Mucho se ha escrito y contado sobre la relación de los Beatles con la India, tanto que es difícil añadir algo nuevo a lo ya dicho. El documental The Beatles y la India, estrenado ahora en cines, al menos lo intenta. Aporta sobretodo imágenes actuales de los lugares que frecuentaron los de Liverpool en su estancia a finales de los sesenta, así como testimonios de personas que se cruzaron con ellos. Ese es quizás el valor más importante de la cinta del autor y periodista político indio Ajoy Bose.

Por otra parte, el documental carece de las canciones de los Beatles al no poseer los derechos de las mismas y eso juega en su contra. Por muy conocidas que sean estas canciones, resulta extraño que se nombren pero no se oigan.

Si algo aparta de nuevo este documental es poder ver entre otras cosas la enorme influencia que el paso de los Beatles dejaron en muchos grupos locales. Los lugares por dónde transitaron sirven hoy como atracción para turistas. En especial el ashram donde se alojaron para recibir las enseñanzas de Maharishi Mahesh Yogi.

Sin duda, aparte de Harrison, quien mejor aprovechó su tiempo en India fue John Lennon. Llegó con una fuerte adicción a las drogas y terminó mucho más relajado gracias a la meditación. Además, aprovechó su tiempo allí para componer canciones como Dear Prudence, dedicada a la hermana de Mia Farrow, quien también había viajado junto con el cuarteto. Otros que también acompañaron a los Beatles en su aventura oriental, fueron Mike Love de los Beach Boys y Donovan, aunque su presencia en el documental es prácticamente nula. 

Después de leer las críticas y de ver el trailer realmente me esperaba algo peor. Pero siendo honestos es verdad que la película se deja ver. Bien es cierto que al no poder usar las canciones de Bowie pierde algo de fuerza, ya le ocurrió lo mismo a Velvet Goldmine.

La película esta más cerca del cine indie que de una superproducción al estilo "Bohemian Rhapsody" o "Rocketman". Y eso no es necesariamente malo, pues se centra en un momento concreto de la carrera del artista, en el que todavía no se ha definido como tal y esta buscando su lugar en el mundo del espectáculo. Por otro lado, quizás ahonda demasiado en las dudas existenciales de Bowie, y aunque es cierto que estuvo muy obsesionado con la tragedia de su hermano Terry, la película incide demasiado en este aspecto, mostrando a un Bowie demasiado inseguro de sí mismo.

Tiene momentos brillantes como el homenaje inicial a 2001 y otros que parecen más bien un telefilm y esa irregularidad es la que lastra una película cuyo director tiene clara la historia que quiere contar pero que no acaba de plasmarla del todo visualmente.

Johnny Flynn hace una buena personificación del personaje y en momentos resulta realmente creíble. Lástima que no le acompañe una mejor puesta en escena.

En definitiva, una película para los amantes de la historias pequeñas sin grandes alardes espectaculares.

Ridley Scott acertó cuando depositó toda su confianza en Denis Villeneuve, uno de los directores actuales más interesantes, para rodar la continuación de su obra maestra. Sabedor de que no podía contentar a una generación anclada en el pasado, Villeneuve no recurre a la nostalgia sino que aporta su propia visión y por momentos el resultado es grandioso con notables aportaciones: esos hologramas, la inolvidable Joy (aunque medio robada de Her). Pero a pesar de que la ambientación es impecable, y el estilo visual idéntico a su predecesora. Adolece de su poesía y queda lastrada por un metraje excesivo y una trama que se pierde en absurdas relaciones paterno-filiales.

Aunque en algunos momentos también se puede echar de menos a Vangelis, Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch salen airosos con una banda sonora que mantiene la tensión narrativa. Por otra parte, la aportación de Harrison Ford o Edward James Olmos es meramente testimonial, sin embargo. Y el final intenta crear una empatía con los fans de la original que no consigue y se queda en un quiero y no puedo.

Tras la decepción que supuso una película menor como Stardust, los fans de Bowie esperábamos que apareciera la película que una estrella de su grandeza se merecía. Y por fin ha llegado, no en forma de biopic, sino como algo mejor, una experiencia inmersiva visual y auditiva.

El director Brett Morgen ha tenido acceso a cientos de horas de material inédito para mostrarnos lo que todo seguidor en el fondo espera ver de su ídolo, tener acceso privilegiado a los instantes más íntimos de su vida. Sin seguir una estructura del todo lineal, a través de las imágenes vamos pasando de una etapa a otra de la carrera musical cambiante de un artista andrógino, en un momento en el que no era tan fácil serlo.

Este viaje no tiene mapa y si no se tienen unas nociones básicas sobre la vida de Bowie, es fácil perderse ya que no hay un contexto biográfico que de cierta explicación al torrente de imágenes que estamos viendo. Tan solo unas pinceladas familiares sobre su madre o su hermano Terry, cuya tragedia psíquica es fundamental para entender a David Jones. Sin apenas un prólogo inicial, a los pocos minutos ya aparece en pantalla la imagen de su personaje más icónico, Ziggy Stardust, obviando como llega a convertirse en dicho personaje. Lo mismo ocurre al principio de los noventa, donde no hay ninguna referencia a Tin Machine, un grupo que aunque denostado por algunos, sin cuya creación es difícil entender su renacer artístico tras el baño de masas que supusieron los años ochenta.

El principal valor de este documental frente a otros ya existentes del autor de Starman, es contar con la propia narración del cantante. Son sus palabras las que sirven de hilo conductor para explicarse a sí mismo en cada cambio al que asistimos. Las voces están sacadas de fragmentos de entrevistas realizadas a lo largo del tiempo, pero que puestas todas juntas intentan dar un sentido más o menos narrativo a la cinta. Al igual que ocurría en la surrealista película de Spike Jonze Cómo ser John Malkovich, aquí podemos ser Bowie por un día o al menos durante los 135 minutos que dura Moonage Daydream.

No importa mucho que algunas imagenes ya las hayamos visto en otros documentales, aquí vuelven a cobrar vida junto al resto de fotogramas no visto anteriormente. Algunas escenas pueden resultar algo dañinas para la vista, pues se juega mucho con el montaje rápido y se abusa quizás de la cantidad de referencias culturales que van desde Buñuel hasta Bergman. El frenesí visual alcanza su cenit en su etapa en Los Ángeles, donde la cocaína formaba parte de su dieta diaria.

Sin duda es el tipo de puzzle que a Bowie le hubiera gustado y que seguro también gustará a sus fans y quizás gané algunos adeptos más para la causa. Si algo se aprende después de su proyección es que la vida es un viaje en el que hay que saber adaptarse a los cambios y no quedarse quieto en ningún lugar.

De alguna manera este western anticipa lo que vendría después con "Sin perdón", la obra maestra de Eastwood. Sin duda aquí aplica todo lo aprendido durante los años de formación con Leone. Aplicando un esquema de narración clásico, el film incorpora ciertos detalles sobrenaturales a la trama que pueden pasar desapercibidos en un primer visionado.
El uso del claroscuro en las escenas de interiores es bastante extremo y arriesgado, en la línea de la fotografía ya vista en las dos partes de "El Padrino".
La película fue un éxito en un momento en el que el western ya no estaba de moda y eso es todo un mérito. Aunque luego vendrían otros muchos, Clint fue el responsable de resucitar un género que le había dado tanto.
Aunque no seas fan de las películas del oeste, la acabarás disfrutando. El personaje es menos duro que en la época del espagueti western, pero Eastwood borda igualmente su interpretación.