recurrir a la violencia explosiva que roza el gore. Sus películas están pobladas por perdedores a los que nadie echaría de menos, que se ven envueltos en una espiral de destrucción personal y de todo aquello que les rodea. Otro de sus sellos marca de la casa es que siempre tienen que reventarle la cabeza a alguien (y en esto me recuerda a Lucio Fulci, parece que tenía también una promesa).

Sus comienzos están marcados por la trilogía “Pusher”, que relata las tribulaciones de los camellos y mafiosillos de barrio de los suburbios de Copenhague. En esta primera entrega nos presenta una historia sucia, que genera asfixia en el espectador, protagonizada por un camello (muy digno Kim Bodnia) que le debe un pastón a su jefe y que tiene un plazo limitado para recaudarlo antes de pagarlo con su vida. Por allí le acompaña un Mads Mikkelsen que sorprende con un personaje de lo más estrafalario. Thriller barriobajero, mugriento, violento, aderezado con una buena banda sonora metal orquestada por The Prisoner. Refn comienza su carrera como el Guy Ritchie danés, pero sin apenas humor y con mucha mala uva.

Recomendable para adictos a los thrillers que dejan huella.
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Glengarry Glen Ross (Éxito a cualquier precio)
Glengarry Glen Ross (Éxito a cualquier precio) (1992)
  • 7,1
    6.737
  • Estados Unidos James Foley
  • Al Pacino, Ed Harris, Jack Lemmon, Jonathan Pryce, ...
8
Teatro del bueno.
Buena película que más bien es una obra de teatro, minimalista, reducida a apenas tres escenarios (la mayor parte de la acción se desarrolla en la oficina), con un reparto de auténtico lujo y un guion a la altura de las exigencias. La historia de unos tiburones inmobiliarios que se ven obligados a canibalizarse entre ellos por dos razones, ganar un suculento premio o evitar ser expulsado del negocio. Por el camino, recolectando víctimas que sean engañadas, estafadas o manipuladas de cualquier forma (lo que sea menos la propia voluntad del cliente de querer hacer negocio).

Se trata de una película que se apoya totalmente en las actuaciones y en el guion. Por suerte, el guion es de David Mamet y los actores se lo comen con patatas. Imposible elegir que actor (o personaje) es el mejor, todos encajan y todos son fantásticos. Y ahí tenemos a un Alec Baldwin que en los cinco minutos que aparece supone una explosión atómica que vale por toda la pirotecnia de una super-producción de Hollywood. Al Pacino dando rienda suelta a sus habituales ojos tirotóxicos, alardeos y espasmos generalizados. Jack Lemmon arriba y Jack Lemmon abajo de forma bipolar. ¿Y el resto? Sensacionales. Eso sí, ni una sola fémina en toda la película. Si se hiciera esta película hoy en día sería objeto de feroces críticas “igualitarias”, y su director y guionista crucificados, lanceados, amenazados y boicoteados sin compasión en redes sociales. Cosas del siglo XXI, en el que la forma de estafar al personal ha evolucionado, pero la avaricia y la mezquindad sigue tan vigente como siempre. Película recomendable y de eterna actualidad.
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Luces de bohemia
Luces de bohemia (1985)
  • 6,0
    847
  • España Miguel Ángel Díez
  • Francisco Rabal, Agustín González, Fernando Fernán Gómez, Imanol Arias, ...
8
Ha (muerto) una Estrella.
Desde que estudié a Valle-Inclán y, por ende, el esperpento, en el colegio (ha llovido ya), me invadió un gusanillo de curiosidad hacia aquel subgénero literario y especialmente hacia su principal obra, “Luces de bohemia”. El gusanillo ha estado siempre, pero la realidad es que nunca lo llegué a leer. Hasta que me enteré de que había una película sobre esta obra, que contaba con un gran reparto y que apuntaba ser una gran película española.

La mayoría del público sigue sin discernir la literatura del cine, con lo cual el término “adaptación” pasa a adoptar la morfosintaxis de otro término, el de “profanación”. Se la acusa, entre otras muchas cosas, de ser poco esperpéntica. Como desconozco el libro, no puedo saber a ciencia cierta cómo de esperpéntico es. Pero aquí lo importante es el cine, no estamos aquí para hablar de literatura. Y como película debo decir que ha superado mis expectativas. Todo el peso de la película recae en las interpretaciones de los actores, que son de sobresaliente, al menos los papeles principales, Paco, Agustín, Ángel, Imanol y Fernando, consiguen que me lo crea. Los ambientes tienen cierto aire teatral, encajando bien en la historia y con la época en la que se relata, con una fotografía lúgubre y en ocasiones, casi produce la impresión de estar admirando una fotografía antigua teñida totalmente de sepia.

La odisea de la última noche de Max Estrella vagando por las calles de esa vieja España, con sus caricaturescos habitantes, sus impagables discursos, sus disputas intelectuales con los modernistas, el eterno peregrinaje por sórdidos recovecos del Madrid nocturno, bajo la tenue luz de los faroles, sus encontronazos con la ley, su breve estancia en el calabozo, amigos hasta en el infierno, situaciones fortuitas, intrascendentes en comparación con las tribulaciones de aquel Ulises de Homero. La epopeya llega a su fin en el portal. Eres genial, me quito el cráneo. Yo te guardo la cartera… por si acaso.
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Mannaja (El valle de la muerte)
Mannaja (El valle de la muerte) (1977)
  • 6,3
    96
  • Italia Sergio Martino
  • Maurizio Merli, John Steiner, Sonja Jeannine, Donald O'Brien, ...
8
A hachazo limpio.
Probablemente una de las mejores películas de Sergio Martino. Un sucio y violento western de la última hornada de “espaguetis” en los 70s, si no el último de todos.

A pesar de la calidad media de los “espaguetis” y además, por fecha, ser un subgénero agotado y dando sus últimos y aislados coletazos, estamos probablemente ante una de las mejores muestras de este tipo de cine. Reúne todos los tópicos pero los lleva más allá, elevando el nivel de podredumbre todo lo posible, con escenas realmente violentas y crueles (no hay más que ver la típica captura y tortura del protagonista, que es casi obligatorio en estas películas, pero en ésta le añade un plus enfermizo que el espectador no se espera). Las escenas de acción están bien hechas, con tiroteos que satisfacen al aficionado al western.

El protagonista, Mannaja, aunque el nivel interpretativo de Maurizio Merli le deja en mal lugar, es un personaje que de haber nacido diez años antes habría tenido la fama de Django, Sartana, Cuchillo o Sabata. Su principal peculiaridad es que es un experto en manejar el hacha tomahawk, con el que despacha a varios de los malos.

En definitiva, uno de los mejores “espagueti western”, para qué nos vamos a engañar, sobre todo para los que les gusten las escenas algo fuertes. Difícil de olvidar.
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Yo compré una moto vampiro
Yo compré una moto vampiro (1990)
  • 4,5
    341
  • Reino Unido Dirk Campbell
  • Neil Morrissey, Amanda Noar, Michael Elphick, Anthony Daniels, ...
3
Pues claro que es una mierda. ¿Qué esperabas?
Película de serie B (siendo generosos) que lleva la premisa de los argumentos absurdos hasta el infinito y más allá. ¿Cómo lo consigue? Pues convirtiendo una moto en un jodido vampiro, ahí lo llevas. ¿No salió bien con “Christine”? Pues eso.

La película en sí es entretenida, dentro de lo cutre que es, de que el reparto es de lo peor que ha desfilado por pantalla, de que el guion lo escribieron una noche de cervezas en la tasca, etcétera. Podría ser mejor aún, no aumentando el presupuesto, sino reduciendo el metraje. Con 20 minutos menos saldría ganando, ya que se torra demasiado con algunas escenas innecesariamente. Todas las películas casposas deberían tener un reglamento que prohíba que se excedan más allá de 80 minutos en total. Tiene sus obligatorios momentos gore, aunque se echa en falta la clásica abundancia de tetillas de este tipo de películas. Eso sí, la mejor escena, aunque no tenga nada que ver con la historia en absoluto (cosas del guión), es la escena del mojón parlante, que pasará a los anales (nunca mejor dicho) del cine.
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El lobo de Wall Street
El lobo de Wall Street (2013)
  • 7,6
    95.655
  • Estados Unidos Martin Scorsese
  • Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, ...
5
Verdades sobre “El lobo de Wall Street” y todo lo que le rodea.
- Superultramegahiperfamosa en su día. Yo la vi hace poco en la tele (ahí lo llevas).
- Primera reacción: no me puedo creer que esta película sea de este palo. Creía que era el típico biopic tan de moda últimamente, dramático aunque con toques de comedia. Pues justo lo contrario.
- Teniendo en cuenta lo anterior, no me puedo creer que llegara una película de este tipo a estar nominada a los Óscar.
- Reconozco que me hizo gracia, que como comedia está bien, pero… ¿Nominada a varios Óscar? ¿En serio? ¿Por qué no “American Pie”, “No es otra estúpida película americana” o “Scary movie 5”?
- Me parece bien que DiCaprio ganase el Globo de Oro a mejor actor de comedia, aunque no sé si Jonah Hill me gusta más.
- A pesar de que dura 3 horazas no decae y sigue siendo entretenida casi todo el tiempo.
- Sobresaturación de pollas y drogas. ¿Nominada a los Óscar en serio?
- La mejor película de Scorsese sigue siendo “Taxi Driver”, siempre lo ha sido y a este paso siempre lo será (chúpate esa fanboy scorsesiano).
- Scorsese no merecía la nominación a mejor dirección por esta comedia adolescente. Ni tampoco ganarlo por “Infernal affairs”… perdón, “Infiltrados”.
- El cine está muy malito. Y los Óscar en la UCI. Oye, pero que quede bien claro que la peli es entretenida, en serio lo digo.
- Y ya no digo más, que aquí hay tantas críticas que se podrían publicar en tomos coleccionables para rellenar alguna estantería. Además, el tema está pasado de moda. Por suerte.
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Condenados a vivir
Condenados a vivir (1972)
  • 6,2
    133
  • España Joaquín Luis Romero Marchent
  • Claudio Undari, Emma Cohen, Alberto Dalbés, Antonio Iranzo, ...
8
El mejor chorizo de España.
Dentro del sub-subgénero del despectivamente llamado “chorizo western” (algunos dicen “gazpacho”, “tortilla”, o como si lo quieren llamar “bocadillo de calamares”) estamos ante la que, probablemente, sea la mejor película de este tipo. Con los “chorizos” que llevo vistos, llego a la conclusión de que el nivel entre éstos y los espaguetis es prácticamente equiparable, solo salvando las distancias con las más grandes, como las de Leone y algunas más.

Cuando un western deja de lado el típico paisaje del desierto polvoriento para sustituirlo por montañas nevadas, siempre deja entrever que no va a ser, ni mucho menos, una típica muestra de lo que todos esperamos ver en un western. Y a otros ejemplos me remito, como “El gran silencio”, “Ravenous” o la más reciente “Los odiosos ocho”. Por cierto, estas rarezas dentro del género suelen ser grandes obras que sobresalen por encima de sus conservadoras coetáneas. “Condenados a vivir” es una gran película dentro del western, del thriller e incluso del terror (coqueteando con el gore de serie B). Una combinación ganadora aunque muy arriesgada, que resulta en una obra difícil de olvidar, poniendo el listón quizás demasiado alto para otros “chorizos” y “espaguetis”.
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En los límites de la realidad
En los límites de la realidad (1983)
  • 6,4
    6.103
  • Estados Unidos John Landis, Steven Spielberg, ...
  • Dan Aykroyd, Albert Brooks, Scatman Crothers, John Lithgow, ...
6
¡Hay un gremlin en ese lado del avión!
Cada vez que veo una película de episodios siento un irrefrenable impulso de escribir sobre ello, no contentándome solo con una simple puntuación. Será porque la norma en este tipo de películas es la irregularidad de sus episodios, y no me deja la conciencia tranquila simplemente adjudicarle un número del 1 al 10.

El prólogo (y epílogo) son correctos y adecuados para lo que acontece en la película. El primer episodio es el segundo más flojo, aunque famoso por suponer el fallecimiento de Vic Morrow en un brutal accidente. El segundo es el peor con diferencia, demasiado “Disney” o “telemierda” de fin de semana por la tarde, y encima de Spielberg. El tercer episodio es bastante interesante, con ese niño omnipotente que crea un mundo de dibujos animados dictatorial a su familia, magníficamente parodiado en un especial de Halloween de “Los Simpson”.

Y por fin llegamos al clímax de la película. Por alguna razón, el mejor episodio de las películas episódicas suele ser el último, por estadística. En este caso no es una excepción. Es un remake del capítulo de la serie original “Pesadilla a 20.000 pies” protagonizado por William Shatner. Aquí el protagonista pasa a ser el mejor John Lithgow que recuerdo haber visto. Episodio claustrofóbico, tenso, intrigante, emocionante, en gran parte agradecido a la magnífica labor de Lithgow interpretando al histérico pasajero del avión John Valentine, que se enfrenta al horror de ver a una monstruosa criatura desvalijando los motores del avión en pleno vuelo, ante las negaciones de todos los presentes. Y de nuevo, dicho sea de paso, sobresaliente parodia de este episodio en “Los Simpson” (como no).
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Trilogía del terror (Los enigmas de Karen) (TV)
Trilogía del terror (Los enigmas de Karen) (TV) (1975)
  • 5,2
    228
  • Estados Unidos Dan Curtis
  • Karen Black, Robert Burton, John Karlen, George Gaynes, ...
6
El primo gitano de Chucky.
He aquí un típico telefilm con todas sus carencias. Una típica película de terror por episodios de calidad e interés irregular. Pero todo eso acaba cuando empieza el tercer y último episodio.

De los dos primeros episodios, solo decir que el primero tiene un giro sorprendente al final y que el segundo intenta algo parecido, fracasando irremediablemente. Típicos telefims de domingo por la tarde, fácilmente olvidables. Pero luego viene el tercer episodio, una verdadera joya del terror casposo. No entiendo otras críticas donde alaban las dos primeras historias y ponen a la tercera como la peor. No sé si hemos visto la misma película.

“Amelia”, que así se llama la tercera historia, apuesta de una forma mucho más arriesgada por un único personaje, un único espacio y una lucha por sobrevivir. Busca la claustrofobia, llegar hasta un terror más primario, el de lo desconocido, el del cazador y la presa, el de los rincones oscuros, el de los ruidos extraños, el de pasar de cero a cien en un segundo. Queda en evidencia la falta de medios y la época de la que hablamos para recrear los movimientos del fetiche diabólico, pero lo artesanal de su ejecución lo hace más meritorio para los que gustamos del cine hecho a mano. Imposible olvidar a ese maldito muñeco, del que me declaré fan absoluto desde el primer momento que lo vi. Todo en este episodio es absolutamente genial, el muñeco es la caña y el final es de los mejores que recuerdo dentro del género de terror.
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Manos torpes
Manos torpes (1970)
  • 5,3
    54
  • España Rafael Romero Marchent
  • Peter Lee Lawrence, Alberto de Mendoza, Pilar Velázquez, Aldo Sambrell, ...
6
Correcto western patrio.
Un “espagueti”, o más bien “chorizo” western que cumple con creces con lo que se espera de él (sobre todo porque no se espera de él absolutamente nada). La historia engancha y es interesante, tiene bizarradas propias del género y termina siendo uno de los mejores western españoles.

A pesar de que, a juzgar por el título, podamos estar ante unos de esos western de la época que tiraban más por la comedia absurda, nada más lejos, la historia es bastante dramática y no tiene ninguna gracia. Sí tiene momentos punteros, como el entrenamiento del torpe protagonista por una especie de Sr Miyagi, en plan “Kill Bill Vol 2”. El protagonista pasa una agonía la mayor parte de la película, hasta bien entrado el metraje no se convierte en el diestro vengador que todos esperamos. El duelo final hace justicia a la propia historia. Un correcto western patrio.
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Premutos, el ángel caído
Premutos, el ángel caído (1997)
  • 4,5
    858
  • Alemania Olaf Ittenbach
  • Fidelis Atuma, Christopher Stacey, Anke Fabre, Ingid Fischer, ...
5
¡A mí nadie me jode una fiesta… aunque sea una mierda!
Película de serie triple Z que es medio famosilla en el mundo underground por ser una de las más gore de la historia (según muchos, la más gore de todas). Lo que está claro es que la totalidad del presupuesto se lo pulieron en la casquería del barrio y en agotar las existencias de kétchup del súper. Los actores son de vigesimoquinta fila, el guion es de derrame cerebral, el montaje es totalmente dadaísta y del director mejor ni hablamos.

La historia pega unos saltos que ni Isinbáyeva, trasladando la historia a la edad media, a la Segunda Guerra Mundial, a la resurrección de Cristo (¿?), a una batalla en Escocia donde todos llevan pantalones… y todo ello en inconexas idas y venidas del presente, para mostrar al linaje del panoli de turno que es descendiente del tal Premutos, un demonio que te cagas… de risa. El mocoso de tan alta alcurnia, que al principio parece que iba a ser el protagonista (sobre todo cuando le crujen los huevos con una patada épica), cede el protagonismo rápidamente al gordaco de su padre (igual que en Los Simpson, Bart le cede el protagonismo a Homer), y aparece de repente un tipo calzonazos que también se convertirá en protagonista sin que se supiera previamente de él.

La escena de la reunión familiar y de ahí en adelante son apoteósicas, incluyendo la escena del moco (que recuerda a aquel “hit” que cantábamos en el colegio, que venía a decir: “yo tengo un moco / lo saco poco a poco / lo redondeo / lo miro con deseo / yo me lo como / pero como sabe poco / me saco otro y vuelta a empezar”). El último tercio de película es una carnicería como en “Braindead”, pero con un arsenal nunca antes visto. Película solo apta para amantes de lo trash, lo bizarro y lo ultragore hasta niveles apocalípticos.
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Dillinger
Dillinger (1973)
  • 6,7
    728
  • Estados Unidos John Milius
  • Warren Oates, Ben Johnson, Cloris Leachman, Michelle Phillips, ...
8
Profesional, muy profesional.
Sorprendentemente buena película de gánsteres de la época de la depresión. El reparto es sensacional, con un perfecto Warren Oates para el papel de Dillinger (se parece mucho más al personaje real que Johnny Depp), muy bien escoltado por Harry Dean Stanton, Richard Dreyfuss y perseguido de forma implacable por Ben Johnson como Melvin Purvis, el brazo fuerte de la ley.

Los puntos fuertes de “Dillinger” son, sin duda alguna, sus memorables y alucinantes escenas de acción, que además abundan bastante. Cada vez que Purvis enciende uno de los puros que le regaló su finado amigo, se empieza a poner la piel de gallina, ya que se sabe que lo que le proseguirá es una sobresaliente escena de acción. Un continuo toma y daca, donde se suceden atracos y detenciones (por no decir muertes) de los miembros de la banda. Un punto para los gánsteres, otro punto para el FBI, en una carrera del gato y el ratón que dejará perplejos a todos los amantes del cine de mafias y de acción. Escenas memorables, demasiadas como para atinar con todas, pero por ejemplo la de inicio, el final a la salida del cine, la conversación de Purvis con el niño que quiere ser Dillinger de mayor, y todas las escenas de acción. Digna de ser rescatada del olvido.
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El árbol de Guernica
El árbol de Guernica (1975)
  • 6,8
    171
  • Francia Fernando Arrabal
  • Mariangela Melato, Ron Faber, Cosimo Cinieri, Rocco Fontana, ...
7
Aquí mi fusil, aquí mi pistola… Una da tiros la otra consuela.
Fernando Arrabal, ese polifacético hombrecillo con el que yo me parto cada vez que lo veo hacer de las suyas. Sin embargo, no sabía nada de su filmografía. La primera película suya que veo, me parece en líneas generales interesante y por momentos destacable, aunque tiene muchos defectos en cuanto a las metáforas políticamente incorrectas que va metiendo de por medio.

No me apetece nada andarme con jerga pseudofilosófica intelectualoide, así que diré claramente cuál es el problema que le veo a esta obra: le sobran pajas por todas partes. La película, y el propio Arrabal, tenían potencial para hacer una obra superior, pero se pierde entre un mar de semen totalmente innecesario. Soy el primero que abraza la incorrección política, pero cuando me satura la cabeza de pajas, echando por tierra lo que podría haber sido una obra superior, me termina tocando los pistachines. Hubiera agradecido que repartiese todos esos litros de esperma entre más cosas, y no se centrara tanto en embadurnar símbolos religiosos, que por momentos parece que va más en contra de la religión en sí misma que contra la guerra o el fascismo. Desde luego, a lo ya expuesto de remito, que nadie espere un retrato imparcial. Esto se sobreentiende. Otra cosa que no alcanzo a comprender es porqué las escenas políticamente incorrectas tienen que estar protagonizadas, en su mayoría, por los enanos. ¿Acaso hay más incorrección en que las pajas se las hagan los enanos que los de estatura estándar? ¿O acaso quiere simbolizarlos como niños o como la inocencia o vaya a saber? No entiendo el por qué de esta decisión, pero bueno.

La historia narrada es ciertamente interesante y necesaria, contiene buenas escenas y tiene un ritmo que no decae en ningún momento. La mejor parte, el asedio de la villa por las tropas nacionalistas, que sus habitantes resisten de forma numantina. También destaca la corrida de toros, el bombardeo de Guernica y el juicio militar. Es una buena película, pero no podría recomendarla a un amigo, a no ser que fuera campeón mundial de pajas nivel master o mister pajilleitor.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Quest (En busca de la ciudad perdida)
The Quest (En busca de la ciudad perdida) (1996)
  • 4,3
    6.797
  • Estados Unidos Jean-Claude Van Damme
  • Jean-Claude Van Damme, James Remar, Roger Moore, Janet Gunn, ...
5
Sin pretensiones.
Típico producto de artes marciales dirigido y protagonizado por Van Damme. En principio y arriesgándose a prejuzgar, cualquiera pensaría que tiene que ser un bodrio infumable, y razones no le faltarían. Sin embargo, es bastante entretenida y termina enganchando. La vi en televisión una tarde de fin de semana y, aunque mi intención no era la de verla entera, al final lo hice. El sistema de luchas de uno contra uno entre varias nacionalidades te obliga a querer ver más y más. Y ahí tenemos al típico alemán de dos metros con cara de malas pulgas, al típico chino pequeño pero extremadamente ágil, al español que le falta poco para salir por bulerías o clavar una banderilla, al típico tiparraco de enormes proporciones que desde la primera vez que sale ya sabemos que será el malo final. Y por supuesto el americano (aunque sea francés, pero un fichaje es un fichaje), que a la fuerza tiene que ser el protagonista.

Total, que es un batiburrillo de combates uno de tras de otro en un remoto y exótico lugar (Mortal Kombat ejem…). Hasta sale Roger Moore. Entretenida, sin pretensiones.
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