Una ciudad. Una devastadora explosión. Un grupo de jóvenes motoristas recorren las calles teñidas por los neones de la renovada urbe, tratando de evadir su opresión.

Así da comienzo uno de los episodios más fascinantes que han dado a luz las historietas niponas, una vuelta de tuerca a la por entonces creciente proliferación de la ciencia ficción y la estética cyberpunk, de mano un Katsuhiro Otomo que daba las primeras pinceladas a su extravagente sentido de ver las cosas. Si bien el manga de Akira dispone de un desarrollo más elaborado y mejor calculado, esta adaptación a la gran pantalla, llevada a cabo por el mismo autor, incluye sin embargo otra serie de virtudes que no posee sobre el papel.

La primera de ellas es la increíble puesta en escena, que desde los primeros compases nos absorbe y envía a esa idílica, aunque caótica a su vez, Neo-Tokyo. Gran parte de la culpa la tiene el soberbio trabajo de animación que tiene detrás el film, que durante mucho tiempo fue el más caro que se había realizado. Ese trabajo artesanal que recrea con todo lujo de detalles la ambientación nacida en el manga, no ha sido superado en muchos aspectos a día de hoy, donde las técnicas han pasado a acabados digitales que no lucen con la misma majestuosidad que lo hace una obra con tanto cuidado como ésta y que desató semejante influencia posterior.

La segunda virtud es por supuesto su banda sonora, en la que el maestro Shoji Yamashiro introdujo elementos tribales que aumentan el grado de epicidad y perfecta armonía. A su vez los efectos sonoros son de lo más puntero para la época, utilizando además modernas técnicas de doblaje pre-animación.

El argumento suele ser la parte que desata mayor controversia, pero no contiene nada que escape a la imaginación, ya que por supuesto estamos hablando de ciencia ficción, por lo tanto no requiere veracidad o comprobación empírica. La gente suele malinterpretar el contenido de la película, que no tiene gran complejidad si se presta atención, y se tiende a emplear el término "confusión" en lugar de "ambigüedad".

La historia de Kaneda, Tetsuo y compañía tiene ligeras diferencias en su versión animada respecto al manga original, pero de ningún modo empeora la experiencia, puesto que no estaban terminados todos los tomos cuando se hizo la película, así que perfectamente puede interpretarse como una versión alternativa de la historia.

Para mí siempre será una obra muy especial. Supuso el desembarco progresivo del manga en el mundo occidental y un ejemplar a seguir dentro de la animación japonesa. Su enfoque adulto, su violencia, su peculiar visión de la ciencia, el progeso evolutivo, la guerra y todos sus valores humanos, hacen que deba ser recordada como creación maestra imperecedera.

J.J. Abrams nos trae la segunda entrega de este reinicio de las andanzas del Enterprise, ahora con mayor presupuesto y manteniendo casi intacto el equipo de la primera. Bajo mi punto de vista el resultado ha sido bastante bueno, me ha gustado más que la anterior, y con eso es suficiente para que me haya merecido la pena ir a verla al cine.

Al ser una secuela ya no se necesitan demasiadas presentaciones, aquí se va al grano desde el primer minuto, y eso el ritmo lo agradece. También gana en cuanto a situaciones, hay más movimiento, es más aventurera en general aunque mantiene bien el equilibrio de escenas de acción. Y podemos además decir que es ligeramente más fiel a sus orígenes, aquí no tenemos paseos en moto ni romances que acaparen minutos de metraje, es ciencia ficción pura y directa.

Las nuevas incorporaciones son otro de los puntos a favor, pues los personajes de Benedict Cumberbatch, Alice Eve y Peter Weller son de lo mejor de la película, especialmente en el caso del primero. Para ser sincero, Chris Pine no me agrada, aunque no lo hace mal pero pienso que el Capitán Kirk se merecía algo mejor, y Zachary Quinto cumple bien pero tampoco me convence, encaja casi mejor el resto de la tripulación.

No me olvido tampoco del trabajo de Michael Giacchino, pues la banda sonora destaca aún más que en Star Trek (2009), donde ya hizo un excelente trabajo, y eso que buena parte de los motivos melódicos provienen de ésta. Y lo mismo para la fotografía y los efectos especiales.

Es una lástima que posiblemente ya no dirija la siguiente, ahora que ha conseguido para la saga un estilo más propio de la maravillosa "The Wrath of Khan", pero estoy convencido de que puede hacer un buen trabajo del mismo modo con el Episodio VII de Star Wars.

Tras la notable adaptación de Christophe Gans basada en la primera entrega de la saga, llega esta segunda parte que se sirve de los hechos de Silent Hill 3, el título que continuaba con lo iniciado por Harry Mason. A pesar de ser una secuela más o menos directa, antes de nada hay que tener en cuenta que el mayor vínculo entre todo su universo es el pueblo, los personajes no son más que el vehículo que desata los acontecimientos.

Si valoramos esta película como cinta de terror quizás sea cierto que no es destacable, pero la verdad es que como adaptación es tremendamente fiel. Prácticamente todas y cada una de las estancias que conforman el desarrollo del juego están aquí representadas, así como cada uno de los personajes con sus nombres y roles respectivos, y por supuesto las piezas del gran Akira Yamaoka, que son buena parte de la esencia del medio original.

Por lo tanto a nivel audiovisual cumple con creces, entonces ¿en qué puede fallar para que esté tan mal valorada? Pues parece que en el guión, pero debo decir a su favor que no solo la trama del tercer videojuego no daba para mucho más -en ese sentido no es de los mejores- sino que nunca han tenido historias precisamente fáciles de entender. Partiendo de eso, y sin querer justificar lo atropellado de los actos, sería injusto decir que está mal resuelto, porque aun con la superficialidad con la que está tratada y las lagunas que pueda presentar, da una visión acertada de la ya de por sí ambigua narración de la que parte.

Así pues, estamos de acuerdo en que no llega al nivel de la primera película y que han descuidado bastante los efectos digitales (el maquillaje en cambio es excelente), pero por Dios, en líneas generales está bien y se puede disfrutar, me parece delito rebajarla a la altura de los abortos de Uwe Boll o las últimas partes live-action de la otra gran franquicia de los survival horror: Resident Evil. Tiene fallos, pero también su buen hacer.

Tras su segunda incursión en la saga de Michael Myers, el músico de metal Robert Barleth Cummings (aka Rob Zombie) anunció la que sería su siguiente película, abordando esta vez la brujería como tema principal. The Lords of Salem fue proyectada en la pasada edición del Festival de Sitges, donde recibió críticas de todo tipo, aunque al parecer las que predominaban eran las negativas. A pesar de todo, mi interés se ha mantenido intacto y la he visto en cuanto he tenido la oportunidad.

La película lo cierto es que no es fácil de digerir, a veces parece que no se dirige a ninguna parte, por lo que resulta tan fácil amarla como odiarla. Y esto ocurre porque tenemos una vez más al director de La casa de los 1000 cadáveres o Halloween II (H2), el Rob más desatado, el que cuenta las cosas a su manera al precio que sea.

A mí sinceramente me ha gustado, aunque no es tampoco ninguna maravilla entra dentro de lo que esperaba de él, pero quizás porque respeto su estilo. Soy consciente de que eso provoca que sea menos correcto que en sus obras más célebres, como es el caso de Los renegados del diablo, pero también lo convierte en un director distinto al resto, y eso hoy en día es casi más valioso que mantener unos estándares de calidad.

Todo gira en torno a una misteriosa grabación en vinilo que llega a la emisora en la que trabaja Heidi LaRoq, la protagonista que encarna Sheri Moon, la recurrente mujer del cantante. Así pues, como era de esperar, el componente musical juega un papel importante, siendo uno de los mayores aciertos de la película. El resto recae sobre los aquelarres y rituales satánicos de rigor, aunque con un tratamiento algo excéntrico e incluso surrealista de las escenas, que es digamos lo que tiene de especial.

En definitiva, una "rara avis" dentro del terror actual que no destacará ni se convertirá en lo más recordado de su filmografía, pero que se agradece por lo atrevido de la propuesta y sus extrañas simbologías e imágenes. No se la recomiendo a todo el mundo porque no es para todo el mundo, pero quizás mi opinión os oriente un poco.

Cuando alguien pronuncia el término "Alien", inmediatamente pensamos en ficticios seres ajenos al planeta Tierra que en el mayor de los casos representarían un peligro para la humanidad de existir tal y como los imaginamos. De hecho hubo una época obsesiva en la que el cine estaba plagado por relatos paranormales de hipotéticas invasiones en las que estos seres cuestionaban la hegemonía del hombre gracias a sus efectivos avances futuristas.

Todo esto llegó a un punto de inflexión cuando Ridley Scott ideó junto al diseñador suizo Hans Rudolf Giger el prototipo definitivo que grabaría en las retinas de los cinéfilos la hipnótica apariencia de la criatura más terrorífica, fascinante y ejemplar que ha pasado por la gran pantalla. El perfecto depredador con un infalible sistema reproductivo, mandíbula retráctil, imaginería sexual y un comportamiento sobrenatural; nuestro amigo el xenomorfo.

Alien, el octavo pasajero es un prodigio de la ciencia ficción, el terror, la fenomenología, la biología y además una película de culto que nadie debería evitar, nadie. Jamás se debería poseer tal grado de estulticia que lleve a juzgarla como simple cinta de "bicho asesino" para el entretenimiento. Muestra de ello es la paciencia, el pulso de cada plano y de cada escena para mantener la tensión potenciando lo minimalista, la sutileza con la que se sucede cada imágen y cada efecto sonoro.

Dan O'Bannon se ocupó de dar forma a un guión colosal drenando de los pasajes oníricos de las obras de Joshep Conrad, introduciéndonos en los hechos que vagan por los oscuros pasillos lovecraftianos de la nave Nostromo al ritmo magistral de cámara y partitura, a cargo en este caso del talento de Jerry Goldsmith.

A todo esto sumamos un trabajadísimo rol de los personajes con un reparto exquisito, destacando los impecables John Hurt, Tom Skerrit y por supuesto Sigourney Weaver, heroína por excelencia. Incluso el gato Jonesy actúa espectacularmente, debería haber contado como tripulante. La escenografía y atmósfera no tienen rival, es imposible no rendirse ante semejante magnificencia, ya que ni la lobotomía puede evitar que sus estancias nos sobrecojan y produzcan escalofríos.

Alien es una película que se introduce en lo más insondable de nuestros temores, sus escenas nos sugieren respeto y aún a día de hoy mantiene fresca su visión del futuro sin un ápice de envejecimiento, ni siquiera técnico. De vez en cuando está bien volverse a impregnar con su terror psicológico, y si no se ha hecho nunca, al menos tenerlo en cuenta.

El único film a la que le daría un 11 si lo hubiera. Aplastante obra maestra.