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Críticas de Elcinederamon
Críticas ordenadas por:
Si Dios quiere
Si Dios quiere (2015)
  • 6,0
    2.131
  • Italia Edoardo Maria Falcone
  • Marco Giallini, Alessandro Gassman, Laura Morante, Ilaria Spada, ...
7
Sorprendente comedia dramática a la italiana
Si Dios quiere, de Edoardo Maria Falcone, es una comedia dramática basada en un prestigioso cardiólogo bastante apático y ateo, que tras descubrir que su hijo quiere ser sacerdote, siente como todo su mundo creado se desmorona e intenta enderezarlo.
Sin duda, una comedia a la italiana digna de visión que funciona a la perfección, ya que tiene en su interior todos los componentes necesarios para hacer reír en bastantes ocasiones al público, y además, se reserva en su interior algún detalle inesperado que pondrá la guinda a una cinta notable. Con la intención no solo de divertir, sino también de llegar al corazón espiritual del espectador, el director construye un llamativo film que es dinámico y pasa en un santiamén, ya que su jocoso humor que se basa en la seriedad y tosquedad de un padre de familia que tiene su vida y la de su familia bastante controlada, es acompañada sutilmente por una música que hace que el humor de la cinta gane puntos.
Como nota negativa, no funciona a un alto nivel todo el rato, y a veces flojea algo, aunque no lo suficiente como para desviar la atención de un público entregado a la risa bien trabajada y característicamente italiana. Por tanto, entretenimiento y risas a un buen nivel se ofrecen al público en un producto certero y jocoso que será las delicias de todos aquellos que decidan visualizarla, ya que, lo que expone es hilarante y además tiene un mensaje en su interior que gustará a muchos y hace que el film toque por ciertos detalles dramáticos con los pies en la tierra. Por ello, hace cavilar a cada uno de nosotros sobre lo que tenemos en nuestra vida más abandonado, cuando en realidad es lo más importante.
En resumen, considero Si Dios quiere, una comedia dramática digna de ver y disfrutar para todos aquellos amantes de la risa bien trabajada que además contiene en su interior mensajes que hacen pensar al público sobre lo que verdaderamente es importante o no en la vida. Es, por tanto, una película que sin ser una gran obra tiene en su interior todo lo necesario para dar al público todo lo que se encuentra cada día en la vida. Risas y lágrimas. Y además, lo hace con cabeza y corazón, y tan solo peca de no mantener el alto nivel que ofrece en ocasiones durante todo el rato.
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16 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eddie el Águila
Eddie el Águila (2016)
  • 6,4
    3.261
  • Reino Unido Dexter Fletcher
  • Taron Egerton, Hugh Jackman, Christopher Walken, Jim Broadbent, ...
7
Prefiere ser un tonto sobrio que un cobarde ebrio
Eddie el Águila, de Dexter Fletcher, es una comedia dramática biográfica basada en la vida profesional de Michael Edwards, conocido como el águila. Cuya obsesión por ir a las olimpiadas y su perseverancia le llevó a ser el primer británico en competir en salto de esquí en unas olimpiadas.
Estupendo biopic basado en el empeño humano de un hombre que no es apoyado por los que los rodea, y sin embargo, a base de constancia y espíritu de progreso, consiguió aunque sin brillo ser el primero en su país en ir a las olimpiadas en una modalidad que no era vista de buen grado en su entorno. El director Dexter Fletcher, realiza el film con corazón y emotividad pero sin olvidar las notas de humor y un efectivo entretenimiento que se mantiene de principio a fin, creando poco a poco una atmósfera de evolución continua en el personaje que apasiona y deja poso tras su visionado. De modo, que logra con ello dar forma a una película que llega directamente al corazón y deja tras de sí un mensaje limpio de humanidad y espíritu de superación.
La historia que se expone en el film, no brilla con intensidad, pero si lo suficiente como para no defraudar a ninguna clase de público en lo que se le va ofreciendo. Además, el espectador acaba sintiéndose orgulloso del protagonista en su deseo y tenacidad por conseguir sus propósitos, aunque su objetivo no sea la victoria, sino tan solo hacerlo para demostrarse a sí mismo y a los que lo rodean que sí es capaz de conseguir proezas. Por ello, el film se vuelve en varios detalles inolvidable y satisface a todos aquellos que sin esperar una gran obra, se dejen llevar por la pasión y el buen corazón de Eddie el Águila, el cual, a través de sus excéntricos gestos y bailes, acaba conquistando al público asistente de sus suficientes saltos.
En definitiva, considero Eddie el Águila, un biopic con buenos momentos cómicos y dramáticos que dejan en el espectador la sensación de haber visto una obra que será recordada con mucho cariño, y que sin duda alguna, deja inmortalizada la figura de un saltador de esquí que no brillo por sus records mundiales, sino por los suyos propios y por tener un carisma y gran corazón que calará sin remisión en todos aquellos que decidan visualizar la película. Por tanto, valoro notablemente la cinta como un trabajo que te hace reflexionar sobre los verdaderos objetivos humanos que se pueden alcanzar dentro de las limitaciones y circunstancias propias, y un ejemplo a seguir en perseverancia a la hora de conseguir tus propios objetivos y proyectos.
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3 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tres recuerdos de mi juventud
Tres recuerdos de mi juventud (2015)
  • 6,2
    1.414
  • Francia Arnaud Desplechin
  • Mathieu Amalric, Quentin Dolmaire, Lou Roy-Lecollinet, André Dussollier, ...
5
Buen intento que no llega a cuajar
Tres recuerdos de mi juventud, de Arnaud Desplechin, es un drama romántico basado en un hombre que recuerda su infancia y juventud en distintas épocas que lo marcaron de un modo u otro en su vida, sobre todo en lo que al amor se refiere.
El film de Arnaud Desplechin navega por la nostalgia de su protagonista en varios recuerdos de su juventud, y los muestra de modo que cuadra con sus historias del presente en un ejercicio sentimental que tiene mucha intención, pero el problema surge en la falta de entretenimiento en lo que narra, la falta de viveza en su expresión, es decir, se arriesga al jugar con la melancolía de una historia que se expone de un modo lineal y hace que poco a poco el público vaya perdiendo interés en lo que se le va mostrando.
En cuanto a su argumento, aunque toca de principio a fin la añoranza y la tristeza de lo perdido, no consigue calar plenamente con su idea y deja tras de sí la sensación de poder haber sido una película más profunda, capaz de penetrar en los corazones de los románticos y nostálgicos incurables, y sin embargo, termina siendo una cinta más bien prescindible, ya que, repito, aunque su intención e idea es buena, no consigue crear el interés necesario para absorber al público en su visionado.
Resumiendo, considero Tres recuerdos de mi juventud, una obra con buenas intenciones y estupendas interpretaciones que no llega a despegar lo suficiente como para mantener el interés intacto de principio a fin, y flota en la superficie del sentimentalismo al no dar algo más profundo y romántico que permanezca más tiempo en la memoria del espectador. Por lo que, es una obra que puede gustar a algunos seguidores de los dramas románticos sencillos que no ofrecen algo llamativo, pero desde luego no al cinéfilo medio que cuando se propone ver un drama romántico, piensa en algo que cale en él y sea recordado con más efectividad.
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5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Madame Bovary
Madame Bovary (2014)
  • 5,3
    1.023
  • Reino Unido Sophie Barthes
  • Mia Wasikowska, Ezra Miller, Paul Giamatti, Rhys Ifans, ...
5
Flojo drama que no termina de arrancar
Madame Bovary, de Sophie Barthes, es un drama de época basado en la hija de un granjero que tras casarse con un doctor rural, comienza a sentir un vacío en su vida que la acaba transformando en una mujer infiel y manipuladora.
De la conocida novela homónima de Gustave Flaubert, Sophie Barthes construye en esta adaptación un film hermoso en técnica y dirección artística pero que carece de la pasión que le sobra a la protagonista. Es, por tanto, una obra que puede gustar a los seguidores de los dramas románticos clásicos que no les importe un ritmo bastante paulatino, pero al gran público en general le parecerá una película bastante tediosa y con falta de gancho. También la interpretación de Mia Wasikowska es bastante fría y no trasmite todo lo necesario para el difícil papel que tiene en sus manos, al igual que el resto de protagonistas, que hilan lineales interpretaciones y no difunden más que apatía.
En cuanto a la parte técnica, es lo más salvable del film gracias a una fotografía que hace buen uso de la luz oscura, tenue y lumínica, transportándose eficazmente a la época en cuestión. La música es hermosa y tiene momentos hipnóticos que atrapan al público con sus melancólicas armonías para deleite del espectador. Los vestuarios y caracterizaciones de época están bien logrados en una notable labor, pero como nota negativa, el montaje es lento y muestra al principio el final de la historia, exponiendo erróneamente su desenlace a todos aquellos que no han visto otra versión cinematográfica o leído la novela.
En definitiva, considero Madame Bovary una cinta que solo cumple a medias, sobre todo por la parte técnica y artística en la que se nota buen gusto y oficio por una cuidada fotografía y unos no recargados vestuarios de época, aunque en lo que se refiere a la trama carece de pasión y entretenimiento y se basa demasiado en unas interpretaciones que resultan bastante apáticas y no llegan a convencer al público. Por lo que, no la considero en líneas generales recomendable de ver a no ser que seas un cinéfilo incondicional de los dramas de época basados en conocidas novelas leídas durante años.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Magallanes
Magallanes (2015)
  • 6,6
    613
  • Perú Salvador del Solar
  • Damián Alcázar, Magaly Solier, Federico Luppi, Christian Meier, ...
7
Un drama redentor
Magallanes, de Salvador del Solar, es un drama basado en un taxista llamado Magallanes que fue miembro del grupo terrorista Sendero luminoso, y que un día tras recoger a una mujer a la que reconoce como una de las víctimas que ayudo a secuestrar, decide ayudarla económicamente para redimirse de sus malos actos del pasado.
Con un profundo entramado, la película toma como base la salvación espiritual por los malos actos cometidos en un turbio pasado en el que el comunismo extremo de un grupo terrorista, atemorizó al país en los años 80 y 90. Y dentro de ello, muestra a Magallanes, un personaje arrepentido que quiere ser perdonado a través de unos buenos gestos hacía una de las víctimas de ese oscuro pasado. Con esa premisa, se logra atrapar la atención del espectador seguidor de dramas inspirados en hechos reales que sucedieron hace no demasiados años, ya que parece que el director quiere dejar con ello atrás las atrocidades cometidas por un sector de la sociedad y pedir perdón para seguir adelante con la mente y el corazón limpios. Es, por tanto, un film necesario de conocer para escuchar algunos testimonios de uno de los episodios más lamentables ocurridos en Perú en el siglo XX, en el que murieron muchas personas bajo el terrorismo cometido por un grupo de extremistas que querían hacer del país otra Unión Soviética bajo una dictadura de terror. Y sin duda alguna, gustará a todos aquellos buscadores de cintas que tocan una triste realidad llena de fanatismo y obsesión por llegar al poder y manejar al pueblo en forma de dictadura.
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2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Lobo
Lobo (2014)
  • 6,6
    1.033
  • Jordania Naji Abu Nowar
  • Jacir Eid, Hassan Mutlag, Hussein Salameh, Marji Audeh, ...
7
El fuerte se come al débil
Lobo (Theeb), de Naji Abu Nowar, es un drama de aventuras que transcurre a principios del siglo XX, y está basado en un joven beduino adolescente que tras la muerte de su padre, decide acompañar a su hermano mayor -que tiene la obligación de no deshonrar la memoria de su padre-en la difícil tarea de llevar a un oficial inglés a un pozo de una antigua ruta de peregrinación a La Meca, la cual está plagada de mercenarios, revolucionarios y asaltantes.
La película comienza centrándose en el honor que deben mantener los hermanos hacia la memoria de su padre, pero posteriormente, cuando comienzan el peligroso camino, inician una arriesgada aventura dramática que tendrá preparada múltiples sorpresas desagradables para el pequeño Theeb, que se verá obligado a convertirse forzosamente en un adulto para poder sobrevivir. Y todo esto, lo va narrando su director de un modo sencillo y directo, sin florituras ni distracciones, marcando claramente la forma de vivir y tomar decisiones de estos pueblos en unos parajes donde la vida vale más bien poco, y al peligro natural de la zona se le une el complicado contexto histórico de la primera guerra mundial.
Con esta historia, se hila un film bien trabajado que no se toma la más mínima prisa en ir exponiendo su trama y el desarrollo de sus personajes, y logra con ello atraer al cinéfilo cultivado gracias a su trágico y verosímil argumento que te transporta eficazmente a la Arabia de principios del siglo XX. Además, la actitud del pequeño Theeb cuando todo en su vida se complica y comienza su búsqueda de la supervivencia, es de lo más real y huye del efectismo que pretende sorprender al público para deleitar al espectador con la naturalidad y sinceridad del relato. Dejando para el final, la prueba evidente de que el joven protagonista ha madurado y mantenido el honor de su familia.
Para finalizar, destacar que Lobo (Theeb), es un clásico moderno que gustará al espectador ilustrado que quiere ver dramas trágicos que acaparan su total atención, ya que cumple notablemente con lo que se espera de ella y te transporta fehacientemente al momento y lugar en cuestión, y sobre todo, a la forma de vivir y de ser de los beduinos del desierto. Por lo que, considero la película, recomendable para esa clase de público que no quiere falsos artificios y buscan un cine que brilla por mostrar la realidad que sucede y sorprende tal cual al público, lo que sin duda encontrarán en este film auténtico y digno de ser descubierto por ellos.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Corazón gigante
Corazón gigante (2015)
  • 7,0
    5.412
  • Islandia Dagur Kári
  • Gunnar Jónsson, Ilmur Kristjánsdóttir, Margrét Helga Jóhannsdóttir, Sigurjón Kjartansson, ...
8
La ternura de Fúsi conmueve a todos
Corazón gigante, de Dagur Kári, es un drama con toques de romance que toma como base la vida de Fúsi, un hombre de 43 años con sobrepeso y un gran corazón que es bastante introvertido, razón por la cual lleva una vida solitaria y sin pareja. Pero todo empieza a cambiar cuando conoce en una sala de baile a Sjöfn, una mujer también solitaria y con problemas psicológicos.
El director Dagur Kári talla con Corazón gigante, uno de esos dramas románticos que se quedan para siempre en la memoria del espectador por su emotividad y hermosa trama que llega con absoluta sinceridad al corazón del público, ya que su entramado es tierno y su afable protagonista cautiva con ingenuidad a toda clase de espectadores. Aunque también ese es el motivo de la desgraciada vida de Fúsi, y de que su enorme corazón sea aprovechado por muchos para burlas o para salir del paso. Pero eso no llega a ser razón suficiente para que este cambie de forma de ser, y es precisamente esa integridad, la que consigue que el público admire y quiera a su protagonista.
El film transcurre sin prisa y sin pausa, y mantiene con mucho estilo atento al espectador todo el rato con lo que se le va mostrando, dejando a su paso una huella humana y sincera que no se olvida, ya que la compasión que desprende la película pocas veces se ve en el cine sin llegar a caer en lo lastimero, y la profundidad y sentimiento que desprende su protagonista hace que la cinta deje un profundo poso de tristeza y conmueve con ello, aunque también deja notas de esperanza y de cómo una persona es capaz de salir con valentía de su zona de confort a través del amor y su buena voluntad.
Es, por tanto, una película notable que cautiva sin dilación al público que decida visualizarla. Por tener unas interpretaciones enternecedoras, en especial la de Gunnar Jónsson. Una música hipnótica y desde luego emotiva que acompaña magistralmente el film en las escenas oportunas. Y una fotografía evocadora y fría del lugar que transporta al público y hace que su cálido protagonista brille con más luz si cabe. Se logra con todo esto, dar forma a una de esas películas que se quedan para siempre en la retina del espectador, una de esas que gracias al boca a boca va llegando a toda clase de públicos para deleite de todos aquellos que tengan la suerte de visualizarla.
Concluyendo, considero Corazón gigante, una cinta inolvidable, tierna y conmovedora que llega al corazón de todos aquellos que decidan visualizarla, ya que cautivará con total seguridad a todos por la ternura que desprende su protagonista Fúsi. Por lo tanto, es recomendable para todos a excepción de los que huyan de lo lastimoso y excesivamente triste, ya que los corazones que logra cautivar, son los de aquellos sentimentales incurables que busquen sin descanso la bondad y el buen hacer del ser humano.
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7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
The Tribe
The Tribe (2014)
  • 6,6
    1.677
  • Ucrania Miroslav Slaboshpitsky
  • Grigoriy Fesenko, Yana Novikova, Rosa Babiy, Alexander Dsiadevich, ...
8
Un tributo sordo mudo a Michael Haneke
The Tribe, de Miroslav Slaboshpitsky, es un drama basado en un joven sordo mudo que ingresa en un internado especial donde viven otros jóvenes de la misma índole, y una vez allí, conoce a un grupo de delincuentes con los que empieza a cometer todo tipo de fechorías.
The Tribe, es un film distinto, un film sin palabras, comentarios ni música, como avisa su director al principio, y con ello se da forma a una cinta que si no fuera por los ruidos cotidianos y algún sonido o queja de sus protagonistas, sería un film mudo. Pero, a diferencia de estos, su lenguaje es de personas sordomudas con signos y no está subtitulada. Son, por tanto, los hechos o mejor dicho los desafueros de los protagonistas, los que van marcando la trama de la película.
A diferencia de lo que puedan creer inicialmente algunos espectadores, que su trama al estar basada en jóvenes sordomudos tocará temas lastimosos o reivindicativos, no puede estar esta idea más alejada de la realidad, ya que la crueldad, violencia y frialdad de los actos de sus protagonistas dejarán al público pasmado en más de una escena. Y todo ello transcurre, en un internado en el que los adultos poco aparecen, y parece más bien que está regentado por estos jóvenes delincuentes que realizan salvajadas de todo tipo como peleas, robos y prostitución a su antojo.
Es por tanto, un film arriesgado, pero certero. Una película que se atreve con una incitadora trama llena de una estúpida violencia que indigna y produce impotencia al público en lo que se le va mostrando. En ella, los adolescentes practican sexo sin ningún miramiento o respeto, ataques violentos, robos e incluso algo más para dejar al público exhausto tras su visionado. La cinta, además, recordará en muchos aspectos al provocador Michael Haneke por tener muchos componentes usados en sus películas, y a muchos el film les evocará a la belicosa cinta Juegos Divertidos, por lo que sin duda no es apta para los más sensibles.
En definitiva, The Tribe no es una película destinada al espectador comercial, sino más bien al cinéfilo exigente que busque experiencias cinematográficas innovadoras que ofrecen algo distinto y provocador por su desconcertante violencia y final, ya que su trama va transcurriendo sin más y sus personajes no tienen casi desarrollo, sino que más bien son sus actos los que van definiendo un oscuro argumento que desde luego no dejará a nadie indiferente y gustará mucho a todos aquellos que disfruten con los finales que dejan descolocado y extenuado al público.
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Triple 9
Triple 9 (2016)
  • 5,6
    5.000
  • Estados Unidos John Hillcoat
  • Casey Affleck, Chiwetel Ejiofor, Kate Winslet, Aaron Paul, ...
4
Un quiero y no puedo
Triple 9, de John Hillcoat, es un thriller de acción basado en un grupo de policías corruptos de la ciudad de Los Angeles que, bajo amenazas de la mafia, quieren realizar un gran robo distrayendo la atención de todas las autoridades. Con esta premisa se da forma a una película que comienza con gran pie al mantener al público en tensión y suspense con acción de la buena, pero sin embargo, una vez pasado el calentón del principio se va desinflando poco a poco y se apoya en las interpretaciones de algunas caras conocidas que parecen no encajar bien sus respectivos papeles en el film.
La película tiene algunos detalles técnicos buenos como la música que acompaña las escenas de tensión hábilmente para tener así al público pegado al asiento, pero en cambio se excede al mostrar una fotografía violenta y sanguinaria que pretende asombrar al público y que quizás por momentos lo consigue, pero a base de desagradables escenas que considero más bien innecesarias. En cuanto a los planos y movimientos de cámara, si cumple con su cometido a través del acertado uso de la cámara en mano dinámica, plano-contraplanos y generales que marcan junto con el montaje un buen ritmo al film en las escenas de acción.
Pero la peor sensación que te deja la película es sin duda su trama, que comienza dando buenas vibraciones y por momentos recuerda a buenos films de la talla de Heat, y sin embargo, el director desaprovecha esa oportunidad y la va dejando caer para desgracia de los incondicionales del género. Es por tanto, una cinta desaprovechada en la que acabas perdido y con el deseo de que su metraje no sea excesivamente largo, ya que sus inapetentes cambios de ritmo suman algo de aburrimiento a este desperdiciado film.
En resumen, considero Triple 9, una película infructuosa que pretende ser demasiadas cosas y sin embargo acaba por desinflarse ella sola en sus innecesarios propósitos, ya que podría haber sido un buena obra de acción de las que mantienen al público absorto, y en cambio, se aleja poco a poco de ese propósito por centrarse en una historia demasiado sanguinolenta que además tiene falta de chispa en la mayor parte de su metraje. Por lo tanto, es poco recomendable de ver y desde luego prescindible si eres un cinéfilo exigente que busca acción e intriga en altas dosis.
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13 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
Romance en Tokio
Romance en Tokio (2014)
  • 5,3
    1.090
  • Bélgica Stefan Liberski
  • Pauline Etienne, Taichi Inoue, Julie LeBreton, Alice de Lencquesaing, ...
7
Un film romántico que expone fehacientemente el amor en lo bueno y en lo malo
Romance en Tokio, de Stefan Liberski, es una comedia romántica basada en una joven belga risueña que tras 20 años de ausencia vuelve a Japón, el país que la vio nacer y al que tanto ansiaba volver para ganarse la vida allí dando clases de francés. Con esta historia aparentemente nostálgica, el director y guionista crea un curioso film que toma como base el romance intercultural, así como la superación o no de las asperezas e incomprensiones que surgen en el encuentro amoroso entre la protagonista belga y un joven japonés que es el alumno de esta. A todo esto, se añade también más interés con las extrañas e infantiles ocurrencias de la protagonista para dar un toque innovador a la película.
En cuanto a la parte técnica, sobresale por encima de todo la música melódica y emotiva que llena de encanto la cinta en casi todas sus escenas. También destacan los planos y movimientos de cámara a través de la cámara en mano, generales, seguimiento, tercera persona, subjetivos y planos-contraplanos que exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno. Cabe mencionar también, que la fotografía es evocadora de Japón y está cuidada en detalles competentes que logran hacer de ella una tarea vistosa.
El guion, escrito por el director y basado en el libro de Amélie Nothomb, toma como base el romance entre distintas culturas y expone el cambio de pensamiento de la joven en su periplo en Japón, su cambio de actitud y pérdida de la ilusión al mostrar el director la perspectiva del "otro" Japón, el del japonés que vive allí y no siempre es comprendido por otras culturas que solo suelen pasar unas cortas vacaciones en el país nipón. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off al principio que es explicativa de la vida de la protagonista y el resto que es natural e insinuante en sus amables y educadas conversaciones. Cabe señalar también, el montaje lineal y seguido que no se toma prisas en ir mostrando su historia.
En cuanto a la parte interpretativa, son competentes y cumplen bien con su cometido. Como pareja protagonista, Pauline Etienne trabaja con sensibilidad e inocencia en un papel de chica jovial y risueña, y Taichi Inoue logra una certera y convincente interpretación que trastoca algo al espectador en sus sorprendentes aficiones. Son buenos también, los acompañamientos de Julie LeBreton, Alice de Lencquesaing y Akimi Ota entre otros. Para estos emplea la dirección artística, unos vestuarios y caracterizaciones sencillos y normales en una correcta labor que es sugestiva de cada personaje y que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
En resumen, considero Romance en Tokio, un film romántico distinto que expone fehacientemente el amor en lo bueno y en lo malo, en la felicidad y en la tristeza, en la confianza y el escepticismo de los sentimientos encontrados para dejar mella en el espectador apasionado. Por lo que, sin duda alguna, es una película diferente y profunda que de forma real y a través de una relación intercultural, llega al público de forma sincera y pura para satisfacción de todos aquellos seguidores de las buenas comedias románticas que tienen la honrada intención de llegar al espectador por caminos no andados hasta el momento.
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4 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Yo, él y Raquel
Yo, él y Raquel (2015)
  • 7,1
    12.668
  • Estados Unidos Alfonso Gomez-Rejon
  • Thomas Mann, Olivia Cooke, RJ Cyler, Nick Offerman, ...
8
Cine distinto para atrapar la atención de los buscadores del humor poco convencional
Yo, él y Raquel, de Alfonso Gomez-Rejon, es una comedia dramática de cine independiente norteamericano, basado en un joven que intenta pasar desapercibido en su último año de instituto junto con un amigo con el que realiza películas caseras, pero todo cambia cuando su madre lo obliga a trabar amistad con una compañera a la que le acaban de diagnosticar leucemia. Con esta trama, su director logra sacar gran jugo a una película tan afiladamente divertida como emotiva para satisfacer plenamente a los seguidores de un cine que se aleja de lo convencional, pero que atrae con gran oficio gracias a sus múltiples detalles fílmicos que dejan claro su disposición para ofrecer algo novedoso, sorprendiendo con ello hasta al cinéfilo exigente acostumbrado a ver cine de lo más variopinto.
La parte técnica de la película también brilla por varios detalles peculiares. La fotografía mezcla con mucha originalidad las imágenes reales con otras animada en stop-motion que salen de la discordante cabeza del protagonista para lograr una labor vistosa. La música acompaña notablemente el film gracias a sus melodías rítmicas y tristes que varían según la escena de la película. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor dinámica y desde luego magnífica gracias al excelente uso de los circulares, rotación, grúas, avanti, retroceso, nadir, cenitales, subjetivos y cámara en mano que de forma dinámica e inusitada exprimen lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
En cuanto al guion, escrito por Jesse Andrews, es de lo más innovador al tomar con humor y naturalidad la leucemia de una joven con la intención de restar hierro al asunto y llegar de un modo distinto al espectador, guardando en su interior varias sorpresas que perderán algo al público en una tarea que además está dividida en capítulos que definen la extraña relación que surge entre los protagonistas. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off sarcástica y mordaz, que atrae la atención del espectador de principio a fin y que tiene también detalles tristes y sentimentales. Cabe mencionar también, que el montaje lineal es imaginativo y usa el flash-back original para meter al público en la insólita mente del protagonista.
La parte interpretativa, cumple ampliamente con su cometido y parecen no estar tomadas muy en serio, cuando en realidad es ese su fuerte. Como protagonistas cuenta con Thomas Mann, que está perspicaz en su extraño carisma apático y Olivia Cooke, que trabaja con sensibilidad y acierto en una irreprochable tarea. Son también inteligentes los acompañamientos de RJ Cyler, Nick Offerman, Connie Britton, Molly Shannon y Jon Bernthal entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones acordes con cada tribu urbana expuesta en la película para añadir con sus estereotipados comportamientos más humor al film.
Para finalizar, considero Yo, él y Raquel, una comedia dramática estupenda que ofrece algo nuevo para el buscador de cine independiente que siempre quiere encontrar películas auténticas y con un resultado maravilloso que no se limita a entretener, sino que siempre rebusca la intención de sorprender en todo momento con las diferencias que se exponen con respecto al cine más convencional y que se van mostrando a lo largo del film. Por todo esto, es una película recomendable también por su dirección, guion, actuaciones, música, montaje, planos, movimientos de cámara y narrativa que logran hacer de esta cinta, un producto soberbio y digno de mención que no se olvidará tras su visionado.
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Palmeras en la nieve
Palmeras en la nieve (2015)
  • 6,0
    11.934
  • España Fernando González Molina
  • Mario Casas, Adriana Ugarte, Macarena García, Alain Hernández, ...
7
Notable drama romántico que se queda en la retina de los más sentimentales
Palmeras en la nieve, de Fernando González Molina, es un drama romántico que transcurre durante la época colonial española en Guinea Ecuatorial, donde dos hermanos de Huesca viajan a la colonia de Fernando Poo para trabajar las plantaciones de cacao, donde vivirán situaciones de pasión, amor, amistad y odio. Con esta historia, se da forma a un film que funciona como drama nostálgico romántico y familiar que está dividido en dos partes entrelazadas y separadas por 40 años, logrando con ello un buen melodrama que es profundo y cautivará a los más sensibles que se dejen atrapar por la belleza de sus imágenes, sonidos e interpretaciones.
En cuanto a la parte técnica merece la pena destacar que su fotografía es evocadora de cada época y lugar, dando lugar a una labor lumínica bien repleta de detalles inspiradores que consiguen un trabajo artístico espléndido que gusta ver. La música emotiva llena de nostalgia el film, gracias a unas melodías dulces e intrigantes según el momento de la película para añadir cierta tristeza a su trama. Los planos y movimientos de cámara consuman una notable labor técnica mediante el uso de los detalles, avanti, retroceso, plano-contraplanos, panorámicos, travellings, grúas, seguimiento, cámara en mano, primeros y primerísimos planos que exprimen lo mejor de las interpretaciones.
El guion, escrito por Sergio G. Sánchez y basado en la novela de Luz Gabás, es hermoso en el entramado que expone tanto del pasado como del presente para encandilar a los amantes de los buenos dramas que transcurren en trasfondos históricos llenos de significado para aumentar el interés por su historia. Toca además, en todo momento, el melodrama y expone de manera fehaciente el desarrollo de los personajes con el paso de los años. Esto se lleva a cabo con una narrativa clásica que de forma impoluta añade profundidad y romanticismo a la película. Cabe señalar también, que en el montaje se usa el flash-back y los saltos temporales para montar una operación atractiva que deja mella tras su visionado.
Las interpretaciones también dejan alto el listón y cumplen ampliamente con su cometido. Como protagonistas Mario Casas trabaja con convicción y dramatismo en un lúcido papel, Adriana Ugarte hila una gran interpretación con calado psicológico y Berta Vázquez está destacable también en su labor. Son buenos además, los acompañamientos de Macarena García, Alain Hernández, Emilio Gutiérrez Caba, Celso Bugallo, Laia Costa y Fernando Cayo. La dirección artística emplea para estos, unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de cada época y lugar que varían según su personaje, en una tarea bien cuidada en detalles que logra una deslumbrante labor que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
En definitiva, considero Palmeras en la nieve, una obra imperecedera y bien trabajada que aunque no brille en demasía, si crea una atmósfera romántica de nostalgia bastante recordable para atrapar al cinéfilo ávido de buenos dramas que transcurren en trasfondos históricos que añaden más interés por el film. Es, por tanto, una película recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, vestuarios, caracterizaciones y narrativa que hacen de ella, un film hermoso y cautivador que no dejará a nadie indiferente y no se hace largo en absoluto, ni siquiera con sus más de dos horas y media de duración.
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7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Los cronocrímenes
Los cronocrímenes (2007)
  • 6,6
    26.448
  • España Nacho Vigalondo
  • Karra Elejalde, Bárbara Goenaga, Candela Fernández, Nacho Vigalondo, ...
7
Un buen título de ciencia ficción que ofrece algo nuevo en los viajes en el tiempo
Los cronocrímenes, de Nacho Vigalondo, es un thriller de ciencia ficción y viajes en el tiempo en el que un hombre descubre una máquina para viajar en el tiempo de forma accidental, y una vez la usa se da cuenta de que es capaz de viajar unas horas al pasado para intentar corregir así, los últimos y nefastos acontecimientos. Con esta enrevesada trama, el directo talla un extraño pero atrayente film que acapara de principio a fin la atención de los amantes del género, ya que su trabajada historia sorprende en sus giros argumentales inesperados, dando sentido a todo lo que va ocurriendo desde el principio al protagonista. Es por tanto, una obra digna de descubrir por todos los amantes de la ciencia ficción y los viajes en el tiempo.
La parte técnica de la película destaca menos que su historia pero cumple con su cometido. La fotografía hace buen uso de los claroscuros y crea un ambiente onírico y enigmático que gusta ver. La música añade intriga mediante sus turbadores e intensos sonidos que desconciertan al público y dan también inquietud en las escenas oportunas. Los planos y movimientos de cámara consuman un buen trabajo a través del uso del seguimiento, cámara en mano, subjetivos, reconocimiento y avanti que sacan lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
El guion, escrito por el director, es intrincado y se vuelve más difícil de comprender a medida que avanza su historia. Da eso sí, una vuelta de tuerca más al trillado género de los viajes en el tiempo y logra con ello atrapar la total curiosidad del público en su desarrollo y desenlace de esta penetrante historia. Esto se lleva a cabo con una narrativa expresiva y misteriosa en las deducciones a las que se van llegando en cada viaje en el tiempo para confundir al espectador. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que entrelaza con mucho acierto los viajes en el tiempo, logrando con ello un entretenido puzle que hace cavilar al espectador.
En cuanto a las interpretaciones, están bien logradas en lo que ofrecen. Como protagonista absoluto Karra Elejalde trabaja con credibilidad y convicción en su labor y son buenos los acompañamientos de Bárbara Goenaga, Candela Fernández y Nacho Vigalondo entre otros. Para estos emplea la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sencillos pero correctos en una decente labor que junto con los exteriores te transportan in situ.
Para finalizar, considero Los cronocrímenes, una obra original que aporta algo nuevo a la ciencia ficción y los viajes en el tiempo para cautivar a todos sus incondicionales, ya que su intrincado entramado tiene unos giros argumentales atractivos que hacen que cada vez se complique la situación más y más para tener al espectador resolviendo esa retorcida ecuación que nos va mostrando su director y guionista Nacho Vigalondo. Por lo tanto, es una película recomendable por su dirección, guion, actuaciones, música, montaje y narrativa que hacen de este trabajo, algo diferente y digno de visión para los incondicionales del género.
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Grandma
Grandma (2015)
  • 6,4
    2.668
  • Estados Unidos Paul Weitz
  • Lily Tomlin, Julia Garner, Marcia Gay Harden, Judy Greer, ...
7
Diversión y drama sin tapujos
Grandma, de Paul Weitz, es una comedia dramática de cine independiente basada en una mujer ya madura, que recibe la visita inesperada de su nieta para que le ayude a pagar el aborto de un embarazo no deseado, embarcándose entonces ambas en un viaje de autodescubrimiento que les revelará varios secretos. Con esta sencilla historia, el director lleva a cabo un film lleno de vitalidad emocional en el que tanto la abuela como la nieta descubren cosas nuevas del pasado y de sí mismas, ofreciendo con ello un profundo y personal drama con toques de comedia que gustará a los que busquen un cine distinto, ya que tiene en su interior todos los componentes necesarios para gustar al público que huye del cine más convencional.
Al ser cine independiente, Paul Weitz se permite el lujo de construir una cinta que toca detalles como la homosexualidad y las familias poco comunes para atrapar la atención del espectador, y lo hace con estilo propio y determinación a través de unos personajes muy reales que son más fácil de encontrar en la vida real que en la ficción. Además, esto tiene más gancho gracias a unas estupendas interpretaciones que no dejan a nadie indiferente. Cuenta con Lily Tomlin que está deslumbrante en un papel remarcable y con carácter y Julia Garner que trabaja con sensibilidad en un personaje ingenuo. Son buenos también los acompañamientos de Marcia Gay Harden, Judy Greer, Laverne Cox y Sam Elliott entre otros.
En cuanto a la parte técnica de la película, su fotografía lumínica y humilde añade confort a su visionado en una labor estéticamente bien cuidada. La música es melódica en sus sonidos nostálgicos que dan cierta belleza apaciguadora a la cinta. Los planos y movimientos de cámara consuman una correcta tarea técnica mediante el uso de la cámara en mano, seguimiento, plano-contraplanos, subjetivos, detalles y tercera persona algo informales y descuidados, que dan un toque particular al film. Cabe señalar también, que el montaje lineal y seguido está dividido en capítulos y marca un ritmo activo que hace que pase su visionado en un santiamén. Y su narrativa, que es algo ordinaria y sugestiva de cada personaje en una tarea directa y expresiva que cumple de modo natural.
Resumiendo, considero Grandma un buen film que proporciona algo de diversión y drama familiar gracias a la especial relación de una joven embarazada y su abuela homosexual, logrando con ello su director atrapar la atención del espectador buscador de cintas afiladas y con detalles novedosos que huyen de los convencionalismos. Por lo que, en definitiva, es una película recomendable sobre todo por sus interpretaciones, narrativa, música y montaje que hacen de ella algo agradable y digno de ver y descubrir.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
La novia
La novia (2015)
  • 6,9
    12.660
  • España Paula Ortiz
  • Inma Cuesta, Asier Etxeandia, Álex García, Luisa Gavasa, ...
8
Un drama imprescindible que habla a voces de García Lorca
La novia, de Paula Ortiz, es un drama romántico basado en la famosa obra de Federico García Lorca "Bodas de sangre". Con esta famosa historia que inmortaliza más aún al gran poeta y dramaturgo de Fuente Vaqueros, la directora construye una hermosa obra que brilla en todo lo que se propone para cautivar a los cinéfilos exigentes con sus múltiples detalles visuales, técnicos e interpretativos que dan forma a esta admirable cinta. Por todo esto, es un film digno de elogio que deja claro la calidad fílmica capaz de desarrollar la joven directora, ya que consigue dar profundidad y belleza a su segundo largometraje para hacer mella en el espectador amante de los buenos melodramas. Se sitúa, por tanto, Paula Ortiz, como una cineasta digna de seguimiento para todos aquellos cinéfilos que busquen calidad y una estética bien cuidada que no se limita a seguir con lo convencional, sino que busca ofrecer un producto nuevo que se recuerde aun con el paso de los años.
Merece especial atención destacar todos y cada uno de los detalles técnicos de la película. La fotografía es espléndida en una tarea de lo más vistosa que cautiva al público con sus resplandecientes imágenes que logran inspirar al espectador. La música es triste en sus desgarradoras melodías que turban al público en las escenas oportunas y añaden intriga e intensidad a la obra. Los planos y movimientos de cámara consuman una brillante labor técnica en la que destaca por encima de todo la cámara en mano, el seguimiento, los subjetivos, detalles, primeros y primerísimos planos artísticamente bien logrados para sacar lo mejor de las interpretaciones. Cabe señalar también, que el montaje lineal y seguido que usa el flash-back recordatorio para narrar la historia, tiene el tiempo justo para hacer que su visionado pase en un santiamén y no le sobre ni un minuto.
En cuanto a la parte interpretativa, cabe mencionar que dejan muy alto su listón dramático y cuenta con las sobresalientes colaboraciones de Inma Cuesta, que hila un enorme y fehaciente papel lleno de profundidad, Asier Etxeandia en una labor remarcable y Álex García que está intachable en su trabajo Son notables también, los acompañamientos de Luisa Gavasa, Carlos Álvarez-Novoa, Ana Fernández, Consuelo Trujillo y Leticia Dolera entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugestivos de la obra de Lorca en un soberbio trabajo que junto con los decorados y exteriores te transporta in situ.
El guion, escrito por la directora junto con Javier García Arredondo, es una fiel adaptación de la obra Bodas de sangre que atrapa irremediablemente al público con lo que se le ofrece, ya que reboza dramatismo al igual que el libro de Lorca para captar con estilo propio y mucho oficio al espectador ávido de buen cine. Además, su entramado machaca al espectador con emotividad y tragedia al plasmar con mucha intención y ganas de hacer bien todo lo que se proponen. Esto se lleva a cabo con una narrativa reflexiva que expone la desesperación de los protagonistas en su desdicha y cuyos diálogos rebozan romanticismo y odio en una expresiva labor según el protagonista y su intención.
En resumen, considero La novia, una obra imprescindible y maravillosa que desborda belleza para enganchar con su desesperanza y tragedia a todos los cinéfilos exigentes tras su visionado. Por ello, es una película de lo más recordable en la que brilla su dirección, interpretaciones, fotografía, música, movimientos de cámara, vestuarios, caracterizaciones y narrativa para convertir la película en un producto magnífico y digno de ser visto por todos los amantes de los buenos dramas que estén basados en libros universales.
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Los chicos del barrio
Los chicos del barrio (1991)
  • 7,0
    7.717
  • Estados Unidos John Singleton
  • Ice Cube, Cuba Gooding Jr., Morris Chestnut, Laurence Fishburne, ...
8
Un gran drama sobre la amistad en un trasfondo violento
Los chicos del barrio, de John Singleton, es un drama social y una película de culto, que toma como base la amistad de tres amigos de raza negra que crecen en un peligroso barrio de Los Angeles, donde intentan salir adelante cada uno con sus propios proyectos. Con esta sustanciosa historia, su joven director -nominado al oscar-, logra crear un film que mantiene el interés in crescendo, ya que es un drama con mucha intención que sitúa al público en los bajos fondos de la ciudad en los años 80 y 90. Consigue con esto el cineasta, dar forma a una película de culto que se mantiene fresca e interesante aún con el paso de los años para deleite de los seguidores del género y dramas sociales que tengan miga y provocación en la realidad que exponen.
Su incitador guion, escrito por el director, muestra una trama dramática y fehaciente que expone sin pelos en la lengua la dura realidad de los bajos fondos de Los Angeles. Además, muestra detalles interesantes que te transportan directamente al momento y lugar en cuestión. Se logra con ello, atrapar al espectador con su arrebatadora historia que deja claro la violencia que en esos años se veía en los lugares mostrados. Esto se lleva a cabo con una narrativa sugestiva de cada personaje según su condición en la que predomina el tono ordinario y efusivo para dejar de forma expresiva evidencias de la clase de persona que es cada uno de ellos. Cabe señalar también, que el montaje lineal y seguido pero con saltos temporales muestra el crecimiento de los chavales desde la adolescencia hasta los comienzos de su fase adulta.
Al desgranar los detalles técnicos e interpretativos del film, nos quedamos con una fotografía lumínica y alusiva del momento y lugar que está bien cuidada en detalles sugestivos. La música es evocadora también, en una labor repleta de ritmos estimulantes que cumple acertadamente con el acompañamiento musical. Los planos y movimientos de cámara logran una labor dinámica pero bastante sobria mediante el uso de grúas, seguimiento, subjetivos, avanti y plano-contraplanos, que exprimen lo mejor de las actuaciones. Y las interpretaciones, son bastante convincentes en el caso de Ice Cube, que hila una irascible y profunda labor, Cuba Gooding Jr que trabaja en un lúcido papel de joven que quiere prosperar a través de los estudios y Morris Chestnut, cuyo personaje quiere progresar mediante el deporte. Cuenta también, con la estupenda función de Laurence Fishburne como padre inteligente que quiere llevar a su hijo (Cuba Gooding Jr) por el buen camino. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones sugerentes del tipo de personajes que se muestran en el film, en una acertada labor que junto con los decorados y exteriores te transportan in situ.
Concluyendo, considero Los chicos del barrio, un gran drama social, uno de esos que dejan gran sensación tras su visionado al entretener, emocionar y machacar al público con lo que se le ofrece. Además, es llevado a cabo con un ritmo activo y con un estilo de lo más fehaciente para satisfacción de todos aquellos que decidan visualizarla. Por tanto, es un film recomendable para toda clase de públicos, ya que sin duda verán en ella, una obra de culto que podrán ver en más de una ocasión y que no les resultará pesada por más veces que la vean. Y por si fuera poco, es uno de los pocos films que muestran con más evidencia la clase de problemas que vivían en la década de los 80 y los 90 aquellos jóvenes de raza negra de barrios conflictivos.
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Dope
Dope (2015)
  • 6,3
    3.612
  • Estados Unidos Rick Famuyiwa
  • Shameik Moore, Tony Revolori, Kiersey Clemons, Blake Anderson, ...
7
Original mezcla de géneros que da como resultado una comedia con inesperado desenlace
Dope, de Rick Famuyiwa, es una comedia basada en las andanzas de un joven de raza negra que vive en un barrio problemático de Los Angeles, y mientras intenta ingresar en la universidad realizando entrevistas, vive una inesperada aventura con dos amigos suyos con los que forma un grupo musical. Con esta trama, el director da forma a una comedia cuya clave de humor no es efectiva siempre, pero si ofrece una sonrisa durante su transcurso y un producto original que deja grata sensación tras su visionado, ya que cuando llega al final, sorprende al público con su autenticidad. Por tanto, es en definitiva una película que en principio parece seguir los pasos de cintas como Los chicos del barrio o Straight outta compton, pero que al final deja claro su desmarque hacia un cine más inusitado y menos reivindicativo.
Uno de los puntos fuertes de la cinta, es que va de menos a más y confunde en sus intenciones al espectador al sorprender a este con su desenlace y el desarrollo de su trama y personajes, dando un buen resultado que gustará a los buscadores de obras que huyen de lo convencional, aunque eso sí, el humor que pretende trasmitir no es efectivo para todos y no son demasiadas las ocasiones en las que este aparece con fuerza para sacar las risas del espectador. Por lo que considero justo, encuadrar la obra también dentro del género de drama, aunque sea light, ya que la intención de su historia no se limita solo al humor, y es efectivo también el resto de lo que ofrece.
Al desgranar el film, también son buenas las sensaciones que deja. Sus interpretaciones, de caras no muy conocidas a excepción de la de Zoë Kravitz, son buenas y cuentan con las colaboraciones de Shameik Moore, Tony Revolori, Kiersey Clemons y Blake Anderson entre otros. La fotografía es lumínica y alusiva de barrios conflictivos en una apropiada tarea. La música es evocadora también del lugar y estimulante en sus ritmos. Y los planos y movimientos de cámara consuman un trabajo técnico bastante informal a través del uso de la cámara en mano, seguimiento, subjetivos, plano-contraplanos, reconocimiento y circulares que sacan lo mejor de las interpretaciones y las correrías personaje.
En definitiva, considero Dope, una película entretenida, divertida y sobre todo bien trabajada en originalidad, que sorprenderá al público abierto a conocer nuevas experiencias fílmicas que ofrecen detalles únicos y atractivos para el espectador que busque innovadoras tramas. Por lo que, es recomendable para los que tengan la mente abierta y huyan de convencionalismos, para indagar en un cine que no es lo que parece en principio, ya que pretende sorprender con un desarrollo de personajes inesperado y un desenlace imprevisto.
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3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
El secreto de una obsesión
El secreto de una obsesión (2015)
  • 5,3
    3.469
  • Estados Unidos Billy Ray
  • Chiwetel Ejiofor, Julia Roberts, Nicole Kidman, Dean Norris, ...
5
Si has visto El secreto de sus ojos, no cometas el error de estropearla con esta
El secreto de una obsesión, de Billy Ray, es un remake de intriga de la conocida película El secreto de sus ojos que baja notablemente el listón, y cambia erróneamente algunos detalles de la versión original que cautivaron a todos aquellos que la disfrutaron. Con esta desafortunada idea, se construye el remake americano de la insuperable obra argentina que dejó a todos boquiabierto, dañando la enorme sensación que dejó la cinta original a todos aquellos que tuvimos la suerte de admirarla. Es, por tanto, un film de talla menor que no gustará a los que disfrutaron con la singular El secreto de sus ojos y que puede agradar moderadamente a los que no vieron la cinta de Juan José Campanella.
El guion, escrito por el director y adaptado de la novela de Eduardo Sacheri, intenta dar forma propia a la trama que brilló en el año 2006 con las brillantes interpretaciones de Ricardo Darín, Soledad Villamil y Guillermo Francella. Pero en esta ocasión, el director Billy Ray, marca un paso erróneo al variar ciertos detalles de la versión original en un intento de apropiarse de cierto reconocimiento, pero en lugar de eso, estropea inevitablemente el altísimo nivel que ofreció la primera cinta y no son ni por asomo igual de buenas las interpretaciones de Chiwetel Ejiofor, Julia Roberts y Nicole Kidman.
En cuanto a la cuestión técnica, la película si es algo mejor que su trama e interpretaciones. La fotografía es alusiva de cada época mostrada, logrando un portentoso trabajo repleto de detalles estéticamente apropiados para lo que ofrece el film. La música añade intriga a la cinta gracias a unos sonidos turbadores y otros insidiosos que estimulan al público y dan emotividad y melancolía en las escenas oportunas. Los planos y movimientos de cámara logran una labor estética acertada mediante el uso de los subjetivos, circulares, generales, grúas, tercera persona y planos-contraplanos que sacan lo mejor de las interpretaciones. Cabe mencionar, que al igual que la versión argentina, se utiliza en el montaje el flash back, aunque en esta ocasión los hechos en lugar de ocurrir 25 años antes transcurren 13 para situar la trama en el contexto de los atentados con la torres gemelas.
Concluyendo, considero El secreto de una obsesión, un remake poco trabajado y de menos interés y calidad para el público que la cautivadora El secreto de sus ojos, ya que ni su trama, ni su dirección, ni sus interpretaciones, ni su montaje, ni su música, ni su fotografía y aún menos su desenlace, están a la altura de aproximarse a la cinta original que tanto dio que hablar y que es sin duda, uno de los mejores thrillers dramáticos que se han construido hasta el momento. Por ello, no es recomendable para aquellos que disfrutaron de la cinta original y puede ser meramente atrayente para los que no la vieron.
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2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
El libro de la selva
El libro de la selva (2016)
  • 6,7
    25.227
  • Estados Unidos Jon Favreau
  • Animation, Neel Sethi
7
Acertado uso en la mezcla de fotografía real y ordenador
El libro de la selva, de Jon Favreau, es un remake del conocido título de Disney del mismo nombre que narra las vivencias de un niño que es criado en la selva por una manada de lobos, y debido a los peligros que genera su presencia al bienestar de estos, emprende un peligroso viaje de autodescubrimiento. Con esta conocida historia, la gran factoría Disney da forma a una nueva versión de la famosa obra que tiene tintes más dramáticos que la original para ser adaptada a la sociedad actual. Por tanto, cautiva a todos aquellos que decidan visualizarla, ya que ofrece algo nuevo que contiene una hermosa historia y una vistosa fotografía que mezcla imágenes reales con ordenador, logrando con ello dar forma a un drama hermoso y emotivo que avanza con paso firme y va dejando gran sensación tras su visionado.
En cuanto a la parte técnica de la película, cabe destacar que es lo que más atrae al público. Su fotografía, a la que ya me he referido, logra un trabajo visual fantástico que encantará a toda la familia por estar repleto de detalles sugestivos. La música es estimulante en sus arrolladoras melodías que llenan de esplendor el film gracias a un estupendo acompañamiento musical que enardece la acción. Los planos y movimientos de cámara consuman un buen trabajo técnico a través del uso de las grúas, seguimiento, reconocimiento, panorámicos, subjetivos, tercera persona y cámara en mano que exprimen lo mejor de la acción tanto real como ficticia para lograr más vistosidad si cabe.
Con todo esto, la película atrapa eficazmente al público al tomar bastante en serio su historia, (aunque sin olvidar sus detalles cómicos y sus peculiares canciones),cautivando a su paso no solo a los buscadores de películas infantiles, sino también a los que quieren aventura y emoción a partes iguales. Logra con ello Disney, dar forma a un apasionante obra que es apta para todos los públicos y digna de ser descubierta por guardar en su interior diversión, entretenimiento y emoción al servicio de todos. Además, su montaje lineal y seguido marca un ritmo activo que hace rápido su visionado y su narrativa con voz en off explicativa, es impecable y desde luego expresiva para atrapar a todos a su paso.
Resumiendo, considero El libro de la selva, un film acertado en su mezcla de imágenes reales y de ordenador que agradará visualmente a toda la familia y también por añadir buena dosis de dramatismo para atrapar al público contemporáneo, sin olvidar por supuesto, buena dosis de aventuras que desembocan en un final apasionante que mantendrá al público pegado al asiento. Es, por tanto, una obra recomendable de ver para toda la familia por atraer visual y técnicamente a todos y por tener una hermosa historia que atrapará a todos aquellos que se decidan a visualizarla.
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14 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
Julieta
Julieta (2016)
  • 6,3
    15.786
  • España Pedro Almodóvar
  • Emma Suárez, Adriana Ugarte, Daniel Grao, Inma Cuesta, ...
7
Desde Volver, lo mejor de Almodóvar
Julieta, de Pedro Almodóvar, es un drama familiar basado en una mujer que lo va dejar todo en Madrid para irse con su pareja a Portugal, pero antes de esto, se encuentra con la mejor amiga de su hija a la que no ve desde hace años y descubre cosas de ella que no sabía, y entonces decide quedarse y reconstruir en su memoria todo lo ocurrido. Con este entramado melodramático, Almodóvar vuelve a las andadas tallando una historia sustanciosa que tiene en su interior un gran trabajo con buenos giros argumentales que absorben al público y lo mantienen expectante de principio a fin. Es por tanto, una pequeña gran obra del director, que deja clara la calidad fílmica de este y que contiene un guion enrevesado muy a su estilo que deja poso tras su visionado.
En cuanto a los detalles técnicos de la película, siguen la misma línea acostumbrada de su director. La música de Alberto Iglesias, llena de sonidos intrigantes y misteriosos prácticamente la totalidad de la cinta en un acertado trabajo como era de esperar. La fotografía lumínica, te transporta eficazmente a cada época y lugar en una tarea repleta de detalles que cumple con su cometido. Los planos y movimientos de cámara son personales y dan en el clavo con el uso de la cámara en mano, circulares, plano-contraplanos, primeros y primerísimos planos, seguimiento, avanti y retroceso que exprimen lo mejor de la trama. Destaca por encima de todo, el montaje con flash-back para explicar la historia de la protagonista con su hija desde el principio, en una operación que saca en poco más de hora y media gran historia de forma lúcida.
Con esta historia basada en los relatos de Alice Munro, y que adapta hábilmente Almodóvar para su película, se logra crear una atmósfera misteriosa que va creando a cada paso que da más y más intriga familiar para satisfacción de sus incondicionales. En su trama, los años pasan como si nada, y van mostrando perfectamente al espectador el drama que vive la protagonista y los defectos de cada uno de los personajes para dar forma a una cinta que considero la mejor del director desde Volver. La narrativa utilizada para el film, es profunda y expone la desesperanza de la protagonista con algunos momentos con voz en off. Y por supuesto, mantiene en todo momento el acostumbrado estilo del cineasta manchego en sus conversaciones profundas llenas de pesimismo e insidias.
Las interpretaciones, son reflexivas en los recuerdos que muestran y desde luego son acertadas en la intención que quiere trasmitir el director. Cuenta en esta ocasión con Emma Suárez, que trabaja con calado psicológico en un atormentado personaje y Adriana Ugarte que está notable y cumple ampliamente con su cometido. También las colaboraciones de Daniel Grao, Inma Cuesta, Darío Grandinetti y Rossy de Palma aportan lo suyo a la película. En todos estos, se nota la mano interpretativa que quiere Pedro Almodóvar para sus films, ya que dan en todo momento la sensación de dar forma a un gran melodrama con tormentos familiares y lazos rotos que son difíciles de arreglar.
En conclusión, considero Julieta, un film bello y con mucha intención de calar en el espectador con el inconfundible estilo de drama habitual de Almodóvar en sus relaciones familiares rotas que dejan a su público incondicional, con la grata sensación de haber visto una buena película, de las mejores de este en sus últimos años. Es, por tanto, recomendable para todos los espectadores que admiren al cineasta manchego, ya que en la cinta brilla la dirección, el guion, las actuaciones, la música, los movimientos de cámara y la narrativa para satisfacción de todos aquellos que se aventuren a descubrirla y que ya hayan sido cautivados anteriormente por otros films del inconfundible director.
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4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil