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Críticas de cineoptero
Críticas ordenadas por:
The Artist
The Artist (2011)
  • 7,7
    57.546
  • Francia Michel Hazanavicius
  • Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, ...
9
Sin palabras…
Asombrosa y valiente propuesta francesa que no solo supone un hermosísimo homenaje a los orígenes del cine (más logrado incluso que en la magnífica Hugo) sino que es toda una defensa de una manera de hacer cine en vías de extinción que ha conseguido en los últimos años algunos de los momentos más inolvidables que nos ha dado el cine (como los inicios de Wall-e o Up).

The Artist también permanecerá en mi memoria. Por su historia y por su manera de contármela. No es un simple homenaje simpático o meramente estético. Sabe entender la esencia del cine mudo y utilizar sus virtudes con propiedad, aprovechando el poder de la imagen para hacer reír, para emocionar, para robar la esencia de unos personajes con los que se conecta de forma inmediata. No es nada fácil conseguirlo. Y Hazanavicius lo ha conseguido y con nota.

La historia fluye con naturalidad y consigue escenas de una brillantez poco habitual, como ese momento en el que repiten la misma escena los protagonistas y que es capaz de transmitir tanto con tan poco. Gran parte del mérito del calado emocional del film lo tiene Jean Dujardin, que realiza una interpretación excelente, llena de carisma y encanto. Técnicamente juega en ligas mayores, desde la ambientación, la fotografía o la banda sonora.

The Artist es una película hermosa, elegante, inteligente y entrañable. ¿Un clásico como dicen? Yo creo que sí.
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El topo
El topo (2011)
  • 6,4
    22.193
  • Reino Unido Tomas Alfredson
  • Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong, ...
9
Elogio al entretenimiento inteligente.
Inteligente, complejo, sutil, apasionante. El nuevo film de Alfredson es una lección magistral de cine en general y de cine de espías en particular.

Ejemplar en el desarrollo de la complicada trama, impecable en su descripción de personajes y muy imaginativo en su narrativa y puesta en escena, el director ha conseguido el film de espías ideal. No nos impone giros imposibles a última hora, ni una resolución mascada y digerida de la trama, ni sacrifica una descripción elaborada de personajes a favor de esta. El equilibrio es perfecto.

Alfredson sabe hasta dónde contar para que el espectador haga el resto del trabajo. Él sugiere y nosotros intuimos. Es una película que requiere un poco de esfuerzo por parte del espectador, pero merece la pena. Es lo que han hecho los maestros del cine desde sus orígenes. Gracias, Sr Alfredson, por no tomarnos por tontos.

Los departamentos técnicos brillan a gran altura, en especial los virtuosos trabajos de fotografía, montaje y música original (con Iglesias como auténtico Topo de la función), que se convierten en valiosas herramientas narrativas en manos de un director con el talento de este director sueco. Impresionante la labor de actores. Creo que es el mejor casting del año.

Todo funciona en esta película de ritmo perfecto y la precisión de un reloj suizo. Los premios se los habrán llevado otras películas este año (algunas tan brillantes y entrañables como The Artist). Pero eso no debería hacer caer en el olvido a una de las pocas obras maestras que ha dado el cine este año.
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War Horse (Caballo de batalla)
War Horse (Caballo de batalla) (2011)
  • 6,5
    27.297
  • Estados Unidos Steven Spielberg
  • Jeremy Irvine, Emily Watson, Peter Mullan, Niels Arestrup, ...
8
Clasico... pero no tanto.
Es una auténtica locura realizar a día de hoy una película tan esencialmente clásica y sinceramente emocional como War Horse. Tiene todos los ingredientes para decepcionar e incluso irritar a mucha gente. No es mi caso.

En su defensa de la validez de los conceptos narrativos del cine clásico, Spielberg realiza un maravilloso homenaje a la aparente simplicidad de John Ford, sin perder su identidad como director, en la que su talento para el encuadre y su extraordinaria e imaginativa puesta en escena se alían con la fotografía de Kaminszky y la música de Williams, ambas extraordinarias, para realizar una especie de sinfonía audiovisual de una rotunda belleza.

Es una película de pocos y no especialmente elaborados diálogos, de personajes sencillos aunque bien definidos y con mayor importancia a lo que representan que al individuo en sí, a los que presta la atención justa, abandonándolos en cuanto que cumplen su cometido, sacrificando tramas para construir un mosaico que ampliando el campo de acción que ya apuntaba Saving Private Ryan.

Spielberg nos habla de la guerra desde distintos puntos de vista (soldados, desertores, civiles...) pero siempre buscando un humanismos que universaliza lo que cuenta. El caballo, como nexo común, parece representar esa inocencia perdida entre tanta locura irracional e insensible, que borra las fronteras ideológicas, nacionales y sociales. Eso le lleva a hacer una de sus películas más abstractas, paradójicamente menos dependientes de una narrativa clásica, aunque su apariencia e intenciones si que recuerde a los clásicos.

Aún sin ser una películas redonda, Spielberg realiza un trabajo formalmente magistral, bellísimo y atípico por la importancia a lo emocional que le aporta, que a buen seguro será, junto con War of the Worlds, el film más incomprendido de esta última y fascinante etapa del director.
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Bird
Bird (1988)
  • 7,4
    9.355
  • Estados Unidos Clint Eastwood
  • Forest Whitaker, Diane Venora, Michael Zelniker, Samuel E. Wright, ...
10
I love jazz.
Obra clave en la cinematografía norteamericana de los 90 que supone el giro definitivo de Eastwood como autor. Un trabajo imponente se mire por donde se mire donde sus artífices directamente pasan a las grandes ligas del cine.

El caso más evidente es la extraordinaria interpretación de Whitaker, un actor siempre brillante pero que aquí logra el trabajo de su vida. Una interpretación de una complejidad asombrosa, llena de detalles y contrastes, aportándole humanidad, un toque de locura y mucha melancolía al personaje, que resulta sorprendentemente creíble como genio sobre el escenario pero a la vez como la cara más amarga de la decadencia del ser humano, haciendo una verdadera creación única e intransferible. Aun así es de justicia destacar al resto de los actores, magníficos, en especial la esposa, que aguantan el torbellino Whitaker sin supeditarse a él.

Al mismo nivel que su protagonista esta la virtuosa fotografía de Jack N. Green, que se mueve principalmente en ambientes oscuros, nocturnos, urbanos, llenos de sombras y con poca luz en muchos casos, de los que saca un gran partido, creando un trabajo de sobrecogedora belleza, convirtiéndose en una de las señas de identidad del film. Un trabajo referencial.

En cuanto a la música, no solo está compuesta por un conjunto de piezas maestras maravillosas, sino que están utilizadas con elegancia y con claras intenciones dramática que pronto se erigen como el perfecto ayudante del director a la hora de proyectar ideas más allá de las imágenes.

Aún así, el que más méritos se termina llevando es ese genio llamado Eastwood que logra en Bird su obra más arriesgada y artística. Para empezar sorprende el complejo planteamiento narrativo que parece emular una pieza de jazz del propio Parker, dando saltos en el tiempo que sirven para construir poco a poco al personaje, con elegancia, sin perder el sentido del humor, con una puesta en escena brillante y un pulso inquebrantable a pesar de la duración del film. Y ante todo demuestra un talento sorprendente en el acercamiento humano a sus personajes, que cobran vida no solo por las interpretaciones, sino por la elegancia e inteligencia con la que el director nos los va mostrando, de una fisicidad sorprendente.

Y por supuesto, el amor y erudición de Eastwood sobre el jazz se ve reflejado a lo largo de todo el trabajo, logrando el más hermoso film sobre el jazz jamás filmado. Una maravilla.
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Blackthorn. Sin destino
Blackthorn. Sin destino (2011)
  • 6,4
    9.575
  • España Mateo Gil
  • Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea, Nikolaj Coster-Waldau, ...
8
Other times…
Notable ejercicio de género de un habilidoso Mateo Gil, a medio camino entre el homenaje cinéfilo y la revisión del mismo que a pesar sus defectos (pocos) logra exponer de forma poderosa sus principales bazas.

La trama es buena y tanto los personajes como los diálogos están muy bien escritos. En particular el personaje de Blackthorn me parece extraordinario. La delicada y sutil forma de tratar su relación con Magali Solier, con Noriega y con sus inseparables compañeros de juventud es ejemplar. Y en un inestimable acierto de casting, resulta perfecta la elección de Sam Sephard para transmitir todo el cansancio de un anciano que en su rostro y en su mirada se intuyen mil batallas y alguna que otra derrota.

Mateo Gil hace un trabajo estupendo tras la cámara, positivamente influido por los maestros americanos, y excepto casos muy puntuales, resulta muy efectivo. Logra transmitirme con veracidad todo el vigor, la nostalgia y el sabor de los espacios abiertos de los buenos western clásicos Se percibe un cambio de valores a la par que la sociedad evoluciona. Huele a Peckinpah, aunque carezca de su sentido poético. Tampoco importa mucho. Esos flashbacks que hablan del vigor juvenil perdido, de la amistad y de los fantasmas personales sirven de contrapunto perfecto.

Es un film plagado de imágenes hermosas, y no hablo solo de los bellísimos paisajes bolivianos, sino de momentos de cine auténtico, como la cegadora escena del salar, el fantasmagórico momento en el que Noriega arroja al río los cuerpos o el vibrante travelling de Sephard cabalgando en el salar, capaz de transmitir ese voraz deseo de libertad que ha convertido modo de vida. Blackthorn es una inesperada sorpresa, un viaje íntimo y nostálgico a través de los polvorientos senderos del western.
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Blancanieves
Blancanieves (2012)
  • 7,0
    20.325
  • España Pablo Berger
  • Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, ...
8
Triste cuento silente.
Berger hace algo muy valiente, muy hermoso y muy difícil en esta personal revisión del cuento clásico de Blancanieves. Todo es a priori anti-comercial en esta película: es en blanco y negro, es muda, hay toreros y folclóricas y un alejamiento voluntario del cuento original que permanece en la mente de muchos de los espectadores. Y no hay que olvidar, por supuesto, que el año anterior The Artist había conquistado a público y crítica con una propuesta muda, lo que aumentaba el recelo de muchos, yo incluido.

Hago un pequeño inciso en este sentido, pues quiero evitar a partir de aquí las comparaciones entre la película de Berger y la de Hazanavicius. No veo conexiones de ningún tipo entre ambas, los proyectos se gestionaron por separado y tanto en la estética como el tono son abismalmente diferentes y no deberían eclipsarse pues tienen méritos y entidad propia de sobra.

Volviendo al film de Berger, contra todo pronóstico creo que funciona, y a un nivel superior de lo que esperaba. Lo que más me llama la atención en principio es su poderosa personalidad visual, enormemente expresiva, bellísima, voluntariamente envejecida y con un trabajo de fotografía maravilloso. Imágenes cargadas de emoción, de fuerza y enormemente poéticas. De hecho, una de las pocas cosas que no me gustan demasiado (sin llegar al trauma) es el exceso de rótulos explicativos, no tanto por la cantidad, que no son muchos, sino por lo redundante que resultan en unas imágenes que lo dicen todo. Esto no quita que la historia y el guion me parezcan espléndidos, jugando con habilidad con los tópicos del cuento y realizando una variación maravillosamente influida por la mítica Freaks de Tod Browning en su tramo final.

A pesar de que visualmente es muy potente, su valor dramático no se deja ensombrecer por esta y le aporta ese elemento esencial para que el conjunto funcione perfectamente. El trabajo de los actores es magnífico, sobresaliendo el trio femenino central, que transmiten a la perfección los estados anímicos de sus personajes. Si hay algo que no me gusta tanto, tal vez, sea la opción que toma Berger en algunos momentos para resolver ciertas escenas, las más caóticas, que me rompen el estilo elegante del resto, pero que reconozco como opción muy válida por parte del director.

En cualquier caso Blancanieves es un trabajo tan arriesgado como bien resuelto, a años luz de las simples propuestas americanas con las que coincide en el tiempo, que se queda grabado con facilidad en la memoria, y si te dejas, puede que un poquito más adentro. Yo me dejé.
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Bob el jugador
Bob el jugador (1956)
  • 7,2
    1.414
  • Francia Jean-Pierre Melville
  • Roger Duchesne, Isabelle Corey, Daniel Cauchy, Guy Decomble, ...
9
La vida como un juego.
Maravillosa película del gran Melville que ya contiene y anuncia uno de los estilos más personales y extraordinarios del cine europeo, que magnificaría pocos años después. Un polar de pura cepa, que camina entre personajes y situaciones comunes pero con una personalidad arrolladora.

Personajes perfectamente definidos, relaciones entre los personajes con mucho más detrás de lo que cuenta, un excelente guion y una extraordinaria puesta en escena. Y no, no se me olvida. Un Roger Duchesne como protagonista, no especialmente brillante, pero con una elegancia y presencia física impresionante. Y por supuesto, una Isabelle Corey debutante que compone una de las femme fatale más increíbles que he visto.

Pero es que lo de Melville vuelve a ser muy grande. Todo es ambiente y ritmo y fuerza. Y gabardinas y sombreros Stetson, por supuesto. Tenía algo de desconfianza en lo que me encontraría en su obra pre-Le Doulos (El confidente), pero esta obra demuestra que sus excelencias venían ya de antes. Hasta el final, tan inesperado como polémico por lo que he leído, me encanta. Creo que Bob le Flambeur es una obra magistral, a la altura de otras películas del genero más conocidas, mediáticas y tan estupendas como Riffifi, de Dassin. Todo un clásico.
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Bolt
Bolt (2008)
  • 6,2
    22.574
  • Estados Unidos Chris Williams, Byron Howard
  • Animation
7
La sombra de Lasseter es alargada... afortunadamente.
Gozosa road-movie de animación, llena de imaginación e ideas que la destaca como una de las propuestas más interesantes del año en su campo. La mano de Lasseter parece notarse a juzgar por los resultados, que no alcanza los niveles de perfección de los últimos trabajos de Pixar pero que sí recupera el espíritu juguetón e infantil de sus primeras obras.

Es cierto que esto tiene sus inconvenientes, ya que ciertas concesiones a público más joven alejarán un poco a los que venimos disfrutando con propuestas más adultas cómo Rattatoui o The Incredibles, aunque no deja de ser un asunto de gustos, por supuesto. Porque lo cierto es que pocos defectos se pueden sacar a un trabajo como Bolt, bien escrito, bien dirigido y extraordinariamente ejecutado.

Los personajes están bien construidos, limitando bastante los personajes de relleno y logrando un secundario glorioso, un divertidísimo hámster obsesionado con la televisión y pocos complejos. Como era de esperar, la animación demuestra una técnica insuperable, tanto en nivel de detalle como en calidad de movimientos, a lo que se suma el magnífico trabajo de sonido y de Powell en la música original. Espléndidas escenas de acción, mucho sentido del humor y totalmente coherente con su mensaje, Bolt es otro claro ejemplo del gran equipo que forman Disney y Lasseter. Y que dure mucho tiempo.
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Bon appétit
Bon appétit (2010)
  • 6,1
    6.561
  • España David Pinillos
  • Unax Ugalde, Nora Tschirner, Guilio Berruti, Herbert Knaup
8
Románticos por el mundo.
Que suerte que aún se hagan grandes películas que hablan de amor, con gracia, bien escritas, de forma sensible y a la vez con los pies en el suelo. Todo eso lo tiene Bon Apetit, una película que habla del amor, de la amistad y de la integridad personal de forma conmovedora, dejándome ese aroma autentico y maravilloso a El Apartamento, de Wilder.

Debilidades personales aparte, lo cierto es que Bon Apetit tiene un guion excelente, bien escrito y estructurado, de diálogos ágiles y con chispa, elegantemente dirigido por David Pinillos, y magníficamente interpretados por cada uno de los actores, en particular unos maravillosos Unax Ugande y Nora Tschirner en los papeles principales.

Me ha llevado por distintos tipos de emociones de forma honrada, sin trucos ni excesos sentimentales. Bon Apetit es una pequeña joya a defender, que junto a pequeñas maravillas que aún salen, como (500) Days of Summer, nos hacen mantener viva la ilusión por un tipo de cine cada vez más difícil de encontrar.
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Bill, qué grande eres
Bill, qué grande eres (1950)
  • 6,2
    204
  • Estados Unidos John Ford
  • Dan Dailey, Corinne Calvet, Colleen Towsend, William Demarest, ...
8
Cosas de la Guerra.
Comedia pequeña y generalmente infravalorada del gran Ford que supone una visión absolutamente personal y crítica del director sobre la burocracia militar y el ambiente bélico y patriótico surgidas en USA durante la II Guerra Mundial.

Su tono jocoso de comedia ligera, en apariencia patriótica, paradójicamente supone el principal obstáculo para acceder a este interesante trabajo de un Ford que se muestra mucho más serio y cínico en su mensaje de lo que se esperaría. Pero Ford ya había experimentado en primera persona la guerra y en parte su desencantada visión sobre esta se ve plasmada en este film. Para Ford, la guerra es un juego en las manos de un grupo de personas ineptas. Es una manera en la que la voluble sociedad se ve prontamente imbuida y movilizada, que con la misma facilidad eleva a una persona sin haber hecho nada y posteriormente la ignora a pesar de hacer más de lo que habría hecho en el campo de batalla.

Una charada en el que el concepto de héroe queda totalmente difuminado. Y a la vez consigue una descripción de la visión idealizada de la guerra en Europa que tenían muchos jóvenes americanos que vieron la guerra como una puerta a la aventura. No está mal para ser una comedia. A esto hay que añadir, como siempre, la inteligente puesta en escena de Ford, el magnífico ritmo del film, que hace que avance con rapidez, y la gran interpretación de Dan Dailey, habitual en las película del director pero que pocas veces consiguió un papel de importancia que le destacara como el gran actor que era.

No digo que sea el trabajo definitivo de Ford sobre la guerra (ese sería seguramente They Were Expendable), pero si es un film magnífico que merece revalorizarse.
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Big Eyes
Big Eyes (2014)
  • 6,1
    16.128
  • Estados Unidos Tim Burton
  • Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, ...
8
Nueva cara, mismos ojos.
No tengo duda de que Big Eyes será una de las obras de Tim Burton a la que menos atención van a prestar los seguidores del director. Es comprensible. Visualmente no destaca esa marcadísima personalidad que suele invadir sus trabajos. Pero creo que esta historia no era la apropiada para exuberancias visuales, mientras que si es una de las historias más personales y burtonianas que ha firmado su director.

Las constantes más habituales e interesantes de su obra residen en esta historia, plasmadas en un magnífico guion, de los mejores en esta última etapa del director. Personajes e ideas centrales muy bien definidos, situaciones que hacen avanzar sin estorbos la narración y buenos diálogos. Esto le permite a Burton no solo tocar temas tan recurrentes como la integridad autoral, las relaciones paterno filiales o la defensa de lo diferente, del freak interior incluso debajo de apariencias y conductas tan comunes como las de Margaret.

Burton vuelve a demostrar el gran narrador visual que ha sido siempre, incluso con historias más cotidianas, lo que ya venía avanzando en otros trabajos, como ciertos segmentos de la maravillosa Big Fish. Pero su discreción visual no impide que tenga una depuradísima composición de los planos, jugando con las formas y los colores de forma elegante y elaborada, menos patente que en otros trabajos pero no creo que menos hermosa y compleja.

Big Eyes tal vez no sea una de las grandes de Burton. Le falta algo de fuerza. Pero no tengo duda de que es una gran película, muy sólida en todos sus frentes y una nueva y estimulante faceta que complementa de forma coherente una obra tan singular y personal como su propio director. Me quedo con la impresión de que este estupendo trabajo irá mejorando con el tiempo.
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Berlín Occidente
Berlín Occidente (1948)
  • 7,3
    3.433
  • Estados Unidos Billy Wilder
  • Jean Arthur, Marlene Dietrich, John Lund, Millard Mitchel, ...
8
Proverbial mirada ácida.
Billy Wilder dignificó y dio prestigio como pocos al género de la comedia. Viendo esta película uno entiende porque. El director vienés era capaz de volcar toda su capacidad de observación, su visión mordaz y crítica, diálogos llenos de ingenio y juegos de palabras y una prodigiosa puesta en escena para hacer reír y de paso, pensar. Y en este caso decide valerse de una situación tan conocida para él como envenenada para el público americano. La presencia americana en Berlín tras la derrota alemana le permitía hablar de la doble moral del ejército, de la actitud paternalista americana sobre un pueblo que no la pedía y sobre la enorme distancia entre la realidad y burocracia que administraba todo desde miles de kilómetros de distancia. Y al final, como en tantas de sus películas, habla sobre decisiones morales. Pero lo hace con su estilo de comedia ágil, de ritmo y de palabra. Wilder realizó muchas obras maestras y otras tantas grandes películas. Alguna decepcionante también. Pocas. A Foreign Affair solo es de las grandes. Casi nada. Una comedia elegante, divertida y afilada, todo un ejemplo de una manera de hacer cine casi desaparecida.
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Belleza prohibida (Stage Beauty)
Belleza prohibida (Stage Beauty) (2004)
  • 6,3
    1.792
  • Estados Unidos Richard Eyre
  • Billy Crudup, Claire Danes, Rupert Everett, Ben Chaplin, ...
7
Los nuevos tiempos.
Irregular aunque interesante película de época de Richard Eyre sobre el cambio de los tiempos y la necesidad de adaptarse a ellos. Utilizando como excusa la transición en Inglaterra de repartos exclusivamente masculinos a los mixtos, veremos la gloria, caída y resurgir del actor más popular haciendo papeles de mujer. Con un planteamiento más sólido que Shakespeare in Love, dramáticamente más compacta e interesante, Eyre aprovecha solo hasta cierto punto el prometedor material que tiene entre manos, logrando momento excelentes con otros que se pierden entre el exceso y el mal gusto. Aun así el resultado final es decididamente positivo, en particular porque entre las diversas virtudes que luce el film hay tres que destacan por ser sobresalientes. La primera un guion maravilloso, tanto en su construcción de la trama y de los personajes como en los soberbios diálogos que mantiene, que en este caso está muy por encima de la puesta en escena del director. Segundo, entre un reparto de excelentes actores ingleses destaca sobre todos un Billy Crudup impresionante en una interpretación que implica muchos cambios en su personaje y que el actor resuelve con un talento inusitado y una credibilidad asombrosa. La última es una extraordinaria música a cargo del siempre genial George Fenton. En este caso nos regala un trabajo enormemente complejo a nivel musical, fusionando modos musicales de época con otros más actuales, aplicándola de una manera muy original en varias escenas y aportando matices al conjunto que muy pocos compositores lograrían hacer. Cualquiera de estos tres elementos debió estar nominado a los Oscar ese año. Aun así la película no depende exclusivamente de ellos logrando un film recomendable que por poco no llega notable.
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Battleship
Battleship (2012)
  • 4,5
    14.171
  • Estados Unidos Peter Berg
  • Taylor Kitsch, Liam Neeson, Alexander Skarsgård, Brooklyn Decker, ...
1
El mundo salvado gracias a... un ¡burrito!
Estoy convencido que Battleship será una eficaz herramienta en los campamentos de reclutamiento made in usa. Pero para los que no estamos interesados en cambiar de profesión, nos encontramos con la mayor colección de tópicos, diálogos bobos y estupideces varias que el cine nos ha regalado en bastante tiempo. No tengo palabras. Se hace larga hasta el infinito, carece de emoción, de tensión, de gracia, de ritmo, de ingenio... en fin, de cualquiera de las virtudes que hacen del buen cine de entretenimiento todo un placer. Eso sí, los efectos especiales son espectaculares. Estaría bueno que encima fallara en eso. Aún no he podido reírme de lo que he visto porque sigo estupefacto. Hace buena a la saga Transformers. Ahí es nada. Me uno a la plataforma a favor del 0 en Filmaffinity.
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Batman Begins
Batman Begins (2005)
  • 7,4
    104.614
  • Estados Unidos Christopher Nolan
  • Christian Bale, Liam Neeson, Katie Holmes, Cillian Murphy, ...
8
Luces y sombras del mito.
No es aventurado decir que Batman Begins (y su impresionante secuela), vista ahora en frío y sin la emoción del momento, es sin duda la película de superhéroes más interesante, compleja y satisfactoria en muchos años, por no decir que es la mejor película de superhéroes en su sentido más estricto (ni Batman Returns ni Unbrekeable entrarían en esa definición por razones obvias). Toda la complejidad psicológica del personaje así como sus contradicciones son adaptadas por Nolan a su personal mundo obteniendo otro personaje solitario, obsesionado y enfrentado a sus miedos y a un adversario al que se parece demasiado tan propio del universo nolaniano, logrando una excelente crónica de la creación del héroe y centrándose ante todo en las motivaciones de los personajes. Personajes bien definidos, desde Bruce Wayne hasta los villanos, una atmósfera de nuevo magistral, a la que contribuye extraordinariamente la espléndida bso así como un portentoso diseño de producción tan complejo e importante como en el Batman de Burton (con ese tren como metáfora de la degradación de la ciudad), unos actores estupendos y un contundente ritmo conforman un conjunto muy equilibrado en el que los únicos fallos son la actriz que hace de chica, que pierde fuerza en comparación con el resto de los actores, y las escenas de acción, para las que Nolan aún no demuestra estar especialmente dotado, algo herederas del nuevo y confuso visualmente cine-videoclip al estilo de Tony scout, aunque podría estar parcialmente justificado por la sensación de desconcierto que pretende crear Batman en sus víctimas. Por lo demás, un film que huye de los simplistas planteamientos de la mayoría de los film de superhéroes para adentrarse una vez más en las partes más oscuras del ser humano sin prescindir del espectáculo ni las constantes del género. Es la película comercial de la que deberían aprender todas las demás.
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Batman vuelve
Batman vuelve (1992)
  • 6,3
    47.762
  • Estados Unidos Tim Burton
  • Michael Keaton, Danny DeVito, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, ...
9
Animales urbanos.
Recién alcanzado el reconocimiento de la crítica por Edward Scissorhands, Burton se arriesgó con una nada convencional secuela de su interesante Batman. Paradójicamente ni gustó a la crítica ni funcionó como se esperaba en taquilla, lo que le puso en una precaria posición laboral. Sin embargo, a día de hoy es evidente que Batman Returns fue un personalísimo ejercicio de estilo burtoniano, en mi opinión extraordinariamente sutil e inteligente, visualmente apasionante y con uno de los mejores guiones del fantástico de la década, en el que los personajes están magistralmente perfilados y con unos diálogos geniales y llenos de ironía que mejoran en un segundo visionado. Unos actores en estado de gracia, en particular Michelle Pfeifer y Danny de Vito, con unas interpretaciones llenas de matices, complejas y ambiguas. Tampoco se queda atrás un sobreactuado Christopher Walken, magnífico, en un papel vital en la historia, pues a pesar de ser el único 'normal' es el verdadero monstruo de la trama. La relación entre Selina y Bruce es posiblemente la mejor y más compleja historia de amor de Burton hasta la fecha. Un constante tira y afloja que habla sobre la relación de pareja y que matiza a los personajes, alcanzando su mejor momento en el baile de disfraces, en el que por primera vez se despojan de máscaras, físicas, psicológicas y emocionales, en una escena en la que, no por casualidad, son los únicos que van sin disfraz. Impresionante. La utilización de los decorados supera a la anterior entrega de la saga, convirtiéndose en parte esencial de la narración, situando al Pingüino en las cloacas y a Max en el sitio opuesto, lo más alto de un rascacielos, mientras que Bruce y Selina caminan peligrosamente entre ambos. La sucesión de escenas brillantes (la creación de Selina, los encuentros Batman/Selina o Selina/Pingüino, el baile de máscaras, la pelea entre Selina/Max) es constante. Solo por el antológico prólogo inicial merecería la pena ver la película. Batman Returns es una ampliación psicológica sobre el personaje de Bruce Wayne/Batman, que a la vista de Burton es lógica, complementaria y definitiva. Película compleja, sugerente, algo neurótica tal vez, Batman Returns es mucho más que una de las mejores muestras del género de superhéroes, es una gran muestra de cine de autor disfrazado de cine comercial.
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Basic
Basic (2003)
  • 6,0
    9.730
  • Estados Unidos John McTiernan
  • John Travolta, Samuel L. Jackson, Connie Nielsen, Giovanni Ribisi, ...
3
Trampas básicas.
Pocas veces he visto una película más tramposa que esta. No suelen gustarme las películas que me engañan. Prefiero que jueguen conmigo, como hacia el maestro Hitchcock, permitiendo que el espectador llegue a sus conclusiones, dejándole equivocarse pero no falseando los datos. Basic sería el ejemplo perfecto de eso. Con la excusa de una estructura deudora del Rashomon de Kurosawa, la trama da tantos giros sin sentido, te engaña tantas veces que llega un momento en el que pierdes el interés. Y es que el monumental problema que arrastra es que a diferencia de ese otros famosos films tramposos, como Sospechosos Habituales, aquí todo se construye en base a un guion espantoso, que no muestra el más mínimo interés por unos personajes planos y sin carisma, unas situaciones que buscan la sorpresa forzada ayuden o no a la progresión de la historia y añadiendo unos diálogos absurdos e insulsos para terminar de completar el desastre. Y por si no fuera bastante, los actores se suman a la fiesta y deciden ir a su bola con un Travolta desmadrado como siempre, un Jackson con cara de palo y mala leche perpetua y una Connie Nielsen algo mejor pero incapaz de levantar el asunto. Lo mejor es, como siempre, la labor de McTiernan tras la cámara, que a base de tirar de oficio logra imprimir fuerza a ciertas escenas puntuales, y en general aporta su buen hacer al conjunto. Pero el peso del guion es muy fuerte para que el director solo lo levante. Esperemos que McTiernan consiga pronto proyectos más interesantes que le reivindiquen como lo que es, uno de los directores de acción más brillantes, y que se deje de tonterías intrascendentes como este Basic, que no hacen sino empañar su filmografía. A olvidar.
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Barry Lyndon
Barry Lyndon (1975)
  • 8,0
    32.746
  • Reino Unido Stanley Kubrick
  • Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Leon Vitali, Patrick Magee, ...
9
Todos son iguales...
No puede por menos que despertarse la admiración del amante del cine de altura al contemplar el virtuoso trabajo que Kubrick ha conseguido en esta película. Incluso encontrándome alejado del deprimente mensaje que transmite el director, es fascinante contemplar la minuciosidad, inteligencia y talento que derrocha cada elemento de este film, sin duda uno de los más perfectos de la década y del director. Nada parece gratuito en Barry Lyndon, en el que los detalles no buscan ser un mero adorno en la vida de Barry, sino una descripción de toda una sociedad y en cierto modo una cínica visión del ser humano. Los elementos con los que trabaja son tan imaginativos como variados, logrando una sorprendente unidad de estilo. Utiliza con sorprendente criterio la voz en off y el zoom: el primero adelantándonos lo que va a ocurrir y por tanto reduciendo la identificación con el protagonista (nunca llega a caer simpático del todo) para centrar nuestra atención en otras cosas; el segundo para incidir en la idea del hombre como parte del escenario y no necesariamente como protagonista. No es que Kubrick se vuelva monótono. Simplemente es coherente con el mensaje que busca, y funciona a la perfección, aunque solo sea por acumulación. Visualmente consigue uno de los trabajos más elaborados que recuerdo, de un cuidado exquisito en la composición de los planos, buscando dar vida a cuadros de la época en un alarde de riesgo artístico, obsesión por el detalle y belleza plástica, o de un dominio magistral del tempo, como en el celebrado duelo final. A mí me parece acertada la elección de O'Neil como Barry, pues su condición de actor poco expresivo le convierte pronto en marioneta de sus ambiciones y de los que le rodean, aunque hay que reconocerle mérito al actor, capaz de darle un toque de inocencia y fragilidad a un personaje ambicioso y amoral. El trabajo de fotografía, rodada con luz natural, es enorme, al igual que la cuidada selección de música clásica e irlandesa, maravillosamente adaptada y aplicada por Rosenman. Un film técnica y artísticamente insuperable. Triste reflexión sobre la insignificancia del ser humano, bellísimo ejercicio cinematográfico.
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Balas sobre Broadway
Balas sobre Broadway (1994)
  • 7,5
    27.076
  • Estados Unidos Woody Allen
  • John Cusack, Dianne Wiest, Chazz Palminteri, Jim Broadbent, ...
9
Miserias, divismos y paranoias del artista.
Temas tan habituales en la obra de Allen como su admiración hacia el cine clásico, la capacidad cómica de la que siempre ha hecho gala o la honrada reflexión sobre el talento creativo enfrentado a la humanidad del artista encuentran en Bullets Over Broadway un equilibrio perfecto, alcanzando una de las obras esenciales del talentoso director americano. Tomando como base la comedia, como en sus mejores títulos, Allen consigue una de sus películas más personales, divertidas y críticas con respecto al mundo artístico y sus divismos, miserias y paranoias. Para ello escribe un guion brillante, de los mejores de su carrera y en general de la comedia actual, lleno de diálogos delirantes, divertidos y muy ágiles, retratando a la perfección al generoso grupo de personajes que pueblan el film (inolvidables más de uno, en especial Cheech) y a la vez resultando inteligente en sus reflexiones sobre los temas tratados. El casting está magnífico, desde un Cusack que asimila el estilo de Allen a la perfección (20 años antes lo habría hecho el propio Allen) hasta una enorme Diane West haciendo de una vieja diva del cine en declive. Allen sabe que parte de un material de primera con el guion, por lo se limita a darle ritmo al conjunto, dejando recaer la principal carga sobre este y los actores, pero logrando que el conjunto funcione con precisión absoluta. A destacar también el espléndido diseño de producción. Sin duda una de últimas grandes de Woody Allen.
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Babylon
Babylon (2008)
  • 4,6
    9.917
  • Francia Mathieu Kassovitz
  • Vin Diesel, Michelle Yeoh, Mélanie Thierry, Charlotte Rampling, ...
3
The bad, the nun and the virgin.
Con un argumento que recuerda irremediablemente a Hijo de los Hombres pero con más dinero, menos intención social y mucho menos talento, Babilón A.D. se presenta como una ambiciosa película de ciencia ficción y termina quedándose en una rutinaria y previsible película de acción. El guion se limita a contar una trama principal confusa y pretenciosa, mostrando una descafeinada visión futurista vista mil veces, con alusiones políticas y sociales muy superficiales, una historia para los personajes sencillita digna de cualquier film familiar que evita cualquier atisbo de ambigüedad y menos aún profundizar en los personajes, llegando a un final demencial que le resta la poca credibilidad que ya tenía. Kassowitz se doblega ante el material escrito e intenta darle ritmo al film con unas escenas de acción torpemente rodadas que no logran incrementar el interés, como sí ocurre por ejemplo en Quantum of Solace. Era de esperar que la buena producción se hiciera notar, y así es, con buenos efectos especiales y creíble ambientación. Pero en unos años en el que la ciencia ficción tiene aportaciones tan distintas y brillantes como Minority Report, Hijos de los Hombres, A.I. o Battlestar Galactica en TV, un producto que aporta tan poco como este trabajo de Kassowitz deja totalmente frío. Yo personalmente disfruté mucho más con sus discretas pero mucho más entretenidas entregas de Riddick que con esta fallida Babylon A.D.
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