La película inicia como un "coming of age drama" convencional, repleto de referencias nostálgicas a los años 90, pero luego va cogiendo vuelo poco a poco, a medida que la obra cobra densidad dramática y empieza a deslizarse el comentario social, y muy especialmente cuando la historia pasa a centrarse en la relación entre la niña protagonista y su madre.

Así, acompañamos a Celia en una búsqueda imposible de unos parámetros que le permitan comprender el mundo que la rodea, y por ende su lugar en ese mundo. Todo ello en una época y en un país en que ser —o hacerse— mujer significaba vivir en medio de un cruce de contradicciones, con diferentes visiones en pugna sobre cómo debían comportarse, qué se esperaba de ellas, qué enseñanzas debían transmitir... con esas contradicciones a veces conviviendo dentro de la misma persona, como refleja extraordinariamente bien la película.

Durante el desarrollo de la historia vamos conectando más y más con la niña —una Andrea Fandós cuya mirada nos recuerda la de Ana Torrent, en una interpretación fantástica al igual que la de su madre en la ficción, Natalia de Molina— hasta un final catártico que cierra el círculo de forma sensacional, con nuestra protagonista encontrando al fin su voz.

Vengo —como todos aquí— a contar lo que he visto: al término de la proyección a la que asistí, el director, Lois Patiño, subió al escenario para dar al público algunas claves sobre su "Lúa vermella". Lo cierto es que, para tratarse de una película tan mesmérica y misteriosa, Lois no parecía tener intención de guardarse secreto alguno sobre su obra: más bien se le veía deseoso de dar toda la información posible que pudiera ayudar a contextualizala y entenderla. Bien es cierto que era necesario: la historia, que presenta muy difusamente —no hay estructura narrativa aquí, ni falta que hace— es muy idiosincrásica de la tradición y cultura de Galicia: meigas, fantasmas de marineros desaparecidos, la Santa Compaña... pueblan su película.

En todo caso, a Lois hay que reconocerle la valentía y la honestidad de exponerse de ese modo, defendiendo la obra de la que, más que en otros casos, él como director y autor es el máximo responsable, y así se escenificó... se le veía un poco solo allí arriba.

El director se presentó sin embargo bien armado de toda una batería de recursos teóricos que justifican lo que se vio en la pantalla: estudio de las distintas facetas o capas del concepto de tiempo (tiempo histórico frente a tiempo del mito, por ejemplo), investigaciones de carácter antropológico, reflexiones sobre los mecanismos propios de la narración oral (las leyendas admiten contradicciones)...

La película —que va un paso más allá de "Costa da morte", su primer largo, con la introducción del elemento fantástico—, es sobre todo un esfuerzo por obtener una atmósfera, un "mood", en lo que tiene su parte tanto el deslumbrante aparato visual como la duración de las tomas, produciendo en el espectador la sensación de que el tiempo se ha suspendido, se ha detenido, y trasladándonos así, de hecho, a unas coordenadas distintas.

Y así y todo me pareció que, a fin de cuentas, quizá no había mucho que la película de verdad quisiera contarnos, que tenía mucho de ejercicio formal sin sustancia, pero esa es solo mi visión de las cosas: soy de los que piensan que esa atmósfera debería venir como última consecuencia de lo que el autor comunica a lo largo del metraje, es decir, no debería ser un fin en sí mismo.

Por mi parte, no hay mucho más que contar. Me parece que, como ya ha hecho Lois el trabajo de observar y explicar su obra, tiene poco sentido que me siga extendiendo yo aquí con mi opinión.

Coges las escenas más triviales de La lista de Schindler y llenas una película con ellas, vulgarizándolas todavía más, y te sale Persian Lessons. Antes de ella ya estuvieron La vida es bella o mucho más recientemente Jojo Rabbit, que van mucho más allá que esta, así que no hay motivo para alarmarse. No se pueden buscar aquí pretensiones de rigor histórico, ni siquiera que las situaciones sean demasiado creíbles –más zancadillas entre la chiquillada de las SS que en los pasillos de un instituto–, y los subrayados son de trazo grueso, pero la película es completamente absorbente y divertida. Material muy dudoso que me encanta.

Muy muy recomendable este documental en el que Marcelo Ndong nos cuenta en primera persona los avatares de una vida artística que le llevó, desde su Guinea Ecuatorial natal, a recorrer el mundo con el Circo de los Muchachos de Benposta o a convertirse en un querido mimo en la calles de Santiago, para luego volver a su país natal y ser allí un importante dinamizador cultural. Su vida es un punto de conexión entre dos culturas, la española y la ecuatoguineana, que apenas se tocan. Una de esas obras con capacidad de ampliar horizontes.

Este biopic sobre el pintor naïf Antonio Ligabue trata de huir, sin conseguirlo del todo, de la fórmula del tributo a la genialidad del artista. En esas huidas es donde está lo mejor de la película, donde encontramos a la persona detrás del personaje, con su muy particular evolución: un esfuerzo continuado (aunque finalmente interrumpido) de Antonio por alcanzar la misma vulgaridad terrenal que todos los demás, dejando atrás su genuina conexión con la esencia de las cosas. Retrata muy bien cómo la sociedad abomina de lo diferente y aplasta cualquier sensibilidad que se aleje del mínimo común denominador. Y Elio Germano resulta de lo más convincente a pesar de la diferencia de edad con el personaje, y eso es importante en una obra en la que el trabajo recae sobre todo en el actor protagonista y su director.